Musikalisch bleibt das Duo seinem schwer kategorisierbaren Stil, der in der Vergangenheit nicht ganz zu Unrecht Vergleiche mit Folk ebenso mit Hiphop nach sich gezogen hatte, treu: “Little Death Wishes” verbindet rohe Emotion mit kunstvoller Theatralik, greift auf zahlreiche Zitate aus den Annalen der Popkultur zurück und verarbeitet diese zu einer sowohl melancholischen als auch bisweilen treibenden Mixtur. Mit Stücken wie “Wait For Me” (mit Greg Saunier an den Percussions) oder “Girl in Town” (mit Gastvocals von Chance the Rapper) gelingt ihnen erneut der Spagat zwischen Intimität und expressiver Kraft. Zur Veröffentlichung des Albums geht das Duo auf Tour und macht dabei auch in mehreren deutschen Städten Halt, darunter zweimal Berlin, Nürnberg, Köln, München und Frankfurt. Die Tourdaten finden sich auf der unten verlinkten Bandcampseite.

werden einige Mitglieder der ersten Jahre dabei sein, so Julia Kent (Cello), Maxim Moston (Violine), Johanna Constantine (Tanz) und Doug Wieselman (verschiedene Instrumente). Auf dem Programm stehen u.a. Auftritte auf größeren Festivals, im deutschsprachigen Raum wird es am 9. Juli ein Konzert in der Berliner Zitadelle Spandau geben, das open air im Rahmen des Citadel Musique Festivals stattfinden wird.

13.06. – Athen Epidaurus Festival – Acropolis Theatre
15.06. – Ravenna Festival
18.06. – Madrid Botanical Garden Show
20.06. – San Sebastián Kursaal
26 u. 27.06. – Paris Philharmonie
01 u. 02.07. – London Barbican
06.07. – Gent Jazz Festival
09.07. – Berlin Zitadelle Spandau (Am Juliusturm 13599 Berlin)
12 u. 13.07. – Copenhagen DK Hall

On her first full album since 2016’s HOPELESSNESS, she explains the creative process was painstaking, yet also inspired, joyful, and intimate, a renewal and a renaming of her response to the world as she sees it. “Some of these songs respond to global and environmental concerns first voiced in popular music over 50 years ago.” (Secretly Canadian / Rough Trade)

“It Must Change”, die erste Single aus dem Album, ist gerade erschienen.

@ Bandcamp / @ Rough Trade

Dass Antonys Stil, sein Gesang und die Wahl seiner Themen und Mitmusiker stets dem Wandel unterlag und auch sein typischer Stil irgendwo zwischen balladesker amerikanischer Popmusik und dem romantischen Kunstlied keineswegs immer gleich klang, tröstet nur wenig über das Ende der Formation hinweg. Das heißt nicht, dass man deshalb Vorbehalte gegenüber seinem neuen Projekt, geschweige denn gegenüber seinem neuen persönlichen Selbstverständnis haben muss. Mit der musikalischen Seite seiner neuen Persona werden die vielleicht am schnellsten warm, denen die Zusammenarbeit mit Herkules And Love Affair gefallen hat.

Aus dem Sänger Antony, der von Freunden wohl schon länger als „she“ angesprochen wurde, wurde nun endgültig die Sängerin Anohni, und auch wenn der musikalische Wandel damit nicht direkt zusammenhängt, unterstreicht dieser umso mehr den Wendepunkt, das Zurücklassen von Altem. „Hopelessness“ ist ein druckvolles, elektronisches Album, das – so Anohni – musikalisch wie inhaltlich Zähne zeigen will und mit dem House-Electro von Herkules And Love Affair nur grob das Genre gemeinsam hat. Unter den Händen von Hudson Mohawke und Oneohtrix Point Never entstand eine geschliffene Producermusik, die klirrend klar und detailverliebt ist, und dennoch über starke Perkussion und enorme Bässe eine Monumentalität bekommt, die z.T. an These New Puritans erinnert.

Die Inhalte von „Hopelessness“ wurden medial schon ausgiebig durchgekaut: Anohnis Texte sind eine schonungslose Kampfansage an alle „imperialistischen“ Raubzüge der modernen Gesellschaft und vor allem des amerikanische geprägten Westens und die zwingenden Kollateralschäden an Mensch und Natur – ein Thema, dass im Kontext ihrer früheren Arbeiten, also seit „The Crying Light”, durchaus einen Schwerpunkt bildete, doch an die Stelle eines wehmütigen Trauerns ob der modernen Entfremdungstendenzen tritt ein unverblümtes Klartextreden, etwas kraftvoll Kämpferisches, wie man es bei den Johnsons selten – am ehesten vielleicht im rituellen „Shake That Devil – zu hören bekam. Und es geht hier mehr denn je um das große politische Panorama und weniger um subjektives Befinden.

Das auf einem spirituellen Einheitsverständnis mit der Natur aufbauende Anklagen ökologischer Missstände, bei Antony noch ein freundliches und recht allgemein gehaltenes Plädieren für eine wiedererwachte Liebe zur Mutter Erde, gestaltet sich bei Anohni konkret und unmissverständlich: „4 Degrees”, hier der Opener und in der Schlussphase der Johnsons schon Teil des Konzert-Repertoirs, wurde extra für den letztjährigen Klimagipfel in Paris geschrieben und kulminiert – nach einem ironischen Spiel mit den lächerlich klingenden 4 Grad Celsius, die sich die Erde „nur” erwärmen soll – in einer bitteren, von pochenden Beats und theatralischen Synthies vorangetriebenen Selbstanklage: Wir alle haben an der Verwüstung mitgearbeitet und somit unser Recht, die Augen zu verschließen, verwirkt – ein Pessimismus, der sich, ganz im Einklang mit dem Titel, wie ein roter Faden durch das ganze Album ziehen wird. Im Titelsong wird Anohni auf diese Involviertheit aller und die Absage an die selbstgerechte Illusion einer erhabenen Außenperspektive zurückkommen. Ein Stück wie das apokalyptische „Why Did You Separate Me from the Earth?“ erinnent vom Titel her noch etwas stärker an die milderen Reflexionen zu Zeiten der Johnsons, doch auch dieser Friede ist trügerisch.

Angesichts grauenhafter Populisten, die derzeit die Riege der sogenannten Klimaskeptiker mitprägen, ist der Auftakt erfrischend, auch bei aller Einfachheit seiner Botschaft. Ein ebenso zentrales, eventuell kontroverseres Thema, ist Anohnis Abrechnung mit Aspekten amerikanischer Außenpolitik und mit allem, was man einmal unter dem Schlagwort des „war on terror“ zu fassen suchte. Herausragend an der Stelle die zwischen Ambient und gebrochenen elektronischen Rhythmen changierenden Tracks „Obama“, „Crisis“ und das als Single ausgekoppelte „Drone Bomb Me“.

Man muss Anohni nicht, wie jüngst im Freitag geschehen, Antiamerikanismus und Betroffenheitsporno unterstellen. Die Kritik an der Todesstrafe in „Execution“ zieht einen deutlichen Vergleich mit nichtwestlichen Ländern, und ihre Abrechnung mit Obama, nach welchem sich gewiss viele, die ihn zurecht kritisieren, irgendwann zu zurücksehnen werden, ist sicher auch und v.a. eine Abrechnung mit eigenen enttäuschten Illusionen. Unheilvolle Samples und an den Nerven zerrende Rhythmen lassen keinen Zweifel daran, dass durch das Zunehmen geheimdienstlicher Überwachung (dazu noch eindringlicheres in „Watch Me“) und juristisch nicht legitimierter Tötung durch Drohnen naive Hoffnung zur titelgebenden Hoffnungslosigkeit wurde. Der Rolle amerikanischer Politik in Konflikten des Nahen und Mittleren Ostens sind zwei weitere Highlights gewidmet. „Crisis“ rechtfertigt sicher keinen jihadistischen Terror, in dem dieser auch als Folge westlicher Machtpolitik (zentrales Schlagwort Guantanamo) erklärt und das Fazit gezogen wird, dass man Opfer und Schuld nicht gegeneinander aufrechnen kann. Dass der Song streckenweise nach gängigen journalistischen Kommentaren klingt, kann man ihm freilich vorhalten.

„Drone Bomb Me“ greift das Motiv der Schuld aus „4 Degrees“ wieder auf, doch der Schuldkomplex des afghanischen Mädchens, dass seine Familie bei einem Drohnenangriff verlor und sich in einem eindringlichen Monolog für sein Überleben anklagt und den eigenen Tod ersehnt, trägt schwer an seiner bitteren Ironie, die durch den tanzbaren Upbeat noch verstärkt wird. Der Verzicht auf allzu catchy Ohrwurmqualität und die Performance einer in Tränen aufgelösten Naomi Campbell im Video wirken der spielerischen Rhetorik entgegen und hinterlassen einen flauen Eindruck. Irritierend und zugleich erfrischend ist auch die leidenschaftliche Wut, mit der Anohni zur Sache geht. Man mag sich fragen, wie das bei einer derart finsteren Bestandsaufnahme der Weltlage noch möglich ist, aber man kann es freilich auch genau andersherum betrachten – es gibt nichts zu verlieren und somit muss nichts und niemand geschont bleiben. Aber wer weiß, vielleicht schärft ja gerade das Vorrechnen der Ausweglosigkeit den Blick des einen oder anderen für subtile Wege zum Licht am Ende des Tunnels, und sei es nur im Kleinen.

Anohnis Debüt wird gerade in allen nennenswerten Kulturmedien gefeiert und gilt schon jetzt als eine der popkulturellen Sternstunden des noch jungen Jahres – nicht nur in musikalischer, sondern auch in gesellschaftskritischer Hinsicht. Spätestens mit dem Auftritt Campbells meldet sich zwangsläufig der von allerhand kritischen Theorien verkorkste Spielverderber und stellt den erwartbaren Fragenkatalog: Wie konnte man das (nach der Logik des Modebusiness natürlich etwas in die Jahre gekommene) Supermodel für ihren Auftritt bezahlen, oder hat sie tatsächlich aus Idealismus auf eine große Gage verzichtet? Anohni ist nach wie vor bei einem Indie-Label unter Vertrag. Steht das Eingebettetsein in die Welt des großen Kulturbusiness, trotz Oscar-Verzicht, nicht im Widerspruch zum kritischen Anspruch, der somit als Heuchelei entlarvt wird? Oder ist Anohnis perfekt vermarktbare Weltstandpauke gerade aufgrund ihrer trendy Gewandung und ihrer Tauglichkeit zum Hype der perfekt subversive Sand im Getriebe der materialistischen Maschinerie, die auch die Triebfeder all der apostrophierten Missstände ist? Ganz kann man solche Fragen wohl nie beantworten, aber weil mir ein schales “sowohl als auch” zu öde erscheint, entscheide ich mich spontan für die zweite, quasi “postmoderne” Variante – vielleicht weil ich in diesen Dingen ein unverbesserlicher Optimist bin und dem niederschmetternden Pessimismus Anohnis jeden Erfolg wünsche und zutraue. (U.S.)

Label: Secretly Canadian/Rough Trade

Fasst man dies sehr weit, so findet man Ansätze dieser Art nicht nur beim knochentrockenen Trivialfeminismus, der die entsprechenden Eigenschaften ohnehin meist allzu moralingesäuert „den Männern“ und „den Frauen“ zuweist. Einen Hang zum Androgynen und eine Wertschätzung des Weiblichen als Antidot zu Militanz und Strebertum und einem allzu einseitigen Schwerpunkt auf dem Rationalen – das findet sich in der modernen Gegenkultur bereits in Zeiten von Décadence und Jugendstil, zieht sich über einige Schulen der Psychoanalyse durch das gesamte 20. Jahrhundert. Immer wieder auf den Tisch kommt die stets kontrovers diskutierte These matriarchaler Kulturen in frühgeschichtlicher Zeit. Nicht selten ist die Rede vom weiblichen Prinzip naturmystisch eingefärbt, und da bei den akademischen Konstrukteuren der offiziellen Kulturgeschichte nach wie vor entmystifizierende Diskurskritik hip ist, bildete sich in weniger offiziellen Bereichen der Kultur längst eine fast entgegengesetzte Art von Genderbewusstsein heraus, bei dem pagane Naturnähe und ein Hochhalten des Weiblichen Hand in Hand gehen.

Im musikalischen Bereich hat sich seit Dekaden eine Tradition herausgebildet, die mit populären Vorstellungen von Queerness nur wenig zu tun hat, man denke allem voran an die Moon Music von Coil oder an die immer noch als Geheimtipp gehandelte Verbindung von Musik und Malerei bei Val Denham. Antony and the Johnsons sind eine der Bands, die aufgrund ihrer Popularität vielleicht am meisten Gehör mit solchen Ideen finden. In Antonys Lyrics haben sich Leitmotive wie geschlechtliche Identität, Spiritualität und ökologisches Bewusstsein zuletzt immer mehr zu einem stimmigen Mosaik zusammengefügt.

In diesem Sinne ist das im letzten Jahr in Kopenhagen aufgenommene Album „Cut The World“, Antonys erste Live-CD seit der Split „Live at St. Olave’s Church“ mit Current 93, nicht nur ein klanglich hervorragendes Dokument, sondern auch ein kleines Manifest, dass die Botschaft der Gruppe recht präzise auf den Punkt bringt. Und das ist jetzt keineswegs eine übereifrige Auslegung von Texten und Gesten, denn im Zentrum der Aufnahme steht eine rund siebenminütige Ansprache, hier als „Future Feminism“ betitelt, bei der Hegarty seine Sicht in klaren Worten ausdrückt: Gegen eine monotheistische Himmelsreligion, deren drei Ausprägungen er für soziale Katastrophen und den ökologischen Kollaps unseres Planeten verantwortlich macht, bricht der katholisch erzogene Antony, längst auf Eigeninitiative „enttauft“, die Lanze für eine feminin konnotierte Erdverbundenheit, wünscht sich einen Switch hin zu einer Feminisierung von Religion und Politik und fordert den Mut ein, mentalitätsgeschichtlich gegen den Strom zu schwimmen. Er selbst macht es zweifelsohne schon an Ort und Stelle vor, mögen seine Symbole (Wasserquellen als Menstruation der Mutter Erde etc.) außer Kontext auch etwas angestaubt und seine Direktheit etwas didaktisch wirken.

Im eröffnenden Titelsong, Teil eines Musikdramas, dass Antony gerade zusammen mit Marina Abramovic und Robert Wilson auf die Bühne bringt, ist sehr viel von diesem Umkehrgedanken enthalten. Antony gibt nicht viel auf die bestehenden Verhältnisse, und schwere, angstbesetzte Erinnerungen kommen zu Wort: „My heart is a record of dangerous scenes“. Und doch ist das Stück von einer fast euphorischen Aufbruchstimmung durchdrungen, von der Hoffnung auf einen klaren Schnitt hin zu einem neuen Menschen. Das feinfühlige Spiel des Danish National Chamber Orchestra legt dazu ein dichtes Fundament. Der Rest der an zwei aufeinanderfolgenden Konzertabenden gespielten Stücke stammen aus sämtlichen Werkphasen, und alle fügen sich im Nachhinein in das stimmige Konzept ein. Da wäre „Another World“, wo das Loslassen und die Suche als hoffnungsfroher Aufbruch besungen werden – verbildlicht mit der Lichtmetapher, die bei „The Crying Light“ und beim elegischen „Swanlights“ eine deutlich mystische Komponente erhält. Die Abwesenheit des Lichts kommt im düsteren „Twilight“ zur Sprache, wenngleich ich das Ausbleiben des eruptiven Höhepunktes bedauere, der den Song ursprünglich zu dem machte, was ein sonst eher trocken formulierender Autor einmal voller Pathos die Axt für das gefrorene Meer nannte.

Das von Nico Muhly und den langjährigen Johnsons-Musikern Rob Moose und Maxim Moston dirigierte Orchester beweist sein Können auch gerade da, wo es sich zurückzunehmen versteht, was u.a. bei den leichtfüßigeren Stücken wie „Epilepsy Is Dancing“ und dem beschwingt verliebten „Kiss My Name“ gelingt, erst recht bei „I Fell In Love With A Dead Boy“, bei dem Streicher und Bläser, ganz anders als in der behutsameren Pianoversion, zu euphorischen Höhen auffahren um sich anschließend in feierlicher Stille zurücknehmen.

Wenngleich „Cut the World“ auch ein Querschnitt durch das Schaffen der Johnsons ist, ist es doch mehr ein Konzeptalbum als eine Compilation. Deutlich zelebriert die Band hier den Schnitt und den Neubeginn – auf eine Art, die man hier und da als predigend empfinden mag, aber bei Antony nimmt man das auch mal in Kauf. Eventuell ist all dies auch biografisch gemeint. Wie immer es mit Antony und seinen Musikern künftig weitergehen wird, werden sie das aktuelle Jahrzehnt sicher noch ebenso mitprägen wie das letzte.

Label: Rough Trade

Zum Beispiel das Drosseln der eruptiven Song-Höhepunkte bei neueren Aufnahmen, was bei den letzten Konzerten sogar ein ursprünglich so emphatischer Song wie “Twilight” zu spüren bekam – als könnte man dem mittlerweile so großen Publikum ein bisschen eigenwilliges Pathos nicht mehr zumuten. Schließlich bekam die Fangemeinde durch die recht standardisierten Orchestersounds unter der Leitung von Nico Muhly genug Eingängiges serviert. Und überhaupt, könnte man sich nach Grönemeyer-Duett und Beyoncé-Cover, nach Prada und Lavazza eigentlich noch jemanden wie Baby Dee im Line-up der Band vorstellen? Oder den Gastauftritt eines gewissen David Michael, den der Sänger pflichtbewusst lobt, falls ihn denn noch mal jemand nach ihm fragt? Und warum wurde eigentlich “The Snow Abides”, Antonys Zusammenarbeit mit Michael Cashmore, die doch recht nah am Sound der Johnsons war, nicht etwas ausgiebiger beworben?

Zweifelsohne, Antony verdient seinen Erfolg, und nichts ist diesem Magazin fremder als subkultureller Purismus. Seit Antonys Name jedoch in aller Munde ist, skandieren diejenigen ihn am lautesten, denen die ursprünglichen Kontexte seiner Musik am Fremdesten sind. Meines Erachtens stehen aber gerade ihre Spuren immer noch symbolisch für vieles, was ihn aus dem großen Indie-Allerlei heraushebt, in dem viele seine Musik heute rubrizieren. Es wäre schade, wenn das immer mehr aus dem Fanbewusstsein verschwinden würde.

Zur Einstimmung auf das für Oktober angekündigte Album „Swanlights“ wurde jüngst die vorliegende EP veröffentlicht. Der Opener und Titelsong knüpft ein wenig an „Fistful of Love“ vom zweiten Album an – eine im Midtempo vorgebrachte Verneigung vor den klassischen Tagen des Soul, in denen Künstler wie James Brown das Genre bis in unsere Zeit neu definierten, und zugleich eine so herzliche wie nachdrückliche lyrische Liebeserklärung, deren Adressat wie bei so vielen Songs von Antony offen bleibt. “You Are the Treasure” zielt in die gleiche Kerbe, ohne allerdings mit der ansteckenden Euphorie des Openers mithalten zu können. Der eigentliche Höhepunkt findet sich aber in der Mitte der kleinen Veröffentlichung: “My Lord My Love” mit seiner schönen Gesangsmelodie und seinen auf viel Hall gestimmten Pianoparts erinnert an ältere Tage, war wohl auch ein Bonustrack bei einer besonderen Auflage des letzten Albums. Streicher wie Julia Kent und Maxim Moston tragen dazu bei, die Geborgenheit fühlen zu lassen, die hier gefeiert wird. Gegen Ende spürt man sogar ein wenig von der alten Exaltiertheit, nur ganz knapp angedeutet, so wie der ganze Song den Eindruck macht, nur einen Teil von dem zu offenbaren, was er in sich birgt.

Schon bei der letzten EP „Another World“ schienen die Songs um den Mittelteil zentriert zu sein. Damals bildete der Bluesrocksong „Shake That Devil“ den Höhepunkt und fiel gleichsam aus der ansonsten recht homogenen Soundgestaltung heraus. Diesmal trennt sozusagen ein Stück klassischer Johnsons-Kammermusik den einleitenden Soulpart von einem gitarrenorientierten Schlussteil, bestehend aus zwei recht originalgetreuen Coverversionen.

Bei der minimalistischen Interpretation von Bob Dylans “Pressing On” dachte ich, dass Antony schon enthusiastischere Coverversionen aufgenommen hatte, und dass klassischer Akustikfolk nicht unbedingt seine größte Stärke ist. Das Stück ist mit Vibraphon und punktuell eingesetzten Choreffekten ein netter Torch Song, der aber auch nicht zu den eindringlichsten Momenten der Band zählt. Überzeugender ist die Umsetzung von John Lennons berühmtem „Imagine“. Die Grundierung bietet hier William Basinski mit einem dronig-zittrigen Klangteppich, der nur vage zu hören ist unter der gezupften Gitarre und Antonys melancholischem Falsett, mit dem er den bekannten Lyrics über die Einheit und Gleichheit der Menschen einen trotz aller Hoffnung traurigen Beiklang verleiht. „Imagine all the people, living life in peace…“

Insgesamt würde ich „Thank You For Your Love“ sicher nicht als das Highlight unter den kleineren Veröffentlichungen der Gruppe bezeichnen, aber das ist das Urteil eines erklärten und nicht ganz unbefangenen Fans der ersten Jahre. Freunde des letzten Albums werden sicher auch das kommende lieben, das zusammen mit einem Bildband erscheinen wird, der Gemälde, Zeichnungen, Kollagen und Fotos von Antony enthalten wird. Auf einen Song wie „Cripple And The Starfish“ sollte man jedoch nicht allzu sehr hoffen. (U.S.)