“Originally released in 2016 as Analog 2020, this newly remastered edition appears on CD for the first time, featuring three previously unreleased tracks. Reimagined as Analog 2025, it celebrates and reaffirms the enduring spirit of analog electronic music in an era increasingly shaped by digital tools and AI-driven processes. Featuring visionary artists such as Robert Rich, Sonologyst, Simon Balestrazzi, and Pharmakustik, among others, the compilation pays tribute to those who continue to explore the richness and unpredictability of analog machines. These artists reject sterile perfection in favor of the warmth, instability, and tactile expressiveness that only analog gear can deliver. Nearly a decade after its original release, Analog 2025 stands as both a document and a manifesto — a celebration of a global movement of musicians who view analog synthesis not as a nostalgic indulgence, but as a vital creative choice: an act of resistance and authenticity in a hyper-digitized world”. (Unexplained Sounds Group)

Zahlreiche, dem Eindruck nach kleine Objekte und eine Handvoll Kontaktmikros erschaffen ein äußerst feinsinniges klangliches Referenzsystem, in dem ungeordnetes (oft metallenes) Klappern, Quietschen, Rasseln und Rumoren erst mit der Zeit ein undeutliches Muster erkennen lassen. Dicke Striche jaulenden Feedbacks und verrauschter Lärm schaffen durch ihren ansteigenden Verlauf von Zeit zu Zeit eine Illusion der Linearität und bieten einem den fragwürdigen Anker in der Welt vertrauter Sounds. Je nach onthologischer Ausrichtung könnte man dies freilich als abstrakte Art von Mimesis, oder noch einfacher als Realismus betrachten. Den besagten Anker könnte man vielleicht auch von der Stimmarbeit Quirincionis erwarten, doch die macht einem dann fast immer einen gewaltigen Strich durch die Rechnung: Oft gerät sie zu einem unheimlichen Brummen und Fauchen, das an eine Bestie erinnert, oder sie gibt sich gähnend und schmatzend betont ehrlich und unvorteilhaft.

Was dieses Geflecht – das dankenswerterweise nicht klischeehaft Rhizom genannt wurde – so reizvoll macht, ist nicht nur seine Unberechenbarkeit, sondern auch seine griffige, fast reliefartig haptische Beschaffenheit, die dem spezifischen Klang des Albums einen eigenen Ort innerhalb der vielen Projekte der beiden Künstler gibt. (U.S.)

Label: AZOTH

Es dauert nicht lange, bis der kundige Hörer die Handschrift der drei erkennt: Die Grundstruktur aller vier Tracks besteht aus dichter, ambienter Dröhnung, mal kühl und verhallt wie beim Debüt, mal in körniger Struktur langsam Kreise ziehend, mal voll und breit im Sound einer Orgel. Doch mehr als beim Vorgänger bereiten diese Dröhnflächen nur die Kulisse für eine wahre Plethora an Ereignissen, die oft nur kurz aufblitzen und nicht immer so leicht zuzuordnen sind wie die immer mal wieder erklingenden Glöckchen, die Gitarren und das zittrige Sirren irgendwelcher Saiten.

Oft knistert und knackt es geheimnisvoll im Hintergrund, aufgeregtes Flüstern dringt in den Vordergrund, und spätestens bei dem fauchenden Bestienatem wird klar, dass man sich in einem Alptraum befindet, in dem allerlei seltsame Gestalten ihr Unwesen treiben. Doch „Dust“ hat unterschiedliche Seiten und die Stimmung bleibt niemals konstant. „So High So Close“ ist mit seinem gemächlichen Glockenschlag und den hellen, blechernen Samples zwar so abstrakt wie der Rest, hält aber dennoch die lichtesten und versöhnlichsten Momente bereit, und seine schreienden Möwen und die sanften Trompeten scheinen den Hörer ins Wachbewusstsein zurückzuholen.

Doch letztlich ist auch hier alles nur ein kleiner Klumpen im großen, oft zähen Klangfluss, der alles mit sich reißt und in den infernalischen Lärm des bezeichnend „Awash“ betitelten Schlusstracks münden lässt. Nach diesem oft unberechenbaren und stets ereignissreichen Soundnarrativ kann man nur begrüßen, dass Daimon anscheinend nicht als einmaliges Projekt gedacht ist. (U.S.)

Label: Silentes Minimal

Wenn man ein bisschen mit dem Werk Simon Balestrazzis vertraut ist und seine Arbeit verfolgt, kann man sich kaum vorstellen, dass er mal einen Tag lang nicht auf der Suche nach Sounds ist, sie im Studio bearbeitet und kollagiert, an seinen zum Teil eigens konzipierten Instrumenten bastelt oder mit Kollegen wahrscheinlich ganze Nächte hindurch jammt. Seit einigen Jahren ist es nicht ungewöhnlich, dass drei bis fünf seiner Longplayer pro Jahr herauskommen, seltener solo, häufiger von seinen zahlreichen Kollaborationen: Dream Weapon Ritual, DAIMON, A Sphere of Simple Green, Hidden Reverse und noch einige mehr. Irgendwann in den 80ern, als Balestrazzi bereits ein paar Jahre aktiv war, hörte man seinen Namen auch in unseren Breiten etwas öfter. Im Zuge der zweiten und dritten Generation des Industrial, bei der immer mehr italienische Acts mitmischten, fand auch sein Ursprungsprojekt T.A.C. (Tomografia Assiale Computerizzata, dt: Computertomografie) seinen Platz in deutsche Regale – ein personell wechselhaftes Kollektiv, das von einigen leider etwas vorschnell als experimenteller Wechselbalg der poppigeren Kirlian Camera betrachtet wurde, mit denen es zeitweise einige Überschneidungen gab. Trotz mancher Kontinuitäten sind Balestrazzis neueren Sachen meist filigraner, verspielter, das Dunkle auf subtilere Art präsent. Im folgenden Interview, das natürlich nur einen kleinen Teil seines Schaffens abdecken kann, sprachen wir mit ihm über Altes und Neues, Konstantes und Veränderliches aus vierzig meist experimentierfreudiger Musik gewidmeten Jahren.

English Version

Ich hatte T.A.C. in den frühen Neunzigern entdeckt, aber erst 2016 hatte ich die Gelegenheit, eure Sachen aus den späten Siebzigern zu hören. Was kannst du uns über diese frühe Zeit und wie alles begann erzählen?

Es fing an, als ich noch sehr jung war, so um die dreizehn Jahre. Um die gleiche Zeit besuchte ich ein Konzert von Giancarlo Cardini für teilweise verfremdetes Piano und wurde von einem Freund in die Welt experimenteller und innovativer Musik eingeführt. Mir wurde ganz plötzlich klar, dass es all diese Sounds gab, die ich schon lange in meinem Kopf hatte. Ich nahm gerade Gitarrenunterricht und nach einem Streit mit meinem Lehrer schmiss ich dass hin und begann mit Federn, Objekten und billigen Geloso-Tonbandgeräten zu experimentieren.

In was für einem Umfeld bewegtest du dich damals? Gab es eine speziellere Musikszene in deiner Heimatstadt Parma?

Nun, ich stamme aus einer nicht sehr musikalischen Familie und wir hatten eher wenig Musik zuhause… Meine erste Platte war ein Geschenk meines Onkels zu meinem achten Geburtstag, es war “Yellow Submarine” von den Beatles. Aber was mich faszinierte, waren gar nicht so sehr die netten Melodien zum Mitsingen, sondern die rückwärts gespielten Sounds in “It’s All To Much” oder die ziemlich falschen Akkorde in “Only A Northern Song”. Ich schätze, dass so etwas in der DNA mancher Menschen eingraviert sein muss… Parma hatte gar keine Szene, soweit ich mich erinnern kann, vielleicht ein paar Typen, die sich für Jazz interessierten, oder schlimmer noch: Fusion. Ein paar Jahre später, nach der Punk-Explosion, wurde es etwas besser, aber abgesehen von ein paar Punk- oder Synthy Pop-Bands, die mir damals gar nicht zusagten, war in Richtung einer lokalen Szene nicht viel los.

Nachdem du schon recht lange aktiv bist und mit unterschiedlichen Leuten zusammengearbeitet hast, gibt es eine Zeit in deiner Karriere, auf die du ein bisschen nostalgisch zurückschaust? Gibt es auch Zeiten, die du eher in schlechter Erinnerung hast?

Ich bin nicht nostalgisch, aber ich hab auch keine richtig schlechten Erinnerungen. Ich versuche, wertvolle Erfahrungen nicht mit Erignissen zu verwechseln, die in der Vergangenheit liegen.

Ich denke, du bist einer der wenigen Künstler, die sowohl mit dem klassischen italienischen Industrial-Underground als auch mit der heutigen Experimentalszene in Verbindung stehen. Obwohl Antonello Cresti einige Verbindungslinien aufgezeigt hat, kennen viele Fans z.B. des klassischen Old Europa Café-Kanons neuere Labels wie Boring Machines nicht einmal. Und umgekehrt… Was denkst du sind die Gründe für diese geringe Überschneidung? Denkst du, dass es nur ein Generationenunterschied ist?

Es stimmt, was du sagst, oder zumindest ist das weit verbreitet. Vielleicht ist es zum Teil ein Generationending, aber ich schätze, es ist vor allem eine Frage von verschiedenen Szenen oder Stämmen. Und ich fühle micht nicht wohl in den Beschränkungen und Regeln eines Stammes…

Ich muss aber auch sagen, dass ich micht dem, was ihr klassischen italienischen Industrial nennt, kaum noch verbunden fühle, v.a. wenn es um Bands geht, die immer noch klingen wollen, wie vor dreißig Jahren oder schlimmer noch, mit diesen Bildern von Nazis, Porno und Tod herumposen… Sie erscheinen mir so klischeehaft wie Surf- oder Garage-Musik, nur dass Surf- und Garage-Musik meinstens mehr Spaß macht und kompetenter gespielt wird.

Selbstgebaute Instrumente spielten von Beginn an eine Rolle in deiner Musik. Wie kam es dazu und was waren die ersten Instrumente, die du selbst konzipiert und hergestellt hast?

Ich erwähnte bereits Cardini: Als er das Klavier für John Cages “Amores” präparierte, war das quasi meine erste Epiphanie. Ich fing an, die Saiten meiner Gitarre mit Drähten zu erweitern und mit den Federn einer alten Schreibtischlampe zu experimentieren. Bald versuchte ich, verschiedene Objekte mit Radio-Earplugs zu verstärken, die ich rückwärts verwendete, um Sounds aufzunehmen. Und da war die Coverrückseite dieses Albums, “Guitar Solos 2”, mit der Skizze einer Mutantengitarre von Hans Reichel, das mich inspirierte im Hinblick darauf, wie stark du ein herkömmliches Instrument verdrehen, modifizieren und misbrauchen kannst.

Mache Sachen von deiner früheren Stammband T.A.C. hatten Elemente, die dem, was als Neo- oder Apocalyptic Folk bezeichnet wird, sehr nahe kommen. Aber das war schon recht früh, parallel zu den bekannten englischen Bands dieser Art, weswegen ich nicht sicher bin, wie sehr diese dich beeinflusst hatten. Gab es dort eine Verbindung?

Ich denke, das bahnbrechende Ereignis waren die frühen PTV-Alben, wo erstmals, zumindest soweit es mir bekannt ist, zu folkigen, traditionellen Songstrukturen und Stimmungen zurückgegangen wurde, noch vor Current 93. Es war wie: Stimmt, das funktioniert noch immer, das Singen von Songs und Balladen. Ich war seit langem ein großer Fan von Pearls Before Swine und The Incredible String Band, deshalb fühlte ich mich gleich zuhause, als das mit dem Apocalyptic Folk losging. Auf der anderen Seite habe ich mich nie groß für das interessiert, was später unter dem Begriff Neofolk lief, zu viel Standard, zu viel Mist.

T.A.C. scheint es immer noch zu geben mit dir, Monica Serra und Corrado Loi.  Wie aktiv seid ihr gerade, und wie wird es in der Zukunft aussehen?

Corrado lebt nun in Spanien und Monica und ich sind genug beschäftigt mit Dream Weapon Ritual, von daher gibt es keine Pläne, sobald mit T.A.C. aktiv zu werden. Sollte es aber doch noch einmal dazu kommen, dann würde ich gerne ein zeitübergreifendes Line-up auf die Beine stellen… Es wäre großartig, wenigstens Andrea Azzali (ein Gründungsmitglied von T.A.C.) mit dabei zu haben.

Wenn es um Texte, Symbole etc. geht, was würdest du sagen, sind die Hauptunterschiede zwischen alten T.A.C. und deinen heutigen Projekten?

Jedes Projekt, jedes neue Album hat seine eigene Herangehensweise, sein eigenes Konzept und seine eigenen kreativen Strategien. So war es mit T.A.C. und so ist es heute. Natürlich bin ich heute erfahrener und zugleich weniger draufgängerisch… T.A.C. war wie die meisten meiner aktuellen Gruppen und Projekte von dem beeinflusst, was mich umgibt, von der Wirklichkeit (oder Unwirklichkeit, falls es darauf ankommt). Meine Musik und meine Themen verändern sich unerbittlich, weil sich die Welt um mich herum verändert. Das einzige, was ich früher selten gemacht habe und was mich heute sehr interessiert, ist mit Sounds als reinen formalen Strukturen zu arbeiten, anstelle der Erarbeitung eines zusätzlichen musikalischen Themas, das dem unterliegt.

Du hast einen Abschluss in Sound Engineering am New Yorker Institute of Audio Research gemacht. Siehst du diese Ausbildung und die Zeit dort als einen Wendepunkt?

Ja, definitiv. Es war wie etwas völlig Neues von der Pieke an zu beginnen. Ich kündigte meinen Job als Architekt und stieg nach einer achtjährigen Zusammenarbeit bei Kirlian Camera aus, ich zog an die andere Seite des Atlantik ohne zu wissen, ob ich noch mal zurückkehren würde oder nicht… Es war wirklich ein enormer Schuss frischer Energie.

Du hattest immer eine breitere Palette an Stilen im Fokus, aber seit einiger Zeit verteilst du deine Arbeit auf eine ganze Reihe an Projekten. Wie kam es dazu, gab es einen Zeitpunkt, an dem du feststelltest, das deine Sachen sich immer mehr ausdifferenzieren, um noch in einen Rahmen zu passen? Oder war es mehr der Eindruck, dass sich die Arbeitsweise in den verschiedenen Kollaborationen immer stärker unterscheidet?

Definitiv das zweite: Immer wenn ich eine Zusammenarbeit mit einem Künstler beginne und das Gefühl habe, dass es etwas langanhaltendes werden wird oder eine bestimmte Eigenheit oder ein Ziel bekommt, dann arbeite ich lieber unter einem Bandnamen als unter unseren eigenen Namen.

Wie unterscheidet sich deine Arbeit beispielsweise in Dream Weapon Ritual, DAIMON, Hidden Reverse oder A Sphere of Simple Green? Kommt das Output all dieser Bands zustande wenn ihr spontan zusammen jammt?

All diese Projekte basieren größtenteils auf Improvisation, aber in sehr unterschiedlicher Art, und manchmal variiert das auch von Arbeit zu Arbeit. DWR kombiniert oft ein bisschen freie Improvisation mit Komposition, wohingegen wir mit ASOSG tatsächlich in Richtung einer radikalen, unidiomatischen Improvisation tendieren. DAIMON-Tracks bauen meist auf einer Gitarrenstruktur von Paolo Monti auf, was ich fast als einen Instant-Kompositionsvorgang beschreiben würde, während Nicola Quiriconi und ich ziemlich frei improvisieren; aber nach all diesen Schritten (wir nehmen immer zusammen auf) editieren, verfremden und ergänzen wir noch eine Menge. Bei Hidden Reverse und Candor Chasma greifen wir auf ein kleines Repertoire von Regeln und Notationen zurück, oder manchmal auch nur auf ein paar musikalische Erinnerungsstützen, aber wir mischen alles in Echtzeit ab und nehmen mit langen Overdub-Sessions auf. Der kreative Prozess ändert sich also immer sehr, je nachdem, an welchem Projekt wir arbeiten.

Planung und Trial and Error hält sich also ziemlich die Waage…

Ja. Wie gesagt hängt es gerade vom Projekt ab. Für “Asymmetric Warfare” z.B. konzipierte ich, nach einer ausgiebigen Suche und Auswahl von Aufnahmen aus Konflikten im Nahen und Mittleren Osten, einen Zeitplan mit genauen Regeln und der Auswahl von mit Mikros versehenen Objekten, so etwas wie ein graphisches Drehbuch, und nahm dann alles in wenigen Schritten und mit wenig nachträglicher Bearbeitung auf. Auf der anderen Seite brauchte ich für meine auf Earle Browns “Four Systems” basierenden Arbeiten eine halbe Ewigkeit, um all die Möglichkeiten zu finden, die Originalmusik und die Idee der gegenseitigen Abhängigkeit umzufunktionieren.

Viele deiner heutigen Aufnahmen erinnern an hörspielartige Erzählungen mit traumartigen Erzählsträngen und Stimmungen, in denen sich Erinnerungen und surreale Fantasien vermischen. Ähnlich folgt die musikalische Richtung nie klaren Standards, viele Elemente fließen spontan ineinander, so z.B. Jazz, Neue Musik, Drone, Field Recordings und mehr in A Sphere of Simple Green. In diesen Strukturen kann man vieles ausdrücken und zugleich auch einiges verstecken. Was reizt dich an dieser “versteckten Kehrseite” unserer Alltagswirklichkeit?

Über all die Jahre und bei allem, was ich gespielt habe, haben mich immer die nicht so offensichtlichen Aspekte von allem interessiert, seien es Sounds oder außermusikalische Gegenstände. Die Beschreibung meiner Musik, die du gerade vorgeschlagen hast, ist genau das, was ich anstrebe. Ich weiß nicht, woher diese Haltung kommt, ich hatte eine Neigung dahin seit ich ein kleiner Junge war, der in der Bibliothek seiner Eltern nach unheimlichen Kunstbänden suchte… Ich bin seit jeher versucht zu glauben, dass die Dinge nicht sind, was sie scheinen, und dass du immer, ob bei der Beobachtung der Wirklichkeit oder beim Analysieren eines Informationsflusses, viel Verstecktes in den Zwischenräumen finden wirst…

Schlafstörungen, ein Thema, das ihr in Hidden Reverse behandelt, können die Traumproduktion des Unbewussten unterdrücken, aber zugleich können sie auch ein starker Stimulus sein. Ist das Album, in dem ihr viele Facetten davon auslotet, von eigenen Erfahrungen inspiriert?

Ja, ich litt vor ein paar Jahren an Schlafstörungen, und Massimo Olla hat heute damit zu tun. Insomnie ist ein veränderter Bewusstseinszustand, und obwohl es etwas gefährliches und erschöpfendes sein kann, öffnet es doch auch neue Türen. Zum Glück haben weder Massimo noch ich an den schwereren, tödlichen Ausprägungen zu leiden gehabt…

DAIMON hat für mich eine sehr filmische Aura, viele der Soundscapes erinnern an lange Kamerafahrten. War das eure Absicht und war es auch ein bisschen Nicola Quiriconis Einfluss, der die visuellen Elemente beigesteuert hat? Was kannst du uns über die Geschichten erzählen, um die es in DAIMON geht? Die Tracktitel enthalten Wörter wie “call”, “seeing”, “telescope”, “blind” etc., die alle mit Wahrnehmung und den Sinnen zu tun haben…

Ja, die Musik von DAIMON kann als deskriptiv betrachtet werden, und irgendwie ist sie das auch. Aber es geht nicht darum, echte Geschichten zu erzählen. Natürlich ging es in unserem ersten Album sehr um Erinnerungen und um die Spuren vergangener Dinge. Ehrlich gesagt hat Nicola die meisten Szenen schon vor der Musik gefilmt, aber sie passten perfekt zum Sound, es war eine Art von Magie… Sogar die Kinderstimmen (Nicolas Sohn und Tochter) scheinen manchmal synchron zu den Bildern auf der Leinwand zu sein!

Unter deinen heutigen Projekten scheint mir Dream Weapon Ritual am stärksten mit dem Okkulten und Esoterischen verbunden, auch wenn dieser Konnex vage bleibt in der Musik und den Symbolen. Was kannst du uns zu den Hintergründen des aktuellen Albums erzählen?

DWR ist ein ganz anderes paar Schuhe… Meistens machen wir lange Sessions mit absolut freier Improvisation, dann nach einer gewissen Zeit entnehmen wir auf schmerzhafte Weise die interessantesten Ausschnitte. An diesem Punkt entscheiden wir, was die Musik an Sound und Bildern suggeriert, und wir fangen an, ein Konzept und eine komplett neue musikalische Struktur um die anfängliche herum zu bauen, die dann manchmal sogar komplett verschwindet. Seltsamerweise entstand eine surreale und ziemlich verstörende ornithologische Welt vor unseren Augen, deshalb kamen wir auf die seltsamen Sperlinge… Schritt für Schritt erschufen wir diesen schrägen, unwirklichen Vogelmutterkult.

Eingängige Songstrukturen sind in deinem Werk eher selten, auch wenn du früher Folksongs gespielt hattest, gab es dazu doch meist Hintergrundgeräusche und andere, je nach Anspruch störende Elemente. Trotzdem erscheint mir deine Musik nicht destruktiv und hat Raum für einfache Schönheit. Hattest du jemals mit dem Gedanken gespielt, einen größeren Abstecher in die Welt des Pop zu machen?

Ich mag brutale oder harte Musik um ihrer selbst willen eigentlich meist nicht so, in den meisten Fällen denke ich, ist das eine überkommene und vorhersehbare Herangehensweise ist. Ich ziehe es vor, auf mehr subtile und manipulative Art konfrontativ zu sein. Ich hab keine Berührungsängste mit Melodien und Songstrukturen, aber es war nie mein Ding, ein straightes Popalbum zu machen. Ich gebe zu, dass das eine interessante Herausforderung wäre, also vielleicht… irgendwann… man weiß es nie.

Du hast wiederholt mit dem kürzlich verstorbenen Z’EV gespielt, ein wichtiges Dokument ist der Mitschnitt eines Auftritts in der Cavità delle Cinque Colonne in Sardinien. Welche Erinnerungen hast du an diesen Abend und an Z’EV generell?

Z’EV war ein großer Künstler und ein wundervoller Mensch, ich vermisse ihn sehr. Und ich denke, er bekam nie die Aufmerksamkeit, die er verdiente.

“Reverbalizations” hat eine seltsame Geschichte, und ich würde es nicht einmal ein Live-Dokument nennen. Als ich das Signal Festival für TiConZero co-kuratierte, luden wir Z’EV ein, in dieser künstlichen Höhle zu spielen, und ich nahm ihn mit zwei verschiedenen Stereo-Digital-Rekordern auf, einen sehr nah und einer sehr weit weg. Bedauerlicherweise wurde die Aufnahme aus der Nähe irgendwie von einem der Soundleute gelöscht. Jahre später, als Z’EV bei mir war, editierten wir zusammen seinen Solomitschnitt, nur um herauszufinden, dass die erhaltene Aufnahme durch Lärm im Publikum in Mitleidenschaft gezogen war.

Später, als Z’EV mit einer ernsten Knieverletzung länger in meinem Haus bleiben musste, hörten wir uns das Tape noch einmal an und begriffen, dass wir es doch irgendwie benutzen konnten. Wir spielten eigentlich eher damit herum, und irgendwann fiel der Groschen… Z’EV wählte neue Schwerpunkte aus und fügte ein paar mehr Aufnahmen von anderen Performances hinzu, ich begann mit zahlreichen Verfremdungen und loopte kleinere Abschnitte der ursprünglichen Performance; ich bastelte Drones aus der Resonnanz seiner Perkussion und dem Geflüster der Leute und fügte verfremdete Streicher und Elektronik hinzu. Tatsächlich brachten wir all die Fehler und Unfälle der Aufnahme mit ein. Ich liebe das Album immer noch. Ich bin sehr stolz darauf.

Ich denke, dass jeder Künstler seine speziellen Quellen des Antriebs hat, oder einer bestimmten Notwendigkeit folgt, wenn er etwas schafft. Gibt es bei dir einen bestimmten Motor, den du benennen kannst?

Wie gesagt hat jedes meiner Projekte seine eigenen Konzepte und Regeln, und das ist eine wesentliche Sache, die Kreativität, oder zumindest meine, am Leben erhält… Auch experimentiere ich weiterhin mit verschiedenen Instrumenten, elektronische und akustische, traditionelle und selbstgebaute; dies zusammenmit meinem Hang zur Kollaboration und gemeinsamen Arbeiten ist sehr hilfreich, wenn es darum geht, neue künstlerische Territorien zu erkunden, ohne sich in seine übliche und vorhersehbare Komfortzone zurückzuziehen. Kurz gesagt, ich arbeite hart und versuche dabei, nichts als selbstverständlich zu betrachten.

(U.S. / A. Kaudaht)

Fotos: Laura Dem, Monica Mariani, Alessandro Olla u.a.

Simon Balestrazzi @ Neurohabitat

Simon Balestrazzi @ Facebook

AZOTH Recordings

If you are a bit familiar with the music of Simon Balestrazzi and follow his activities, you can hardly imagine a single day, in which he is not busy searching for sounds, processing and combining them in studio, tinkering on his partly self-designed instruments or jamming with colleagues all night long. For several years, it is not unusual for three to five of his Longplayer to come out in one year, more rarely solo, but often from his numerous collaborations: Dream Weapon Ritual, DAIMON, A Sphere of Simple Green, Hidden Reverse and even some more. Back in the Mid-80s, when Balestrazzi was already active for some years, his name was heard a bit more often over here as well. It happened in the course of the second and third wave of (post) industrial music, as more and more notable Italian acts appeared, when his original project T.A.C. (Tomografia Assiale Computerizzata, engl: Computer Tomography) got an international audience. Despite some continuities, his newer works are usually more filigree and playful, the dark atmosphere is notable in a more subtle way. In the following interview, which of course can cover up only a small part of his work, we talked about things old and new, constant and variable from forty years devoted to adventurous music.

I first discovered T.A.C. in the early 90s, but it was 2016 that I first heard your works from the late 70s. What can you tell our readers about these early days and how everything started?

It all started when I was quite young, about thirteen. In a short lapse of time I attended a concert by Giancarlo Cardini for piano and prepared piano and soon after an older friend introduced me to all sorts of experimental and innovative music. All of a sudden I realized that those were the sounds I always had in my head. I was studying classical guitar at those times and after a quarrel with my teacher I quit and I started to experiment with springs, objects and cheap Geloso reel-to-reel tape machines.

In what kind of music environment have you been involved back in the days? Was there a special scene in your native Parma?

Well, I came from a not very musical family, not so much music at home… My first record was a gift from my uncle on my eighth birthday. It was “Yellow Submarine” by the Beatles. But what was appealing to me weren’t the nice singalong tunes but the reverse sounds of “It’s All To Much” or the quite wrong chords of “Only A Northern Song”. I guess that something must be encrypted in one’s DNA… Parma didn’t have a scene at all as far as I can remember, maybe just a few cats into jazz or, even worse, fusion. A few years later, after the punk explosion, things got just a little better but except for a few punk or synth pop oriented band that were quite out of my tastes in those times nothing much was going on, in terms of a local scene.

You’re active in music for long and cooperated with lots of people from different fields of music and multi-media. Is there any period of time in your career that you’re nostalgic about as a particularly great time? Were there also times which you have more bad memories of?

I’m not nostalgic, neither have real bad memories. I try not to mistake valuable experiences with events that belong to the past.

You’re one of a few artists connected to the classic Italian Industrial underground as well as to the contemporary experimental scene. Although Antonello Cresti pointed out some continuities in his book, many fans of let’s say the Old Europa Café canon don’t even know labels like Boring Machines and vice versa. What do you think are the main reasons, that there is rather little continuity and overlapping? Do you think it is just a generation thing?

What you say is true, or very common at least. Maybe is partly a generation thing, but mostly I think that it’s just about two different scenes, different tribes. And I don’t feel comfortable with the restrictions and rules of a tribe…

But also I have to admit that nowadays I feel quite disconnected from most of what you call classic Italian Industrial, especially when it comes to bands that reiterate sounds and attitudes like we were 30 years in the past, or even worse, keep flaunting that imagination made of nazi, porn and death… they really seem to me cliché as a surf of garage music. But surf and garage bands are more fun and competent, usually.

Self built instruments were always a part of your music, I think from the beginning. How did this interest come up? Which were the first ones that you made?

I told you already about watching Cardini preparing the piano for Cage’s “Amores”, that was my first epiphany. I started by substituting the strings of my guitar with wires and experimenting with the springs of an old anglepoise lamp. Soon I was trying to amplify objects with radio earplugs used in reverse to pick up sounds. And there was the rear cover of this album, “Guitar Solos 2”, with the scheme of a mutant guitar of Hans Reichel that was a sort of inspiration, at least about how much you can twist, modify and misuse a regular instrument.

Some of the T.A.C. recordings had elements that came quite close to what’s labeled neofolk or apocalyptic folk. But it was quite early, parallel to bands from the UK, so I’m not sure if this was a significant influence. Did you identify or feel a connection to such styles and fashions in the music sphere?

I think that a groundbreaking event were PTV early albums who were the first, at least the first I was aware of, to go back to folk/traditional song structure and atmosphere, even before Current 93. It was like: yes, it can be done again. I mean, singing songs, ballads. You know, I’ve always been a huge fan of Pearls Before Swine and the Incredible String Band, so when the apocalyptic folk affair started I felt at home. On the other hand I’ve never been interested in what some time later turned into neofolk. Too much standardization, too much crap.

T.A.C. still exists with you, Monica Serra and Corrado Loi. How active are you and will you be in the future?

Corrado now lives in Spain and me and Monica are busy enough with Dream Weapon Ritual so there are not plans to come back to action as T.A.C. anytime soon. But if it ever this should happen I would like to create a trans-temporal line up… I’d really love to have at least Andrea Azzali (a founder member of T.A.C.) joining us.

When it comes to lyrical content, symbols etc., what would you say are the main differences between old T.A.C. and the major projects that you do today?

Every project, every new album, has its own approach, concept and strategy. It was that way with T.A.C. and so is today. Of course today I have much more experience and less recklessness… T.A.C. was, as well as most of my current ensembles and projects are now, largely influenced by what surrounds me, by reality (or unreality, if that matters). My music and subjects keep relentlessly changing because the world around me is changing. The only thing that I seldom did in the past but now interest me more is to work on sound as pure formal structure instead of always developing an underlying extra musical subject.

You graduated in sound engineering at New York’s Institute of Audio Research. Do you see this graduation and the time abroad as a changing point?

Yes, definitely it was. It was like beginning something really new, from scratch. I quit my job as an architect, I quit Kirlian Camera after a 8-years collaboration, I moved on the other side of the Atlantic without knowing if I ever was to come back or not… It really was a huge shot of fresh energy.

You had always worked with a broader focus on styles, but for some time now you’ve split up your output into quite a number of projects. How did this happen, was there some time, when you thought that your ideas got too diversified to keep them under one umbrella? Or was it more the feeling, that the work processes with your various collaborators got more and more different?

Definitely the second instance: when I start a collaboration with another artist and I think it’s gonna last or has some peculiarities or goals I prefer to work under a band name rather than our own.

What is the difference in the creative processes in for instance Dream Weapon Ritual, DAIMON, Hidden Reverse or A Sphere of Simple Green? Does all these bands’ output develop while spontaneously jamming together?

All those projects are largely based on improvisation but in very different ways and also there are sometimes significant differences from work to work. DWR is something in between free form improv and composition while with ASOSG we really tend towards radical non-idiomatic improv. DAIMON tracks usually build up around the guitar structures of Paolo Monti, which I would consider almost instant composition processes, while Nicola Quiriconi and me improvise quite freely; but after the takes (we always record together) we edit, process and add quite a lot of stuff. With Hidden Reverse and Candor Chasma we usually have a small amount of set rules or a few written structures or maybe just extra musical hints but we mix real time recording with long sessions of overdubs. So the creative process really changes according to the project we are working on.

When you work on your own, do you tend more to improvisation and trial and error, or do you also sometimes work with a compository plan?

Both. As I told you It really depends on the project. For “Asymmetric Warfare”, for example, after I did a very accurate research and selection of recordings from the current middle east conflicts, I conceived a sort of timeline with strict rules, gestures and selection of amplified objects, something like a graphic score, and then recorded everything in a few takes and with very little editing. On the other side in my work based on “Four Systems” by Earle Brown it took ages to find all the ways in which I could force and misuse the original score and the idea itself of indeterminacy.

A lot of records from your bands of today remind of radio-play narratives with dreamlike plots and atmospheres, in which memories and surreal fantasies intermingle. In the same way, the musical direction never follows clear standards, many elements spontaneously flow into each other, such as jazz, new music, drone, field recordings and more in A Sphere of Simple Green. In these nightly dreamy structures you can express and at the same time hide a lot. Why does this “hidden reverse” of our all-day reality appeal to you so much?

During the years and whatever I play what always attracted me more is to find the less evident aspects of everything, be it sound itself or extra musical matters. The description of my music you’ve just outlined is exactly what I’m striving for. I don’t know where does this attitude come from, I’ve always been inclined to that since I was a young kid sneaking in my parents’ library in search of uncanny art books… I’ve been always persuaded that things are not what they appear to be and that, be it observing reality or analyzing a flux of information, you can find a lot hidden in the interstices…

Sleep disorder, a subject you referred to in the new Hidden Reverse album, can be something that suppresses the dream production of the unconscious, but at the same time it can be an enormous stimulus. Is this album, which shows many facets of this, inspired by your own experiences?

Yes, I’ve been suffering for insomnia some years ago and so does Massimo Olla right now. Insomnia is a real altered state and even though potentially dangerous and wearing, nonetheless it opens new doors. Lucky enough neither Massimo nor I ever suffered from the most severe and deadly forms of it…

DAIMON had a very filmic appearance to me, often the soundscapes remind of long camera movements. Was this purposed and was it also Nicola Quiriconi’s influence on the music, who contributes the visual parts? What can you further tell us about the stories that you tell with DAIMON? The track titles contain words like “call”, “seeing”, “telescope”, “blind” etc., which are all connected to perception and the senses…

Well, DAIMON music can be perceived as descriptive and somehow it is. But in fact is not conceived to tell actual stories. For sure in our first album we focused quite a lot on memories and traces of things past. To tell you the truth, Nicola did most of the shots before the music was created but they work perfectly with the sound. It was some sort of magic… even the children voices (Nicola’s little son and daughter) sometimes seem to be in sync with their images on screen!

Among your contemporary projects, Dream Weapon Ritual appears to me as the one which is mostly connected to the esoteric and occult, yet this connection stays vague in the music and symbolism. What can you tell us about the background and the ideas behind the new album?

DWR is a rather different bag of tricks… usually we do long sessions of totally freeform improvisation, then after some time we start culling painstakingly the most interesting sections. At this point we decide what the music is suggesting in term of both sound and images and we start to build a concept and a completely new musical structure around the old one that might even disappear at some point. Strangely enough a surreal and rather disturbing ornithological world is what sprung to our mind several times, so we started to think about this weird sparrows… Little by little we were building this odd unlikely Bird Mother cult.

Catchy song structures are very rare in your work, and even if you played folk songs earlier, they were mostly arranged with background noise or similar elements. Nonetheless your music never appears destructive to me and has always room for simple beauty. Did you ever have the idea to more excursions into pop?

I don’t like very much violent and harsh music for the shake of it, in most of the cases I think is an old and too predictable approach. I prefer to be confrontational in a more subtle and pervasive way. I’m not afraid of melody and song structures but I’ve never been able to conceive a straight pop album. I’ve to admit that it could be an interesting challenge, so maybe… one day… you never know.

You repeatedly played with Z’EV, who passed away recently, one remarkable document is the recording of the show at Cavità delle Cinque Colonne. What kind of memories do you have of this evening and of Z’EV in general?

Z’EV was a great artist and wonderful person. I miss him a lot. And I think that he never got all the recognition he deserved.

“Reverbalizations” has a strange story and I wouldn’t call it a document of a live performance. When I was co-curating the Signal festival for TiConZero we invited Z’EV to perform into this artificial cave and I recorded him on two different stereo digital recorders, one very close and one faraway. Unfortunately, for some reason, the close distance recording was erased by one of the sound guys. Years after, while Z’EV was spending some time at my place we did an edit of his solo performance only to discover that the surviving recording was marred by some audience noise.

Later on, when Z’EV was stuck in my place with a serious knee injury, we listened to that tape again just to understand if he could use it somehow. We were almost toying around when something just clicked… Z’EV selected new cues for the edit and inserted some more recordings from different performances and I started doing lots of treatments and looping small sections of the original performance; I also created drones out of resonances of his percussion and people whisperings and did some additional takes with prepared strings and electronics. We were in fact bringing out all the imperfections and accidents of the recording. Still love that album. I’m very proud of it.

I think every artist has some individual sources of motivation and necessities to go on creating. What would you say is the main motor of your activity?

As I told you each project has is own concept and rules and this is one of the main things that keep creativity, at least mine, alive and kicking… Also I keep experimenting with different instruments, electronic and acoustic, traditional and self-built; this along with my inclination for collaborative and collective works help quite a lot to investigate new artistic territories without easing down in your usual and predictable comfort zone. In short, I really work hard and try not to take anything for granted.

(U.S. / A. Kaudaht)

Fotos: Laura Dem, Monica Mariani, Alessandro Olla u.a.

Simon Balestrazzi @ Neurohabitat

Simon Balestrazzi @ Facebook

AZOTH Recordings

Bei dem langsam an- und abschwellenden Drone, das an elektrisch aufgeladene Harmoniumklänge erinnert, den trunkenen Echolalien undeutbarer Stimmen, dem Rasseln und Scheppern und den seltsamen Bläserklängen des eröffnenden „Bird Mother“ zeigt sich schnell, dass die beiden sich in grundlegender Hinsicht treu geblieben sind, denn ihre „Freeform-Musik“, die ebenso von dröhnender Elektronik wie von folkigen Spuren durchdrungen ist, bewegt sich in den bekannten Bahnen, die quer durch moderne und primordiale Gefilde führen. In diesem Rahmen kommt es aber zu einigen Verschiebungen, denn auf den neuen Stücken scheint die Musik noch um einiges unregelmäßiger und unruhiger als auf den Aufnahmen zuvor. Kratzige Spielereien, eventuell erzeugt mit dem von Massimo Olla entworfenen [d]Ronin, allerhand Gereusel und geheimnissvolle Perkussion rufen Balestrazzis Projekte Hidden Reverse und A Sphere of Simple Green in Erinnerung, bei der Mischung aus untergründigem Brummen und falsettigen Hochtönereien denkt man vielleicht an so unterschiedliche Musiker wie Ka Baird oder die viel zu wenig beachteten Mailänder Sothiak – Vergleiche, mit denen nur eine vage Richtung angedeutet sein soll.

Deutlich erkennbare Vogelstimmen treten erstmals in dem kurzen, in einem seltsam schleppenden Rhythmus hinkenden „Mating Call“ auf den Plan, wo sie sich sanft und verhuscht in mysteriöse Rückwärtspassagen einweben. In dem folgenden Track, der von „zwei kleinen Spatzen, die auf einem Zweig sitzen und auf die Erleuchtung warten,“ kündet, erinnern sie eher an übermütige Spechte. Weiter geht es durch noisige Gefilde, in denen man nicht mit dem Klang orientalischer Flöten gerechnet hätte, hin zu einer Urwald-Kulisse, in der ekstatische Perkussion und tremolierende Stimmen wie das Echo eines schamanischen Rituals wirken. „The One with the Iron Beak“ ist das letzte Stück betitelt, und wieder beschleicht einen der Verdacht, dass all die tiefschürfenden rituellen Elemente, die ebenso wie rhythmische und melodische Pop-Ansätze um jede zweite Ecke lugen, zwar auch, aber nicht nur mit erhabenem Ernst eingebracht werden.

Das Album erschien jüngst bei Boring Machines als LP mit achtseitigem Booklet und ist darüber hinaus natürlich in den üblichen digitalen Formaten zu ergattern. (U.S.)

Label: Boring Machines

Nach ihrem ersten Tape „Articulation 1 & 2“, das vor gut einem Jahr bei Old Europa Café erschien, melden die beiden sich erstmals auf dem Medium CD zu Wort und widmen sich einem interessanten Thema, nämlich der Schlaflosigkeit bzw. allgemeiner dem gestörten Schlaf. Und da Phasen der Schlaflosigkeit nicht nur leidvoll sind, sondern darüber hinaus Momente ungewöhnlicher Konzentriertheit und aufgedrehter geistiger Aktivität bereithalten und sich zugleich mit merkwürdigen Traumaktivitäten abwechseln können, eignet sich das Sujet wunderbar für atmosphärisch intensive und vielschichtige Musik.

Ich weiß nicht, wie sehr sich Balestrazzi und Olla nun, wie die Titel suggerieren, konkreten klinisch unterschiedenen Formen der Schlafstörung zuwenden, aber das Bild, das sie hier entwerfen, ist bedrohlich und schön, hektisch und klar, dunkel und luzide zugleich und präsentiert die Schlaflosigkeit so keineswegs als reine Tortur. Schon in der „Fatal Familial Insomnia“, die sie in ihrem Opener interpretieren, zeigt sich in den unebenen Flächen des brummenden Doomambient, dem mysteriösen Kratzen und dem konzentrierten Pfeifen des [d]Ronin nicht nur die Schrecklichkeit, sondern auch die Schönheit der erzwungenen Wachheit, und der klarinettenartige Klang zum Schluss scheint fast ein Ende des Martyriums anzudeuten, doch vielleicht ist das auch nur die Fata Morgana eines Wachtraums. In „Night Terrors“ scheint Balestrazzi in seinem Element: Etwas, das wie verfremdete Vogelstimmen klingt (und an sein Dream Weapon Ritual-Projekt erinnert), entfaltet sein Gezwitscher in allen Klangfarben über schweren und ultrarepetitiven Industrial-Sound, immer intensiver wird das Geschrei, bis man nach einem plötzlichen Perkussionsgewitter für Augenblicke heimelige Dunkelheit gehüllt wird.

Manche Tracks geben sich subtil und hintergründig wie das dunkle „Obstructive Sleep Apnea“, andere wie „One More White Night“ erschaffen mit undefinierbaren Tierstimmen im Zeitraffer einen Alptraum, der den frühen Nurse With Wound zur Ehre gereicht hätte. „In That Liminal Space Between Contending Realities“ ist für mich das beste Stück, da in seinem rituellen Pauken, den Glöckchen und dem undefinierbaren Kreischen alle Stimmungen der Platte fast zu einer paradoxen Einheit verschmelzen. Gerade dieses Paradoxe scheint mir, wenn auch in den meisten Stücken eher im Nebeneinander unterschiedlicher Stimmungen, ein zentraler Zug dieses Albums und macht einen Großteil seines Reizes aus. (U.S.)

Label: AZOTH Records

Unter dem Namen A Sphere of Simple Green firmiert ein Trio, das der aus vielen Bands bekannte Simon Balestrazzi zusammen mit den Musikern Silvia Corda (u.a. Piano) und Adriano Orrù (u.a. Bass) gegründet hat, und von dem vor einigen Jahren bereits ein Album namens „Untitled Soundscapes“ erschienen ist. Schon beim Hören der ersten Stücke fällt auf, dass die Musik tatsächlich ziemlich viel von der feinsinnigen Detailverliebtheit und dem organisch anmutenden Gewebecharakter aufweist, die man auch in Dickinsons Gedichten findet.

In meiner Besprechung zu Balestrazzis anderem Projekt Daimon hob ich die Kombination von einem hörspielartig ausgerichteten Soundnarrativ aus zahlreichen Feldaufnahmen und der gleitenden Struktur elektronischer Ambientmusik hervor – bei A Sphere of Simple Green treten die gesampleten Sounds und ihre Geschichten direkt ins Zentrum des Geschehens, entfalten ihre Vielfalt in einem luftig-leeren Raum, statt in die dichte Substanz melancholischer Dröhnung getaucht zu sein. Das bedeutet jedoch keineswegs, dass sie alle naturbelassen sind.

Jedes Stück entfaltet sein eigenes typisches Setting mit natürlichen oder von Menschen hervorgerufenen Ereignissen, die stets veränderliche Stimmungen und Klangfarben entstehen lassen, subtil unterstützt von Musik im herkömmlichen Sinne, die ebenfalls im Hintergrund tönt: Sanfte exotische Klangfolgen auf einem Xylophon oder etwas ähnlichem und jazzige Piano-Sternschnuppen illustrieren ausgelassene Kinderstimmen, wie man sie schon von Daimon her kennt. Ihre Unbekümmertheit verwandelt sich schnell in verzerrtes, unheilverkündendes Quaken. Leise improvisierte Streicher, scheinbar richtungslose Gitarren und tiefe Klaviertasten untermauern eine Spannung der Unbestimmtheit, die von gesampleten Schritten und dem bedrohlichen Fauchen einer unsichtbaren Bestie erzeugt wird – eine mehr als passende Kombination an Sounds für einen Titel wie “Something I Saw in the Mist”.

Wind, Rascheln und ein Regenschauer aus verfremdeten Zerrbildern, folkige Bouzoukis, summende Streicher und rituelle Handdrums, und stets kurz aufflackernde Sounds und Stimmungsfetzen illustrieren, das auf diesem Album, das mehr ist als ein Hybrid aus Improv, Jazz und rituell konnotierten Soundeffekten, wenig ausgelassen wird. Dass es trotzdem nie überfrachtet wirkt, sorgt dafür, das die feinsinnige Spannung und die Eleganz der subtilen Veränderungen immer gewahrt bleibt. (U.S.)

Label: AZOTH Records

Die kühle, vibrierende Elektronik, mal ambient gleitend und rauschend, mal voll eines feierlichen Pathos, mal griffig im Grenzland zum minimalistischen Synthie Wave, ist im Grunde nur die Basis, auf der sich ein hörspielartiges Narrativ entfaltet, das gerade durch seinen mysteriösen Andeutungscharakter die Fantasie in Fahrt bringt. Schon im einleitenden „A Call“, das in seiner gemächlichen, aber konsequenten Bewegung an eine lange Kamerafahrt durch kleine Unebenheiten erinnert, lässt mit den eingespielten Kinderstimmen, lachend, rufend, lamentierend, ein Tableau entstehen, das nicht nur durch den amp-erzeugten Kunstregen, der sie fast verdeckt, wie eine ferne Erinnerung anmutet.

Doch es kommt zu dramatischen Brüchen, wenn aus den Stimmen langgezogene Schreie werden, und schnell ahnt man, dass die Geschichte, die hier angedeutet wird, nur partiell harmonisch verläuft. In dem ambig betitelten „He’s seeing you“, dessen eindringliche Spannungskurve in einem entmenschlichen Quieken gipfelt, bestätigt sich das noch einmal. Eingefangen in die herbstliche Wehmut des Pop-Gefilden noch am nächsten kommenden „Take the Telescope and go“ geraten die Kinderstimmen ausgesprochen lebensnah, scheinen um den Hörer herum zu schwirren und diesen in das ungewisse Szenario hineinzuziehen. Ob dies so erfreulich ist, mag ich angesichts des seltsamen Flüsterns, das sich in „Almost Blind“ ganz nah am Ohr zu Wort meldet, nicht beurteilen.

Und so mag gerade dieser Titel das eigene Empfinden in diesem dämmerigen Irrgarten an emotionalen Begebenheiten auch ganz gut wiedergeben. (U.S.)

Label: Metzger Therapie