gegen den Strich zu kämmen oder gar in ihren Grundfesten zu erschüttern – wobei gerade der feinsinnige elektronische Sound beim fatalistischen Nirvana-Song durchaus neue Akzente setzt, vergleichbar etwas mit der kammermusikalischen Interpretation von Tori Amos. Bei “Icon” wird sie von Christian St.Claire am Tamburin begleitet. Beide Songs haben das Zeug zu furiosen Live-Zugaben. Zu Mona Murs derzeitigem Karriereabschnitt sagten die Kollegen von V13 “It’s all part of an interesting creative time in Mur’s musical career, as she forges forward with some of her best work in her now four-decade career”. Dem ist wenig hinzuzufügen.

“Covering a song you really love is always a tricky exercise. I started by playing Christine on the piano and jam with Theo Taylor, who co-produced the track. I wanted to create something slow, moody, dreamy, and sensual to depict this descent into insanity that is the story of the real Christine. I tried to construct a spacious and sonically sparse sphere like a hall of mirrors, where it’s hard to tell reality from fantasy, and you just find yourself drifting aimlessly. I made the video in my old flat in the middle of the lockdown at the end of 2020, while it was still kind of illegal to gather in the same room unless the windows and doors were open. Theo Taylor also shot and edited the video. I knew he was leaving for New Zealand shortly after, and it was our last chance to make a video together.

The lyrics of the song were inspired by the book The Three Faces of Eve, which tells the story of Christine Sizemore, a woman who suffers from multiple personality disorder. The names in the songs, Strawberry Girl, Turtle Lady, etc., are actual names that Christine’s children gave to the different distinct personalities, of which there were 22 in all. So, ideally I wanted 22 people to come into my flat and ‘be me’. In the end, I was happy to get hold of a handful of friends and get them to stand outside in the garden while we were shooting inside, one at a time, trying to respect the corona regulation as much as possible. It was a very intimate affair. The atmosphere was relaxed, and we managed to have a lot of fun while shooting and drinking wine. I was honoured that Berlin living legend and supermodel Steve Morell was able to join us.” (Valerie Renay)

@ Infrastition

Es ist immer schwierig, einen Soundtrack zu beurteilen, den man nicht direkt im audiovisuellen Werkzusammenhang rezipiert hat, aber im Falle von Karl Theodor Dreyers „Vampyr“, dessen jüngste Vorführungen mit einem neu komponierten Score von Steven Severin versehen waren, habe ich die Geschichte und die Bilder noch recht gut in Erinnerung. Die Story, die unterschiedlichen Angaben zufolge entweder auf vagen Motiven von Joseph Sheridan LeFanu basiert oder (was ich aber etwas übers Knie gebrochen finde) auf dessen Erzählung „Carmilla“, ist vor allem eine Geschichte über das Hereinbrechen des Bösen in die Welt, was u.a. durch eine kontrastreiche Lichtdramaturgie umgesetzt wurde. Die finale Szene in einer Mühle, in der hereinflutendes Sonnenlicht auf tausenden von aufgewirbelten Mehlstaubteilchen reflektierend den Sieg des Guten symbolisch verklärt, zählt in all ihrer (aufgezwungenen) Spießbürgerlichkeit zu den großen Momenten einer Kinoära. Die expressionistischen Schattenspiele einiger dunkler Einstellungen nicht minder.

Severins Filmmusik, die erstmals 2012 in Edinburgh zu hören war und im Rahmen seiner “Music for Silents” an eine Neu-Untermalung von Jean Cocteaus “Blood of a Poet” anschließt, trägt diesem Kontext nur an wenigen Stellen Rechnung und ist eher hintergründig und von impressionistischer Wirkkraft. Vordergründig zumindest wird die Musik den Film nicht besonders stark dominieren, sondern sich über weite Strecken auf eine Rolle als Sekundärmedium bescheiden. Zum Großteil hemelig-unheimlicher Dark-Ambient neigen die Abschnitte, die durchaus als runde “Songs” durchgehen, mal zum dumpfen Dröhnen, mal zu etwas leichterem Auf- und Abebben, was v.a. in Form von Harmoniumpassagen gut funktioniert. Gesamplete Geräusche wie Schritte und vereinzelte Dialogpasagen fügen sich ein.

Der Score emanzipiert sich jedoch nicht nur dadurch, sondern auch in der Wahl der Sounds, denn dort wird jedem Versuch, auf pseudo-authentisches Zeitkolorit zu setzen, eine Absage erteilt. Was hier eine große kreative Stärke sein könnte, entpuppt sich allerdings als eine der Hauptschwächen, denn über weite Strecken bekommt man recht glattgebügelte elektroakustische Entspannungsmusik geboten, die an einigen Stellen auch noch in die dunkle Bonbonbfarbe eines betulichen Dreampop kippt. Ohne die bewegten Bilder stellen sich zudem Längen ein – ob die im Filmzusammenhang aufgehoben sind, und ob die krachigeren Passagen gegen Ende einen interessanten Epochenhybrid darstellen oder doch eher unpassend wirken, könnte ich nur spekulativ beantworten.

Label: Cold Spring