Das Ergebnis ist eine hörspielartige Abfolge wie zufällig mitgeschnittener Alltagsszenarien, bei der Geräusche täglicher Verrichtungen auf Dialoge, Radioausschnitte und Musik von im Hintergrund laufenden Tonträgern aufeinandertreffen, wobei die einzelnen Elemente nicht immer deutlich einer dieser Soundquellen zuzuordnen wären. “Anna” erscheint auf gebrauchten Kassetten – der Zustand der jeweiligen Kassette kann sich auch auf die Sounds auswirken, was laut Label beabsichtigt ist. Das Tape erscheint bei Staaltape.

rhythmisch rasselnde Klangkollage “Sloth Parts (A, B)” die Band von ihrer atonalen Seite, wie sie auch Alben wie “Knees and Bones” und einige Tape-Releases dieser Ära prägte, präsentiert. Neben Tracks von Mauthausen Orchestra und Kapotte Muziek sind die Acts Irritant (namentlich Trevor Ward) und Chazev alias Christian Wilp vertreten, um den es ab Ende der 80er ruhig geworden ist. “6 x10 = 60 Vol. 3″ wurde auf Basis der Orginal-Mastertapes neu aufbereitet und erscheint mit im Rahmen einer Box mit kleinem Kunstbuch.

Die Reissue knüpft an die vom Format her ähnlich aufgemachte Doppel-Tape-Box “6 x10 = 60 Vol. 1 & Vol. 2 ” an, die Tracks u.a. vom Bande Berne Crematoire, Merzbow, Coup de Grace, Het Zweet, Commando Bruno und Bourbonese Qualk enthält.

“Pole Ka draws, dissects, and flays the body with surgical precision while composing her abrasive images with the needy hand of an artisan. She loses her strange characters in imaginary landscapes, in grotesque scenes. Visions straight from a cabinet of curiosities take shape; here we find animals, insects, plants, hybrid and monstrous characters, summoning medicine and religion, the encyclopedia and ancient bestiaries, evoking the paintings of Bosch and Cranach, the surrealist collages of Ernst and Štyrský, the anonymous illuminated manuscripts of the Middle Ages. Furthermore, the micr0lab monk-companions, scattered to the four winds, are long-time partners with Pole Ka in the publication and promotion of deviant fanzines, impossible games, staticky vinyls, and the organization of epic noise music nights. Extravagant anatomies, extinct pathologies, forgotten landscapes : Pole Ka writes her own history of women and their suffering, draws a taxonomy inhabited by androgynous phantoms with troubled sexuality, and prints the blueprints of a crumbling world.

For this exhibition at Staalplaat, Pole Ka will present new drawings in the “Collapse” series at the beginning of the year, on the theme of ruin and downfall in addition to a selection of diverse drawings, etchings, silkscreens, books, and fanzines. All this will be generously celebrated with an explosive cocktail imagined especially for the occasion.”

Staalplaat
Kienitzer Str. 108
12049 Berlin

Event @ Facebook

“Hinter dem bedeutungsvollen Namen The Insultor verbirgt sich kein Geringerer als der Elsässer Guillaume Siffert, der den Berliner Platten- und Buchladen „Staalplaat“ betreibt. Gui findet auf den Berliner Straßen hin und wieder weggeworfene, leiernde Kassetten, deren Klänge er dann mit Diktaphonen modifiziert. Obscene and oppressive darkness!

Kakawaka aka Christoph Petermann formt auf der Bühne exquisite, köstliche Noise-Krach-Brocken mit Alltagsgegenständen. Seine Lieblingsinstrumente sind Gabel und Luftballon. Die performanceartigen Auftritte sind grundsätzlich äußerst unterhaltsam. Wenn man neugierig ist, kann man auch schon eine kleine Vorschau auf Youtube anklicken.

Mr. Niedowierzanie spielt nun sein drittes Konzert bei uns und kehrt hoffentlich nicht nur wegen Biertümpel und Probierstube zurück. Die letzten Male gab es gepfefferten Slaughter-Folk, gemischt mit mediterranem Post-Industrial. Da sich Léo stets verwandelt, freuen wir uns auf die neue, leuchtende Erscheinung unseres geliebten Südfranzosen.”

16.07.2016, Einlass 20.30 Uhr
Jugendkulturhaus CAIRO
Fred-Joseph-Platz 3 / Burkarderstr. 44
97082 Würzburg

Event auf Facebook

After sharing the bill with fellow musicians like Knut, Isis, Jesu, Lightning Bolt, Melt Banana, Zu, Asva, Todd, Shit & Shine, Marduk or Tony Conrad on the occasion of the 150+ concerts given over the last years, drummer Marc Fantini, bassist Derek Shirley, electronic musician & vocalist Gilles Aubry and electrified tenor sax maestro Antoine Chessex felt the need to come back to studio work. Results a powerful though dark and introspective piece of pure sonic radicalism. CHEVAL OUVERT immerses the listener into a brutal typhoon of intense abstraction. A wild ride on a furiously galloping horse that finds itself torn into pieces by human destruction. Monolithic stabs of distorted saxophone, infinite loops of electronic madness and the devastating pairing of a melting low-end bass and mammoth-like drums resulting in a rock solid wall of ancestral evoking frequencies.

Besides a still expanding 7″ and tape release series started in 2009, this is the first edition published in the 12″ format by Staalplaat instore imprint Le Petit Mignon! Originally released as a CD in 2013 by Idiosyncratics, this is the 2xLP version of Monno’s “Cheval Ouvert”, featuring a new artwork by Ben Sanair, housed in an offset double sided 64x64cm multi-fold-out “origami” artwork, sealed by a screen printed band. White & Purple and White & Gold colored vinyls. This edition was cut, folded, assembled and numbered by hand and by the sweat of our brows in a pure DIY spirit! Limited to 319 copies, including download code. Published by Le Petit Mignon and worldwide distributed by Staalplaat.

Monno are:
Gilles Aubry: electronics
Antoine Chessex: tenor sax & amps
Marc Fantini: drums
Derek Shirley: bass

Cheval Ouvert was recorded at Saraswati Studio (Pobiedna, Poland) by Roli Mosimann in 2012. Mixed in Berlin by Olivia Oyama (2013) and mastered by James Plotkin (2015). Cut by CGB at Dubplates & Mastering, Berlin (2015).

Published by Le Petit Mignon. LPM18, 2016.
Originally released on CD by Idiosyncratics, 2013. All rights reserved.

Graphic manipulations and Design by Ben Sanair (La Generale Minerale).

Staalplaat
Kienitzer Str. 108
12049 Berlin
030 41767355
accounts@staalplaat.com

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Release @ Staalplaat

Die Stücke auf Album numero zwei entstanden wohl zum letzten Jahreswechsel, stilistisch knüpfen sie allerdings so stark an den Vorgänger an, dass sie ohne weiteres auch aus der gleichen Session stammen könnten. Beim Versuch, ein Stück Ordnung in das heillose Durcheinander des nicht nur akustischen Strudels an Musikfragmenten zu bringen, könnte man grob drei Arten von Tracks ausmachen: Da sind zum einen wahre Sample-Orgien, kollagiert wie Yoshidas Bilder aus Noisefetzen und allerhand Geschrei aus Radio, Film und TV, die zusammen mit einer rumpeligen Drummachine dafür sorgen, dass es hier etwas lauter als auf dem Debüt zugeht. Schwere Riffs, an Grunge und Doom angelehnt und lediglich Zitat bleibend, bilden eine Kategorie für sich.

Den Hauptteil bildet jedoch das, was man im Hederomeruhen-Kontext Folk nennen könnte: Strumming auf locker gestimmten Gitarrensaiten, bei denen das Instrument ein gewisses Eigenleben entwickelt und dezente Obertöne erklingen lässt, und das durch Beckenrauschen und murmelnden Singsang etwas Beschwörendes a la Magick Lantern Cycle bekommt. Dass der Gesang ab und an in überdrehtes Jaulen übergeht, lässt die Frage aufkommen, wo bei den beiden die Ironie beginnt (denn dass sie eine Rolle spielt, steht außer Frage). Bisweilen entstehen echte Hippie-Idyllen, die erwartungsgemäß nicht sein dürfen, denn analoge Störgeräusche sind dagegen. So wird auch hier das Märchen („Meruhen“) zum namensgebenden Abwasser-(„Hedero“)-Märchen. Als Novy Svet einmal einen wunderschönen Chanson zerquietscht und zersägt hatten, beteuerten sie, die Störsounds seinen der eigentliche Song. Ichiba und Yoshida würden sicher ähnliches sagen.

Ohne kluges Brimborium: Ich finde es gut, dass Hederomeruhen lebt, und ich würde mich über ein paar weitere Fortsetzungen ihrer anarchischen Musik freuen, die kraftvoll und erschöpft zugleich klingt und von der ruhig einmal etwas auf Ecstatic Peace erscheinen sollte. (U.S.)

Label: Hederodata

Ein besonderer Bruch stellte bekanntlich ihre zu Beginn der 90er vollzogene Hinwendung zum Songwriting dar, die sich mit dem Wandel Current 93s vergleichen lässt und eine inhaltliche Verschiebung von esoterischen zu weltlicheren Themen nach sich zog. Bei genauerem Hinsehen hat es allerdings viel häufigere Brüche gegeben, und die gerade über Trips und Träume als LP wiederveröffentlichte „Ars Regia“ markierte Mitte der 80er den Abschluss der rein rituellen Tape-Releases, auf die mit „Kshatriya“ und anderen Veröffentlichungen eine ebenso produktive Übergangszeit folgte, in der Ain Soph zwar noch keine reinen Songalben aufnahmen, aber schon wesentlich extravertierter klangen. Als Mitte der 90er auf dem Höhepunkt ihrer folkigen Phase Mastermind Crucifige aus persönlichen Gründen die Band verließ, ereignete sich ein weiterer Bruch, der Sound wandelte sich in Richtung Rock, die Lebenszeichen erfolgten in weit größeren Abständen und die verbleibenden Mitglieder widmeten sich verstärkt anderen Projekten. Doch nun zurück zum finsteren Frühwerk.

Es ist fraglich, ob man heute noch ein der Alchemie und verschiedenen mystisch/okkulten Traditionen verpflichtetes Album wie „Ars Regia“, dass die königliche Kunst schon im Namen trägt, herausbringen könnte, ohne dass es überkommen wirken oder auf Witch House-Spielereien hinauslaufen würde – in den 80ern, in denen man noch Zeit und Mühen investieren musste, um sich überhaupt einen Einblick in diese Themenwelt zu verschaffen und lange bevor selbsternannte Klassikfans das sakral Düstere für sich entdeckt und trivialisiert hatten, war ein Tape voll ungreifbarer, hintergründiger Dunkelheit wie dieses in all seiner klanglichen Reduziertheit radikal innovativ. Ist man im richtigen Modus für solche Musik, erkennt man in den einfachen Klängen eine große Opulenz. Verwehte Stimmen, die an Choräle erinnern, repetitive, verwischte Bläser- und Streicherklänge und nicht zuletzt gemurmelte Beschwörungsformeln erschaffen zusammen mit den anspielungsreichen Titeln eine Szenerie, in der trotz der beängstigenden Atmosphäre eine starke Erhabenheit erfahrbar wird. Auch wenn eine der Spoken Word-Passagen zeitweise in diabolisches Grunzen übergeht, bleibt die Stimmung doch ausgesprochen dezent und letztlich viel geheimnisvoller als jede plakative Effektversessenheit. Bezeichnenderweise entpuppten sich die Musiker nach dem Verlassen ihrer dunklen Nische auch nicht als Hochglanzgrufties, sondern als virile Psych Rocker mit Sinn für kräftige Farben und anarchischen Humor.

Dass die Musik – auch und gerade, wenn man sie lange nicht gehört hat – noch immer zu wirken weiß, spricht für ihren Ausnahmecharakter. Gehalt, Tiefe, Echtheit und all die abgegriffenen Wörter, die man kaum noch verwenden mag, sind doch angebrachter, als wenn man das Album auf Schnöseldeutsch als ein Stück Erinnerungskultur feiern würde, als bloses Dokument einer Zeit, als musikalische Regionen entdeckt wurden, die heute weitgehend ausgelaugt sind. Denn dafür steht es viel zu sehr für sich. Die Neuauflage erscheint in 200er Auflage, zusammen mit einer 52seitigen Sammlung zum Teil unveröffentlicher Essays, und findet hoffentlich nicht nur Gehör bei denen, die es bereits kennen. (U.S.)

Label: Trips und Träume

Der Beitrag von Stefan Knappe, Martin Gitschel und Helge Siehl alias Maeror Tri, der 1995 aufgenommen wurde und zwei Jahre später erstmals auf CD erschien, ist in seinen drei Abschnitten eine modern-archaische Rite de Passage, die den Anspruch erhebt, den Hörer, sollte er sich auf die Musik und ihre Wirkung einlassen, über die Schwelle eines neuen Bewusstseinszustandes zu führen – große Worte natürlich, die man von der Schlacke all der religiösen Discountmoden bereinigen muss, die die Welt auch nicht gerettet haben, selbst wenn sie so klangen. Die Klangerzeugung erfolgt stets über „herkömmliche“ Saiten- und Perkussionsinstrumente, die jedoch eine vielfältige Verfremdung erfahren und die Musik somit stark an elektronischen Ambient erinnern lassen. Lässt man sich auf die Musik ein, spielen solche Banalitäten ohnehin keine große Rolle mehr.

Der „Initiation“ betitelte erste Teil beginnt ausgesprochen leise und bedächtig. In den ersten fünfzehn Minuten, die einen leicht wellenförmig vibrierenden Klangteppich ausrollen, sollte sich entscheiden, ob der Hörer bereit ist, sich auf den Zustand zwischen Konzentration und Hingabe einzulassen, der zwangsläufig etwas vom Abtauchen ins Un- oder Vorbewusste hat. Irgendwann jedoch schreckt ein unterschwelliges Grollen den Hörer aus seiner Kontemplation, das in rituelles Pulsieren überleitet und die Initiation abschließt. Bis dahin findet man sich bei entsprechender Neigung allerdings schon komplett in der Parallelwelt Maeror Tris wieder. Ist der erste Teil noch von einem ausgewogenen Verhältnis aus wohlklingender Hypnotik und einem kaum bemerkbaren infernalischen Untergrund geprägt, so zielt der weitaus unbehaglichere Mittelteil mit seinen kleinen aber deutlichen Noisespuren und dem Scheppern von Metallobjekten anscheinend auf einen drastischen Stimmungswechsel („Alternation“) ab. Wer hier allerdings glaubt, dem Sturm vor der Ruhe beizuwohnen, den muss der „Expansion“ genannte Schlussteil gehörig irritieren: Was sich da aus dem verwischten Soundnebel herauskristallisiert klingt nach Raketen und entwickelt sich zu einem beinahe luftkriegsartigen Ausbruch – die Entgrenzung eben, die der Titel bereits impliziert, deren Brutalität jedoch überrascht. Freilich bleibt all dies subtil und sollte nicht mit Noise im eigentlichen Sinne verwechselt werden. Erst gegen Ende machen sich harmonische Klangwelten zwischen den Lärmpartikeln breit wie zwischen den Mauern und Säulen eines leerstehenden Gebäudes.

Mit dem Zusatz „Hypnos/Transe“ wurde „Mort Aux Vaches“ soeben bei Raubbau wiederveröffentlicht und meine Enpfehlung geht auch an all diejenigen Kids, die seit Jahren Begriffe wie „Drone“ auf den Lippen tragen, weil jedes zweite gelackte Kunstmagazin darüber schwadroniert – hier kann man sich einen Begriff davon machen, wie solche Musik klang, bevor sie in aller Munde war und über weite Strecken epigonal wurde. Die knapp einstündige Session ist im Grunde Ritualmusik im eigentlichen Wortsinne, fernab herkömmlicher Genrebegriffe. Für rationalere Gemüter ist das freilich nettes, exotisches Kolorit, eignet sich zum kreativen Abschalten und (gerade in der Neuauflage mit dem Artwork von Stefan Alt) als Fetisch für die post-industrielle Sammelwut. (U.S.)

Label: Raubbau

Geröllgeräte, das sind erst einmal eine Menge Fakten, die geklärt werden müssen. Die Vor- und Frühgeschichte versteht unter Geröllgeräten die ersten menschlichen Werkzeuge, die im Paläolithikum aus kaum mechanisch bearbeiteten Steinteilen „gefertigt“ wurden, da sie sich von ihrer natürlichen Form und Beschaffenheit her für bestimmte Funktionen eigneten – gewissermaßen die ersten Readymades der Kulturgeschichte. Unter dem Begriff Geröllgeräte firmieren derzeit aber auch Christoph Petermann und Hardy Küster, zwei im Raum Göttingen geborene Noiser, die den eigentlich überstrapazierten Begriff des genialen Dilettanten auf eine ungeahnt hohe Spitze treiben, oder aber – je nach Reaktion des Hörers – vollkommen ad absurdum führen. Küster begegnete ich erst im Geröllgeräte-Rahmen, seine Webseite macht einen mit seinen Stammprojekten Brot, Hk, Dj Dynamic, Hektor F, Wolfsmaul, The Hardverger, Urban Dirt Exposer, Juan Sohn, Simba, Dj Großvater und Rosenfranz bekannt und erwähnt zurückliegende Kollaborationen mit Faschogirl, 2 Scheiben Brot und Process Geschäftsführer, die mir allesamt nichts sagen, und die ich eigentlich vor Abfassung dieser Review recherchieren wollte.

Sein Kollege Petermann ist vor allem unter dem Namen Kakawaka bekannt und gerade im Hauptstädischen Raum auch etwas bekannter, wo er die Szene zudem als Kurator für ostasiatische Noise-Acts bereichert. Ich weiß nicht, ob ich ihn als den einzig wahren Harsh Noise-Comedian bezeichnen darf, wahrscheinlich nicht, aber ich tu’s. Mit Grillgabel, Luftballons, Kontaktmikro und einer Reihe an Effekten produziert der musikalisch z.T. in Japan sozialisierte Künstler eine Spielart des Rhythm Noise, die am besten im Rahmen von Performances funktioniert, in denen fantasievolle Outfits für’s Kongeniale sorgen – oder gar kein Outfit, wenn man Gerüchten über das letzte Avantgarde Festival in Schiphorst glaubt. All dies ist ebenso kraftvoll wie komisch, aber keineswegs nett-lustig oder sonst irgendwie trivial. Ein Kakawaka-Konzert frühmorgens hat mir schon einmal eine Nacht gerettet, in der ich zuvor dreimal die Einstürzenden Neubauten der 90er live erleben durfte.

Als Geröllgeräte erteilen die beiden, unterstützt von Maja Szerszen, die sich um das Visuelle kümmert, jüngst allen Musikern des Steinklang-Labels eine Lektion: Auf jedem Album (es gibt bisher zwei) wird der typische Sound eines Steinbruchs im Kreis Göttingen mittels Gegeneinanderwerfen, Rollen, Schlagen und Schütten herumliegenden Gerölls „erforscht“. Ich gebe „Emmenhausen“ den Vorzug vor „Ossenfeld“: Hier ist einerseits der Rest handwerklicher Bearbeitung und die daran gekoppelte narrative Ebene (schon im Artwork) präsenter. Andererseits ist die Klangerzeugung konsequenter auf die Steine reduziert, wenngleich die Ossenfelder Flugobjekte (Vögel und sonstiges) eher zufällige Faktoren sind, deren Einbezug der Idee entspricht, wie bei den archaischen Namensgebern auf nachträgliche Bearbeitung zu verzichten. Wie bei David Jackman, der im Rahmen der mittleren Organum ähnlich arbeitete, hat man bisweilen das Gefühl, einen Film ohne Dialoge im Hintergrund laufen zu lassen. Und wem das zu arty klingt, den mache ich genre mit dem kleinen Pferdefüßigen auf meiner linken Schulter bekannt, der die ganze Zeit von einer großangelegten Persiflage auf Konzeptkunst faselt.

Neben dem Verzicht auf Soundbearbeitung, Produktion und Mastering wird auch keine taktische Instrumentenauswahl getroffen, um die beiden Schauplätze künstlich zu kontrastieren, man greift eben auf die Steine zurück, die da sind, und die ähneln einander wie ein Thomas Bernhard-Satz dem nächsten oder ein Bassriff von Sleep und Om seinen tausend Pendants auf dem nächsten oder übernächsten Album. Ich hoffe, dass das so bleibt und bin ganz gespannt auf die erste konzertante Inszenierung in einem weiteren Steinbruch der Region, die diese kulturelle Aufwertung hoffentlich zu schätzen weiß.

Label: C+H Productions