Ich weiß nicht, wie oft Kollegen schon hervorgehoben haben, dass bei Synthpop seit der ersten Retrowelle der 90er die Spuren der Entstehungszeit deutlicher zu hören sind als die aufgesetzten Eighties-Referenzen, außer bei der einen bestimmten Band, die wie ein aus der Zeit gefallenes Original klingen soll. Ich behaupte etwas ähnliches zumindest von weiten Teilen des neuen Miracle-Albums „The Strife Of Love in a Dream“, und ich vermute, dass all dies gerade deshalb so gelungen ist, weil Sänger O’Sullivan und Producer Steve Moore, die unter dem Namen bereits ein Album und einige kleinere Releases draußen haben, das ganze Retroding wahrscheinlich gar nicht so sehr auf dem Schirm hatten.

Lässt man dies dann auch mal außer Acht, fällt u.a. der Reichtum an überraschenden Ideen auf, die den Songs eine Tiefe geben, die weit über catchy Hooklines und traurigschöne Refrains hinausgeht. Viele Besonderheiten der Stücke finden sich beim Gesang und den Rhythmen, kleine Brüche, die das New Romantec-Idyll von innen subtil unterwandern und so erst zu dem machen, was schon in der alten Zeit Wegmarken von besseren Schlagern unterschied. Beim markanten Opener „Parsifal Gate“ wirkt die Stimme mittels Bearbeitung leicht verwaschen, bei der Single-Auskopplung „Light Mind“ sind die melodischen Vocals leicht nach hinten gemischt, und in beiden Tracks nimmt die Rhythmussektion einen für solche Musik doch etwas dominanteren Part ein – nur leicht über dem Üblichen, doch wirkungsvoll genug. Dass Gast-Drummer A.E. Paterra vom (Post-)Rock kommt, zeichnet sich ab und ist ein Grund, warum ich manchen Vergleichen mit den doch weitaus statischeren Sisters of Mercy nicht nachvollziehen kann.

Eine weitere Spezialität, die sich erst im Verlauf des Albums etwas deutlicher bemerkbar macht, ist das Ambient- oder Drone-Fundament, das manche Nummern (wie „The Seventeen Nineties“ mit seinen orchestralen Untertönen und dem leichten Hang zum Dubstep oder das hinter schlaftrunkenem Gesang dunkel dröhnende „Sulfur“) subtil prägt, anderen aber eine fast filmmusikartige Aura geben: In „Night Sides“ mischen sich unruhige Klangflächen mit Klagegesang und orientalisch anmutenden Streichern und kreieren eine spannungsvolle Atmosphäre ganz eigenen Charakters. Ob dies der Anknüpfungspunkt für den entrückten Longtrack „Angelix“ ist, der am ehesten aus dem Synthie- und Wave-Rahmen fällt und einem gegen Ende in noch tiefere Traumschichten entführt?

Ein fantastisches Popalbum für verzagte Kopfhänger mit Sehnsucht nach einer alchemistischen Verwandlung der Wirklichkeit oder dessen, was man dafür hält – dies wäre mein Slogan, wenn ich Werbung für „The Strife…“ machen müsste, das beim Post Metal-Label Pelapse hoffentlich nicht sein Publikum verfehlen wird. Und ich würde wahrscheinlich noch hinzufügen, dass manchmal weit mehr als Beliebigkeit entsteht, wenn einst unvereinbare Musiktraditionen immer näher zusammenrücken.(U.S.)

Label: Relapse Records

Insgesamt wurde ihre Musik über die Jahre vielschichtiger und opulenter, auch wenn man dies als tendenzielle Entwicklungen betrachten muss, denn der schlichte, unverquaste Folksong ist nach wie vor ihr Metier, und daran ändert sich auch in ihrem neuen Album „July“ nichts. Die ebenso schmerz- wie lustvolle Auslotung dunkler Gestimmtheiten, das Erleben von Dekadenz und Resignation sind auch diesmal ebenso prägend wie ein offenkundiges Ringen um Hoffnung. Thematisch ist „July“ das am ehesten autobiografische Album der Amerikanerin, denn im Unterschied zu den mythischen Alter Ego-Figuren ihrer frühen Balladen ist das lyrische Ich hier das Medium der Sängerin selbst, die ganz direkt, wenn auch in einer von Andeutungen lebenden Bildsprache, eine gescheiterte Beziehung und einen persönlichen Neustart zum Thema macht.

Eines der wiederkehrenden lyrischen Motive ist das – mal panische, mal gefasste – Nachdenken über die Zeit als Inbegiff des Vergehens und Zurücklassens, das in stets neuen Bildern des Zerfalls anklingt, aber auch im nostalgischen Ausmalen vergangener Ereignisse und lange verlassener Orte. Dass diese Bilder in einem leicht verblassten Sepiaton erscheinen, liegt sicher mit an dem etwas fülligeren Klangbild, das sich zum einen Produzent Randall Dunn verdankt, zum anderen den kaum direkt spürbaren Beigaben von Steve Moore, einem Keyboarder mit Sinn für dezent orchestrale Töne. Vom verrauschten Klang in „Little Hells“ ist dies ebenso weit entfernt wie vom rein akustischen Sound des Debüts. Mit seinen dichten Streicherklängen bekommt „1923“ den Beiklang alter, melodramatischer Filmepen, zugleich aber auch eine gewisse Reife, die in früheren Alben nicht denkbar gewesen wäre. Songs wie „We are coming back“ oder „Dead City Emily“ jedoch, die etwas luftiger gestaltet sind, hätten in ihrer gedrosselten Wehmut fast auf eine frühe Platte gepasst. Wie vermehrt in jüngeren Jahren finden sich auch hier Popstücke, die an Songs der 60er erinnern, „Was it a dream?“ könnte das Cover einer unbekannten Westcoast-Ballade sein und unterstreicht die musikalische Entdeckerfreude, mit der die Sängerin, deren Musik nach wie vor im Lande Hawthornes und Lovecrafts zuhause ist, zu Werke geht. Vielleicht am ehesten unverändert ist die vertraute Laidback-Atmosphäre, die sich immer wieder in Melodien und dem unakkuraten Klang der Steelgitarre ausdrückt und letztlich dem Countryelement geschuldet ist. Einem lyrisch unverblümten Song wie „Firecracker“nimmt dies einiges von seiner Düsternis.

Man kann sicher in den Chor vieler Kollegen einstimmen und den innovativen Charakter von „July“ betonen und darüberhinaus auf die bisher unerreichte Dunkelheit verweisen. Aber man muss es nicht, denn in Wirklichkeit bewegt sich Nadler viel eher kontinuierlich weiter, vermeidet radikale Brüche und baut Eigenschaften aus, die in der einen oder anderen Form schon immer Teil ihrer Musik waren. „July“ ist das selbsbewussteste und bislang reifste Werk der Musikerin, was zum Glück ohne komplette Neuerfindung gelungen ist.

Label: Sacred Bones