„Sleep Of Reason“ ist ein aus drei Teilen bestehendes Album: Da sind einmal die ersten sechs Stücke, auf denen das Sacconi Quartet Tennants Gesang begleitet. Der getragene Opener „Phantoms and Monsters“ ist eine angemessene Einführung in das Thema/Album: „I fell into a / deep sleep of reason / Anything broken made sense / Violence / Ambition / Greed“. Zurecht meint Springer in einem Interview: „The first track represents the darker side of humanity.“ Auf dem darauf folgenden „A Witch and a Devil“ verkündet Tennant: „The greed for luxury / never ceases to astonish“ und auch das lapidar betitelte „Truth is for Losers“ knüpft daran an: „Truth is expensive / A lie is there for free“. Eher humorvoll ist das kurze „Schmutzig“. Das fast siebenminütige „My Friend the Monster“ und „The Madness of the Summer“, mit dramatischen Streicherpassagen, beenden diesen Teil des Albums. Tennant erinnert manchmal von der Art des Vortrag(en)s ein wenig an Marc Almond. Der Mittelteil besteht aus den drei Stücken „Morn“, „Noon“ und „Night“, auf denen lediglich das Streichquartet zu hören ist, und das  musikalisch und von der erzeugten Stimmung klar an die ersten sechs Stücke anknüpft. Abgeschlossen wird das Album von den vier Klavierkompositionen „Break“, „Flight“, „Dark“ und „Moon“, die von einer größeren Leichtigkeit geprägt sind; Springer schreibt, es gebe eine “fractured unity between the piano music and the quartet and quintet.” (MG)

Label: Sub Rosa / Exit Label

Die Zusammenarbeit zwischen beiden ist laut Label geprägt von einem spannungsvollen Wechselspiel aus intuitiver Ausdruckskraft und präziser kompositorischer Gestaltung. Tennant beschreibt seinen lyrischen Ansatz als eine Reflexion über die Albträume Goyas im Kontext heutiger Medien- und Popkultur: “Die Kunstwerke sind eine satirische, grausame, albtraumhafte Darstellung der Politik, Korruption und Kultur seiner Zeit. Die Texte von ‘Sleep of Reason’ greifen diese Thematik auf – sarkastisch und traumhaft, mit einem Blick zurück auf Goyas Visionen, aber auch auf meine eigenen Erfahrungen in der heutigen Populärkultur und Medienwelt, in der ich die Monster gefunden habe, die Goya in seinen Träumen sah. Es fühlt sich oft so an, als würden wir in einer Ära leben, die von Monstern dominiert wird – mit grotesken Egos, die sich ungefiltert und unwahr durch soziale Medien brüllen und eine Spur der Verwüstung hinterlassen. Vielleicht war das aber schon immer so”. Das Album erscheint auf CD und Vinyl.

Musikalisch entsteht ein dramatisches Spannungsfeld zwischen harschen modularen Synthies, einem Streichquartett und rezitativen bis kabarettistisch anmutenden Performances. Die sieben Tracks des Albums gliedern sich wie Kapitel einer erzählerischen Struktur, die zwischen sarkastischer Gesellschaftskritik und beklemmender Intimität changiert. “That Moment” entfaltet dabei immer wieder Szenen, in denen epische, kathartische und magische Augenblicke aufeinanderprallen. Beteiligt an der Produktion sind G.W. Sok (Vocals), Pavel Tchikov und Stéphane Diskus (Modular Synth), Maritsa Ney und Roxane Leuridan (Violine), Nathalie Angélique und Timba Harris (Viola) sowie Eugénie Defraigne (Cello) – Musikerinnen und Musiker, die z.T. bereits in verschiedenen Konstallationen (The Ex, Oiseaux-Tempetes u.a.) aktiv waren.

Die dramaturgische Gestaltung und das Artwork stammen von Jean Vangebeergen. “That Moment” erscheint als Doppel-LP, CD und zum Download.

Essyad, der in Salé, Marokko, geboren wurde und in Paris ausgebildet wurde, ließ sich laut Label nicht auf einfache Fusionen von Ost und West ein. Für ihn ging es darum, Räume zu schaffen, in denen eine eigenständige musikalische Sprache jenseits eurozentrischer Paradigmen existieren kann. Die Anthologie zeigt seine Auseinandersetzung mit nordafrikanischen Traditionen, die er weder folkloristisch noch exotisierend behandelte, sondern als Impuls für musikalische Innovation nutzte. Essyads Arbeiten klingen subtil und verspielt, überraschen aber zugleich mit klanglicher Dichte und hektischen Passagen. Die Verwendung von Synthies prägt diese Werke ebenso wie die Einbindung von Stimmen und ethnomusikalischen Elementen. Das Stück “Toubkal” (1972) reflektiert Essyads ethnomusikologische Forschung und seine Beschäftigung mit Geste und Klangfarbe. In “Sultane” (1973) wechseln dichte rhythmische Abschnitte mit langsameren Passagen, in denen elektronisch verfremdete Stimmen auftauchen, darunter auch Essyads eigene. Mit “Lectures pour bandes magnétiques” (1974) widmet er sich dem poetischen Ausdruck, basierend auf Texten von Rainer Maria Rilke und Bona de Mandiargues, wobei die Stimme als zentraler Ausdruck des Körpers hervorgehoben wird. Das Album erscheint in den gängigen Formaten und bietet einen Einblick in Essyads Experimentierfreude und seinen ganz eigenen Ansatz, Tradition und Technologie miteinander in Dialog zu bringen.

Ferner heißt es: “Das belgische Nadar Ensemble, das Prins mitleitet, zeigt einmal mehr, warum es ein so gefragtes Ensemble auf der internationalen Konzertbühne und einer von Prins‘ wichtigsten musikalischen Botschaftern ist. [...] inhabit ist einmal mehr ein Beweis dafür, wie Prins, dessen Werke weltweit von einigen der berühmtesten Musiker, Ensembles und Orchester aufgeführt werden, weiterhin am Puls der zeitgenössischen Musik bleibt. Seine Kompositionen bieten eine erfrischende, packende und durchweg überraschende Erkundung der zunehmend durchlässigen Grenzen zwischen der akustischen und der elektronischen Welt”. Die Veröffentlichung ist eine Koproduktion Sub Rosas mit Deutschlandfunk Kultur und BBC Radio 3 und wurde durch die Unterstützung der Flämischen Gemeinschaft (Flanders State of the Art), des Nadar Ensembles, des Ensemble Mosaik und des EnsembleKollektiv Berlin sowie natürlich aller beteiligten Musiker realisiert. Das Album enthält ein Booklet mit einem Text der Autors Joep Christenhusz und ist auch zum Download erhältlich.

Die Tracks führen laut Begleittext “Lärm als Rhythmus in neue, verschwommene Gebiete, indem sie die Essenz des akustischen/elektronischen Klangs in trockene Hüllen zerlegen und sie in seltsam harmonischen und hypnotischen Strukturen organisieren.  Eine radikale Kollision von Instrumentenmanipulationen, berauschender Elektronik, Feldaufnahmen und herzlichen Ambient-Klanglandschaften ist Teil einer rätselhaften, dissonanten Lo-Fi-Bewegung, die aus den Betonwänden zu sickern scheint”. Das Album erscheint als CD und zum Download.

@ Sub Rosa

Genau genommen wäre hier die Vergangenheitsform korrekt, denn Kosmose sind eine heute leider viel zu unbekannte französische Band der 70er, welche die auf dem vorliegenden Release präsentierten Konzerte Mitte des Jahrzehnts aufführten – mit spärlichem Instrumentarium aus Gitarren, verschiedenen Folkinstrumenten, diversen Effekten und einem Filmprojektor, ganz der DIY-Attitüde ihrer frühen Zeit entsprechend.

Die wabernden, leicht orientalisch anmutenden Gitarrenornamente und die entrückten Flöten wiegen den Hörer noch in einem hippiesken, halb futuristischen, halb vormodernen Märchenidyll, das auch von feinsinnigen Synthiemelodien und kernigen Bassläufen nicht gestört wird, und sich doch als trügerisch entpuppt. Die Verzerrtheit, in die die Stimme der Sprecherin mit der Zeit kippt und der apokalyptische Wind, der auch schon durch die schöneren Passagen weht verät schon, dass das Infernalische bald mit marschierenden Snaredrums und aufwühlenden Wahwahs in diese Welt einbrechen wird und sie in eine noisige Dystopie verwandeln wird.

Der die zweite Scheibe füllende Mitschnitt geht unmittelbar zur Sache, lässt tolle Melodien auf der elektrischen Gitarre mit Verzerrtheit verschmelzen und Handperkussion dazu erschallen. Doch nach ein paar Minuten verklebt all dies zu einem zähfließenden Soundbrei, der von stoßender Perkussion nach wie vor vorangetrieben wird. Stringenter und weniger episodisch als das andere Stück, steuert dieser Mitschnitt ststig auf einem noisgen Höhepunkt zu, doch zwischen all dem Kratzen und Reiben nahe der Musique Concrète und den hämmernden Freakouts ist immer wieder Raum für Jethro Tull-Flöten, mittelalterliche Arrangements und ambientes – kosmisches – Schweben.

Nicht nur für den kosmischen Bandnamen, sondern auch für den Titel gilt Nomen est Omen, denn die beiden Longtracks erblicken hier erstmals das Licht einer größeren Öffentlichkeit. (A.Kaudaht)

Label: Sub Rosa

“The link between music, sound and the paranormal is manifested in many different ways. Gerard van der Leeuw, the Dutch historian and philosopher, wrote “Music represents the great struggle of reaching the wholly other, which it can never express”. Furthermore, “The effect of music on the emotions is so mysterious as to seem magical. There is no logical explanation why a particular combination of musical notes, whether in the form of a tune or of a simple chord, can affect the heart. Nothing in nature has perhaps so persistently resisted explanation“, as said Derek Parker, the British journalist. Since music is arguably the most intangible of the arts and since the paranormal, in all its manifestations, continues to intrigue people, the placing of these two subjects together seems obvious. This second volume of musical and audio anomalies continues and expands upon the works initially reproduced in the latter. Rosemary Brown makes a welcome re-appearance, especially with a performance of Grübelei via Liszt, as well as the Caruso-inspired tenor Leo May making a repeat performance. Few people realize that both Anton LaVey and Aleister Crowley were quite fine musicians and Alex Sanders was also interested in music. The background music of Wagner’s Tannhäuser used by the latter combines both pagan and Christian elements. So close your eyes and let the magic of sound take over!” (Sub Rosa) 

“In those early days, DAAU consisted of four young, classically trained musicians who tackled their instrumental compositions with a true punk spirit. ‘If we’d had guitars, bass or drums at that time, we would probably have been just another rock band’, says accordionist Roel Van Camp, who, together with his schoolmates Buni Lenski on violin, the latter’s brother Simon on cello and Han Stubbe on clarinet made up the Antwerp quartet. ‘With our acoustic instruments we tried to create our own version of the music we loved listening to, from sixties rock and prog to new wave.’ The quartet, which initially played in streets and cafes, appealed to a diverse audience and sometimes joked that they were a classically trained unit that had ‘gone off the rails’. ‘As befits teenagers, we wanted to shake things up’, Stubbe remembers, ‘even though we always kept cherishing our classical backgrounds.‘ Van Camp: ‘Our education was never supposed to feel like a straitjacket. We were free-spirited enough to ignore the laws and regulations of the music academy and to create our own sound. Our compositions were open to influences from Roma music, Eastern European folk, klezmer and jazz’. ‘That eclecticism was a direct result of the zeitgeist‘, Han Stubbe adds. ‘We loved different styles and happily mixed them together’.

The monniker Die Anarchistische Abendunterhaltung was derived from Steppenwolf, a novel by German writer Hermann Hesse about a character who was outside society. ‘In the book, the narrator talks of a theatre’, Van Camp explains. ‘And at the entrance there is a warning sign that says: if you go in here, you are guaranteed to lose your mind. That was an apt description of the way our music worked’. Almost all tracks on DAAU’s first album were ‚Drieslagstelsels’ (or ‘three-course rotations’). The term referred to an agricultural method of the early Middle Ages, but also to the fact that each song of the group consisted of three major movements. Van Camp: ‘The titles of those pieces referred to our method of writing. We piled up a huge bunch of ideas, because we wanted to tell more than just one story. With each composition, we took the listener for a ride’.” (Sub Rosa)

@ Sub Rosa

Rosa Brunello (Kontrabass), Tommaso Cappellato und Özün Usta (beide Drums), Piero Bittolo Bon (Altsaxofon / Elektronik), Rasmus Svale Kjærgård Lund (Tuba), Els Vandeweyer (Vibrahon), Daniel Gahrton (Baritonsaxofon) und Isak Hedtjärn (Klarinette) zu hören. Bereits als Single ausgekoppelt ist das Stück “Trembler”, ein kraftvoll hymenhafter Hybrid aus Jazz und Einflüssen vorderasiatischer und ägyptischer / nordafrikanischer Musikarten. Zur stilistischen Entwicklung Loucas heißt es beim Label “For Louca, Elephantine serves as both the pinnacle of his wide-ranging experience and a bold next step in his development as a composer, arranger and bandleader, from Cosmic Jazz, African and World music to transcendental modal traditions. The music-from its pensive lulls through its stretches of hard-grooving hypnosis and moments of avant-jazz”. Das Album erscheint in den gängigen Formaten bei Sub Rosa mit Artwork von Lena Czerniawska.

@ Sub Rosa