Greg Anderson und Stephen O’Malley arbeiten seit den späten 90ern unter dem Namen Sunn O))) und reduzieren ihr Projekt mittels E-Gitarre, Bass und Synthesizer auf einen Kern aus Drone und extrem verdichteten Powerchords. Rhythmus und konventionelle Songstrukturen treten zugunsten lang ausgehaltener, verdichteter Klangflächen zurück und sind partiell kaum wahrzunehmen. Die Aufnahmen zum neuen Album entstanden mit hohem technischem Aufwand und einer Vielzahl übereinandergeschichteter Gitarrenspuren, die teils über größere Distanzen im Außenraum erneut aufgenommen wurden. Veröffentlicht wird das Album bei Sub Pop. Der allgemeine Vorverkauf für das Konzert beginnt am 23.2.2026.

Dienstag, 07.07.2026
Beginn 20:00 Uhr
Betonhalle, Silent Green
Adolfstraße 28
13347 Berlin

@ Facebook inkl. Ticketlink 

zugleich des offenen, ambitionierten Anfängertums – man darf sich darunter wohl (auch) so etwas wie (nicht zwangsläufig stilistisch zu verstehende) eine Rückkehr in die Anfangstage des Duos vorstellen, als O’Mallay und Anderson ihre ersten Konzerte im Alleingang spielten. Eröffnet wird der Abend von der in Stockholm lebenden amerikanischen Komponistin Kali Malone, an deren aktuellem Album “Does Spring Hide Its Joy” (Ideologic Organ 2023) u.a. auch O’Malley als Gitarrist mitwirkte. Das Konzert wird von CTM veranstaltet.

Mittwoch, 13.09.2023
Beginn 19 Uhr
Berghain / Panorama Bar
Am Wriezener Bahnhof
10243 Berlin

@ Facebook

@ Southern Lord

Sunn O))) spielten insgesamt drei Stücke ein: „Pyroclasts F“, „Pyroclasts C#“ und „Troubled Air“. Unterstützt wurde die Band von Anna von Hauswolff am Synthesizer und mit Gesang.

“SUNN O))) had developed the compositions extensively, embracing the formative concepts of the Life Metal album conceptually and emotionally, but actualised and evolved into vast, open and bright hypersaturated arrangements. Particularly the pieces the band chose to perform on this recording: Troubled Air and Pyroclasts. The former enriched into a total aspect of the band’s ethos and form in many ways, and Pyroclasts had evolved to become all-inclusive radiation of O))). The radiation embraces collaboration and freedom of interpretation by each player, within a structural format of the massive monuments of sound and distortion which define SUNN O))).”

Das Album wird in verschiedenen Formaten erscheinen: als Download, CD und in drei verschiedenen Vinylversionen.

@ Bandcamp

@ Bam Balam

„A Szarka (A Magpie)“ beginnt direkt mit perkussiver Wucht. Inmitten der typischen verzerrten Gitarren gibt das Schlagzeug dem Stücke eine ziemliche Dynamik. Dann setzt Csihars Stimme ein, die in ihrer Wandlungsfähigkeit aufs Neue beeindruckt: Er brüllt und kotzt seine Wörter aus, nähert sich im Laufe des Tracks einem Death Metal-Growl. „Elavúlt Földbolygó (World Out of Date)” knüpft musikalisch daran an. Zu der fast manischen Perkussion und den Gitarren schreit, grummelt und singt Csihar wie ein Besessener, dessen Stimmen Legion sind. „A Karma Karmai (Karmas Claws)“ ist ein eineinhalb Minütiges Interludium aus flächigen Momenten mit fast schon engelshaften Chormomenten, die in scharfem Kontrast zu Csihars dämonischen Intonationen/Invokationen stehen. Auch „Domino“ ist kurz und ambient, aber mit seinen leicht dissonanten Loops atonaler. Auf dem Titelstück „Áthatolhatatlan Félelmek (Impassable Fears)“ erinnert Csihars Gesang anfangs vielleicht noch am ehesten an Black Metal-Gekreische, hier untermalt von an Noise erinnernde Passagen, bevor O’ Malleys Gitarre einsetzt und die Stimme dunkel-grollelnd wird, dann wieder ins Opernhafte übergeht, ganz so, als wolle er die Bandbreite, die er auf „De Mysteriis Dom Sathanas” auf acht verschiedenen Songs zeigte, hier auf einem Stück kondensieren. Der Abschlusstrack „Az Örök Végtelen Üresség (Eternal Endless Void)“schließlich ist wieder eine eher im Ambient verwurzelte Nummer: In weiter Ferne dröhnen fast sphärische Klänge. Der russische Maler Denis Forkas Kostromitin – dessen Bilder auch die eine oder andere Ex Occidente Press-Publikation geziert haben und der auch auf dem Cover des demnächst erscheinenden neuen Wolves in the Throne Room-Albums zu sehen sein wird – illustriert die auf dem Album vorherrschende Stimmung mit seinem Gemälde ” Baldrs Draumar. Eljuðnir “ganz gut.

Gerade in der Liveumsetzung hat man bei Musik wie dieser den Eindruck, es sollten quasitranszendent(al)e Zustände erzeugt werden. Csihar selbst spricht von einer “spirituellen Erfahrung” und Gravetemple schreiben: “Gravetemple is a sacred metaphor & psychedelic spiritual abstraction”. Man sollte aber hier nicht an New Age-Kitsch oder billigste postmoderne Bricolagemetaphysik denken, sondern sich viel eher auf eine Konfrontation mit dem Abgrund, der „eternal endless void“, vorbereiten. (MG)

Label: Svart Records

Ein Grund, warum man die vorliegende Kollaboration von Oren Ambarchi, Massimo Pupillo und Stefano Pilia, über deren zahlreiche Zusammenarbeiten (siehe tags am Fußende der Besprechung) man ein dickes Buch schreiben könnte, nicht unbedingt Postrock nennen sollte, liegt in der Tatsache begründet, dass die Bewegungen auf “Aithein” nicht hinter einem milchigen Film verborgen sind und ihnen jeglicher lustlose Phlegmatismus fehlt.

Aufgenommen wurde das Werk vor zirka einem Jahr bei einem Konzert in Bologna, und dem Titel sowie einigen spärlichen Angaben zufolge sind die beiden Tracks von verschiedenen Konzepten des Äthers inspiriert, einem Element, dass nach  antiken Kosmologien den Weltraum ausfüllt und als reine Form von Feuer ebenso wie von Luft betrachtet wurde. Etymologisch abgeleitet ist der Begriff dann auch vom Verb αἴθειν für “glühen”, das hier als Titel verwendet wurde. Ebenso dachte man, dass der Äther die basale Substanz der Planeten und Sternen bilde, und in der Dynamik eines planetarischen Entstehungsprozesses könnte man eventuell einen Bezug zur in der Musik vollzogenen Bewegung sehen.

Das gut zwölfminütige “Burn” ist noch recht verhalten und wirkt auf den ersten Eindruck wie ein Intro: Zwei Gitarren, die sich über weite Strecken geradeso als solche zu erkennen geben und auch der Stille ihren Raum lassen, zeichnen unbestimmte, dezente Figuren in den Raum, bei denen man angesichts des Titels an das Ausbrennen einer Glut denken mag, doch dies ist trügerisch – unterschwellig lodert es immer deutlicher, die Sounds geraten mit der Zeit lauter, brennender, schmerzhafter, selbst kleine Eruptionen finden statt, auch ohne die Drums, auf die man schon sehnlichst wartet. Immer mehr erinenrt das Stück an ein Glühen, das jederzeit in einen offenen Brand übergehen kann, und das wird es auch – am Übergang zu Shine, dass das eigentliche Hauptstück des Albums ist.

Bei dem inhaltlich zweigeteilten Stück greift Ambarchi dann auch zu seinen Drumsticks: Verspielt und minimalistisch wird zunächst nur mit den Hihats Spannung erzeugt, das Rumoren von Bass und Gitarre zeigt, dass sich hier etwas Größeres zusammenbraut, und nachdem sich die Perkussion auf eine etwas zerfranstere Struktur eingespielt hat, registriert man irgendwann ganz schnell den Zuwachs an Intensität. Heftige Trommelwirbel und eindringliche repetitive Melodie-Patterns, Soli, die streckenweise wie Schreie klingen, all dies und einiges mehr bis zum tosenden, ekstatischen Höhepunkt. Natürlich geht es noch weiter – tänzelnd, knarrend, zunächst ein kleines Nachbeben, dann beinahe so heftig wie vor den Knall und zum Schluss sogar für Minuten so etwas wie Rock.

Zuverlässigen Angaben zufolge sollen von den 180 chicen schwarzen Scheiben nur noch wenige zu ergattern sein, der Rest ist Bandcamp. (U.S.)

Label: Karlrecords

Die acht Stücke auf “Aynama-Rtama” sind wie kleine Vexierbilder, denn stets beginnen sie solide und greifbar und entpuppen sich im Verlauf doch immer als Irrgärten mit vielen unberechenbaren Abzweigungen. “Holako” geht gleich zur Sache und umgeht jedes langatmige Intro. Loucas Tasten und die hypnotische Oud von ex Sunn O)))-Supporter Khyam Allami legen das Fundament für Tamer Abu Ghazalehs leidenschaftlichen Gesang, Bass und eine treibende Drumsection kommen hinzu und bauen ein stabiles Songgebilde auf, nur um es am Ende, nach einigen kleinen Detonationen, explodieren zu lassen. Ich weiß nicht, ob sein textlicher Inhalt auch so destruktiv ist, der Text aus der Feder des irakischen Dichters Sorgon Boulus jedenfalls besingt einen Hulagu – so hieß auch der Mongolenführer, der im 14. Jahrhundert Boulus Heimatstadt Baghdad und mit ihr das Abbassidenreich in Schutt und Asche legte (aus Gründen des Respekts wurde die Kalifenfamilie nicht enthauptet, man wickelte sie stattdessen in Teppiche und ließ sie von einer Herde Pferde zertrampeln, aber das nur am Rande.)

Alle Songs haben ihren eigenen Charakter, steht bei einen mehr der Rhythmus in Zentrum, so ist es bei anderen der basslastige Groove, das gekonnte Zusammenspiel von Oud und Buzuq oder die berührenden Gesangsmelodien, bei denen Abu Ghazaleh stilvoll die Vokale langzieht und an ausgewählten Stellen schon mal ins Falsett kippt. Ich bin eigentlich niemand, der darauf Wert legt, dass jeder Ton immer an der richtigen Stelle sitzt, doch hier – sei es bei den Ornamenten des Oudspiels oder beim Stimmeinsatz – beeindruckt die Präzision schon deshalb, weil sie die Musik immer wieder in die Entgrenzung führt. Mal kulminieren Songs in eruptiven Höhepunkten, in denen für Augenblicke alle Regeln suspendiert scheinen, dann wiederum gleiten die instrumentellen Muster immer mehr ins spontan Improvisierte, bei dem man einen gewissen Jazzcharakter herauszuhören meint und alles wie ein chaotisches Jam wirkt.

O’Malley hat in den vergangenen Jahren zahlreiche Soloaufnahmen gemacht und während Partner Greg Anderson sich auf Southern Lord stärker „traditioneller“ Labelarbeit gewidmet hat, war der inzwischen in Paris lebende O’ Malley oft im Kontext von Museen, Gallerien und Theater unterwegs.

Bei dem an Umlauten reichen Projekt ÄÄNIPÄÄÄ arbeitet er mit Mika Vainio zusammen; vor einigen Jahren hatten Sunn O))) zusammen mit PanSonic anlässlich der 10′-Reihe zu Alan Vegas 70. Geburtstag schon zusammen Suicides „Che“ interpretiert. Vainios Discographie ist ebenfalls umfangreich und von einer ähnlichen Lust am Experiment und an der Überschreitung von (Genre-)Grenzen gekennzeichnet wie die O’Malleys.

Das 20-minütige „Muse“, mit dem das Album beginnt, lässt Raum, ist transparent: ein schleppender Beat, eine kaum verzerrte Gitarre. Dann beginnt Khanates Alan Dubin mit der Rezitation eines Textes der russischen Autorin Anna Andrejewna Achmatowa, wobei sich der Vortrag anfangs bizarrerweise wie eine alte Wachszylinderaufnahme von Crowley anhört. Nach kurzer Zeit allerdings meint man dann einen verzweifelten Kastraten zu hören, bevor markerschütternde, fast entmenschlichte Schreie beginnen. Dubins Gesang ist aufgrund der recht kargen Instrumentierung stärker im Vordergrund als bei seiner Stammband und klingt dann auch noch irritierender und verstörender. Inmitten der Geräusche und Echos glaubt man dann tatsächlich, man werde Zeuge von etwas extrem Schmerzvollem. Das instrumentale „Toward all Thresholds“ ist dagegen dichter, die unruhigen Drones lassen entfernt an David Jackman denken, bevor nach sieben Minuten Gitarren und Beats einsetzen und das Stück hektischer wird. „Mirror of Mirror Dreams“ ist wesentlich zurückhaltender, teilweise kontemplativ – fast möchte man das als Ambient bezeichnen – und die von Eyvind Kang – der auch schon auf Sunn O)))s bislang letztem Studioalbum „Monoliths and Dimensions“ mitgewirkt hatte – arrangierten Streicher lassen kurzzeitig sogar, was die Stimmung anbelangt, an Christoph Heemanns und Andreas Martins leider nicht mehr aktives Projekt Mirror denken. Das ist dann die Ruhe vor „Watch Over Stillness/Matters Priciple“: Riffs, Beats und der erneut wahnsinnige Gesang Alan Dubins. Damit knüpft man klar an „Muse“ an. Irgendwann dann flüstert er nur noch und die Gitarren erinnern an das, was O’Malley sonst mit/bei Sunn O))) macht. Sehr starke Platte, die Epigonen ganz klar auf ihre Plätze verweist.

M.G.

Label: Editions Mego

In Kollaborationen fühlten sie sich ebenso zu experimentierfreudigen Metalkollegen wie Malefic (Xasthur) und Attila Csihar (Tormentor, Mayhem, Void ov Voices) hingezogen wie zu Künstlern abstrakterer Art wie John Wiese und Merzbow. Daraus entstanden Gemeinschaftsarbeiten, bei denen die Beteiligten stets zu einer temporären Einheit verschmolzen sind, was den Kompositionen meist zugute kam. Bestes Beispiel die „Altar“, bei der Sunn O))) und die japanischen Boris einen Stil hervorbrachten, der kaum synthetisiert wirkte, sondern eher wie die Handschrift einer neuen Band. Nurse With Wound in der Inkarnation von Steven Stapleton und Colin Potter zählten sicher zu den prominentesten und profiliertesten Aufbereitern, als sie sich vor dreieinhalb Jahren das damals schon ältere (vom „GrimRobe“-Demo-Release abgesehene) Quasi-Debüt “ØØVOID” vornahmen und einer subtilen wie radikalen Revision unterzogen, die unter dem Titel „The Iron Soul of Nothing“ als Bonus-CD einer japanischen Neuauflage erschien. Auch bei den darauf enthaltenen Stücken hat man es nicht mit einer klaren Rollenverteilung von Gastgebern und Gästen zu tun, und der Begriff des Remixens muss hier sehr weit gefasst werden, denn was die Briten machen gleicht eher einer kompletten Neuinterpretation, frei nach dem auf den Masterbändern enthaltenen Basismaterial. Nicht durchgängig ist in den einzelnen Tracks (ursprünglich drei, doch einer wurde später geteilt) noch der direkte Bezug zu einem bestimmten Sunn-Stück zu erkennen, konsequenterweise sind auch die Titel jeweils neu und nehmen nur in einem Fall Bezug auf das Original. Natürlich polarisierte das Experiment und wurde von einigen Fans als vernachlässigbare Spielerei abgetan – vorschnelle Reaktionen, die auf die restringierten Codes der Urteilenden zurückfallen. Dreieinhalb Jahre später trägt Ideologic und Edition Mego endlich der Eigenständigkeit Rechnung und bringt das Album erstmals separat in einer Vinyledition heraus.

Schon die ersten Minuten von „Dysnytaxis (…A Chance Meeting With Somnus)“ tragen eine deutlich erkennbare Handschrift aus Coloorta und rufen O’Malleys favorisierte NWW-Platte, „Soliloquy for Lilith“, in Erinnerung. Es beginnt zunächst eher zaghaft, beinahe schlaftrunken, bis ein leichtes Zittern unter der Oberfläche in melodische Strukturen überleitet und der Sound deutlich an Opulenz gewinnt – eine mit Basssounds und Streicherzitaten angereicherte Dichte, die sich in ihrer Gestalt sehr stark von der grobkörnigen, rauen Klanggestalt unterscheidet, die man von Sunn O))) gewohnt ist. Man kommt auch nicht so schnell in Versuchung, das Klischee des „Monolithischen“ zu bemühen, auch wenn man könnte. Etwas Flatterhaftes, beinahe Leichtes schwingt mit, das für NWW typisch ist, und dem ursprünglichen Material eine paradoxe Note verleiht. „Ra at Dawn (Rapture, At Last)“ bezieht sich auf „Ra at Dusk“ und ist zunächst nur eine Hälfte der ursprünglichen Überarbeitung, die wie ein riesiges Metal-Intro wirkt, das erst gar nicht vor hat, zum Punkt zu kommen: Ein monumentaler Downer, dessen dröhnender Flächensound dezent im Hintergrund bleibt und gerade dadurch eine bedrohliche Spannung aufrecht erhält. Dass es gelegentlich rauscht und pfeift wie der Atem eines monströsen Tieres, ist dem nicht gerade abträglich. Etwas statischer und reduzierter entfaltet das wellenförmige Auf- und Abebben jedoch nie die orchestrale Wucht von Werken wie dem nur scheinbar spartanischen „Salt Marie Celeste“.

Ich schließe mich einigen Kollegen an, wenn ich „Ashes on the Trees (The Sudden Ebb Of A Diatribe)“ als musikalischen Höhepunkt bezeichne, der nicht nur wegen des von NWW demonstrativ in den Vordergrund gemischten Vokalbeitrags von Peter Stahl die größte Opulenz beansprucht. Dank Pedaleinsatz, berstendem Glas und bedrohlicher Kratzgeräusche drängt sich allerhand Noise zwischen das langsame Pulsieren der Drums und der merkwürdigen Tuba-Klänge. Stahl, ursprünglich von der HC/Punk-Band Scream und zeitweise Andersons Kollege bei Goatsnake, erzeugt mit seinem Vortrag des hermetischen Textes eine bedrückende und zugleich zauberhafte Stimmung, zeitweise kamen mir sogar die weniger ruhigen Momente von Jhonn Balance im Spätwerk Coils in Erinnerung. „Ra At Dawn Part II (Numbed By Her Light)“ steigert den ersten Teil noch in Infernalik und bildet einen großartigen Abspann voller wabernder Bässe und schleifender Sounds, die laut The Wire an eine mit dem Maschinengewehr demolierte Küche denken lassen.

Ich könnte mir vorstellen, dass die separate Veröffentlichung von „Iron Soul“ eher noch bei NWW-Fans Beachtung finden wird – zum einen weil sie im Umfeld der Amerikaner wohl schon eher als Bonus bekannt ist, doch auch weil Neuinterpretationen für NWW-Hörer noch weit weniger als Projekte außer der Reihe aufgenommen, sondern als integraler Bestandteil der Bandaktivität gewürdigt werden. Gerade hierzulande haftet Nurse dank einer stereotypen „tag“-Mentalität immer noch eine vereinseitigende Post Industrial-Assoziation an, und schon deshalb wünsche ich Stapleton und Kollegen, durch diese gelungene Arbeit ihren Hörerkreis zu erweitern. (U.S.)

Label: Ideologic/Edition Mego