Die Auswahl der auf „Echoes of Harmony“ interpretierten Stücke stammt aus zwei bekannten Manuskript-Sammlungen aus der Zeit um 1500, dem in der Kathedrale von Sevilla aufbewahrten „Cancionero de Colombina“ und dem „Cancionero de Palacio“, das sich im besitz des spanischen Königshauses befindet. Auch wenn sich gerade in der Colombina-Sammlung einige bekannte Stücke finden, die man etwa von Jordi Savall kennt, enthalten sie doch einiges an unbekannter und vermutlich bislang auch ungespielter Musik.

Gerade in der ersten Stücken des Albums hört man die modernen Beigaben und die elektronische Bearbeitung kaum heraus, das in einem voluminösen Orgeldröhnen endende „Juan del Encina“ bildet einen andächtigen Auftakt, das auf Streicher und Harfe basierende „Siempre criece“ entfaltet in seiner repetitiven Akkordfolge eine Wehmut, die auf den ersten Anschein so originalgetreu anmutet wie die Instrumentierung. Sakral klingende Tenorgesänge erinnern den Laien an Händel und Purcell, die Verwendung des Spanischen und Katalanischen (in den Manuskripten sind auch zahlreiche Stücke in Latein und weiteren Sprachen enthalten) gibt dem Ganzen einen ungewohnten Reiz. Es mag weit hergeholt klingen, aber manche der primär auf Laute basierenden Stücke, aber auch die etwas üppigeren, die an höfische Tänze erinnern, ließen mich an Baby Dee denken, die Renaissance-Musik zu ihren Haupteinflüssen zählt und schon einmal erwähnte, dass sie die Spanier den Engländern wie John Dowland vorzieht.

Neben tollen Lautensoli und eingängigen Vokalstücken wie Ave Virgo gibt es aber auch genügend Raum für Experimentierfreude. Die zusammenhängenden Stücke „Digas Tu“, „Enrrique“, „Pues Con Sobra“ und „Tristesa“ bilden eine unberechenbare Folge immer neuer Lauten-Ornamente, ein Bewegungsmuster, das immer in der Schwebe bleibt und ohne Bruch in einen komplett anders gearteten Streicherteil übergeht. Hier gibt sich, wie generell am ehesten beim Bratscheneinsatz, die Elektronik etwas deutlicher zu erkennen. Im weiteren Verlauf häufen sich dann auch Dröhn- und Halleffekte aller Art, und für kurze Augenblicke darf sich das auch mal unversöhnt in die Quere kommen.

Mehr als alles andere ist „Echoes of Harmony“ ein ästhetischer Genuss. Dass es nebenbei zeigt, wie gut Alte Musik und experimentelle Elektronik zusammen gehen können, wenn man nur die Kunst des dezenten Andockens versteht, ist dabei mehr als ein Bonus. Zugegeben ist der “alte” Aspekt hier wesentlich zentraler, sodass man dafür schon ein gewisses Faible mitbringen muss. Puristen dieser Coleur könnten hier aber einige ihrer Vorurteile gegenüber Experimenten und Neuerungen loswerden. (U.S.)

Label: Sub Rosa

Andere wiederum sahen in dem (damaligen) Quartett nur eine gelackte Teeniekapelle, wobei sich Prolls und elitäre Auskenner oft aufallend wenig in der Wortwahl unterschieden. Tatsache ist, dass Depeche Mode in ihren frühen Jahren atmosphärisch wie soundmäßig durchaus Dinge geschaffen hatten, die wenig mit dem Synthiepop ihrer zahlreichen Epigonen zu tun hatten, man denke nur an mysteriöse Samplekollagen wie “Pipeline” oder urige Semigoth-Nummern wie “More than a Party”, beide vom “Construction Time Again”-Album. Tatsache jedoch ist außerdem, dass Depeche Mode immer eine Affinität zu allzu gefälligen Refrains hatten und Martin L. Gores frühe Texte in ihrer bemühten Tiefsinnigkeit oft an das Dr. Sommer-Team einer verschrienen Postille erinnerten. Ganz schlimm wurde es, wenn dann auch noch Gesellschaftskritik mit ins Spiel kam.

Erst in der zweiten Hälfte der 80er veränderten sich das Auftreten und das musikalische Image der Band. Waren sie zuvor etwas, dass man mit heutigen Begrifen, wenn auch unter Vorbehalt, als Hipster bezeichnen könnte (ein damals üblicher Begriff wie Popper hätte aufgrund ihrer ständigen Hinwendung zu subkulturellen Motiven kaum gepasst), so wandelten sie sich schrittweise über Alben wie “Black Celebration”, “Music for the Masses” und “Violator” in ein Rockstar-Gebilde. Man täte ihnen jedoch Unrecht, würde man das als reinen Qualitätsschwund abtun, denn obwohl die “kultigen” Elemente mehr und mehr verschwanden, gestaltete sich der Sound immer virtuoser ohne je ins Glatte und nur noch Kitschige zu kippen. Die wichtigste Entwicklung in dieser Zeit war textlicher Natur, denn irgendwann wurden die Lyrics poetischer, Interaktionen mit einem lyrischen Gegenüber standen stärker im Vordergrund. Wortungetüme wie “situations” reimten sich nicht mehr auf “diplomatic relations” und die Hörer bekamen auch keine Weisheiten wie “be flexible” oder “get the balance right” mehr aufgezwungen. Der Grundstein war gelegt für die Depeche Mode der 90er, die trotz Dave Gahans narzisstischer Selbstdarstellung zu den anspruchsvollsten Popacts ihrer Zeit wurden bei immer noch bestehendem Interesse an kleinen Experimenten.

Es mag nicht von ungefähr kommen, dass Sylvain Chauveau, den man ansonsten von beeindruckend verstörenden Werken wie dem von Robert Kurz inspirierten “Black Book of Capitalism” her kennt, überwiegend Stücke aus dieser mittleren Schaffensphase aussuchte, als er vor zehn Jahren seine persönliche Hommage an die Gruppe schuf. Chauveaux arbeitet hier ganz als Minimalist, versucht die elf Songs auf ihr wesentliches Minimum bzw. seine Idee davon herunterzubrechen und spielt darauf schon im Titel an – „down to the bone“, ein Zitat aus dem hier eröffnenden Song „Stripped“ von 1986, referiert nicht nur auf die Skellettiertheit der Interpretationen, sondern auch – ganz im Einklang mit dem symbolischen Subtext des Songs – auf etwas, das man wesentlich nennen könnte. Dass das Ganze sehr unspektakulär in Szene gesetzt wurde, trägt definitiv dazu bei.

Die meisten Versionen basieren auf Klavier und Streicher, stimmen wie das eröffnende „Stripped“ einen fast meditative Ton an und holen doch aus dem Melodien alle Emotionalität heraus. In Songs wie „The Things You Said“, das mit mehreren Gesangsspuren arbeitet, kommen anheimelde Holzblasinstrumente dazu, und stets ist es eine gewisse Genügsamkeit, die die Versionen vor jeder Schwülstigkeit bewahrt. Besonders überzeugend ist in der Hinsicht die kammermusikalische Umsetzung von „In your Room“, einer Hymne an eine sadomasochistisch eingefärbte Liebe, die so stark ist, dass sie den Liebenden zum lustvollen Verschwinden bringt.

Einige der Hits der Band werden hier im Schnitt ähnlich radiotauglich, doch stets eine Spur dezenter umgesetzt: „Blasphemous Rumours“ als einzig älteres DM-Stück, beliebte Songs wie „Enjoy the Silence“, das gleich zweimal vertreten ist, einmal allerdings als wenige Sekunden andauernde Stille. Als Sänger ist Chauveau vielleicht nicht der stärkste, aber in einem Martin Gore-Stück wie „Home“ kommt er der Stimmung des Originals recht nahe. „Policy of Truth“ ist fast amerikanische Singer Songwriter-Musik, und genau diese rettet das Stück, das über die Jahre von zu vielen Sekretärinnen und Bankangestellten mit Fitness-Abo zutodegeliebt wurde. Eine kleine Wegmarke ist „Death’s Door“, das Gore damals im Alleingang für Wenders’ Film „Paris, Texas“ aufnahmen – ein verstaubt klingendes Stück Desert Pop, das hier mit schmetternden Akustikgitarren und fatalistischem Gesang zur Kenntlichkeit entstellt wird.

Es gibt zwei Hörergruppen, an die sich das jüngst bei Ici d’ailleurs wiederveröffentlichte Album nicht in erster Linie richtet: zum einen an die überzeugten Fans von Chauveaus wesentlich amstrakterem Frühwerk, zum anderen an unbeirrbare Depeche Mode-Fanatiker. Wer sich dem Album jedoch ohne Scheuklappen nähert, den erwartet ein besinnlicher Songzyklus, der nicht zuletzt auch dadurch überzeugt, dass er – im Unterschied zahlloser weiterer Tributalben für diese Band – nicht ihre schlagerhafte Seite in den Vordergrund stellt. (U.S.)

Label: Ici d’ailleurs