Aus neunzigminütigen Sessions im Palazzo Stabile im Piemont entstehen flirrende, sich überlagernde Tonfelder, deren Resonanzen durch den Raumklang eines historischen Weinkellers mitgeprägt werden und trotz improvisatorischer Offenheit klar konturiert bleiben. “Solo II” wurde gemastert von Taylor Deupree. Das Album ist auch zum Download erhältlich.

So entsteht ein Spannungsgefüge aus Puls, rauer Dröhnung, Verschiebung und offener, weitgehend unberechenbarer Formgebung. Klanglich bewegt sich das Album vor allem im Bereich tiefer Frequenzen und erweiterter Spieltechniken. Während die längeren Stücke eher flächig und prozesshaft angelegt sind, setzen die kürzeren Arbeiten punktuell klarere melodische Akzente. Das Album erscheint zum Download sowie in einer auf 50 Exemplare limitierten CD-R-Edition.

Die sieben Stücke sind, wie man vom Label erfährt, aus einer jeweils spezifischen klanglichen Situation der Orgel heraus entwickelt und erkunden deren Möglichkeiten. Aufgenommen über mehrere Jahre hinweg an unterschiedlichen Orgeln in Schweden, steht die Offenlegung des Instruments im Vordergrund, von kaum hörbaren Registern bis hin zu Momenten, in denen das Material bewusst an seine Grenzen geführt wird. Ergänzt werden einzelne Stücke durch Beiträge von Christer Bothén an der Kontrabassklarinette und Mats Äleklint an der Posaune, die sich unaufdringlich in den Gesamtklang einfügen.
“Variations for Light Waves” verbindet, wie es ferner sinngemäß heißt, minimale kompositorische Mittel mit improvisatorischer Offenheit und einem ausgeprägten Interesse an Stille, Brüchigkeit und Transformation. Das Album erscheint als LP und digital.

Foto: Sara Björkegren

Was im Ensemblekontext oft in weiten Bögen erzählt wird, erscheint hier als eruptive Miniatur. Die Stücke bilden – so Stef Gijssels sinngemäß in den Linernotes – eine lose Suite aus Weltzorn, innerem Widerstand und der mühsamen Suche nach Handlungskraft: ein Sound von brutaler Direktheit, in dem klagende Saxophonlinien und schlagende Rhythmen wie aufbrechende Spannungen wirken. 

So entfaltet sich eine Musik, die nicht beschwichtigt, sondern aufrüttelt – reduziert auf wenige Mittel, doch von maximaler Intensität getragen.

Foto: Ola Rubin

@ Bandcamp 

Deáks Klangsprache bewegt sich, wie es auch vom Label sinngemäß heißt, frei zwischen klassischer Präzision, improvisatorischer Offenheit und experimentellen Spielweisen. Atemgeräusche, die mechanischen Klicks der Klappen und bewusst zugelassene Reibungen im Klang werden nicht verborgen, sondern als integrale Bestandteile einer lebendigen, pulsierenden Klanggestalt hervorgehoben. Auch Mehrklänge und das Prinzip des Zirkularatmens, so heißt es weiter, tragen zu dieser organischen, körpernahen Ästhetik bei. “Brisk” erscheint als CD sowie als limitierte 180-Gramm-LP mit Invercote-Sleeve. Begleitend werden Live-Videos und Gespräche veröffentlicht, in denen Deák Einblicke in die Entstehung der Stücke gibt.

“Svens vaggsång”, übersetzt “Svens Lullaby” und wohl tatsächlich ein spontan entstandenes Lied für Bromanders Sohn, beginnt üppig und streicherdominiert, mit einem klassisch anmutenden Auftakt, der Spannung aufbaut. Nach diesem kurzen Moment der Opulenz folgt ein langes retardierendes Innehalten. Später treten die Saxophone stärker in den Vordergrund und geben dem Stück eine fließende, fast romantische Note. Im Hintergrund entwickelt sich durch Beckenarbeit eine wachsende Dynamik, bevor das Arrangement wieder dichter wird, das Vibrafon setzt markante Farbakzente. Das Stück endet wie ein großes Finale, das gut zu einem glücklichen Abschluss eines längeren Narrativs passt und Bromandes künstlerische Intention – das Wiederspiegeln der Gleichzeitigkeit von Intimität und Größe – bestens ins Werk setzt.

“Speldosa och två halva timmars sömn”, übersetzt “Music Box und zweieinhalb Stunden Schlaf”, schlägt einen anderen Ton an. Der Auftakt wirkt aufgewühlt und orchestral, bevor Saxophone und Rhythmussektion mit Energie nach vorne drängen. Die Musik steuert auf Höhepunkte zu, die eher als dauerhaftes eruptives Plateau erscheinen und sich erst allmählich beruhigen. Es folgt ein deutlicher Bruch, in dem vieles innehält. Kleinteilige Geräusche bleiben präsent, bevor Becken und Bläser erneut einsetzen und das Stück zu einem weiteren furiosen Finale führen.

Label: Thanatosis

“Hana Korneti (b. 1992, Skopje) is a writer and musician whose work spans literature, sound, and the quietly transformative spaces of everyday life. She is the author of six books, including a collaborative work of nonfiction on community gardening, two short story collections for adults, two fantasy novels for children, and a picture book reflecting on the fragile state of rivers and the environment. Korneti’s writing is noted for its understated humor, emotional precision, and attention to the relationships between people, place, and ecology. Her creative practice often extends beyond the page, drawing connections between storytelling, sound, and the natural world. As a musician, she released her first LP with the independent record label Sharla and continues to explore lo-fi and ambient forms in her home studio. This EP captures an intimate moment of transition and experimentation. She is currently at work on her second full-length album. When not writing or recording, she can often be found tending to her garden—where dill, mint, and tomatoes thrive or perish in equal measure”. (Thanatosis)

Olsson, der eng mit Lachenmann zusammenarbeitet, legt eine präzise und zugleich eindringliche Interpretation vor, die den experimentellen Reichtum und die poetische Radikalität dieser Musik eindrucksvoll hörbar macht. Von den frühen “Schubert-Variationen” bis zur monumentalen “Serynade” entfaltet sich hier, wie es beim Label heißt, ein halbes Jahrhundert künstlerischer Erneuerung, in dem der Klang des Klaviers immer wieder in ungeahnte Richtungen erweitert wird. Die Edition enthält neben einem ausführlichen Booklet mit Texten von Paul Griffiths und Faksimiles aus Lachenmanns Arbeitsnotizen auch ein langes Gespräch zwischen Komponist und Interpret. Das Album ersxcheint bei Thanatosis ist auch digital erhältlich.

Die Stücke bewegen sich an der Grenze laut Label zwischen Struktur und Offenheit, reduzierte Klavierfiguren treffen auf flächige Violaparts und eröffnen Räume, die von Stille, Wiederholung und subtilen Verschiebungen geprägt sind. Jedes Werk folgt, wie es heißt, einem Raster, das feste harmonische Felder vorgibt, zugleich aber den Interpreten weitreichende Entscheidungen überlässt. Reeder, der aus Nebraska stammt und heute in Texas lebt, gilt als eine markante Stimme der zeitgenössischen Musik. Mit “In Place” legt er eine konzentrierte Veröffentlichung vor, die sein besonderes Verständnis von Intimität, Präsenz und der poetischen Kraft von Klang und Stille eindrücklich hörbar macht. Das Album erscheint als CD und zum Download.