Aus Feldaufnahmen, elektronischen Fragmenten und den genannten Instrumenten entsteht ein fein ausbalancierter Klangraum zwischen Intimität und Fremdheit. “A Little Death” knüpft an frühere Arbeiten an und bildet zugleich deren Weiterentwicklung: Alltägliche Geräusche und private Aufnahmen werden nicht mehr als reine Fundstücke eingesetzt, sondern verschmelzen mit den Instrumenten zu einem kammermusikalischen Ganzen. Rousays Musik bewegt sich zwischen experimenteller Soundart und brüchigem, beinahe dark-jazzhaftem Ausdruck. Hörspielartige Passagen voller Knarzen, Klirren und Brummen wechseln mit klaren Melodielinien und zarten harmonischen Schichtungen. Dabei wird ihr Gespür für Struktur und Zufall, Nähe und Distanz spürbar. Das Album erscheint als LP, CD und zum Download.

“Puritan Themes” zeigt Amos in einem entspannten, von den 70er-Jahren inspirierten Sound, der zwischen leichter Westcoast-Atmosphäre und dunkleren Akzenten pendelt. Das Album reflektiert zugleich gesellschaftliche Fragen, am deutlichsten im Song “Chain Gang”, der existenzielle Motive mit politischen Bildern verbindet. Insgesamt schlägt “Puritan Themes”, wie es beim Label heißt, einen Ton an, der sich bewusst dem schnellen Takt der Gegenwart entzieht und in der Art von Alben konzipiert ist, die als Ganzes gehört und in Ruhe aufgenommen werden wollen. Es erscheint als LP und zum Download.

Geht man die Titel ihrer Veröffentlichungen der letzten Jahre durch, sieht man ein Panorama des Leid(en)s („All The Waters Of The Earth Turn To Blood“, „I Have Fought Against It, But I Can’t Any Longer“, „No One Deserves Happiness“, „O God who avenges, shine forth. Rise up, Judge of the Earth; pay back to the proud what they deserve.“) und auch auf dem neuen Album, dessen Titel einem Stück von Adam Faucett entnommen ist, entfaltet das Duo ein Tableau des Schmerzes.

Das Album beginnt mit „A Lament“, auf dem Douglas Dunns Gedicht „The Kaleidoscope“ rezitiert wird. Es geht um den Verlust von Dunns Frau: „Grief wrongs us so“, heißt es da, während die ultraverzerrte Gitarre den Eindruck erweckt, die Lautsprecher seien beschädigt, vereinzeltes Röcheln setzt ein, dann gibt es kurze Unterbrechungen und man hat auch noch den Eindruck, die Tonspur löse sich auf. Wuchtiges Schlagzeug leitet „Tied Up And Locked In“ ein,  dann setzen das verzerrte Brutzeln der Gitarre und das für The Body so typische Heulen ein (Schreien kann man es nicht nennen), das irgendwann zu einem Auskotzen wird, das inmitten dieser brachial-verzerrten Soundwand tönt. Egal ob die schleppenden Beats von „Eschatological Imperative“, das auf Rhtyhmus weitgehend verzichtende „A Pain Of Knowing“, die Noiseorgie “They Are Coming” oder die Spoken Words auf “The Handle/The Blade”, alle Stücke sind von solch einer brachialen Wucht und Wut, dass man am Ende erschöpft niedersinkt (ähnlich wie bei den musikalisch ganz anders ausgerichteten Portal). Sicher nicht die schlechteste Musik zur Zeit. (MG)

Label: Thrill Jockey

Aufwühlend und von einer erratischen Unruhe befeuert führen schon die ersten Takte von “Asphodel Mansions” ins Zentrum des Geschehens und in ein Setting, das mit seinen bildreichen Tracktiteln und den oft nur schwer zuzuordnenden Samples und Instrumentalbeiträgen eine mythische und zugleich bizarr-surreale Färbung trägt. Über rituell rasselnde Metallteile a la Xenakis und allerlei versteckte Karambolagen verbreitet sich eine unruhige Schicht schräger Bläser, die mal nach Horn, mal nach Saxophon klingen und sich wiedergängerhaft durch viele der dreizehn (bzw. beim Download vierzehn) Tracks ziehen – über heiseren Atem, Perkussions-Salven und tastendes Gitarrenpicking in “A Miracle No-Mother Child at your Breast”, selbst quietschende Salven herausstoßend über ein wie durch getöntes Glas vernommenes Rumoren in “Licking the Fig Tree”, in desolaten Molltönen über den rhythmisch verhallten Noisequadern in “Fly on You”.

Wie oft bei solcher Musik intensivieren sich die Stücke oft in Intensität, Fülle und Tempo, steuern auf echte und imaginäre Höhepunkte und Ausbrüche zu, doch Richter ist in all dem stets Meister des Trügerischen: Äußerst plötzlich kommt der lärmende Ausbruch im vermeintlichen Dronestück “Ten Tons of Rain in a Plastic Cup”, kaum über den Weg traut man dem entspannten Score in “Double Happiness in Temporal Decoy”, nachdem zuvor tiefe Klaviertasten die Nerven mit Spannung malträtiert haben. Trotz furioser Trommelwirbel entpuppt sich “Semirechye” als echter Downer.

Dunkler Ambient, organischer Drone, Ritualsound, abstrakter Noise, angejazzter Postrock: Alles trifft zu und ist zugleich blanker Hohn angesichts dieses Sturmes, der über ödes Land fegt. Mit Nurse With Wound wurde die Musik bereits vergleichen, was den Strudeln aus im Tempo und in der Richtung nie klaren Sounds durchaus gerecht wird, doch wären die Stücke dann eher so etwas wie das schockerstarrte Gesicht der englischen Kultformation, der alle Lust am Schlüpfigen verloren gegangen ist (und an der Stelle kann man beim Artwork von Andreas Diefenbach selbst in die Vergleichskiste greifen und an Francis Bacon (oder an Carmen Burguess) erinnern). Auch von Hauntology (irgendwo auf der Platte soll übrigens qua Sample Nils Frahm spuken) war die Rede, aber diese Referenz passt ja immer ein bisschen, sobald es subtil mehrschichtig und obendrein unheimlich zugeht.

M.E. ist “Seven Horses for Seven Kings” ein nur schwer zu fassendes Stimmungsbild und definitiv eine der größten Überraschungen des noch jungen Jahres. (U.S.)

Label: Thrill Jockey

Das harmonischste an den Songs ist fast immer der Gesang: Stets in Moll gehalten mit wehmütigen Refrains bringt er so manchen Ohrwurm zustande, und schon das frühe „Strange the Friends“ ist in der Hinsicht ein Höhepunkt. Doch Grumbling Fur sind kleine Spielverderber, denn sie lassen dem Gesang nie vollends den vorderen Bühnenraum, lassen ihn viel eher zu einem Teil der jeweiligen Kulissen werden, aus der er nur deshalb manchmal herausragt, weil er eines der wenigen Leitmotive abgibt. Andere Komponenten – beschwingte, schlacksige Takte, blubbernde Synthloops, melodramatiche Streicher, helle Snares aus der Drummachine und schnelles Gitarrenpicking – wechselt oft recht unverhofft von Song zu Song.

Die Arrangements all dessen geben dem dekonstruierten Pop gerade sein ungreifbares Gepräge: die stellenweise Holprigkeit der wie aufgeklebt wirkenden Takte in zahlreichen Songs, das zittrige Tremolo, das „Pyewacket Palast“ und „Acid Ali Khan“ wie durch einen verschwommenden Film zum Hörer durchdringen lassen, das schlaftrunkene Piano in „Heavy Days“, das Rauschen und Rumoren in „Perfect Reader“ – all dies taucht die Musik in eine impressionistisch anmutende Vagheit, die die Songs noch sensibler wirken lässt, als es klare Konturen vermocht hätten.

Wenngleich O’Sullivan und Tucker ihren Gesang wie nie zuvor in seiner Schönheit vervollkommnet haben, ist „Furfour“ doch nicht minder fordernd als das in etwa zeitgleich entstandene „Preternaturals“ mit seinen repetitiven Abstraktionen oder die teils ungeschlachten Epen auf „Glynnaestra“. Und so entfaltet das Album seinen ganzen Gehalt auch erst nach einiger Zeit. Und das ist eine Menge, denn das Album ist wie Laniakeas „A Pot of Powdered Nettles “ in Ian Johnstones Haus entstanden, und ich habe den Eindruck, dass der Ort mit seinen vielen Erinnerungen zu keinem geringen Teil am Album mitgeschrieben hat. (U.S.)

Label: Thrill Jockey

“Die Idee, ein Album komplett aus Klängen einer Waschmaschine zu machen, kam Matmos Martin Schmidt während er mit den Fingern auf der “Whirlpool Ultimate Care II” in seinem Studio trommelte, versunken in zerstreuter Kontemplation ihrer zyklischen Rhythmik. Was als Jux begann gipfelte nach einer umfassenden Überprüfung des Erlebten im kreativen Prozess selbst. ‘Wir fingen mit dem reinen Klang der Waschmaschine an’, sagt Drew Daniel, die ander Hälfte des stets konzeptuell arbeitenden Duos aus Baltimore. ‘Wir nahmen den gesamten Waschzyklus auf, waren aber recht enttäuscht davon.’ Dann begann das experimentieren und Fragen standen im Raum: Wie macht man daraus ein Instrument? Viele Klangbearbeitungen später präsentiert sich das auf Thrill Jockey Records veröffentlichte Album “Ultimate Care II” als ein kontinuierlicher Track von 38 Minuten, exakt die Länge eines Waschgangs. Die Waschmaschine war für eine Stellungnahme nicht erreichbar. Matmos letzter Berlinbesuch fand anlässlich ihres letzten Albums statt, “The Marriage Of True Minds”, das sich mit parapsychologischen Experimenten beschäftigte und im Rahmen des CTM Festivals 2013 Premiere feierte.
Zuvor präsentiert die aufstrebende schwedische Komponistin Klara Lewis ihr zweites, im Mai auf Editions Mego erscheinendes Album ‚Too‘. In Lewis’ Stücken ziehen sich verschwommene Rhythmen über texturreiche, mal organische, mal abstrakte Hintergründe und erzeugen Eindrücke wechselreicher Klanglandschaften, die zwischen optimistischer Wärme, fremder Unheimlichkeit und kühl aggressiven Gesten changieren. Dabei entsteht ein hypnotischer Sog, der die Hörer in die Eigenzeit und ideosynkratische Logik der Stücke hineinzieht. “Too” lässt sich vielleicht am besten als eine fesselnde Form immersiven Hörtheaters beschreiben, das ganz auf die klangliche Imagination der Hörer setzt. Klara Lewis Debütalbum “Ett” erschien 2014 auf Editions Mego und tauchte ­ zu Recht ­ auf etlichen Jahresendlisten auf, im selben Jahr erschien außerdem die “Msuic” EP auf Peder Mannerfelts gleichnamigem Label.”

1. Juni 2016, Einlass 20 Uhr
Berghain/Panorama Bar
Am Wriezener Bahnhof
10243 Berlin
Event @ Facebook

Fotos: Josh Sisk (Matmos) und Hampus Hogberg (Klara Lewis)

Kollaborationen gegenüber waren die Herren Fagerström, Rylander, Huhta und Nordvall nie abgeneigt, wie einige Zusammenarbeiten mit WOLF EYES, PRURIENT und Carl Michael von Hausswolff bezeugen. Eine Ausnahmeerscheinung ist der neue Longplayer der Schweden aber dennoch – zum einen, weil die tatkräftige Unterstützung am Mikro von keinem geringeren als Daniel Higgs (optisch eine Mischung aus Karl Marx und Michelangelos Vision des Weltenschöpfers und bislang Sänger in einer Hardcoreband namens LUNGFISH) kommt und dem Album einen ganz markanten Stempel verpasst. Zum anderen weil die Band niemals einen derart dynamischen psychedelischen Crossover spielte. Nach einer im Verlauf des Albums mehrfach aufgegriffenen Urschreiübung geht das Quintett beim eröffnenden Titelsong gleich in die Vollen, was hier heißt, dass Higgs kehliges Tremolo und thrashige Gitarrenriffs einen funkig treibenden Stoner Rock zustande bringen, der eine Wut jenseits aller Frustration aufleben lässt.

The Skull Defekts haben eine Affinität zu ausgedehnten Wiederholungsfiguren und kreisförmigen Kompositionen, lieben die Dröhnung ohne diesmal wirklich Dronemusik zu spielen, und finden mit ihrer Kombination aus Rock, indischen Einflüssen und dem Minimalismus der 60er ihren eigenen Stil fern ab von allem Entspannenden, das man mit dem Vorzeigelabel „Psychedelic“ so gerne assoziiert. „Peer Amid“ ist in erster Linie eine dynamische, erhebende Angelegenheit. Dennoch, Momente, in denen die Schicksalsschwere des Doom in das rund 50minütige Kraftpaket hereinbricht, gibt es durchaus. „Gospel of the Skull“ beispielsweise, bei dem Higgs Gesangsbeitrag besonders gut zur Geltung kommt. Wer seine Soloaufnahmen kennt oder schon mal in den Genuss eines seiner Konzerte kam, der weiß um die mitreißende Wirkung (und auch um die gewollt komischen Effekte) seiner repetitiven Songs mit epischen Ausmaßen – schön zu wissen, dass das auch mit einem satten Rockinstrumentarium funktioniert. Auch das infernalische „The Silver River“ mit weiblichen Backing Vocals und einer Walze aus Metalgitarren lebt vor allem von Higgs Predigerstimme und seinem mantraartigen Vortrag.

Verspielte Rhythmen, funkadelisches Soundchaos, dumpfes Grollen im Hintergrund. Kehliger Gesang, der mitunter ganz ohne Text auskommt, ein Wilder am Saxophon – ein gefährlicher Cocktail ist „Peer Amid“ durchaus. Lenkt die Wut in die richtigen Bahnen. (U.S.)

Label: Thrill Jockey

„The Gathering“ ist ein programmatisches Konzeptalbum, wenngleich man dies auch dann nicht sofort bemerkt, wenn man sich auf die Texte konzentriert. In den Linernotes erfährt man jedoch von der Beschäftigung der vier Bandmitglieder mit dem Werk C.G.Jungs, genauer mit den Traumprotokollen und übersinnlichen Visionen des berühmten Tiefenpsychologen, die den Stoff für sein „Rotes Buch“ bildeten. Obgleich diese Aufzeichnungen aus den Zehner- und Zwanzigerjahren eine Art Initialzündung für seine Forschungen nach dem Bruch mit Sigmund Freud darstellen, wurde das komplette Werk nach ca. 50 Jahren Tresor erst 2009 komplett veröffentlicht, und das Medienecho mag Arbouretum vielleicht zu ihrer Auseinandersetzung inspiriert haben. Nach Angabe der Band ist es vor allem Sänger und Gitarrist David Heumann, der ähnlichen Methoden der Selbsterforschung nachgeht – so sind einige seiner Allegorien und Symbole direkt aus Jungs Aufzeichnungen übernommen („The White Bird”), andere dagegen wohl komplett das Resultat eigener Erfahrungen mit dem Irrationalen.

Der Schwere von Arbouretums Musik steht eine recht freie Songstruktur entgegen, überraschende Wendungen, die vor allem die Vordergründigkeit einzelner Instrumente betreffen. Gitarrensoli, kantige Bässe, exzessives Drumming, Rhodespiano, Keyboard – jeder Virtuose hat hier seine großen Momente und trägt zu einer Vielstimmigkeit bei, die auch bei ausladenden Instrumentalpassagen nicht in Vergessenheit gerät. Nie entsteht der Eindruck, die Instrumente folgten einer egomanischen Mission, Einklang scheint dauernd im Fokus der Band zu sein.

Dass bei einem solchen Schwerpunkt auf dem Harmonischen auch besondere Melodien nicht zu kurz kommen, versteht sich fast – besonders stark in der Hinsicht ist das mystisch-folkige „When Delivery Comes“, dessen fesselnder Gesang von schweren Gitarren und schleppender Perkussion unterlegt ist, aber auch der kraftvolle Hardrock von Songs wie „Destroying to Save“. Bei der Interpretation des Klassikers „Highwayman“ gerät das Ganze bei reduzierter Klangfülle zu reiner Americana. Auch hier offenbart vor allem der Sänger ein Händchen für tolle Melodien, und wenn es an den richtigen Stellen („I was born above the tide, and with the sea I will abide“) immer tiefer wird, dann ist das natürlich unglaublich pathetisch, doch das geht in Ordnung, wirkt gewollt und gekonnt.

Doch Arbouretum drehen zum Schluss auch noch mal richtig auf, und wer sich von von den Trommelwirbeln in „Waxing Crescents“, den sturmumbrausten Gitarrenriffs in „The Empty Shell“ und den exzessiven Soli im gnostisch inspirierten „Song of the Nile“ nicht mitreißen lässt, der kann mit derart schicksalsschwerer Musik wohl nichts anfangen. (U.S.)

Label: Thrill Jockey