“After the “concretistic” beginnings and the synthesis between integral concretism and artificial synthetism, in the autumn of 1980 I arrived at the synthetic court of the purest and most uncompromising electronics and thus the “COMPUTERS S.P. A.” project was born, consisting of two improvisations on the Korg MS synthesizer-20, free of ancestral prejudice and freely inspired by computerized music that in the second half of the 70s was gaining ground in the academic schools of experimentation. After more than 40 years, these “technical rehearsals” could seem a playful and carefree exercise, while instead they cover a dramatic denunciation of the sounds generated without the basic help of emotion and spontaneity, essential elements of the most genuine and constructive avantgarde music”. (M.B., September 2022)

nostalgischen Rückgriffen arbeitet und bewusst auf eine berührende, freundliche Atmosphäre setzt. Girón machte erstmals als Bassist und Keyboarder der experimentellen Madrider Rockband El Circulo De Willis von sich reden, seit gut zehn Jahren produziert er solo als Synthie-Virtuose und ist nebenbei Mitglied der mit Miguel Ángel Ruiz betriebenen und stilistisch ähnlich gearteten Band Zytospace. “Something Strange in the Mountains” erscheint als CD und digital bei Verlag System in Zusammenarbeit mit Giróns eigenem Label Music2dream.

In dem Narrativ, dessen Grundstein im Studio von Kraftwerk-Mitbegründer Eberhard Kranemann gelegt wurde und das Siegmar Fricke alias Pharmakustik anschließend in die vorliegende Form brachte, ist wenig Repetition zu finden. Vielleicht war eine im steten progressiven Wandel befindliche Klanglandschaft so etwas wie die Grundidee zu der Arbeit, deren Titel sicher nicht grundlos an eine (anti-)künstlerische Bewegung erinnert, die sich vor allem durch (zer-)fließende Strukturen und definiert hat. Fluxus schlägt aber auch die Brücke zu Kranemanns Arbeiten in den späten 60ern, als dieser, wie man auch jüngst im Wire ausführlich nachlesen konnte, selbst Teil dieses Phänomens war, bei Joseph Beuys lernte und mit seiner Combo Pissof mit diesem im Düsseldorfer Creamcheese auftrat.

Dass die erste Seite füllende Stück “Elektric Fluxus A” ist das weniger brachiale der beiden, und es setzt allem voran auf Spannung. Die undefinierbaren Stimmen im Hintergrund, die zwischendrin immer die Gestalt von Jammern und Geschrei anzunehmen scheinen, die sanfte Dröhnung, aus der weitere, diesmal grunzende Stimmen hervorbrechen, und die vielen bizarren Sounds, die aufzuzählen fast den Rahmen einer Besprechung sprengen würde, erwecken ständig den Eindruck, dass Undefinierbares auf seinen Ausbruch wartet. Schöngeistiges wie die barocke Illusion eines Cembalos geben den ganzen für Momente eine andere Färbung, doch wenn quietschende Hochtöner und eine dreckige Lache um die nächste Ecke feixen, wird einem einmal mehr bewusst, dass man sich im dunklen Herzen einer Geisterbahn befindet.

Endet die erste Seite im Pathos eines langsamen Gegenzooms, so steht man in “Electric Fluxus B” recht zu Beginn vor einer aufgerauhten Noisewand voller Unebenheiten. Auch hier wird wieder einiges an undefinierbaren Sounds aufgeboten, man denkt an Vögel etwa und an merkwürdig verfremdete Stimmen, dann wird man durch vertrautere Gefilde geführt und hört das schrille Feedback einer E-Gitarre und ein verfremdetes Cello, die vermutlich schon vorher im Geheimen ihr Unwesen getrieben haben. Wird man gegen Ende von Kranemanns kratziger Gitarre wieder in den hellen Tag entlassen, bleibt der Eindruck, dass man eine schwer zu kartografierende, aber umso faszinierendere Region durchquert hat.

Label: Verlag System

“When I started my record label Broken Flag in 1982, one of the people I really wanted to work with was Maurizio Bianchi. His album Symphony for a Genocide was such a haunting, evocative record that I needed to get in contact with the man who made it. We made contact and remained regularly writing letters to each other, mine in my unintelligible scrawl, his in his red ink on photocopy paper. He was massively prolific and I soon became a distributor for his fantastic early albums like Regel, Mectpyo Bacterium, Mörder Unter Uns/Neuro Habitat, Menses, Endometrio, Carcinosi, Das Testament and Armaghedon, albums I still love to this day. He kindly contributed tracks to Broken Flag compilations as well. Releasing an album by him was always going to be high on my list of priorities and when he agreed I was overjoyed. He said he wanted a colour cover and I was running the label on a shoestring budget but I wanted him to be happy so I agreed. He sent me two polaroid photographs which we had blown up to cover size and are the pictures on the front and back cover that you see today.

He wanted to release records as Maurizio Bianchi in the future rather than just as M.B and asked for the name on the cover to read “M.B. = Maurizio Bianchi”. Although the record has the catalogue number BFV3, it was actually the second vinyl record I put out because once I heard it, I didn’t want to wait for the first Ramleh album (BFV2) to be ready. I had been slightly apprehensive about what the record would sound like because just before he sent it, he told me that he had become a Jehovah’s Witness and seemed to be going through a very happy life-changing experience. He was in a relationship with the “T.D.” of the second side track “T.D. 56”, so I thought maybe the music would be too light sounding or upbeat and when I heard it, it certainly wasn’t what I was expecting but it was stunningly beautiful but still with some of the sadder, ominous melodies I loved so much. My fears were unfounded. It was a classic. Still one of my favourites to this day. I’m very proud of it. I get a co-production and co-direction credit on the sleeve but in reality all I did was provide the money and arrange for the record to go into production.

I had no influence on the music itself or the cover pictures. Maurizio has made so many records that it’s easy to get lost knowing where to start but I think this album is a good entry point and is one of his very best along with Mörder Unter Uns, Regel, Menses or Symphony for a Genocide, although you can’t go too far wrong with any of his wonderful music. As I sit here listening to it again it takes me back to 38 years ago when I first heard it and knew that I was going to be lucky enough to release a classic for the ages. Just 500 vinyl records exist from that original Broken Flag release. They are out there somewhere except for the one I have right here which will be with me until I die. It’s great that it’s coming out on vinyl again and I hope if you’re hearing it for the first time you adore it like I do.” (Gary Mundy)

@ Verlag System

Hat “Palingenisia” den Sound der wiederbelebenden Metamorphose? Sicher nicht, denn so klar lassen sich Ideen bekanntlich nicht in ein ästhetisches Medium übertragen, doch die vier Tracks sind kraftvoll genug, um zur Vorstellung eines Erwachens zu neuem Leben zu passen. Wer Torneros weniger tanzbare und tendenziell soundorientierte Arbeiten mit Madrelarva kennt, mag sich über den straight repetitiven Rhythm Noise des Openers “Zonasgrises” wundern, dessen Brachialität eher in das Setting eines Betonbunkers passen würde als in einen hallastigen Club. Vielleicht auch, weil ersteres eher zur im Titel genannten Grauzone passt, die sich musikalisch am ehesten in der Überblendung der Beats mit einem mysteriösen hintergründigen Wabern ausdrückt.

So wichtig die Rolle der Repetition in “Palingenisia” ist, so unterschiedlich sind die einzelnen Rhythmen beschaffen. In “Modo de Volar” beschränken sie sich auf fast minimalistisches Pochen, hinter dem die Synthparts noch wuchtiger wirken, wenn sie für aufgeregte Stimmung sorgen. Am Ende mag man sich wie ein orientierungsloser Affe fühlen, doch im fast nahtlos anknüpfenden “Posición” geht die Bewegung in ähnlicher Dynamik weiter, und ähnlich wie bei Sonar und den lärmigeren Arbeiten von Esplendor Geometrico kann man seinen Körper dabei auf Autopilot stellen – bis die Illusion von versteckten Megaphon-Shouts die Aufmerksamkeit an sich reißt. In “Malkuth” entfaltet sich auf gut drei Minuten ein verspielt-tänzelndes Szenario, das viel leichtfüßiger ist als die gebrochenen Rhythmen über dem acidlastigen Brodeln in “Mar roja” und anderen Tracks. Fast scheint es, als werde dies in (dem ebenfalls auf den Lebensbaum des Zohar referienden) “Kether” wieder aufgegriffen und durch kosmisch anmutendes Kreisen zum Abheben gebracht.

“Biomecanismos” ist das wohl wandlungsfähigste Stück, beginnt mit einem Rattern, der an Presslufthammer erinnert und endet mit einem fast groovigen Sound, der dann tatsächlich etwas ganz neues entstehen lässt und auf den finalen “Danza Terminal” vorausweist. Mission geglückt. “Palingenisia” sei allen ans Herz gelegt, die der Verknüpfung aus technoiden Industrial- und Elektro-Klängen mit einem magischen oder mystischen Überbau mehr abgewinnen können als ambientem Ritualsound und vielleicht schon Torneros katalanischen Kollegen Coagul für sich entdeckt haben. (U.S.)

Label: Verlag System

Bianchis Discography ist umfangreich und teilweise unüberschaubar, sein (zeitweiliges) Zurückziehen aus der Musik resultierte auch aus seiner spirituellen Entwicklung. In den Linernotes heißt es in einem Statement von Bianchi aus dem Jahre 1984: „I stopped doing music, and now my life is going towards its own awareness.“ Das klingt alles sehr nach Transformtion, nach Sebst- und Neufindung und tatsächlich wurde Bianchi Anhänger einer der vielen im Jahrmarkt der leidlich sytematisierten Formen von Aberglauben angebotenen Metaphysiken und landete bei den Zeugen Jehovahs.

Das Album „Armaghedon“ entstand 1984. Bianchi selbst sagt, dass er Anfang der 80er erstmalig dem Begriff Armaghedon begegnete, zu einer Zeit, als er selbst „haunted by the specter of an imminent apocalypse“ war, später lernte er dann etwas über die Genese des Begriffs und sah den Terminus dann als „message of hope for the future“. Das passt natürlich zu seiner religiösen Weltanschauung und der Eschatologie der Zeugen Jehovahs, deren Fokus(sierung) auf die Endzeit und die (Er-)Rettung der 144 000.

Die zwei über 20-minütigen Tracks, konzipiert als Soundtrack für Bianchis Film gleichen Namens, erinnern etwas an die oben angespropchen „low key“ Stücke, allerdings sind sie  (etwas) weniger depressiv und ihnen fehlt das Dissonante, was nicht heißen soll, dass „Armaghedon“ ein unbeschwertes Album ist. Auch diese weitgehend rhythmuslosen, aber leicht pulsierenden analogen Stücke arbeiten mit Echo und Hall, mit unterschwelligen melodischen Passagen, das ist ein ozeanographisches An- und  Abschwellen und Dröhnen. Auf der zweiten Seite des Albums tauchen Stimmen auf, die murmeln, schreien, fragmentiert sind. Den Stücken haftet durchgängig etwas Mysteriöses, etwas leicht Unheimliches, Anders- und Außerweltliches an und letztlich könnten beide Teile auch hervorragend als alternativer Soundtrack zu „Solaris“ funktionieren. (MG)

Label: Verlag System

In genau dieser ist der Madrider Miguel A. Ruiz seit Beginn in den frühen 80ern eine zentrale Größe und rief neben den Veröffentlichungen unter seinem eigenen Namen, teils solo, teils in Kollaboration, Projekte wie Exhaustor, Orfeon Gagarin, Ventral Metaphor, Ambulatorio Segreto, Codachrom, Dekatron II  und eben Funeral Souvenir ins Leben. Mit “La Noche del Anhídrido” brachte er 1987 ein Tape heraus, das weit über den lokalen Rahmen hinaus Wellen schlug und heute als einer der Klassiker rhythmischer Geräuschmusik gilt.

Raue, ambiente Loops und bruitistische Rhythmen bilden das Grundgerüst des aufwühlenden Klangfabrikats, das seine apokalyptische Dramatik mit martialischen Samples aus Radio und Fernsehen sowie entsprechenden Tracktiteln untermalt und ansonsten mit trockener Beiläufigkeit inszeniert. Hypnotisch vibrierende Dröhnung und dezent eingesetzten Orchestralpathos erfüllen ihre Aufgaben bestens, doch das wichtigste Mittel der Dramaturgie sind die Rhythmen: Von dumpfem Wummern über halsbrecherische Proto-Breakbeats bis zu ratterndem Metallgedresche, das an endzeitliche Stammesrituale erinnert, wird manches Register gezogen.

Nach einer CD-Wiederveröffentlichung vor zehn Jahren hat das Label Verlag System das erneut vergriffene Album diesmal auf Vinyl herausgebracht, neben zwei Compilation-Tracks von besonderer Experimentierfreudigkeit sind auf der digitalen Version zwei weitere Tracks enthalten, die das Werk nicht nur für Neueinsteiger interessant machen sollten. Das neue Artwork basiert übrigens auf einen Foto von Ed Clark mit dem Titel “W eeping Graham W. Jackson Sr. playing his accordion as the body of the recently deceased President Franklin D. Roosevelt was being transported to Washington, DC.”. (J.G.)

Label: Verlag System