Über das berindruckende Werk des Barden aus Kentucky, dessen feinsinnige Strukturen irgendwo im weiten Feld zwischen Americana Folk, Alt Country und gelegentlichen Exkursionen in Bereiche wie Doo Whop, über seine üppigeren und klanglich reduzierteren Arbeiten, über seine zahlreichen Kollaborationen mit Trembling Bells, Matt Sweeney, Cairo Gang, Dawn McCarthy, Current 93 und anderen, berichten wir seit Beginn unserer Schreiberei. Zuletzt erschien vor knapp einem Jahr das Album “Keeping Secrets Will Destroy You” (Domino Records), von dem es hieß: “Das Album wurde ohne viel technisches Brimborium in Oldhams Heimatstadt Louisville, Kentucky, aufgenommen und enthält neben seinem eigenen Gesang und Gitarrenspiel zahlreiche Beiträge von lokalen Musikern, die dem Ganzen auch

den Charakter eines freundschaftlichen Projektes geben: Sara Louise Callaway (Violine), Kendall Carter (Piano), Elisabeth Fuchsia (Bratsche und Violine), Dave Howard (Mandoline), Drew Miller (Saxophon) und Dane Waters (Vocals)”. Eine ähnliche Besetzung bei den Konzerten wäre ein Genuss. Beim Tourveranstalter Berthold Seliger kann ein Großteil der Tickets bereits vorbestellt werden.

Tickets

Mi, 09.08.2023
Wolf Kino Berlin
Weserstraße 59
12045 Berlin

@ Wolf Kino

(die amerikanische Edition erscheint bei Drag City) heißt es dazu: “Die Anwesenheit so vieler einheimischer Musiker in der Band trägt nicht nur zu einem fließenden Fluss von Momenten bei, die ein breites Spektrum von Musik umfassen, von der Klassik bis zum japanischen Acid-Folk und darüber hinaus, sondern – was vielleicht noch wichtiger ist – zu dem Gefühl von Gemeinschaft, Zusammenhalt und dem Triumph des Vermächtnisses, das das Mark und das Herzblut dieser Musik ist”. Vorab ist schon die Auskopplung “Bananas” zu hören, eine melancholische Ballade mit einem starken Gesangsduett von Oldham und Waters. Das Album erscheint in den gängigen Formaten.

@ Domino

Einiges davon erschien bereits nach und nach als digitale Singles. Mit AZITA, Matt Sweeney (Superwolf), Alasdair Roberts, Matt Kinsey, Sean O’Hagan, Bill MacKay, George Xylouris, Dead Rider, David Pajo (Papa M), Mick Turner (Dirty Three), Meg Baird (früher Espers), Ty Segall, Emmett Kelly, Cory Hanson, Ben Chasny (Six Organs of Admittance), David Grubbs, Cassie Berman, Cooper Crain und Sir Richard Bishop nahmen am Ende einige der wichtigsten Zugpferde des Labels teil, und nicht wenige davon sind seit Jahren mit Callahan und Oldham befreundet und haben in der einen oder anderen Art und Weise bereits mit beiden zusammengearbeitet. Zu den ausgewählten Songs zählen Stücke von Yusuf Islam, Hank Williams Jr., Dave Rich, The Other Years, Billie Eilish, Steely Dan, Lou Reed, mehrere von Jerry Jeff Walker, Robert Wyatt (“Sea Song” vom 1974er “Rock Bottom”), Lowell George, Johnnie Frierson, Air Supply, Will Oldham, Leonard Cohen (“The Night of Santiago” vom vor zwei Jahren posthum erschienenen “Thanks for the Dance”-Album”), David Berman (“The Wild Kindness”), Iggy Pop (“I Want To Go To The Beach”) and John Prine (“She’s My Everything”) und zu guter letzt auch ein paar Songs aus ihrem eigenen Repertoire.

Artwork © JPW3

@ Drag City | Bandcamp

Coverversionen von Oldhams Songs gibt es mittlerweile einige, doch die drei in Schottland lebenden Musiker sind nicht bloß Fans, sondern alte Freunde und Mitstreiter des kauzigen Barden aus Kentucky. Dieser nahm 2012 zusammen mit Neilsons Band Trembling Bells das gefeierte Album “The Marble Downs” auf, ein weiterer gegenseitiger Bezugspunkt ist die sich personell immer wieder neu erfindende Band Current 93. Während Oldham dort einige Gastauftritte als Sänger hinlegte, spielte Neilson über Jahre und auf mehreren ihrer Alben Schlagzeug, Roberts dagegen ist der aktuelle Gitarrist der Band. Es ist nicht auszuschließen, dass man sich dort erst näher kennelernte.

Obwohl so quasi ein Album des Trios und eine EP vom Meister selbst vorliegen, passt das Material, was Sound und Stil angeht, recht gut zusammen, und schon beim ersten Track “Stablemate”, das mit Frontfrau O’Sullivan (die sich Jill Lorean nennt und von der Band Sparrow and the Workshop her bekannt ist) zu einem kraftvoll hypnotischen Folkrocksong wurde. Da ihre klare Stimme den einen oder anderen sicher an Jacqui McShee (Pentangle) erinnert, entfalten die primär von ihr gesungenen Tracks – so das rührende “Tonight’s Decision” – schnell einen ganz eigenen Charakter, und nicht nur deshalb wird das bekannte “Madeline Mary” zu einem kratzigen Folkrockstück, das dem etwas filigraner anmutenden Original kaum nachsteht. Überhaupt zählen die Interpretationen der beliebtesten Stücke Oldhams zu den Höhepunkten der Sammlung, großartig ist z.B. das als Duett zwischen Roberts und Neilson interpretierte Titelstück der “I See a Darkness”, einem Album, mit dem Oldham Mitte der 90er erstmals eine größere Hörerschaft erreichte.

Neilson verpasst den von ihm gesungenen Stücken eine eigene herbe Handschrift durch seine ungekünstelte Stimme, “Lost Blues”, das auch sehr sein von The Directing Hand, Trembling Bells und einigen Current 93-Alben her bekannte verspielte Drumming heraushören lässt, zählt zu seinen größten Momenten. Roberts dagegen gibt einigen der Songs eine ganz eigene Traurigkeit, “No More Warehouse Blues” und das besinnliche “Christmas in the Mountains” könnten Stücke seiner weniger üppig instrumentierten Alben sein. Den “Ohio Boat River Song”, der auf dem schottischen Traditional “Loch Tay Boat Song” basiert und von Oldham 1993 noch unter dem Namen Palace Brothers gecovert wurde, holen die drei im mehrstimmigen Gesang quasi heim.

Oldham selbst verleiht Roberts’ “Coral and Tar”, das in anrührenden Vergleichen mit der Stabilität verschiedener Bäume die menschliche Schwäche und den Wunsch nach Liebe besingt, einen leichten Country-Touch. Der intensive Vortrag macht “Coward Song”, einen Walzer aus Neilsons Soloalbum “Andromeda”, so überzeugend, dass man es für ein Original halten könnte. Von Jills Geisterballade “Dead Man” legt er eine drängende, fast schmissige Version vor. Mit dem Bonusstück “Wild Dandelion” allerdings zaubert Oldham den größten Hasen aus seinem Hut: Die heitere Revuenummer mit Honkytonk-Flair könnte problemlos ein Hit auf einem seiner Alben sein, der schalkhaft-ironische Text über ein nacktes Gänseblümchen ist mindestens so schlüpfrig wie das verführerische Pflänzchen in Döblins Die Ermordung einer Butterblume. Wollen wir mal hoffen, dass ihm das niemand ankreidet, man weiß ja nie.

Gute Coverversionen gelingen bekanntlich nicht jedem, aber bei den vier Beteiligten dieser Back to Back-Veröffentlichung ist die Nähe der Musiker zueinander in jedem Song zu spüren. Statt einer Fortsetzung wäre ein komplett neues Album mit allen Beteiligten eine tolle Überraschung. (U.S.)

Label: Textile Records / A-Musik

“A way station for a lot of young talents-in-waiting, Box of Chocolates hailed from the still-forbidding borough of Brooklyn at the end of the 1980s, with their one album released at the dawn of the 90′s. They contained multitudes, including indie-rockers-to-be, a motion-picture actor, a figment of early Phish’s imagination, an enthomusicologist, a Honduran immigrant, a 2019 Tony Award winner and some weirdos too. Box of Chocolates took the cake and ate it too, as only happened in the freewheeling confines of the US 80s-90s.” (Drag City)

Box of Chocolates @ Drag City

Man kann die Sammlung schlecht als Best-of bezeichnen, denn Oldham hat im Laufe seiner Karriere nur wenige “Hits” produziert, die aus dem Zusammenhang herausstechen und allgemein bekannt sind. Etwas spekulativ würde ich vermuten, dass er die Songs nicht nur nach persönlichen Vorlieben, sondern auch danach auswählte, wie repräsentativ sie ihm für sein Songwriting erscheinen. Dabei hat er sich einmal mehr an das ganz Einfache herangewagt und die in unterschiedlicher Opulenz gestalteten Originale auf Stimme, Gitarre und in einem Fall Pfeifen reduziert.

Durch das homogene Klanggewand und eine schwer greifbare stimmungsmäßige Gemeinsamkeit hat die Sammlung durchaus etwas von einem Album – mit der emotionalen Zwiespältigkeit als Klammer, wobei bei manchen Songs das Dunkle, mitunter Tragische besonders heraussticht. So z.B. bei “I See a Darkness”, und womit hätte man eine solche Compilation auch besser einleiten können als mit diesem vielleicht bekanntesten Bonnie Prince Billy-Song vom gleichnamigen Album, das seinen Klassikerstatus auch der Interpretation von Johnny Cash verdankt. Hier ringt ein hin und her gerissenes Ich mit der Kehrseite seiner Hoffnung und schwankt bekenntnishaft zwischen genügsamer Resignation und einer Auflehnung, die im Wunsch nach Erlösung besteht. Vor einigen Jahren hat Oldham eine tanzbare Version des Songs herausgebracht, die von einigen als ironisch aufgefasst wurde. Bei dem intimen Setting der Akustikversion, bei der der Sänger seine schwermütigen Verse wie direkt neben einem sitzend vorbringt, wird das wohl nicht passieren.

In einigen seiner Songs treibt Oldham die bescheidene Abgeklärtheit, der jede Bitterkeit fern ist, so weit, dass eine fast verbummelte Atmosphäre aufkommt, eine entspanntes Driften, wie es vor aller anderen Folkmusik v.a. in der Americana funktioniert, so in den simplen Versen und Melodiefolgen von “Only Someone Running” oder im fast heiteren Fingerstyle in “Ohio River Boat Song”. Die meisten Stücke jedoch haben die Aura unverblümter Bekenntnisse, in denen kleine Aufgewühltheiten in die Tonfolgen dringen und die Tragik der Geschichten über verpasste Chancen und verspielte Freundschaften (“So Far and here we go”) oder das Zurücklassen wichtiger Menschen (“Most People”) untermauern. Wie Bonustracks wirken dagegen die A cappella-Interpretation von Richard und Linda Thompsons “Strange Affair” und das live in “authentischer” Qualität aufgenommene “Party With Marty (Abstract Blues)”.

Hier und da vermisst man die etwas üppigere Instrumentierung der ursprünglichen Aufnahmen, doch wer das vor drei Jahren im Eigenlabel erschienene unbetitelte Bonnie Prince Billy-Album kennt oder überhaupt Klassiker wie “Black”, der weiß, wie gut sich Oldhams Songwriting auch mit reduziertesten Mitteln verträgt, und der stellenweise sehr eigene Charakter der Aufnahmen gibt der Sammlung ihre Relevanz. Das Buch ist jüngst im Verlag W.W.Norton erschienen, die CD bei den üblichen Verdächtigen. (U.S.)

Label: Domino / Drag City

Ob der Kollege vom Musikexpress die genannte Ungreifbarkeit im Sinne hatte oder doch eher die abgehobene hypnotische Dudeligkeit einiger Stücke, die man als New Age-Touch interpretieren kann, sei dahingestellt – recht hat er, wenn er betont, dass die Bajas diesmal so esoterisch klingen wie nie zuvor. Verträumt oder je nach Assoziations bedrogt beginnt der Reigen mit “Jammu”, dessen repetitive, durch Raumklangspielereien aufgelockerte Synthies in entspannter und vielleicht auch etwas dröger Gelassenheit ins Unendliche ausscheren, auch beim folgenden “Circles on Circles”, das mit lautem Windrauschen beginnt, übernimmt irgendwann das psychedelische Synthiegekringel die Führung, und am Ende des Stücks fühlt man sich wie nach dem kurzen Einblick in etwas endloses.

Erst im weiteren Verlauf kommt etwas Variation und Kante ins Spiel, so der untergründige Groove und die chillige Bläsermelodie in “Angels and Demons at Play”, das dunkle Harmoniumdrone in “2303″ oder der folkig perkussive Fast-Freakout im ausladenden “Yonaguni”, das aufgrund seiner zahlreichen Soundideen für mich das zentrale Stück des Albums ist – Kuhglocken treffen auf Westcoast-Gitarren und somnambule Synthies, mit anderen Worten ist das Stück eine kleine Enzyklopädie. Eine safte, durchaus coole Regressivität, in der man sich erkennen und zugleich verlieren kann, bleibt aber auf all diesen Abschnitten gewahrt, und wenn mit dem finalen “Be Going” und seinem cheesy Saxophon alles in trauter Versponnenheit ausklingt, bleibt das noch eine ganze Zeitlang anhaltende Gefühl einer runden Sache. (A. Kaudaht)

Label: Drag City

Nachdem auf Oldhams Alben und Konzerten immer wieder einzelne Haggard-Songs auftauchten, stand vor einigen Jahren die Idee zu einem kompletten Tribute-Album, dessen ursprünglich gedachte Form mit Beteiligung Haggards und einer opulenteren Produktion aber durch dessen Tod hinfällig wurde. Als reines Cover-Album mit sechzehn Songs aus verschiedenen Werkphasen ist es aber dennoch eine interessante Hommage geworden, zumal die Auswahl auf meist weniger bekannte Songs gefallen ist.

Ein wiederkehrendes Motiv ist die Wurzellosigkeit, die man positiver auch Ungebundenheit nennen kann, das Leben als Reise und das Zuhause zwischen den Orten. Interessant ist, dass mit dem einleitenden „The Fugitive“ vom 1967 und „I am What I am“ von 2010 fast am Ende eine Art narrativer Rahmen angedeutet wird, denn aus dem ursprünglichen „I am a lonesome fugitive“ wird gut vierzig Jahre später ein „no longer a fugitive“. Mit seiner leicht brüchigen Stimme knüpft Oldham dabei an eine wesentliche Qualität Haggards an, nämlich auch der schwermütigsten Poesie einen frohsinnigen Klang zugeben, ein solider Bandsound und Dur-Tonart pflichten dem bei. „I’m Always On a Mountain When I Fall“ von 1978 ist lyrisch eine ebenso originelle Allegorie auf das heroische Scheitern und mit einem herausragenden Flötensolo besonders anrührend.

In den folgenden Songs kann man Oldham und Haggard zugleich in vielen ihrer Facetten kennenlernen: angenehm schlüpfrig mit entspanntem Saxophon in „The Day The Rains Came“, tief im Blues mit Honkytonk-Piano in „Haggard“, auf Rockabilly-Art in „Leonard“, in balladesker Duettform mit einer Sängerin in „I Always Get Lucky With You“ und „Roses in Winter“, dessen traumhafte Pedal Steele-Gitarre eine Ruhe einkehren lässt, bei der man in den leiseren Momenten das berühmte Streichholz fallen hört.

Für eingefleischte Bonnie Prinz Billy-Fans sowieso ein Muss, ist „Best Troubadour“ auch eine kleine Schatzkiste für alle, die sich bisher noch nicht trauten, das enorme Werk von Merle Haggard etwas in Augenschein zu nehmen, aber schon immer ahnten, dass es da mehr zu entdecken gibt, als das seit Jahrzehnten im Radio rauf- und runtergenudelte „Achy Breaky Heart“. (A. Kaudaht)

Label: Domino

Bairds drittes Album in Eigenregie, das drei Jahre nach dem Vorgänger “Seasons on Earth” erschienen ist, schlägt einen ruhigen, besinnlichen Ton im Stil des Apallachian Folk an, und wenn man die Texte überhört, könnte man “Don’t Weigh Down The Light” für ein verträumtes, weltabgewandtes Werk halten. Zumindest täuschen die entspannt gezupften Gitarrensaiten das vor, und Bairds hochtönender, bisweilen gehauchter Gesang gerät an keiner Stelle zu herzzerreißend, ebenso wenig die dezenten Streicher- und Orgelbeiträge. Doch hinter der einlullenden Fassade verbirgt sich mancher Abgrund, aber auch so manche Geschichte, die davon handelt, solche Abgründe zu meistern.

Schon Titel wie “Back to you”, “Past Houses”, “Good Directions”, “Leaving Song” und “Even the Walls Don’t Want You to Go” deuten dieses Ringen um die Trennung und ihre gleichzeitige Unmöglichkeit schon auf den ersten Blick an, und ist man erst einmal in Bairds Meditationen eingetaucht, fallen auch musikalisch immer mehr kleine Details auf, die das verhuschte Idyll stören und einen irritierenden, fast verzweifelten Ton ankligen lassen, sei es das undefinierbar glühende Pfeifen hinter den fingerpickings in “Stars Unwinding”, sei es vielleicht mehr noch im a capella-Stück “Leaving Song”, der in der Mitte des Albums nur mit gehauchten Lauten ohne sprachliche Bedeutung so etwas wie die Essenz der Platte anzudeuten scheint.

“Don’t Weigh Down The Light” ist streckenweise derart intim geraten, dass einen als Hörer bisweilen das Gefühl zu stören beschleicht. Dennoch ist das Album von seiner klanglichen Gestalt her dichter und fülliger instrumentiert als Bairds frühere Solowerke, neben Streichern und Perkussion sind an einigen Stellen gesamplete Chöre zu hören, so dass sich das Album mit Hilfe diverser Gastmusiker einem veritablen Bandsound annähert, bei dem man nicht umhin kann, an ihre Gruppe Espers zu denken. Das könnte bedeuten, dass die Musikerin sich derzeit voll auf ihre Soloaktivitäten konzentriert, aber auch ,dass sie darin die Traditionslinien sowohl ihrer Band als auch ihrer Soloarbeiten zusammenfließen lässt. (A. Kaudaht)

Label: Wichita/Drag City