“There are songs from Zea’s Frisian albums (West Frisian is De Boers first language), a cover version of Norma Tanega’s You’re Dead, some new songs (The queen’s feet, What should we do with our bodies), the Ethiopian song Sethed Seketelat with lyrics from ex-The Ex singer G W Sok and there’s a new version of It’s Quiet. That song appears on the 7” too and it’s the first song that De Boer and Charles more or less wrote together. While on tour with Getatchew Mekuria they stayed at a cottage on the French country side (a sleeping place after a festival). Drinking a glass of wine and looking at the stars, Charles muttered “You know, it can be very quiet on the French countryside, but there will always be a dog barking nearby and a motorcycle in the distance.” And he was right, a minute later they heard a dog barking followed by a speeding motorbike in the distance. Zea went inside, grabbed a pen and a piece of paper and wrote it down. They started naming more things from daily life that disturb silence and that’s how the song came together.” (Makkum / Protagoniste)

Das vor kurzem erschienene Album “Spectre”, bei dem beide nach zahlreichen anderen Kollaborationen wieder ihre Erfahrungen und Interessen in eine gemeinsame Waagschale werfen, hat aber auch etwas verhuscht-kontemplatives, das gespenstisch anmutet.

Den Rahmen des in sechs Abschnitte gegliederten Zyklus bilden die drei Teile des multiphonischen “Phonomnèse”, die dem Album mit einem diffusen Tremolieren zunächst einen eher ungewissen Auftakt geben, später mit an Orgel erinnernden Sounds ein kraftvolles retardierendes Moment bereithalten und am Ende in trostreicher Ruhe ausklingen lassen. An anderer Stelle, im zentralen “Point fantôme”, kommt ein zentraler Aspekt jeder Bläserei zum Zug, nämlich die nicht verschleierte Rolle des Atems, der hier kratzt und reibt und auf dem Höhepunkt seiner Exaltation wie dramatische Hufschläge donnert.

Hier sind schon Verstärker im Spiel, die in den zwei Teilen von “Étendue” am stärksten zum Eisatz kommen und einen Klangraum von flirrender Vibration bis zu prasselndem Lärm eröffnen. All diese Sounds eröffnen ihr spezifisches Charisma erst mit einer gewissen Vertrautheit und gewinnen mit mehrmaligem Hören an zusätzlicher Faszination. (A.Kaudaht)

Label: Akousis Records

“Volatile” ist zunächst ein faszinierendes, subtil improvisiertes Werk, das den teils ungewöhnlich präparierten Instrumenten ebenso ungewöhnliche organische Klänge entlockt. Noch interessanter vielleicht ist die von zahlreichen Plötzlichkeiten und Unberechenbarkeiten bestimmte Art, die die Beiträge miteinander verknüpft sind. Raschelnde Becken und kurze Trommelwirbel vor der schwarzen Wand eines leeren Raumes erzeugen Spannung, die über längere Passagen, in denen sich die Musik langsam vorantastet, bestehen bleibt. Von Zeit zu Zeit kommen Rhythmus-Ansätze hinzu, aber nur für Momente, bis sich alles wieder neu generiert und andere trillernde, hölzerne, luftige und metallene Sound hervorbringt. Erst nach einer Weile ereignet sich Dramatischeres und lässt die Musik auf einen rauschenden Höhepunkt zusteuern, bis alles in leisem Tastenanschlag, der an Glockengeläut erinnert, ausklingt.

“Volatile” ist aber auch eine Art Hörspiel, das aus musikalischen Klängen Geräusche macht und so die Prinzipien der Musique Concrète umdreht. Das Rauschen der Becken und das quirlige Zwitschern der Klarinette führt einen in die Illusion eines dichten Waldes, in der eine leichte Brise, die kurz darauf zu einer rauschenden Böe wird, die Zweige gegeneinander weht, und gerade in den holzigen Sounds ereignet sich manch kleines Drama. Äste, vielleicht sogar ganze Stämme scheinen zu brechen und zu Boden zu fallen, fast meint man die Axt eines Waldarbeiters zu hören, während eine ganze Schar trillernder, krakelender und dumpf quakender Vögel in Panik geraten – nur der Specht hämmert stoisch gegen das solide Holz der Bäume, nach denen die Band sich benannt hat, und die wohl zu klischeehaft gewesen wären, wenn man sie auch auf das Cover gepackt hätte.

Dieses sehr lebendige Szenario verdankt sich zum einen der Naturbelassenheit der Sounds, bei denen natürlich perkussiv bearbeitete Holzteile der Instrumente eine wichtige Rolle spielen. Sie verdankt sich aber auch der flüchtigen, verhuschten – “volatilen” – Herangehensweise der vier Musiker, die alles nur skizzenhaft andeuten, um geschwind zum nächsten Ereignis weiter zu ziehen.

Label: SOFA

The Ex waren auch mit Leib und Seele Liveband, die auf ungezählten Konzerten in immer wieder neuen Konstellationen auftraten, was in der frühen Zeit meist mit dem lapidaren Zusatz “and Guests” abgehandelt wurde. Zu diesen Gästen zählten Leute wie Ranaldo und Moore von Sonic Youth, Experimentalmusiker wie der Klarinettist Xavier Charles und in späteren Jahren äthiopische Musiker wie die gerade sehr aktive Band Fendika. Der Ort, an dem einige der legendärsten The Ex-Konzerte stattfanden, war der Amsterdamer Jazzclub “Bimhuis”, und zur Feier der langjährigen Zusammenarbeit haben die aktuellen Mitglieder gerade eine Sammlung an Mitschnitten aus der Zeit ab 1991 auf dem hauseigenen Label herausgebracht.

Auf der ersten Scheibe sind Mitschnitte aus den frühen 90ern zu hören, als die Jahre in den lokalen Squads noch nicht so lange zurück lagen und das Punkfeeling auch musikalisch noch offenkundiger ist. Schon diese Aufnahmen, die noch sehr von Andy Moors Gitarrengeschruppe geprägt waren, weisen durch einen anderen Schwerpunkt, die ekstatische Perkussivität, auf die spätere Begeisterung für rhyhtmische Musik anderer Kontinente hin: Schon im ersten und hier ältesten Stück mischt sich das Geklöppel von Handdrums zwischen die treibenden Punkrhythmen und das aufgescheuchte Schnattern einer Trompete. Songstruktur gibt es nur für Momente, viele Rhythmen sind halsbrecherisch und weit entfernt von der Stoffeligkeit des “Four to the floor”. Sax und Trompeten versetzen einen immer wieder in eine Dada-Performance, und die Stücke, die am meisten aus dem Rahmen fallen, überlassen Gastsängerinnen das Mikro. Dazu zählen das auf deutsch gesungene “Lied der Steinklopfer” und “Invitation to Dance” – selbstredend das am wenigsten tanzbare Stück, bei dem sich eine Sopranistin gegen eine an NWW erinnernde Klangkollage behauptet.

Auch auf der zweiten Seite, deren Beiträge nach einem fast zehnjährigen Zeitsprung die Jahre 2002 bis 2015 abdecken, sind vereinzelt flächige Soundgebilde zu hören, so das mit einem Orchester (dem sogenannten Ex Orchest) eingespielte “Gronings Liedje”, aus dessen dreieinhalb Minuten mancher eine halbe Platte gemacht hätte. Ansonsten finden sich hier noch mehr treibende, teils funky angehauchte Uptemponummern, und die Bläsersektion jault noch sirenenhafter als ein Jahrzehnt zuvor.

Nach den orchestralen Stücken geht es weiter mit Aufführungen, die 2012 zusammen mit äthiopischen Musikern stattfanden. “Shellelle” ist der größte Kracher aus dieser Runde und eines der zahlreichen äthiopischen Kriegslieder, die The Ex und ihre Freunde im Repertoire haben, und die so ausgelassen und fröhlich wirken, dass man im dösigen Europa schwerlich martialische Assoziationen dabei bekommen mag. Der Schlussteil ist dann noch mal etwas heterogener, es gibt Songs mit “klarer” Message wie der launige “Bourgeois Blues”, perkussive Stücke schlagen dann die Brücke zu allen zurückliegenden Schaffensphasen. Schade, dass sich The Ex auf deutchen Bühne so rar gemacht haben – auf dieser Compilation bekommt man einen Eindruck davon, was man verpasst. (U.S.)

Label: Ex Records

Besonders bezeichnend am Titel ist die Präposition „in“, bilden die aufgespürten und subtil bearbeiteten Geräusche doch in allen fünf Tracks den Rahmen bzw. die Hülle, in welcher sich die Klarinette als typisches Soloinstrument erst entfaltet. Vieles spricht dafür, dass die (oft mehrspurig aufgenommenen) Klarinettenparts erst nach den Geräuschen, kurz vor dem finalen Schliff, eingespielt wurden. Charles’ Erfahrung mit frei improvisierter Musik kam ihm dabei zugute, denn oft lassen sich die Bläserparts von den Geräuschen führen, reagieren souverän auf Töne, Klangfarben, Tempowechsel und zahlreiche wechselhafte Strukturen.

Das dem Gefrierschrank gewidmete Stück beginnt mit einem lauten Knall und überrascht durch sein konsequentes Foregrounding, aber auch durch das Amalgamieren von Geräusch und Instrumentenspiel, das an wenigen Stellen des Albums derart stark auf eine Fusion hin ausgerichtet ist. Kratzen, Brummen und sinuswellenartiges Pfeiffen scheinen hier meilenweit von ihren Quellen entfernt, und auch bei dem Sound, der wie eine Schuttlawine klingt, muss man dem Künstler den Hinweis auf die Herkunft einfach glauben. Später, vor Kulissen aus zum Teil perkussiv bearbeiteten Metall- und Kunststoff-Objekten gibt sich die Klarinette deutlicher zu erkennen und kippt erst mit der Zeit in virtuelles Vogelgezwitscher oder entgrenzt sich im infernalen Chaos hektischer Klangfetzen.

Der Slip Slap-Rhythmus in „10 Clarinetts in a Washing Machine“ zeigt, dass experimentelle Musik keineswegs humorfrei sein muss, und lässt ausnahmsweise keinen Zweifel über die verwendete Gerätschaft aufkommen. Auch hier bleibt der Sound sich nicht selbst überlassen, doch im Schnitt sind es eher die undefinierbaren Sounds, die Charles’ größte Stärke, Unterschwelliges hörbar zu machen, am meisten offenbaren.

Label: Unsounds