“Während Tiersen bei “Kerber“ (2021) zum ersten Mal Modularsynthese und Sampling in seinen Aufnahmeprozess einbezog, resultierte das Folgealbum “11 5 18 2 5 18″ aus weitergehenden Experimenten im Studio in Vorbereitung eines Auftritt beim Berliner Modular- und Synthesizer-Festival Superbooth. Tiersen nutzte Samples als Quelle, um das bereits bestehende Ausgangsmaterial erneut abzutasten, umzuprogrammieren und neu zu arrangieren. So entstanden Stücke, die mit ihren ursprünglichen Versionen nicht mehr viel zu tun hatten. Mit “Kerber Complete” schließt sich der Kreis, indem er die beiden Alben nun erstmals als Solopiano-Stücke aufgenommen hat und sie damit zu ihrem Ursprung zurückführt – war das Klavier schließlich die ursprüngliche Quelle der Samples aus denen heraus “Kerber” entstanden war”. (Mute)

@ Mute

“Nachdem Tiersen im letzten Frühjahr die Klavierparts geschrieben hatte, verbrachte er den Sommer damit, eine Sample-Bank damit zu erstellen. Diese Samples wiederum dienten ihm als Inspiration, den Akkordprogressionen nachzuspüren und sie auf Instrumenten wie dem Ondes Martenot, mit auf Mellotron und Cembalo nachzuspielen und erneut zu prozessieren. Es folgten drei Wochen intensiver Arbeit mit dem Produzenten Gareth Jones (Depeche Mode, Einstürzende Neubauten), in denen die Aufnahmen erneut bearbeitet, gesampelt und re-sampelt und mit allerlei weiteren Klängen versehen wurden, bis eine Klanglandschaft entstanden war, in der die zarten Töne der Klaviertasten mit sanft pulsierender Elektronik verschmolzen. Orte waren schon früher ein zentrales Thema in Tiersens Arbeit und das ist hier nicht anders. “Kerber” ist nach einer Kapelle in einem kleinen Dorf auf der Ouessant benannt, jener Insel im keltischen Meer auf der Tiersen seit vielen Jahren lebt und sich mit The Eskal sein eigenes Studiouniversum aufgebaut hat. Jedes Stück des Albums ist, einer musikalischen Landkarte gleich, unmittelbar mit einem Ort auf Ouessant verbunden.” (Mute)

@ Mute

@ Aquarium Drunkard

Dabei kommt es bei „Stumm 433“ zwangsläufig zu gewissen Anachronismen und Paradoxien. Eine ganze Reihe der Künstler, die „4’33“ (scheinbar) covern, existieren schon lange nicht mehr (z.B. Miranda Sex Garden, Duet Emmo, He Said), andere haben das Label verlassen (Depeche Mode), von Daniel Millers Projekten The Normal und Silicon Teens sind das die ersten Lebenszeichen seit Jahrzehnten und Fad Gadget ist vor einigen Jahren verstorben – insofern ist es vielleicht auch nur konsequent, dass er mit völliger Stille vertreten ist.

Der größte Teil der anderen Beiträge ist dem Sujet entsprechend ebenfalls reduziert: Vieles klingt wie Feldaufnahmen. Die hier beschworene Stille kann sich noisig manifestieren (Daniel Blumberg), knisternd (Richard Hawley), verrauscht (Komputer), brummend (Modey Lemon), als fast völlige Abwesenheit von Klang (Einstürzende Neubauten), kann von Möwenschreien (Polly Scattergood), Insektensummen (Pole), einem krähenden Hahn (Goldfrapp), Autohupen und Lachen (Lee Ronaldo) oder Atmen (Nonpareils) durchbrochen werden, kann so klingen, als laufe ein Filmprojektor (Josh T. Pearson) oder als ginge man durch eine Bahnhofshalle (Renegade Soundwave). Aus dem Rahmen fällt da schon der ruhig zählende Michael Gira oder das leicht hysterische Zählen bei Pink Grease, das vorgetragene Gedicht von Cold Specks und das Ticken einer Uhr/eines Metronoms bei Alexander Balanescu. Das musikalischste Stück des Albums liefert vielleicht Moby ab, bei dem sich „4’33“ als pochender und pulsierender Track manifestiert, bei dem das Dröhnen sogar zwischendurch etwas die Klangfarbe wechselt.

Vieles bzw. fast alles mag interessant sein, wenn man das dazugehörige Video sehen kann (wie z.B. bei Laibach), aber insgesamt ist das eine in jedem Wortsinn erschöpfende Veröffentlichung, und als Hörer ist man dann nach 58 Versionen/Variationen/Interpretationen auch ziemlich erschöpft. Diese Compilation ist konzeptionell vielleicht interessanter als beim tatsächlichen Hören. Vor etlichen Jahren meinte Andrew Eldritch in einem Interview, er besitze augenblicklich zwar keinen Plattenspieler, aber er habe sich kürzlich die 12” von George Michaels „Careless Whisper“ gekauft, weil es wichtig sei, das Artefakt zu besitzen. Das war sicher (mehr als nur) ironisch gemeint, bezogen auf „Stumm 433“ ist es aber bestimmt schön, die (aufwendig gestaltete) Vinylbox oder (bei kleinerem Geldbeutel) die CDs zu besitzen (wie auch schon in der konkret bemerkt wurde). Dennoch: Was macht diese Veröffentlichung deutlich? Warum ist sie wichtig? Zum einen, dass Mute Records nach all den Jahrzehnten (und nach der vor einigen Jahren neu gewonnenen Freiheit/Unabhängigkeit) immer noch konsequent ihren Weg gehen (können) und zum anderen, dass im Zeitalter des Streamings diese Box sicher ein gutes Statement für die Wichtigkeit physischer Tonträger ist. Dass der Erlös der britischen Tinnitusgesellschaft und Music Minds Matter zugute kommt, ist dann vielleicht noch ein weiterer Grund sich “Stumm 433″ zuzulegen. (MG)

Label: Mute

Die Idee zu dem Album entstand während der jüngsten Konzerttourneen, als Tiersen erkannte, wie gut manche Tracks aus unterschiedlichen Werkphasen zusammenpassten, wenn man mittels klanglicher Gestaltung nur eine entsprechende Brücke baut. Zudem haderte der Künstler seit längerem mit der Rezeption seiner Kompositionen als rein “romantischer” Musik, bei der ihre abgründige Kehrseite oft unter den Tisch fiel. Diese soll auf den neuen Aufnahmen stärker betont werden. “The apparent lightness or simplicity of some of my tracks has always been a disguise or reaction to their darker side. For instance ‘La Dispute’ is about extreme violence, blood, death and the strange state of shock you feel in the moments after something horrible has happened. That’s one of my darkest tracks and I’ve always felt uncomfortable with the idea of people thinking it’s a romantic thing to listen to on a date. People seemed to understand it when it was first released, but the use of my music for cinematic purposes put a sort of false mask on the face of the monster. I feel that Portrait puts my tracks in context again so people can listen to my music and see it for what it is and not for what it’s been used for.” (Yann Tiersen)

Tiersen @ Mute Records

Laut Label bleibt Elliot dem Gundgefüge seines desperaten Songwritings (das sich wohl nie so sehr verdichtete wie in Titel und Inhalt des letztjährigen „The Broken Man“) weitgehend treu. Doch habe er ebenso etwas wie Hoffnung oder gar leichten Optimismus beimischt, was im Großen und Ganzen stimmt. Die kleine Veränderung ist allerdings enorm wirkungsvoll. Beigaben wie die kindliche Spieluhr und die gepflegte mediterrane Handperkussion in „Reap What You Sow“ hätten früher v.a. als Kontrastmittel für eine tiefschwarze Grundstimmung fungiert. Diesmal jedoch tragen solche Spielereien eher dazu bei, das lyrische Lebensresümee etwas differenzierter zu ziehen und die schwarze Galle nicht mit der Weltformel zu verwechseln. Und doch bleibt ständig der Eindruck bestehen, dass die Gefühlsauslotung in Wort und Ton kompromisslos aufs Ganze geht. Dieses Spannungsgefüge findet sich im beschwingten Latinorhythmus wieder, der die abgeklärten Worte in „Prepare for Disappointment“ aufmischt, auch beim wehmütig aufgepeitschten Sea Shanty „Again“, stilistisch ein Echo seiner früheren „Drinking Songs“, das die Unmöglichkeit eines Zusammenseins weder cool hinnimt, noch lamoryant beklagt. Am reinsten jedoch findet sich dieser ambivalente Zug im märchenhafte Charme von „I Would Have Woken You With That Song“; es ist der Charme verwunschener Gassen und ungenutzter Chancen, die man als genau dieslieb gewonnen hat und – falls es das gibt – illusionslos verklärt. Und weil es so gut gelingt, sind auch filmreife Streicher und brummbäriger Männerkitsch für Momente erlaubt.

Soviel zu den kürzeren Stücken in der zweiten Hälfte des Albums. Das (dem Titel entsprechend gebrochene) Herzstück des Albums bildet der rund siebzehnminütige Opener, ein wahres Songmanifest, gegenüber dem der Rest fast wie ein Appendix wirken muss. „The Right To Cry“ hat einen apokalyptichen Zug: Die Welt fällt, alle Leidenschaft ist – immerhin – befriedigt, zurück bleibt nur die leere Hülle, und das Recht zum Weinen ist lange verspielt. Diese Abgeklärtheit hat etwas Erlösendes für das Subjekt, das in eben dieser Welt „prisoner and guard“ zugleich ist. Nun würde die begleitende Jazzgitarre mit Flamencotouch bei beinahe jedem anderen ebenso banal wirken wie das pastorale Fingerpicking einen Abschnitt später, denn das Schlimme nett zu sagen, ist bekanntlich eine ziemlich abgenudelte Form der Ironie. Mit Ironie hat dies bei Elliott aber weniger zu tun als mit der Fähigkeit, das Leben in all seiner Schönheit und Untröstlichkeit aus verschiedenen Blickwinkeln zu sehen. Und irgendwie nimmt man ihm ab, dass er es genau so meint.

Der „Broken Man“ aus Elliotts vorigem Schaffensabschnitt ist vor allem in einer Hinsicht entzwei gebrochen: Sein Blick und seine Stimme haben sich verdoppelt. Wie beim Modell im Covermotiv findet sich die Essenz des Albums erst im Zusammenspiel des morbiden Doubles mit seinem vitalen und stolz posierenden Pendant. Im Unterschied zu den „Drinking“- und „Howling Songs“ scheint hier auch das Herz intakt. Denn nur ein Infarkt – aber der definitiv – kann es brechen.

Label: Ici d’ailleurs