Aufgenommen in Berlin, arbeiten Haino und Friedl ausschließlich mit Stimme und Klavier. Friedl nutzt, wie es auch im Begleittext sinngemäß heißt, das Klavier als erweitertes Instrument mit räumlichen, geräuschhaften und orchestralen Qualitäten, während Haino sich auf seine Stimme konzentriert. Zu hören sind unterschiedliche vokale Techniken, extreme Register und mikrotonale Passagen. Das Album beginnt mit einer Bearbeitung des klassischen Songs “strange fruits” und entwickelt sich in weiteren Stücken als fortlaufende Improvisation. Alle Stücke wurden gemeinsam komponiert, aufgenommen und gemischt. Es erscheint als CD sowie zum Download.

Im Begleittext heißt es: “An astonishing meeting of two instrumentalists: Kasper T. Toeplitz (electric bass) and Reinhold Friedl (piano), but even more undoubtedly a musical union between two composers: the music is clearly built on a double thought of the architecture of time, of the creation, disappearance and mutation of textures much more than on classical virtuosity, an adequacy to the organological principles of the instruments. Piano and electric bass. Both musicians have long since abandoned the usual paths of their instruments to make them the tools of their compositional principles or options – which here go to the subtlest level of sonic textures”. Das Album erscheint auf Friedls Label zeitkratzer productions.

@ Sleaze Art

“ALVIN LUCIER (1931 – 2021) was one of the most influential American minimalists. Some call him „sound physician“ as his compositions are often based on acoustic research settings. His pieces tend to turn inside-out the properties of space and instruments: poems based on acoustic settings! zeitkratzer worked with the composer in Dijon, France in 2008, and presented his music in various places. These recordings have been realized at Philharmonie Luxembourg that turned out to be the ideal space for this music. On this album you can hear how LUCIER enables zeitkratzer to create sounds a lot of people have never heard before. Ringing overtones, a singing piano, a thrilling concert triangle, pencils on little objects, and how irritating a violoncello, a viola and a piano can sound together creating shifting sonic interferences. Sound phenomenology, evoking a sensual listening experience.” (Karlrecords)

@ Karlrecords

“KRAFFT is a minimalist maximal composition: all instruments play in rhythmic unison throughout. Only the sounds and their combinations change relentlessly throughout the piece. KRAFFT is spelt wrong on purpose to create an ironic-onomatopoetic rendition of the German term “Kraft”, meaning “power” or “force”. The listener is exposed to a sonic undertow. The notion of huge power and force is connected here to clandestine and unknown rules controlling the progression of sound; something is happening, but we do not exactly know what, when or how.” (Reinhold Friedl)

@ Reinhold-Friedl.de

“In 2015, Lemur started a collaboration with German pianist Reinhold Friedl. Friedl is the leader of the international ensemble zeitkratzer, working at the intersection of improvisation and composition. In this respect, Friedl’s experience and working method have much in common with the ideas and working methods Lemur uses. Not least through an interchange between work with large and small ensembles. In collaboration with Reinhold Friedl, Lemur focus on the use of extended playing techniques, form experiments and utilization of both the entire quintet (Lemur / Friedl) and the individual musicians put together in solo, duo, trio and quartet format. Alloy contains the result of this collaboration.

The title reflects on the meeting between two strong expressions, and between five musicians who together create a musical alloy of different input and ideas. In this way, we see the studio as a factory where different elements can blend together and create something new.” (Sofa)

Lemur-Porträt May-Irene Aasen

The idea for THE SHAPE OF JAZZ TO COME arose when zeitkratzer met the outstanding Swedish singer Mariam Wallentin at a festival in France. Her strikingly flexible voice is so emotional, and her musicality and technical skills are overwhelming: it perfectly joins zeitkratzer’s sound and contributes extensive solos. Wallentin is most known for her solo and duo projects Mariam the Believer and Wildbirds & Peacedrums but also as a Jazz musician: she is a member of Mats Gustafsson’s Fire! Orchestra and has previously been awarded the Swedish Jazz Prize.

zeitkratzer & Mariam Wallentin together present a tribute to great Jazz musicians from Sweet Emma Barrett to Muhal Richard Abrams. Zeitkratzer’s most diverse sound and noise experiences from their projects with Merzbow to Xenakis, Stockhausen to Lou Reed, Keiji Haino to Terje Rypdal are now confronted with Jazz: a tribute to the good old harsh and dirty jazz & blues sound!”

Als das Berliner Haus der Kulturen der Welt 2016 einige Musikveranstaltungen zum Ersten Weltkrieg organisierte, war auch ein Abend der serbischen Erfahrung dieser Zeit gewidmet. Unter dem Titel „Serbian War Songs“ brachte das Ensemble zeitkratzer zusammen mit den Musikern Svetlana Spajić, Dragana Tomić und Obrad Milić zwölf serbische Lieder auf die Bühne, die zum Teil während des Krieges entstanden sind, in jedem Fall aber von den Ereignissen dieser Zeit berichten. Mittlerweile liegt eine sorgsam bearbeitete Aufzeichnung davon auf Platte und CD vor.

Die zwölf Songs auf dem Album geben eine ganze Bandbreite an Erfahrungen und Empfindungen im und zum Krieg wieder, die Auswahl beginnt mit einer Hymne auf den Attentäter des österreichischen Kronprinzen in Sarajevo, es finden sich kämpferische Soldatenlieder, doch die meisten Stücke sind Stimmen der weitgehend passiv leidenden Bevölkerung und waren oft nur in lokalen Kontexten bekannt. Svetlana Spajić, die mit Dragana Tomić den Großteil des Gesangs beisteuert, hat die meisten der Stücke in teilweise entlegenen Dörfern aufgespürt. Sie künden von Schmerz, Wut und einem trotzigen Willen zum Durchhalten.

Die Gründe, warum die Musiker all dies so anschaulich in Klang und Wort zu fassen vermögen, sind vielerlei. Mit der im weitesten Sinne „folkigen“ Schlagseite, die das zeitkratzer’sche Repertoire, das mit seinem perkussiven Rasseln ohnehin eine rituell-archaisch anmutende Seite hat, gekonnt mir regionalen Blas- und Streichinstrumenten und traditionellem Gesang verbindet, schafft ein kitschfreies Kolorit, das die Ereignisse wie mit einem Zoom über räumliche und zeitliche Distanzen hinweg erfahrbar macht. Auch wirken die einzelnen Stücke oft wie anekdotische Ausschnitte, scheinen – schon vom Titel her, aber auch angesichts der ratternden, schabenden, quietschenden Sounds des elektrifizierten Solistenensembles, der die Mechanik des Krieges abzubilden und gleichsam zu deuten scheint – auf bestimmte Situationen und ihre Gefühlslagen fokussiert.

Stimmungsmäßig scheint die Sammlung zwischen Verzweiflung und Kampfeswillen zu changieren, ein Stück wie „The Battle of Mačkov“ hätten in den 90ern einige pathetische Martial Industrial-Combos sicher auch gerne so hinbekommen. Die Stimmen der Sängerinnen sind volkstümlich derbe, auch dann, wenn sie in melancholische Klagegesänge anstimmen, das Tremolo und der z.T. repetitiv-leiernde Ausdruck entsprechen regionalen Gesangstraditionen. Zu den herausragenden Stücken zählt auch das rund fünfzehnminütige „Assassination in Sarajevo“, bei dem Obrad Milić, der den Song von seinem Vater gelernt hat, seinen durchdringenden, monotonen Gesang über summende Bläsertöne, später über immer bedrohlicheres metallenes Messerwetzen ausbreitet.

Ich möchte aus Respekt vor der Thematik, aber auch aufgrund meiner fehlenden Kenntnis des Serbischen kein Fazit um abgenudelte Begriffen wie „Intensität“ und „Ausdrucksstärke“ ziehen, gleichwohl die hier in eine neue Gestalt gebrachten „Serbian War Songs“ in der Hinsicht einiges bieten. Gerade wer der Sprache nicht mächtig ist und für das üppige Booklet nicht die richtige Lesebrille zur Hand hat, kann bei Empfänglichkeit der irritierenden und gleichsam spektakulären Wirkung dieser Musik den Krieg als ein Ereignis erfahren, das als etwas Fremdartiges, Unfassbares in die Lebenswirklichkeit hereinbricht. (U.S.)

Label: zeitkratzer Records / Karlrecords

Fraglos ist das Solistenensemble zeitkratzer mit seinem Händchen für originelle Interpretationen da ein überaus passender Partner, und in der Vergangenheit kam es auch schon zu Zusammenarbeiten mit der Gruppe und einzelnen Mitgliedern. Das vorliegende „Oneirika“-Album basiert auf einem Konzert, das 2014 für das Berliner Maerzmusik Festival in Auftrag gegeben wurde. Von Sharp stammt nicht nur die an John Cage orientierte Komposition, er stand auch mit Tenorsaxophon, E-Gitarre und nicht zuletzt als Dirigent mit auf der Bühne.

Eines, das sicher nicht bloß dem freien Umgang mit dem Material geschuldet ist, ist der auf den ersten Blick provisorische Charakter der Musik, denn der wirkt relativ programmatisch – wie ein Test, in dem die einzelnen Instrumente schon einmal angerührt wirken, mutet der erste Abschnitt an, in welchem aber zugleich schon einige der wesentlichen Schwerpunkte der gesamten Aufführung angedeutet werden: Ein im Zentrum stehendes Saxophon, wenngleich es sich hier noch eher zaghaft zu Wort meldet; ein in weiten Teilen metallischer Sound, wobei besonders das kleinteilige Rasseln, das nach über den Boden geschleiften Blechteilen klingt, die bekannte Handschrift zeitkratzers trägt; ein sich mit der Zeit in Fülle und Intensität steigernder Verlauf; irgendwann ein gewisser Reihungsstil, bei dem kurze Saxmotive hektisch aneinander gereiht werden.

„Oneirika“ bleibt ohnehin alles andere als zaghaft, wobei Sharp und das Ensemble sich, wie es scheint, immer wieder spontan zu arrangieren wissen, und das nicht nur in den getrageneren Momenten, wo Saxophon- und Hornklänge zusammen bemerkenswert stimmige Muster ergeben. Je schriller und eindringlicher Sharps Spiel, desto dramatischer und wuchtiger auch der Rest. Immer mehr zeichnen sich neue Wege ab, die in Stimmung und Timing wechselhaft sind, von der trunkenen Atmosphäre taumelnder Kreisbewegungen ist es bis zu rhythmischer, fast technoider Perkussion kein weiter Weg, und ob der gallopierende Takt nur zufällig an Western-Scores erinnert und der streckenweise Big Band-Touch nur der Fantasie des Hörers geschuldet ist – wer weiß das schon?

Als Teil der „Parnassus Series“ erscheint das Werk dreihundert mal auf schweren Vinlyscheiben bei Karlrecords.

Label: Karlrecords

Auch auf dem Nachfolger greifen P.O.P. auf nichtmusikalische Formen des Arrangierens zurück und lassen sich, wie der Titel „Ikebana“ unmissverständlich nahelegt, von der traditionellen japanischen Technik des Arrangierens von Blumen inspirieren. In seiner ursprünglichen Form war Ikebana weit mehr als bloß Dekor, stand symbolisch für ein tieferes Verständnis von Raum, Natur und Kosmos und wurde in meditativen Zusammenhängen eingesetzt. Schon dies und erst recht die vielen überlieferten Techniken im Umgang mit Aufbau, Rhythmus und Farbe zerstreuen alle Bedenken, es handele sich um eine triviale, einem bloßen Exotismus huldigende Referenz.

Dass auf „Ikebana“ nicht bloß ein interessantes Konzept verbraten wurde, sondern auch überzeugende Musik geboten wird, mag man daran erkennen, dass die acht Tracks durchaus auch Hörer – wie den Verfasser dieser Zeilen – anspricht, die wenig über Ikebana wissen und die Bezüge allenfalls aufgrund der sinnlichen Qualität der Kompositionen erahnen. Was dabei recht weit vom Image der gängigen Blumenarrangements entfernt scheint, ist der mit herkömmlichem Wohlklang eher sparsam umgehende Charakter der Musik. Einige Stücke wie der Opener „Shoka“ (jeder Track ist nach einer bestimmten Ikebana-Technik benannt) sind ausgesprochen düster, ein Bestien-Atem aus mysteriösem Schaben und Grollen trifft auf Saitenklänge, die an das Rattern von Radspeichen erinnern. Die metallischen Geräusche später bei „Jikuka“ sind nicht minder furchteinflößend.

Die interessantesten Momente ereignen sich, wenn eine vermeintlich unkontrollierte Dynamik ins Bild kommt, die bei genauem Hören jedoch zu gut passt, um Zufall zu sein – wenn das Pfeifen, Rumpeln und Tremolieren in „Rikka“ in tänzelnde Bewegung versetzt wird oder wenn sich aus dem motorenhaften Brummen in „Shimentei“ immer mehr kleine Details winden und man durch Spielereien mit Tempo und Raumklang immer mehr in ein visuelles Szenario gezogen wird, das auf ein fulminantes Ende zusteuert. In all seinen Veränderungen ist „Ikebana“ ein filigran-verspieltes und zugleich strenges Werk geworden, das ohne die Beschäftigung mit der Blumensteckkunst sicher nicht so entstanden wäre, das umgekehrt aber auch einen neuen Blick auf die Kunst des Ikebana ermöglicht.

Label: FMR Records

Interessant ist, dass Zeitkrater sich für dieses Albumprojekt (vielleicht augenzwinkernd) tatsächlich als „Coverband“ bezeichnen – einer Kategorisierung, der sie bislang vehement widersprochen haben.  Da Kraftwerk ihr Frühwerk wie erwähnt etwas stiefmütterlich behandeln, verspürten Zeitkratzer die „historische Notwendigkeit“, diese Musik mehr Menschen zugänglich zu machen. Getreu dem Motto: ”[O]ur job was to play it as close to the original as possible”.

Das vergangenes Jahr live während des Festival Les Musiques in Frankreich aufgenommene Album beginnt mit „Ruckzuck“, das mit seinen fast schon asiatisch anmutenden Tonfolgen und dem Schlagzeug eine recht beschwingte Nummer ist, die wirklich sehr nahe am Original ist. „Spule 4“ startet leicht dissonant(er) mit dem Knirschen und Knarzen des Geigenbogens. Das ist teils kaum hörbare, unter der Oberfläche brodelnde Geräuschmusik. Daran knüpft „Strom“ mit seinen dissonanten Bläsern an. „Atem“ ist vielleicht mein Favorit: Wie hier der Titel durch  das Harmonium illustriert wird und dabei jedes Knistern hörbar gemacht gemacht, ist schon beeindruckend. Das siebzehnminütige „Klingklang“ knüpft dann mit seinen melodischen Bassspuren eher wieder an den Anfang an und die Flöten verleihen dem Stück passagenweise einen fast schon pastoralen Charakter. Megaherz“ mit seinem dunklem Dröhnen und dissonanten Streichern lässt das Album dann aber weniger positiv ausklingen. Diese Musik klingt frisch und kein bisschen museal. (MG)

Label: zeitkratzer records (CD), Karlrecords (Vinyl)