Ltd x 300 hand-assembled copies with ultra-minimal artwork: hand-stamped sleeve with sticker seal.

@Cold Spring

„EmphasYs“, das eine Gemeinschaftsveröffentlichung von Troums Hauslabel Transgredient Records und dem inzwischen in Frankreich ansässigen Label Cyclic Law ist, war ursprünglich als Album unter dem (deutschen) Titel „Schwerpunkt“ konzipiert, der einen Hinweis auf die thematische Ausrichtung gibt, enthält „EmphasYs“ doch zwischen 2008 und 2025 gemachte Aufnahmen, die allesamt den Fokus, den „Schwerpunkt“ auf jeweils nur ein einziges Instrument richten. Die einzelnen Instrumente werden jeweils zu  „the gravitational heart of an entire sonic universe“, wie es von Labelseite heißt.

„Sepia“, auf dem die E-Gitarre im Zentrum steht, eröffnet das Album: Man hört wieder dieses langsame Sich-Steigern dieser wunderbaren Melodien, dieser flächigen Passagen, die hier eine somnambule Stimmung erzeugen. „Silver-Grey“ ist von der Stimmung etwas finsterer als der Vorgänger. Das ist partiell sicher dem ohnehin dunkleren Grundton des Cellos geschuldet. Man hört ein Pulsieren im Hintergrund, während eine getragene Trauermelodie ertönt und gegen Ende langsam ausklingt. Ur-Blau“, auf dem dem Akkordeon die tragende Rolle zukommt, ist ein sich langsam entwickelndes und entfaltendes Stück, auf dem sich die melodisch-melancholischen Klänge des Akkordeons wellenartig ausbreiten und sich langsam verdichten. „Schwarzgrün“ ist ein Stück, auf dem das zentrale Instrument – das Didgeridoo – in Passagen klar heraushörbar ist, kurz aus dem Klangwall heraustritt. Auch die Akustikgitarre auf „Arktisk Blå“ erzeugt eine außeweltliche  Stimmung. Das auf Zitter basierende „Oxblood Red“ klingt, als wohne man einem Sonnenaufgang bei. Den Abschluss setzt „Burszyn“, auf dem ein Saxophon zum Teil dunkel dröhnt und an ein Schiffshorn denken lässt.

Im Innern der CD kann man lesen: „Music like colourful fluids, shining gases, iridiscent ethert“. Diese gewählte Metaphorik betont das Sich-in-Bewegung-Befindliche und Nicht-Greifbare dieser Musik, die sich eindeutigen Formen (und Kategorien) entzieht.  Natürlich kann man auch wieder das seit vielen Jahren gewählte Motto der Band zitieren: „These are dreams, dreamed by dreamers, who are awake.“ (MG)

Label:  Transgredient  / Cyclic Law 

Bezüglich „Muster“ schreibt Drone Records, die das aus zwei langen Stücken bestehende Album im Rahmen der Sym-Reihe veröffentlicht haben: „- this is ‘ancient’ analogue drone, thick and warm like cotton wool, created on now outdated recording machines, ‘small electronics’, fragile and slow“.

Das Titelstück ist die überarbeitete und verlängerte Version (gut 40 statt der urspünglich 30 Minuten) von Musik, die ursprünglich bei einem Auftritt in Münster gespielt wurde. De Waard weist in den Linernotes darauf hin, dass er sehr selten live gespieltes Material in eine Studioversion überträgt, diesmal hatte wer aber aufgrund der zeitlichen Begrenzung auf 30 Minuten den Eindruck, dass das Stück etwas gehetzt gewesen sei und er sich deswegen dazu entschied, eine (erweiterte) Studioaufnahme zu machen.

“Muster” ist ein sich langsam entwickelndes Stück mit blubbernden Sounds, an- und abschwellenden Passagen, Knistern, brutzelnden Momenten und immer wieder verschwommenen Melodietupfern, Stimmen im Äther („The inclusion of shortwave radio sounds fascinated me at the time“, schreibt de Waard).  Der zweite Track „Disabuse Transmissions“, zu einem ähnlichen Zeitraum aufgenommen, verweist durch den Titel auf ein Tape, an dem der 2002 verstorbene Kapotte Muziek-Kollege Christian Nijs beteiligt war, dem auch zusammen mit den sich der russischen Aggression widersetzenden Ukrainern das Album gewidmet ist. Ebenfalls „sounds from the communication world“ enthaltend, erinnert das Stück in Passagen von der Atmosphäre, wenn auch nicht unbedingt von der Herangehensweise, entfernt an Arbeiten William Basinskis. Im letzten Teil hat man dann den Eindruck, als würden Radiosender gesucht und das Stück endet in Dissonanz.

Frans de Waard schreibt: „Now that I am older, I tend to think more about people and events from the past and how I use equipment from those days (reel-to-reel recorders, cassettes, Dictaphones) that I didn’t have at the time, or not to the extent I have them now. Finally, I am able to work easily with this old apparatus until the day they break down. Whatever comes after that is probably silence.“ Man kann allerdings sehr froh sein, dass diese „Stille“ bislang noch nicht eingetreten ist, denn de Waard gelingt es auf beiden Stücken, eine durchgehend außerweltliche Atmosphäre zu erzeugen. (MG)

Label: Drone Records 

Der Fokus bei der Songsauswahl liegt eher bei den getrageneren Songs. Dee singt und spielt Akkordeon, unterstützt wurde sie von einer Reihe von weiteren Musikern, die u.a. Backingvocals, Banjo, Cello und eine Reihe weiterer Instrumente beisteuerten.

Alex Neilson, der Dee als Schlagzeuger früher begleitet hat, schreibt: „If I hear the phrase ‘I contain multitudes’ smugly delivered by an Instagram-addicted arts professional one more time, then I’m gonna sing my own body electric with a cold bath and a plug-in heater. However, Baby Dee is the one person that I have met on Earth who does contain multitudes. Baby Dee has had more lives than the Dalai Lama. She was a tree surgeon, a freak show performer, a bumble bee-themed street musician and a church organist who believed she was possessed by the ghost of Palestrina. She’s also the composer of some of the greatest songs I’ve ever heard and can count artists as storied as Marc Almond, Bonnie ‘Prince’ Billy, David Tibet and Annie Lennox amongst her most voluble champions.“

Das Album erscheint bei Tin Angel als Download und als auf 200 Exemplare limitiertes Vinyl.

@ Tin Angel Records

Ursprünglich von Voice of Eyes Jim Wilson und Dimuzio konzipiert als „a deep space musical project featuring modern Buchla and 1970s-era Korg synthesizers“, entwickelte sich „Aphelion“ weiter, als zuerst Soriah und schließlich Bonnie McNairn (Voice Of Eye) dazustießen. Das Artwork gestaltete Kati Astaeir.

„Pulse Array“, mit dem das Album beginnt, hat tastende, fräsende Sounds, zu denen dann im Verlauf treibend-pulsierende perkussive Momente hinzukommen. Die leicht ethnisch klingenden Flötenpassagen erzeugen Momente der Melancholie. „Libration“ dagegegen ist bestimmt von dunkel-dräuenden Passagen und dem Kehlkopfgesang. Am Ende lässt sich kaum mehr unterscheiden, ob hier Menschen oder Maschinen zu hören sind.  „Kepler Drift“ ist dagegen ein wesentlich reduzierteres Stück, das zaghaft beginnt, eine Stimme murmelt begleitet von einzelnen Gitarrentönen. Das mit langsamen ruhigen Drones beginnende „Auracite“ entwickelt sich zu einer Trauermelodie. Der weibliche Gesang lässt kurzzeitig an Dead Can Dance denken. „Wormhole“ besteht aus Dröhnen, Stimmen, Atmen, mysteriösen Sounds und pulsierenden Passagen, bevor das Album dann mit „Syzygy“ endet – einem Track von dunkelsakraler Größe.

Auf „Aphelion“ gelingt es durchgängig das in beiderlei Wortsinn Unfassbare des Alls zu illustrieren. „Das ewige Schweigen dieser unendlichen Räume“, das der Mathematikerphilosoph Pascal verspürte,  der „ghastly chasm“ (Thomas Hardy) zwischen den Sternen, wird hier im besten Sinne erfahrbar gemacht. (MG)

Label: Drone Records

Waldron hatte uns hier 2019 im Rahmen von Drones Substantia Innominata-Serie mit „Are All Things Equivalent“ begeistert, bezüglich des Konzepts des jetzt veröffentlichten und 2024 aufgenommenen Materials heißt es im Innern der CD:„A speculative investigation into the possible disposition of reificative agencies and their direct or indirect relation to the mechanism of proto-manifestation at the boundaries between the material and non-material states of energetic disposition and organisation“. Von Labelseite erfährt man zudem, dass der Begriff „Extrusiarch”  die Idee  einer  “‘creation myth’ or energy that, loosely based on Gnosticism, is a kind of membrane that transforms unformed things into physical ones, or preliminary matter into something solid or even anthropomorphic“ meint.

Waldrons Musik ist oft von einem organischen Klang gekennzeichnet, so auch auf diesen zwei langen Tracks, die fortwährend melodisch fluktuieren, das ist ein Sich-Antasten, ein Vibrieren und Pulsieren. Es gibt im Hintergrund Momente der Unruhe, die den Stücken durchgängig eine Dynamik verleihen. Seltsame Geräusche erwecken den Eindruck, als sprächen die das Cover zierenden Entitäten, dann hört man inmitten der Klanglandschaften das Zwitschern von Vögeln, plötzlich hat man den Eindruck, als befände man sich in einem Dschungel, in dem nicht zu sehende Kreaturen stöhnen.

Wenn man kurz auf die „gnostische“ Konzeption dieses Albums zurückkommt und sich ebensolcher Terminologie bedient, dann beweist „Hymns To The Extrusiarch“ (erneut), dass Waldron eben kein Demiurgos ist, der etwas Missratenes und Verdorbenes kreiert hat, vielmehr ist hier ein echter Schöpfer am Werk. (MG)

Label: Drone Records 

Bezüglich des im letzten Jahr erschienen Albums „Electrical“ konnte man hier lesen: „Während viele andere zeitgenössische Projekte alleinig auf die Tanzfläche fixiert zu sein scheinen, zeigen November Növelet, dass es mehr gibt und stellen neben die druckvolleren Stücke kurze instrumentale Tracks, auf denen den melodischen analogen Klängen etwas Fragiles und Geisterhaftes innewohnt, ganz so, als tönten diese Stücke aus dem Äther in einem/einen liminalen Raum“.

Verglichen mit den EPs ist „All Your Love“ eine im engeren Sinne klassische Single mit lediglich zwei Stücken, die eher im Midtempobereich angesiedelt. Die von mir so bezeicheneten „Melancholiker“ im Galakthorrö-Kosmos haben sich immer und immer wieder mit den Schattenseiten menschlichen L(i)ebens beschäftigt – so auch hier.

Auf dem von einem dezent pochenden Drumcomputer und melodischen analogen Tupfern durchzogenen „Cry Baby“ wird ein Szenario geschaffen, auf dem textlich die Diskrepanz zwischen dem Wunsch, der (natürlich vergeblichen) Hoffnung („I Said the light would come“) und dem Tatsächlichen („now the room is cold“) illustriert wird. Die Konsequenz findet sich dann im sich wiederholenden Ausruf “You cry today”. Der Titeltrack auf der B-Seite begeistert mit getragenem Bass, mysteriösen Sounds, Melodieeinsprengseln und Sprechgesang und der schlichten Feststellung „there’s nothing I can do“. Inmitten der ubiquitären Dark Wave-Duos stechen November Növelet nicht nur aufgrund der langen Zeit hervor, die sie aktiv sind, sondern auch durch ihre Konsequenz und die Stärke ihrer Songs. (MG)

Label: Galakthorrö

“One thing about an album like this is that you can’t really point it out as being part of any specific genre or hopefully any specific period,” Lustmord explains. “Is it from last year? Is it from 10 years ago, is it from 20 years ago, is it from 5 years in the future? It’s trying to create something that has its own sound, not tapping into whatever musical language or history you’re familiar with. It goes way, way further back. This is the sound of planets dying or of stars being born. It’s about a bigger picture. It’s the sound of the birth of the universe and the death of the universe; it’s not rock and roll.”

The two musicians met backstage at a Fantômas show, introduced by mutual friend Buzz Osborne, around the time that Lustmord and Melvins released their collaborative album. Nearly two decades later, Lombardo and Lustmord convened as Lustmord Lombardo, crafting an album that is as cold and distant as it is frantic and engaging. The Pulse of Atoms showcases an unheard side of Lombardo and brings Lustmord back to his industrial roots.

“I’m very proud of this collaboration because it’s so different from anything else that I’ve done,” Lombardo adds. “And to create this body of work with Lustmord – this guy is legendary! He rattles the plaster off of venues.”
The Pulse of Atoms tracklist
1. An Eternal Presence Part I: Unknown
2. An Eternal Presence Part II: Relentless
3. Paleomagnetic Resonance
4. Beyond The Vast Cold Waste
5. The Desolate Shore Part I: Submergence
6. The Desolate Shore Part II: Emergence
7. The Abyssal Deep

@ Ipecac Recordings

„After many requests to reissue the seldom heard cassette EPs and VHS releases, Akuphone compiled this archival release which illuminates the group’s early development from 2008 as enigmatic practitioners of post-apocalyptic folk and ritual psychedelia.

These recordings capture Ak’chamel’s signature sound in its most primal form: thoroughly f*cked lo-fi production, warped tape hiss, detuned instruments, and melancholic hysteria captured on cassette.“

@ Akuphone  

Das Duo Haus Arafna und Karl Runau verbindet einiges: So teilten sie sich 1995 etwa die „Take One Get Two“-7”. Zum damaligen Zeitpunkt waren beide Projekte zutiefst in der Industrial Culture zu verorten. Haus Arafnas erste Aufnahmen, etwa die legendäre „Sex-U-Mas“-7” und das Vollzeitdebüt „Blut“ aus dem Jahr 1995, waren rabiate, von Verzerrungen, Dissonanzen und Schreigesang geprägte Tonträger, die sich thematisch am Bataillschen Heterogenen, an der Schattenseite des Anthropos abarbeiteten. Karl Runaus Debütalbum „Osmose“, das vor einigen Jahren wiederveröffentlicht wurde, ließ sich mit seiner industriellen Schlachthausästhetik in einem ähnlichen musikalischen und thematischen Feld verorten. Sowohl Haus Arafna als auch Karl Runau sollten über die Jahre hinweg ihr Klangbild (aus-)differenzieren, zum Teil auch (zumindest zeitweise) das Brachiale zurückfahren, mit „Mangfall“ bekommt man nun aber einen Blick in die Vergangenheit.

Im Innern des Tapes erfährt man etwas über die Genese und den Hintergrund der Aufnahmen: Die das Tape zierenden Bilder zeigen die „Mangfalbrücke“  in Süddeutschland, die auch in Jörg Buttgereits „Der Todesking“ zu sehen ist. Da es in dem zweiten Langfilm des Berliners um Suizid in verschiedensten Facetten geht, ist die Brücke sicher passend, war sie doch auch als lokaler Selbstmordort bekannt, so in etwa also die Entsprechung von Beachy Head auf dem Cover von Throbbing Gristles  „20 Jazz Funk Greats“.

Die Aufnahmen wurden innerhalb eines Tages live auf einem Vierspurgerät aufgenommen, „Karl Runau built man-sized metal constructions with tensioned wires that produced unique sounds and conplemented the synthsizers“. Der Gesang stammt von Herrn Arafna.  „Mangfal 1“, das die komplette Seite A ausmacht, kombiniert unruhige, dissonannte Lärmwände, in die sich allerlei Sounds hineinfräsen, mit dem so charakteristischen Schreigesang. Wenn man dann Referenzpunkte sucht, so lässt das an Material denken lässt, was auf „Osmose“ oder „Blut“ zu hören ist, wenn es auch sicher – der Natur der Aufnahmen entsprechend – weniger songorientiert ist.  Die beiden Stücke auf der B-Seite sind weitgehend instrumental: „Mangfall 2“, mit analogen Noiseschleifen ist industrielle, dystopische Musik, die plötzlich abreißt. Auf “Mangfall 3″ fiepen die Maschinen als sprächen sie.

“Mangfall” zeigt Haus Arafna wie auch Karl Runau in ihrer Sturm und Drang-Phase. Das kann und sollte man als Lob und unbedingte Kaufempfehlung verstehen. (MG)

Label: Galakthorrö