Jetzt zeigt das Duo Sunlight Altar, das aus Joost Vervoort (Gesang) und Jayant Makhan (Gitarre und Produktion) besteht, dass es auch anders geht. Beide Musiker spielen bei der niederländischen Black Metal Band Terzij de Horde, die sich auf ihren Alben oft abseits ausgetretener Pfade und fader Topoi bewegt.

„Twilight Altar“ ist Sunlight Altars Debüt-EP mit insgesamt fünf Stücken. Konzipiert ist das Tape als „a refuge and well of power for those fighting and caring for a better world in the face of fascism and ecological destruction.“ und musikalisch verortet man sich selbst als „abyssal folk“ und „Folk from the void”.

Der Opener „Last Sea“ beginnt mit Wellenrauschen, ein paar wenige Akkorde auf der Gitarre sind zu hören, der dann einsetzende Gesang scheint geprägt von einer tiefen Melancholie. Der Text ist reduziert auf wenige Worte: “Turn towards/Last sea alone/Softening/First shore alone/Staying here/ Dark light alone/Now come”. Beendet wird das Stück dann vom Brechen der Wellen. „Induiscernable Ground“ beginnt mit kratzenden dissonanten Geräuschen, bevor dann wieder minimalistisches Gitarrenspiel und diese leicht entrückte Stimme einsetzen.  Auf „This Body Is The Heart Of A Portal“ scheint der Gesang fast zu brechen. Zur Gitarre kommt ein Akkordeon dazu. Das lediglich eine Minute lange Titelstück ist mit perkussiven Elementen und einer Drehleier etwas treibender. Dann beeendet „Heaven’s Wall“ das Album. Die Gitarre klingt wuchtiger, ein Akkordeondrone setzt ein. Der Gesang erinnert auf dem Albun manchmal etwas an (den leider verstorbenen) Nick Talbot (Gravenhurst) oder Tim Smith (Harp).

Zentral ist all diesen Stücken Reduktion und Melancholie. Man kann gespannt auf ein hoffentlich erscheinendes Vollzeitalbum sein. (MG)

Label: Fiadh Productions 

Auf dem Label erscheint jetzt auch “Magnetic Tapes 1-7″ und es heißt: „Rooted in ritualistic sound practices and primitive outsider aesthetics, the duo creates immersive pieces built from organic drones, handmade instruments, decayed textures, primitive percussion and improvised field recordings.“

Dies manifestiert sich direkt im ersten Track  – die insgesamt sieben Stücke sind lapidar von “Tape 1″ bis “Tape 7″ druchnummeriert – als unheimliches Murmeln, Knirschen, und Knistern und die Stimme nimmt durchaus eine zentrale Rolle im Klangbild ein. Der zweite Track beginnt mit so etwas wie Morsesignalen aus der Hölle, man hört hektisches Knirschen und unheimliche Stimmen. Diese Herangehensweise setzt sich auf den restlichen Stücken fort: Quietschen, Atmen, am Ende Würgen, die Stimme wird noch einmal kreatürlicher, Schaben, Atmen,  Kratzen und dann die Stimme, als sterbe jemand. Man weiß zwischendurch nicht, von was für einer Kreatur die Stimme stammt – eines ist allerdings sicher, man möchte ihr nicht begegnen.

Der Klang dieser minimalistischen, reduzierten Musik ist transparent. Vielleicht ist dies eine Reduktion auf Essentielles und im besten Sinne (ver-)störende Musik. (MG)

Label: Dead Mind Records

Unter dem Projektnamen Form Hunter veröffentlichen die beiden u.a. auf New Forces „prasselndem Noise [und] geloopte Schrottlawinen “, wie es hier hieß, die Zusammenarbeit hier erscheint aber unter dem Namen der beiden Hauptprojekte. Das Label spricht davon, die „gritty environmental recordings of Kjostad“ kämen zusammen mit „manipulation of different forms of magnetic tape“, die typisch für Magnetic Coroner sei. Konzeptionell gehe es um „a looming sense of dread that is ultimately transcended in the clear air of a tall, resonating spire“.

Die hier zu hörenden drei (zwischen 8 und 16 Minuten langen) Stücke sind  weniger rabiat und erinnern von der Reduktion an Projekte wie Organ Of Corti. „Tower Under Siege“ besteht aus hallenden Schlägen, aus Rumpeln, Schaufeln und Schaben, ganz so, als werde in einem Stollen unter der Erde etwas abgebaut. Signale ertönen in der Ferne, ein knisternder Melodieloop setzt ein, irgendwo sind Stimmen zu erahnen. Die im Titel formulierte Bedrohung manifestiert sich hier in Momenten des Unheimlichen. Zum Ende hin verdichtet sich das Stück zu dissonantem Fiepen. Das knirschende „Retreat From Fear“ ist  – trotz des Titels – verglichen mit dem Vorgänger etwas rabiater und dichter. „Resonating Spire“ schließlich ist durchzogen von seltsam leiernden melodischen Momenten, bevor das Stück in Rauschen ausklingt.

Die von Lasse Marhaug gemasterte CD besticht durch einen transparenten Klang, der diesem geräuschhaften Album sehr entgegenkommt. (MG)

Ladg bel: New Forces 

Aber auch ohne all das zu wissen, geben Titelgebung und Gestaltung des Albums schon sehr klar die Richtung vor: Ein blaues Cover, in dessen Hintergrund ein Gesicht im Äther aufzutauchen scheint, ein Titel, der auf Depression verweist, aufgenommen wurde das Album in „The Black Lodge“. Da eröffnet sich direkt ein Referenz- und Resonanzraum von Schwarzgalligkeit und dem Somnambulen.

Das Titelstück beginnt mit Glockenläuten, dann hört man eine rauschige, warme Melodie, vielleicht so in etwa, als habe jemand kurzzeitig das Twin Peaks-Theme durch Watte abgespielt. „Es steigt auf“ wird dominiert von dunklen, repetetiven Klavierpassagen; zwischendurch meint man, eine gestopfte Trompete dröhne in der Ferne. „Gloria“ lässt an ein Glockenspiel oder eine Spieluhr denken, man hört leicht dissoantes Rascheln und Rauschen. Auf „Credo“ tönt ein etwas verstimmt klingendes  Klavier, das kurz vor der Auflösung zu sein scheint. Den Pressetext schrieb Georg Seeßlen, der bezeichnenderweise bzgl. des Stücks davon spricht, Satie-artige Klavierpassagen verschwänden hinter einem „David Lynch-esque curtain”. Aus dem dröhnenden Anfang von „Benzodiazepine”  kommt plötzlich dezentes Klavierspiel. Das ambiente „Requiem“ erinnert von der Simmung an William Basinskis Arbeiten mit dem Voyetra 8-Synthesizer. „The Bell Jar“, wahrscheinlich an Sylvia Plaths gleichnamigen Roman anspielend, ist ein wunderschönes Stück Melancholie. Abgeschlossen wird dieses großartige Album von dem Stück „Grundriss der Critique“, auf dem das Klavier wieder im Zentrum ist.

“Dysthymnia” ist in einer Auflage von je 100 Exemplaren in blauem und schwarzem Vinyl erhältlich.

Label: Hauch Records 

Der Anlass der Veröffentlichung erinnert an das „Invocations Of Almost“-Album, wurde dieses doch anlässlich einer Ausstellung von David Tibets Gemälden in Kalifornien herausgebracht und fungierte als Musik, die in den Räumen während deren Dauer lief.  „Hallucinate, Children“ enthält Musik, die während der in Prag stattfindenden gleichnamigen umfangreichen („The exhibition Hallucinate, Children is being developed in collaboration with the artist and will present visual works spanning the full arc of Tibet’s career.“ ) Ausstellung zwischen dem 23. Oktober 2026 und 4. Apil 2027 zu hören sein wird.

Dabei enthält das aus zwei längeren Tracks bestehende Vinyl lediglich Teile, Auszüge der Musik, eine vollständige(re) Version wird als 6CD-Box auf Dirter herauskommen, eine kürzere Kassettenversion  auf LarkSpur Songs. Der Hinweis „HALLUCINATE, CHILDREN is some Snatches of the C93 soundtrack to the various rooms at Dox Gallery which will be showing David’s work, as well as an overview of his work as and with Current 93 over the last 93,000 years.“ weist schon im zweiten Teil der Beschreibung auf die Konzeption und Komposition des Albums hin; auf dem weitgehend instrumentalen Album entdeckt man immer wieder Teile, Fragmente anderer Current 93-Aufnahmen: Da sind etwa die Harmoniumdrones und die Worte „What drives us on“, die Frage, mit der „Immortal Bird“ vom Album „Sleep Has His House“ beginnt. Es taucht die Stimme Bungalow Bills von „I Have a Special Plan For This World“, einer von Current 93s Zusammenarbeiten mit Thomas Ligotti, auf. Oder man hört den am Ende von “Lucifer Over London” zu hörende  Ausruf „The Tower of Moab. My God, it does reach to heaven.“ aus L. A. Lewis’ Kurzgeschichte, die den Track inspirierte, Die beiden Stücke des Albums sind durchweg von einer somnambulen Stimmung durchzogen. Aus einem seltsamen auralen Zwischenreich taucht  Bekanntes auf, verschwindet, dem Unberechenbaren einer Traumlogik folgend. Es wurde auf unseren Seiten schon häufiger darauf hingewiesen, welche Rolle Träumen im Werk Tibets zukommt. Wenn man auf das Frühwerk verweisen will, dann ist „In Mnestrual Night“ zu nennen, im Vorwort zu seiner Textsammlung „Sing Omega“ spricht Tibet von Current 93 als „dream channel“.

Auf der Webseite der Gallerie ist zu lesen: „[The drawings and paintings] function as independent records of dream, revelation, disquiet, and ecstatic image-making. Their symbolic language is populated by recurring figures and signs: children, stars, birds, animals, angels, sacred names, apparitions, and apocalyptic landscapes. Together, these motifs form a world poised between innocence and terror, fragility and prophecy, nursery rhyme, and Last Judgment. […] [A]n urgent, unsettling, and strangely tender testimony to a world perpetually on the threshold of revelation.” Das ist sicher eine Beschreibung, die auch für die Musik der letzten “93, 000″ Jahre nicht ganz unpassend ist. (MG)

Label: Cashen’s Gap

Der seit langem in Japan lebende Rudolf Eb.er hat in den letzten Jahren „schamanistische Rituale [aufgenommen], die durch reinigende psycho-physische Grenzerfahrungen die am meisten einengende psychische Zwangsjacke – das Ego – entkräften und im Idealfall überwinden sollen.“ Auch auf seiner Om Kult-Trilogie, die den Untertitel „Ritual Practice of Conscious Dying“ trägt, hat er sich am Tod abgearbeitet.  Yamazaki und Eb.er kennen sich schon lange, kamen vor einiger Zeit noch zusammen auf einem Splitalbum auf Cold Spring, bevor sie dann gemeinsam das Tape „Serenita Per I Morti Viventi” aufnahmen. Seit einiger Zeit ist Eb.er im Livelineup von Controlled Death und nun erscheinen auf seinem Label Om Kult Studioaufnahmen, die auf den gemeinsamen, sogenannten „live rituals“ basieren.

„Ritual Desecration Of Corpses, Act 1“ ist eine Melange aus Rauschen, Brummen und dann der vielleicht zu Recht im Fokus stehenden Stimmen, die den Menschen in seiner ganzen Kreatürlichkeit zeigt. Der zweite Teil ist musikalisch ähnlich: eine dunkel-dräuende Soundmasse, in die Stimmen und Stöhnen einbrechen. Zum Schluss hat man den Eindruck, dass das Stück weniger ausklingt als (ver-)endet. Das Interludium „Intermission: Feast On Corpses“ rückt eine flächige Orgel ins Zentrum des Klangbilds. “Act 3″ präsentiert wieder unmenschlichste und deswegen ganz menschliche Stimmen, bei denen man kurzzeitig meint, man könne einzelne Worte verstehen. Auf “Act 4″ kommt eine Orgel hinzu, die zwischendurch leiert und an die auch auf anderen Aufnahmen Controlled Death’  zu hörenden Auflösungsprozesse erinnert.

Im Innern der CD findet sich ein Bildensemble, das aussieht, als habe Hermann Nitsch Clive Barkers Zenobiten gebeten, ihn bei seinem Orgien-Mysterien-Theater zu unterstützen. Auf der Bandcamp-Seite findet sich dann auch der Hinweis „The interior artwork of the full-color 6-panel digipak is intended only for viewers who wish to engage with it consciously.”

Der „literarische Schwarzarbeiter“ Ulrich Horstmann verwendet in Texten und Interviews gerne das Verb „krepieren“, um das zu bezeichnen, das weniger Klarsichtige mit dem verdrängenden Euphemismus „von uns gehen“ nennen; wie man die auf “Music For The Desecration Of Corpses” zu findende Musik einschätzt, sollte klar sein. (MG)

Label: Om Kult 

Ltd x 300 hand-assembled copies with ultra-minimal artwork: hand-stamped sleeve with sticker seal.

@Cold Spring

„EmphasYs“, das eine Gemeinschaftsveröffentlichung von Troums Hauslabel Transgredient Records und dem inzwischen in Frankreich ansässigen Label Cyclic Law ist, war ursprünglich als Album unter dem (deutschen) Titel „Schwerpunkt“ konzipiert, der einen Hinweis auf die thematische Ausrichtung gibt, enthält „EmphasYs“ doch zwischen 2008 und 2025 gemachte Aufnahmen, die allesamt den Fokus, den „Schwerpunkt“ auf jeweils nur ein einziges Instrument richten. Die einzelnen Instrumente werden jeweils zu  „the gravitational heart of an entire sonic universe“, wie es von Labelseite heißt.

„Sepia“, auf dem die E-Gitarre im Zentrum steht, eröffnet das Album: Man hört wieder dieses langsame Sich-Steigern dieser wunderbaren Melodien, dieser flächigen Passagen, die hier eine somnambule Stimmung erzeugen. „Silver-Grey“ ist von der Stimmung etwas finsterer als der Vorgänger. Das ist partiell sicher dem ohnehin dunkleren Grundton des Cellos geschuldet. Man hört ein Pulsieren im Hintergrund, während eine getragene Trauermelodie ertönt und gegen Ende langsam ausklingt. Ur-Blau“, auf dem dem Akkordeon die tragende Rolle zukommt, ist ein sich langsam entwickelndes und entfaltendes Stück, auf dem sich die melodisch-melancholischen Klänge des Akkordeons wellenartig ausbreiten und sich langsam verdichten. „Schwarzgrün“ ist ein Stück, auf dem das zentrale Instrument – das Didgeridoo – in Passagen klar heraushörbar ist, kurz aus dem Klangwall heraustritt. Auch die Akustikgitarre auf „Arktisk Blå“ erzeugt eine außeweltliche  Stimmung. Das auf Zitter basierende „Oxblood Red“ klingt, als wohne man einem Sonnenaufgang bei. Den Abschluss setzt „Burszyn“, auf dem ein Saxophon zum Teil dunkel dröhnt und an ein Schiffshorn denken lässt.

Im Innern der CD kann man lesen: „Music like colourful fluids, shining gases, iridiscent ethert“. Diese gewählte Metaphorik betont das Sich-in-Bewegung-Befindliche und Nicht-Greifbare dieser Musik, die sich eindeutigen Formen (und Kategorien) entzieht.  Natürlich kann man auch wieder das seit vielen Jahren gewählte Motto der Band zitieren: „These are dreams, dreamed by dreamers, who are awake.“ (MG)

Label:  Transgredient  / Cyclic Law 

Bezüglich „Muster“ schreibt Drone Records, die das aus zwei langen Stücken bestehende Album im Rahmen der Sym-Reihe veröffentlicht haben: „- this is ‘ancient’ analogue drone, thick and warm like cotton wool, created on now outdated recording machines, ‘small electronics’, fragile and slow“.

Das Titelstück ist die überarbeitete und verlängerte Version (gut 40 statt der urspünglich 30 Minuten) von Musik, die ursprünglich bei einem Auftritt in Münster gespielt wurde. De Waard weist in den Linernotes darauf hin, dass er sehr selten live gespieltes Material in eine Studioversion überträgt, diesmal hatte wer aber aufgrund der zeitlichen Begrenzung auf 30 Minuten den Eindruck, dass das Stück etwas gehetzt gewesen sei und er sich deswegen dazu entschied, eine (erweiterte) Studioaufnahme zu machen.

“Muster” ist ein sich langsam entwickelndes Stück mit blubbernden Sounds, an- und abschwellenden Passagen, Knistern, brutzelnden Momenten und immer wieder verschwommenen Melodietupfern, Stimmen im Äther („The inclusion of shortwave radio sounds fascinated me at the time“, schreibt de Waard).  Der zweite Track „Disabuse Transmissions“, zu einem ähnlichen Zeitraum aufgenommen, verweist durch den Titel auf ein Tape, an dem der 2002 verstorbene Kapotte Muziek-Kollege Christian Nijs beteiligt war, dem auch zusammen mit den sich der russischen Aggression widersetzenden Ukrainern das Album gewidmet ist. Ebenfalls „sounds from the communication world“ enthaltend, erinnert das Stück in Passagen von der Atmosphäre, wenn auch nicht unbedingt von der Herangehensweise, entfernt an Arbeiten William Basinskis. Im letzten Teil hat man dann den Eindruck, als würden Radiosender gesucht und das Stück endet in Dissonanz.

Frans de Waard schreibt: „Now that I am older, I tend to think more about people and events from the past and how I use equipment from those days (reel-to-reel recorders, cassettes, Dictaphones) that I didn’t have at the time, or not to the extent I have them now. Finally, I am able to work easily with this old apparatus until the day they break down. Whatever comes after that is probably silence.“ Man kann allerdings sehr froh sein, dass diese „Stille“ bislang noch nicht eingetreten ist, denn de Waard gelingt es auf beiden Stücken, eine durchgehend außerweltliche Atmosphäre zu erzeugen. (MG)

Label: Drone Records 

Der Fokus bei der Songsauswahl liegt eher bei den getrageneren Songs. Dee singt und spielt Akkordeon, unterstützt wurde sie von einer Reihe von weiteren Musikern, die u.a. Backingvocals, Banjo, Cello und eine Reihe weiterer Instrumente beisteuerten.

Alex Neilson, der Dee als Schlagzeuger früher begleitet hat, schreibt: „If I hear the phrase ‘I contain multitudes’ smugly delivered by an Instagram-addicted arts professional one more time, then I’m gonna sing my own body electric with a cold bath and a plug-in heater. However, Baby Dee is the one person that I have met on Earth who does contain multitudes. Baby Dee has had more lives than the Dalai Lama. She was a tree surgeon, a freak show performer, a bumble bee-themed street musician and a church organist who believed she was possessed by the ghost of Palestrina. She’s also the composer of some of the greatest songs I’ve ever heard and can count artists as storied as Marc Almond, Bonnie ‘Prince’ Billy, David Tibet and Annie Lennox amongst her most voluble champions.“

Das Album erscheint bei Tin Angel als Download und als auf 200 Exemplare limitiertes Vinyl.

@ Tin Angel Records