Mit dabei sind unter anderem die Berliner Musikerin Teresa Riemann, die mit Stimme, Schlagzeug und Klavier sowohl solo als auch in verschiedenen Kollaborationen eine ganz eigenen und stets intensive Klangwelten entstehen lässt – ihre Musik ist immer wieder auc h Thema auf unseren Seiten. Ferner Golden Diskó Ship, das Soloprojekt von Theresa Stroetges, deren Musik verschiedene Einflüsse songbasierter Musik, Clubkultur und elektronische Experimente zu einer ganz eigenen Mixtur verbindet. Das preisgekrönte Duo PΞB steht für kompromisslosen Sound in den Grenzregionen von Noise(-Rock) und anderen extremen ansätzen, während 13 Year Cicada für experiemntellen Power Pop steht und von einigen bereits als der vielleicht melodischste Act des Festivals angekündigt wurden. Am zweiten Festivalabend trifft die mehrfach ausgezeichnete österreichische Drummerinrin Katharina Ernst mit ihren präzise konstruierten perkussiven Klanglandschaften auf die australischstämmige Soundkünstlerin Jasmine Guffond, deren atmosphärische Arbeiten von Visuals des Künstlers Louis Cameron begleitet werden. Guido Möbius präsentiert eine Mixtur aus Electronica, Improvisation und schrägerfolkloristisch eingefärbten Ansätzen, bevor das Trio Painting, an dem wieder Theresa Strötges beteiligt ist,mit seiner Verbindung aus Rock, Jazz und elektronischen Elementen das Festival anschließt. Das Sound Cream Festival versteht sich als Plattform für experimentelle und avantgardistische Popmusik in all ihren Ausprägungen – von Klangforschung und improvisierter Musik bis hin zu innovativen Formen von Songwriting und elektronischer Produktion.

Fr. 05.06.2026
Teresa Riemann · Golden Diskó Ship · PΞB · 13 Year Cicada

Sa. 06.06.2026
Jasmine Guffond · Guido Möbius · Katharina Ernst · Painting

Sound Cream Festival 2026
Einlass: jeweils 18:00 Uhr
Beginn: jeweils 19:00 Uhr
Schaulust Bremen
Beim Handelsmuseum 9
28195 Bremen

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Aus hypnotischen Rhythmen, fein geschichteten elektronischen Texturen und atmosphärischen Sounds entwickelt Pisani eine Reihe an Kompositionen, in denen sich, wie es ferner heißt, persönliche Reflexion und Universelles begegnen. Ergänzt wird das Album durch abgedruckte Texte, die über mehrere Jahre hinweg entstanden sind und die einzelnen Kompositionen poetisch begleiten. So entsteht ein multidisziplinäres Werk, das Klang, Sprache und Imagination miteinander verknüpft. “Konstellationen” erscheint als Digipak-CD mit 16-seitigem Booklet in einer auf 200 Exemplare limitierten Auflage.

Das Ergebnis ist, wie es sinngemäß im Begleittext heißt, ein fließender, organisch wirkender Strom aus Ambient, Drone und elektroakustischen Texturen, in dem sich die Beiträge beider Musiker kaum noch voneinander trennen lassen. Im Wortlaut heißt es zu den Hintergründen des Albums: “Die Entstehung des Werks spiegelt dessen Wesen wider. Jeff Düngfelder begann damit, eine fundamentale Umgebung zu formen: eine weitläufige Klanglandschaft aus Bandschleifen, Elektronik und sich wandelnden Schichten bearbeiteter Klänge. Dieser anfängliche Gestus war weniger eine Komposition als vielmehr ein Terrain – eine Atmosphäre, die in Bewegung verharrte, reich an Raum und Möglichkeiten. In dieses lebendige Feld trat Michel Mazza ein und reagierte intuitiv – mit E-Gitarre, Elektronik und einem tief verfeinerten Formgefühl. Seine Improvisationen lagern sich nicht bloß auf dem Fundament ab, sondern durchdringen es – indem sie dessen Konturen biegen, brechen und neu gestalten –, bis die Unterscheidung zwischen Ursprung und Reaktion gänzlich verschwindet. Was dabei entsteht, ist eine wahre Synthese: kein Dialog, sondern eine Transformation. Die Identitäten beider Künstler lösen sich in einem gemeinsamen Strom auf, in dem der Klang fortwährend neu geformt, wieder aufgenommen und neu geboren wird. Klangtexturen blühen auf und verebben wie ein Atemzug; Töne flackern am Rande der Wahrnehmung; melodische Fragmente tauchen kurz auf, nur um sogleich wieder unter die Oberfläche zu gleiten. Der Musik wohnt eine stille, beinahe schwerkraftartige Anziehungskraft inne – sie zieht den Hörer nach innen und fördert einen Zustand der Aufmerksamkeit, der zugleich meditativ und fließend ist. Ähnlich wie das Artwork des Albums – auf dem sich transluzente Formen überlappen, verschmelzen und in sanften Abstufungen von Licht und Schatten weiterentwickeln – existiert *Metamorphoses* in einem Zustand des ständigen Wandels. Nichts ist fixiert. Grenzen verschwimmen. Formen werden zu Gesten; Gesten werden zu Raum. Wärme und Dichte weichen der Luftigkeit und dem Schwebezustand, nur um sich daraufhin erneut in neuen, unerwarteten Konfigurationen zusammenzufinden. Die Musik bewegt sich, wie Wasser sich bewegt – wie der Wind die Oberfläche einer Landschaft neu formt: subtil, beharrlich, ohne Eile, und doch niemals stillstehend. In diesem Sinne ist *Metamorphoses* nicht bloß eine Komposition, sondern ein Prozess, der sich in Echtzeit entfaltet. Sie lädt den Hörer nicht dazu ein, ihr bloß zu folgen, sondern sie zu bewohnen – in ihren Strömen zu treiben, die Orientierungspunkte von Anfang und Ende hinter sich zu lassen und den Klang als eine lebendige, sich wandelnde Präsenz zu erfahren. Es ist der Klang der Transformation selbst: allmählich, unvermeidlich und von stiller Tiefe.” (Audiobulb). Das Album erscheint digital mit Artwork von Jeff Düngfelder.

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Den Auftakt gestalten Samuel Hall und Mat Pogo, die mit Stimme, Samples, Elektronik, Schlagzeug und Percussion zu Werke gehen. C.B. präsentiert anschließend eine audiovisuelle Performance rund um Handpan-Synthies und elektronische Texturen. Mit Sarmen Almond und Munsha selbst folgt ein Duo, das Stimmen und verschiedenste Klangquellen verbindet. 
Den Abschluss bildet Murder Murder, deren Besetzung aus Blechbläsern, Schlagzeug, Synthesizer und Gesang für eine intensive Mischung sorgen wird. Wie bei allen Veranstaltungen der Reihe versteht sich auch dieser Abend als offener und diskriminierungsfreier Raum.

Samstag, 6. Juni 2026, 20:00 Uhr
Ort auf Anfrage per DM an @glassnight.berlin oder @iammunsha
Berlin

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Heute arbeitet die Formation als “Unconscious Electronic Sound Collective” bestehend aus Nagashima sowie Masateru Terai und Takashi Miyagawa und entwickelt aus Vintage-Synthesizern wie Buchla- und EMS-Systemen, virtuellen Instrumenten, verrauschten Strukturen und filmisch anmutenden Klangräumen eine Musik, die, wie es ferner heißt, gleichermaßen abstrakt wie körperlich wirkt. Zwischen elektronischer Dröhnung, fragilem Ambient, rhythmischen Fragmenten und unbewussten Geräuschbewegungen entstehe dabei ein Sog, der stets etwas Traumartiges und unterschwellig Emotionales bewahrt. Das Album erscheint als CD, das Artwork basiert auf automatic drawings von Miyagawa.

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Ausgangspunkt für die Stücke war die Musik zu Christian Rizzos Tanzproduktion à l’ombre d’un vaste détail, hors tempête, die 2025 bei der Biennale von Lyon uraufgeführt wurde. Die daraus hervorgegangenen Kompositionen bewegen sich, wie es vom Label heißt, zwischen Kontemplation und unterschwelliger Unruhe, zwischen sakral anmutender Erhabenheit und langsam anschwellenden klanglichen Verwerfungen. Organische Entwicklungen, schwebende Drones und geisterhafte Resonanzen prägen ein Album, das, wie es ferner heißt, weniger auf klassische Dramaturgie als auf das Eintauchen in einen eigenen Klangraum setzt. Das Album ist auch digital erhältlich.

Im Zentrum steht, wie es sinngemäß im Begleittext heißt, weniger ein klassischer Songaufbau als eine körperlich anmutende, räumliche Erfahrung von Stimme, Atem und einer Klangbewegung zwischen linkem und rechtem Kanal. Dabei verbindet der Klangkünstler konzeptuelle Ansätze mit spielerischer Sprachverformung und einer reduzierten, weitgehend unmittelbaren Klangästhetik. “OO” erscheint als CD und zum Download auf Squint Press.

Vogelstimmen, Regen, Wind, Grillen, Feuerwerk u.a. werden mit Shinobue-Flöte und dezenten Takten kombiniert. In den Liner Notes beschreibt die Künstlerin selbst die Jahreszeiten als etwas, das wie menschliche Emotionen sei und das Leben definiere. Besonders die japanische Wahrnehmung von Vergänglichkeit bildet dabei einen zentralen Bezugspunkt: “From cherry blossom petals falling, we see fragility and transience, which is life. I found this moment so precious and beautiful. Seasons give me a strong sense of the presence of life. I can visualise this with my music and I would love to capture and make this sound diary in all my life and work”.
Gleichzeitig versteht Yamamoto die Veröffentlichung auch als Hommage an das Buch The One-Straw Revolution von Masanobu Fukuoka, dessen Denken ihren Blick auf Natur und Welt nachhaltig geprägt habe. Mitwirkende sind unter anderem Ayako Fujii an der Shinobue-Flöte sowie Dan West mit zusätzlichen Beats.

Foto: Toshiki Tanaka

Wie es im Begleittext heißt, entwickelte die Band um Heiða Árnadóttir (Gesang), Hilmar Jensson (Gitarre), Joachim Badenhorst (Klarinette, Bassklarinette, Keyboard), Kristín Þóra Haraldsdóttir (Viola) und Eiríkur Orri Ólafsson (Trompete, Keyboard) die Stücke kollektiv aus Farben, Stimmungen und Motiven von Helgasons Kunst heraus. Einige Texte stammen direkt aus dessen Schriften und verbinden sich mit den fragilen Arrangements zu einem intimen Dialog zwischen Musik, Kulturgeschichte und visueller Kunst. Aufgenommen wurde “Norðlandínus” im legendären Sundlaugin-Studio. Parallel zur Veröffentlichung eröffnet im Nationalmuseum Islands eine Ausstellung mit Arbeiten Sölvi Helgasons, wodurch sich Musik und Bildwelt auch außerhalb des Albums unmittelbar begegnen. Das Album erscheint als CD und zum Download.

Foto: Moritz Dittmer

@ Karlrecords