Das Label spricht von „crashing debris whirlwind“ , den das Projekt auf dem knapp zehnminütigen „Hoosic Impact“ entfesselt. Tatsächlich beginnt der Track mit einem recht statischen Ton, hinzu kommen Knirschen und metallische Schläge. Das klingt so in etwa, als stöbere jemand durch eine Fabrik, greife nach Röhren und Stangen. Im weiteren Verlauf verdichtet sich der Track aber, wird hektischer und dissonanter, um dann gegen Ende wieder – den Anfang aufgreifend – auszuklingen.

Matriarch steuert „damaged ambient electronics“, wie es das Label formuliert, bei. Im Interview mit uns meinte Julia Spots vor einigen Jahren: „The majority of my influence comes from memory, reinterpreting moments in time- or their emotional dynamics- sonically.“ „In Fur“ kombiniert leicht melodische an- und abschwellende Momente, in die sich atonale Sounds hineinfräßen. Es gibt Passagen, bei denen kaum noch zu unterscheiden ist, ob die Klänge von einer Stimme kommen oder der Elektronik entstammen und durchaus etwas Furchteinflößendes haben.

Das sind natürlich nur kurze Einblicke in die Klangwelt dieser beiden Projekte, aber als Einstieg durchaus empfehlenswert. (MG)

Label: New Forces 

Dass Noise und Saxophon gut zusammenpassen können, haben Wolf Eyes auf ihren Zusammenarbeiten mit Anthony Braxton (etwa hier) gezeigt.

Das Album beginnt mit „Ephedra Foeminea“: Ein Saxophon spielt, Schläge setzen ein, dann Stampfen, eine keifende Stimme verkündet Unverständliches, Geschirr scheint zerschlagen zu werden. Auf „Atroppa Belladonna“ werden Perkussion und Schläge mit einem nokturnen Saxophonspiel kombiniert. „Brvgmansia Genvs“ ist geprägt von wuchtig-dissonanten Passagen. „Hyoseyamvs Niger“ führt Pianomomente mit Stimmen, die klingen, als erbreche sich jemand, zusammen. Verglichen damit klingen die Vocals auf „Cicvta Virosa“ mit Klavierpassagen und einem in der Ferne tönenden Saxophon erstaunlicherweise sehr melodisch. Auf „Mandragora Officinarvm“ hat der Gesang fast schon einen sakralen Charakter und lässt entfernt an Dead Can Dance denken, während das Saxophon an der Grenze des Atonalen dröhnt. “Verbana Officinalis“ beginnt als Jazz Noir denken, dann brechen nach zwei Minuten eine markerschütternde Stimme und Perkussion ein. “CSL” ist dagegen vergleichsweise harmonisch.

Dieses nachtschattige Album überzeugt durchgängig – auch ohne letale Intoxikation mit Tollkirsche. (MG)

Label: Aesthetic Death

Edwards’ Texte waren immer auch Ausdruck seines (christlichen) Glaubens. Sein Texten bei 16 Horsepower war geprägt von einem alttestamentarischen Feuer und Schwefel-Furor (man denke etwa an Songtitel wie „Brimstone Rock“ und „Black Soul Choir“ oder einen Albumtitel wie „Sackcloth ‘n’ Ashes“). Inzwischen sind die Texte (noch) idiosynkratischer, teils fragmentarisch geworden, haben sich zu einem Synkretismus, einer Privatmythologie entwickelt: Auf dem neuen Album gibt es Verweise auf das Neue Testament („The Lord at hand/ Let the reader Understand“), auf ägyptische Mythologie (Uraeus oder Nefertum), die Mythen amerikanischer Ureinwohner (Si te cah), Zoroastrismus (Sarathustra, Geush Urvan), Indische Veden (Mithūdṛśā), Crowley (Thelema) oder Alchemie (Athanor) – und diese Liste ist sicher nicht vollständig. Letztlich entstehen hier extrem hermetische Texte, die einfaches Dekodieren eigentlich unmöglich machen.

Diese textliche Hybridisierung spiegelt sich dann auch in der musikalischen Umsetzung wider, denn das neue Album überrascht dann noch stärker als der Vorgänger „Hyacinth“ mit einer zumindest partiell sehr elektronischen Ausrichtung. Es gibt sicher weiterhin Gitarrenpassagen, die noch im Ansatz an die dunkle Amerikana seiner vergangenen Bands denken lassen, diese verschmelzen aber mit, werden überlagert von elektronischen Passagen. Vielleicht entsteht hier textlich wie musikalisch die ultimative Kosmogonie.

Der sehr starke Opener „Sun of Manes“ beginnt mit ein paar Sekunden Gitarre, dann setzt wuchtige Elektronik ein, eine pochende Drummaschine komm hinzu und Edwards intoniert: „Meteoric rise Hilarion/Or the stormy shroud/before your eyes Hysterion/Sharp edge/A salient angle/Stony vault grimoire/Twitching finger/In the black between the stars/Thrice infernal/Bull and serpent“. Das dramatische „Hexameter“ überzeugt mit treibendem, dunklen Rhtyhmus und dissonanter Elektronik,  auf “Perfumer” erklingen Trip Hop-Beats. Das das Album beendende Titelstück ist ein melodisch-flächiges Instrumental.  Auf den ersten Blick das merkwürdigste Stück ist „Midhudsra“, das recht entspannt beginnt, dann meint man, Edwards habe seine Stimme mit Autotune bearbeitet. Was beim Lesen vielleicht bizarr anmutet, verleiht dem Song eine ganz andere Form von Entrücktheit, von Außerweltlichkeit, die natürlich auch den Rest dierses grandiosen Albums durchzieht.

(MG)

Label: Sargent House

Der Titel weckt unweigerlich Erinnerungen an Dario Argentos Giallo-Klassiker Four Flies on Grey Velvet von 1971, und tatsächlich versteht sich das Album als Soundtrack zu einem Film, der nie gedreht wurde. Ein vollständiges Drehbuch existierte zwar zeitweise, wurde jedoch verworfen – übrig geblieben ist eine verborgene Erzählung, deren Spuren sich durch alle acht Stücke ziehen und die den Hörer zum Detektiv macht. Musikalisch orientiert sich Contrastate dabei weniger an den orchestralen Arbeiten eines Ennio Morricone oder Bruno Nicolai als vielmehr an jener experimentellen Seite der italienischen Filmmusik dieser Ära, für die etwa Goblin berühmt wurden. Auch die Tracktitel scheinen mehrfach auf reale Giallofilme anzuspielen – “Spasmo” etwa auf Umberto Lenzis gleichnamigen Film von 1974 –, wodurch sich das Konzept noch weiter verzweigt.

Schon der Auftakt “Broken Mirrors, Broken Minds” wirft den Hörer ohne Umschweife in die Mitte des Geschehens. Gehetzt nach vorne preschende Drums treiben das Stück voran, werden heftiger, während gehauchte, geflüsterte Stimmen einzelne Wortfetzen ausstoßen, bis sie vollständig vom Lärm verschluckt werden: Man kann sich die dahinter versteckte imaginäre Filmszene leicht als eine Verfolgungsjagd vorstellen. Nach einem abrupten Bruch öffnet sich kurz eine ruhige Passage, doch sie dient lediglich als Vorbereitung auf ein hörspielartiges Szenario: ein klingelndes Telefon, Gesprächsfetzen, räumlich versetzte Samples, Fliegensummen als dominierendes Motiv. Bereits in diesen ersten Minuten geschieht mehr, als manch andere Projekte auf Albumlänge entwickeln würden. “Spasmo” setzt dagegen auf eine völlig andere Form der Spannung. Organische Droneflächen winden und drehen sich, schwellen an und ab, begleitet von aquatischem Blubbern und immer schärfer hervortretenden Geräuschen – fast meint man, jemanden würgen zu hören. Allmählich schleicht sich ein Rhythmus ein, während undefinierbar melierte Klangfarben das Stück immer dichter werden lassen. “Immersiv” ist ein heute deutlich überstrapazierter Begriff, hier beschreibt er den Eindruck erstaunlich treffend.

Noch stärker hörspielartig entwickelt sich “The Tongue Of Fire”: Kratzen, Rasseln, Orchestrales, schrille Hochtöner, leicht jazzige Ansätze, manisches Gequake und tiefes Gebrummel bilden eine fragmentierte Geräuschwelt, deren Atmosphäre permanent kurz vor dem Zerreißen steht. Gerade diese bis aufs Äußerste gespannte Nervosität hält sämtliche Elemente zusammen wie eine unsichtbare Klammer. “My Colours Run Through Your Veins” startet zunächst ruhig und desolat, ehe es sich überraschend in ein beatbetontes, beinahe hiphopartiges Szenario verwandelt. Schmutziges Gelächter, harte Grooves und fiebrig-verwahrloste Klangräume evozieren Bilder eines heruntergekommenen New Yorks, wie man es aus Filmen von Abel Ferrara kennt, in dene ja auch so einiges durch die Adern der Figuren fließt. Zu den Höhepunkten zählt “Interrabang”, dessen jazziger Groove direkt einem Jess-Franco-Film gefallen scheint, während im Hintergrund jemand hartnäckig versucht, ein Motorrad zu starten. Straßengeräusche, undefinierbares Grunzen – irgendwo zwischen Schwein und Motor – verschmelzen zu einer Szene, die sich hervorragend als Auftakt von Nurse With Wounds “Cruisin’ For A Bruisin’” vorstellen ließe. Plötzlich wird dieses gesamte Klangbild jedoch von einer hellen orchestralen Welle fortgerissen. Verzweifelte Schreie erklingen wie unter Sirup, hektisches Flüstern erfüllt den Raum, bis schließlich der Jazz-Groove zurückkehrt und den Kreis schließt.

“House Of Tears” greift die monumentalen Trommelschläge des Albumauftakts wieder auf. Das gehetzte Hecheln, zahllose kleine Lärmdetails und die rastlose Dynamik lassen unmittelbar an eine Verfolgungsjagd denken. Auch hier bleibt nichts statisch, ständig verändern kleine Wendungen die Richtung. Mit “The Perfumed” beginnt zunächst ein Geflecht aus kratzigem Rauschen und hektischem Flüstern. Das Ganze besitzt stellenweise eine beinahe psychedelische Qualität, ehe Contrastate überraschend in eine lieblich-melancholische Passage kippen – jenes typisch giallohafte Moment, das häufig vorschnell als Kitsch abgetan wurde, tatsächlich aber gerade aus seinem Kontrast lebt. Doch auch diese Harmonie bleibt brüchig. Schaben, Reiben und Klopfen nagen unaufhörlich an ihr, steigern sich immer weiter und begraben sie schließlich unter einer neuen Geräuschlawine.

Den Abschluss bildet “An Exercise In Defascination”. Schwindelerregend rückwärts abgespielte Stimmen treffen auf orchestrale Lieblichkeit, die sich zunächst wie eine melancholische Fanfare aus einem Morricone-Score entfaltet. Noisige Trommelwirbel, brodelnde Klangmassen, Messerwetzen und rotierende Bohrer greifen immer stärker in die fragile Schönheit ein, deren Anmut aber nie agnz verschwindet. Contrastate ziehen hier noch einmal sämtliche Register und liefern eine veritable Studie der Desillusionierung. Die Kollegen des niederländischen Dark Entries-Magazins schrieben treffend, man müsse dieses Album als Ganzes hören und weniger als Sammlung einzelner Stücke verstehen. Dem lässt sich nur zustimmen. Ebenso bemerkte das italienische Sodapop-Magazin, dass die klar identifizierbaren Alltagsgeräusche – das Telefon, der Motor, die geschärften Messer – nicht bloß Dekoration seien, sondern den eigentlichen narrativen Motor bildeten. Gerade darin liegt tatsächlich eine der größten Stärken dieser imaginären Filmmusik.

Ebenso entscheidend ist jedoch noch etwas anderes: “Seven Flies Feeding In The Tears Of A Woman’s Eye” gibt sich niemals mit einem einmal erreichten Zustand zufrieden. Kaum scheint ein Motiv etabliert, tauchen neue Details auf, neue Wendungen, neue Steigerungen oder abrupte Perspektivwechsel. Kein Stück verharrt auf seinem vermeintlichen Höhepunkt oder kostet ihn aus, stattdessen entfaltet sich die Musik unaufhörlich weiter, als würde sie ihren eigenen Verlauf immer wieder neu konzipieren, und jeder Klang scheint ausschließlich für genau den Moment geschaffen zu sein, in dem er auf den Plan tritt.

Gerade diese permanente Verwandlung macht Contrastates imaginären Giallo zu weit mehr als einer stilistischen Hommage: Das Album funktioniert als eigenständiges “Hörkino”, das mit jedem Hören neue Szenen, neue Zusammenhänge und neue Verdachtsmomente freilegt. (U.S.)

Jetzt mag bei einer Frau, die neben Bratsche auch Harmonium spielt, ein Vergleich mit Christa Päffgen (vielleicht allzu) nahezuliegen, aber vielleicht weniger stimmlich als von der auf diesem Album mit dem gewählten Instrument(arium) erzeugten Stimmung. In Passagen wird man auch an einige Aufnahmen von Tara Burkes Fursaxa erinnert.

Konzeptionell geht es auf ihrem neuen, insgesamt fünften Soloalbum  um den Tod ihres Vaters – das spiegelt sich auch in der Widmung („This album is dedicated to the memory of Edwin Cotton“ )wider.  Das knapp zweiminütige, instrumentale „I Still Know You Are Calling My Name“, mit dem das Album eröffnet wird, ist dominiert von dichten, getragenen Bratschenpassagen, die eine Trauermelodie spielen und die die Stimmung gleich zu Beginn des Albums festlegen. Dann folgt direkt sicher eines der zentralen Stücke des Albums: Cottons Vertonung des wohl berühmtesten Gedichts des „quintessential Romantic poet“ John Clare, dessen Naturlyrik ihn für eine kurze Zeit populär machte. Im Gegensatz zu Zeitgenossen wie Byron oder Shelley kam Clare aus einfach(st)en Verhältnissen und litt unter psychischen Problemen, was dazu führte, dass er die letzten 20 Jahre seines Lebens in Nervenheilanstalten verbrachte. Dort schrieb er auch „I Am“, einen beeindruckenden Text, der das Verlorensein, das Weggeworfensein, die Isolation zeigt: „I am – yet what I am who cares, or knows;/My friends forsake me like a memory lost;/I am the self-consumer of my woes – /They rise and vanish, in oblivious host,/Like shades in love and death’s oblivion lost;/And yet I am! and live with shadows tossed/Into the nothingness of scorn and noise,/Into the living sea of waking dream,/Where there is neither sense of life, nor joys,/But the huge shipwreck of my own esteem“. Cottons Interpretation dieser Krisis in extremis ist ein Klagegesang, untermalt von Harmonium, mit an der Grenze zur Dissonanz schabenden Streicherpassagen, perkussiven Elementen und Vogelschreien.  Während „I Am“ die Worte in den Fokus rückt, ist „What Were Those Words You Spoke To Me“ geprägt von Cottons wortlosem Intonieren und flirrenden, leicht metallischen Passagen, die fast schon an David Jackman erinnern, Glöckchen erklingen.  Auf „The Night It Darkens All Around Me“ verkündet die im Zentrum situierte Stimme Unheimliches, während auf dem kurzen, sicher doppeldeutig zu lesenden „The Final Harvest“ getragene Bratschen, untemalt von spärlicher Perkussion, eine Folkmelodie intonieren. Das dunkle, leicht bedrohliche „A Storm In Morwenstow“ kombiniert wortloses Intonieren mit einer dröhnenden Bratsche, „Springs Of Heather“ lässt ein Klavier Worte begleiten, die davon künden, sie sei „surrounded by death, destruction and loss“. Das kurze „Round Of The Red Cape“ überzeugt mit getragenen Streichern und wuchtigen Trommelschlägen. Darauf folgt das fast schon programmatisch zu lesende „The Gods Laugh At Those Who Make Plans“, das mit Glöckchen, Harmoniumdrones, Perkussion und Klavier das Album nicht vollends finster ausklingen lässt.

“The Gods Laugh” übersetzt zentralste Erfahrungen menschlichen Existierens in neun beeindruckende Stücke. (MG)

Label: Glitterbeat 

Auch diesmal bewegt sich der Sampler im Grenzbereich zwischen Ambient, experimentellen Folkansätzen, Hörspielhaftem, Dröhnung und abstrahierter Klangkunst. Auffällig ist dabei, wie unterschiedlich die Traumprotokolle ausgestaltet sind: Manche wirken wie poetische Visionen, andere wie fragmentierte Erinnerungen oder, wie es die Psychoanalyse ausdrücken würde, verstörende Tagesreste. Immer wieder tauchen Motive von Übergängen, geheimen Räumen, Wasser, Orientierungslosigkeit und merkwürdigen Beobachtungen auf. Gleichzeitig fällt auf, wie häufig Schwellenräume, verborgene Orte und rätselhafte Begegnungen die nächtlichen Erzählungen strukturieren.

Besonders stark gelingt der Auftakt der Black Lesbian Fishermen, bei dem die rezitierte Traumlandschaft zwischen Engelsfiguren, einem verschlossenen Garten und der rätselhaften Aufforderung, “die Sonne in einem Eimer Wasser” zu bringen, eine eigentümlich mythische Stimmung erzeugt. Die von R. Loftiss (u.a. The Gray Field Recordings) vorgetragene Erzählung wird dabei von einer ständig changierenden Klangkulisse begleitet, die zwischen Jahrmarktsatmosphäre, aufwühlnden Soundscape und melancholisch anmutenden Instrumentalpassagen oszilliert und dabei unangetastet bleibt. Dimitris Chiotis verwandelt einen scheinbar banalen Blick aus dem Fenster in eine unheimliche Vision endlos vorbeiziehender Menschenmengen. Auch hier entwickelt die Musik ein bemerkenswertes Eigenleben und steigert sich von rauen Ambientflächen zu einer überraschend üppigen, streicherartigen Dramaturgie. Dan Doughty alias Duty liefert mit seinen Haus-Träumen ein besonders erinnerungswürdiges Stück über verborgene Türen, andere Wirklichkeiten und das Gefühl, an Orten zu landen, an denen man nicht sein sollte. Die zurückhaltenden Synthieflächen passen dabei hervorragend zu den Erinnerungen an rätselhafte Gebäude, Korridore und Zwischenwelten.

Musikalisch reicht die Palette von zarten Synthies über knisternde Soundcollagen bis hin zu dunklen Dröhnung und folkig eingefärbten Momenten. Auch FutuRevenant, hinter dem sich Orchis- und Hausfrauen-Experiment-Mitglied Tracy Jeffery verbirgt, steuert mit “Ten O’Clock” eine spannende Miniatur bei, in der Uhrenticken, Postpunk-Anklänge und ein traumhaft versch(r)obenes Szenario zwischen Verfolgung, Konzertalltag und Basarbesuch ineinander übergehen. Der schottische Klangkünstler und Mythenforscher Grey Malkin steuert mit “The Shimmer” eine entrückte, leicht bedrohliche Klangwelt voller beinahe coil’esker Synthietupfer bei, während Sandfingers mit “Pray For Johnny Bones” einen berührenden, melancholischen Song zwischen Folk und Funeral-Drone beisteuern. Kathleen Yearwood bewegt sich mit “Three Dreams In One Night” tief im surrealen Kern der Compilation. Ihre Folge von ineinander übergehenden Traumsequenzen wirkt ebenso rätselhaft wie poetisch und wird von einer eigenwilligen, zwischen Zupf-, Streich- und Summklängen oszillierenden Musik begleitet. Auch Nikos Fokas’ Zusammenarbeit mit Alan Trench setzt einen markanten Akzent: Zwischen unregelmäßig pulsierenden Klanglandschaften, orientalisierenden Momenten und dunkler Rezitation entsteht eine rituelle, hermetisch gefärbte Atmosphäre. Das finale Stück von Stelios Romaliadis hebt die Compilation schließlich in eine märchenhaft-verwaschene Sphäre aus Flötenloops und kindlicher Stimme.

Eine große Stärke der Sammlung liegt erneut darin, dass die Musik nie bloß Illustration bleibt. Die Klangwelten besitzen ein Eigenleben, verändern sich ständig und erzeugen genau jene instabile Logik, die echte Träume auszeichnet. Statt plakativem Surrealismus entsteht eine stille, hypnotische Intensität – besonders, wenn man die Stücke tatsächlich im Halbschlaf oder in nächtlicher Ruhe hört.  Dass dabei so unterschiedliche Beiträge dennoch wie Teile einer gemeinsamen nächtlichen Reise wirken, gehört zu den besonderen Qualitäten der Reihe (U.S.)

Die bisher bei uns von Hauch Records besprochenen Veröffentlichungen zeichneten sich durch eine gesunde Heterogenität aus, das Label selbst nennt als Referenzpunkte dieser LP mit primär elektronischer Musik „downtempo and dub to electro, Italo disco, leftfield and Krautelektronik“, jedoch mit dem Anspruch, dass das Ganze auch als Album funktionieren solle, etwas, das häufig bei Labelzusammenstellungen nicht funktioniert, wirken viele doch oft wie ein eilig zusammengeschustertes Sammelsurium.

Marly Lüske, der aus Australien stammt, steuert ein von Konrad Kraft gemixtes Stück bei, auf dem minimale Beats mit seltsamen verspielten, durchaus auch schon einmal knirschenden Sounds verknüpft werden. Kai Angermanns entspanntes „Schirm“ überzeugt mit an ein Glockenspiel oder eine Marimba erinnernde Sounds. Solo und Wolfsdorf verfolgen auf „Humpeln“ einen eher humoristischen Ansatz : Im Remix von DJ Edelescort hört man eine zerhäckselte Stimme und archaisch klingende Beats. Worte und Wörter lösen sich auf, irgendwann heißt es: „Dein Freund ist Arzt, der kann das sagen, er weiß nur, dass du humpeln wirst.“ TG Mauss’ „Distanz“ ist ein entspannter Track mit reduzierten Beats und knisternden Sounds. “TJCC” von Championne Mondeiale kombiniert Vokoderstimme, leicht melancholisch-melodische Passagen und Beats und wäre auch an einem Abend mit. Neumartic Parlo aus Düsseldorf, die sonst die Gitarre ins Klangzentrum stellen, sind auf dem “Copper Beach Extended Remix” von ihrem Stück “Invitation” elektronischer: Der in Zeilen wie “the only cars on the street/are delivering food/the only people on the street/ are delivering food/and I‘m watching starving from/ my bedroom window/and if I don‘t die of dearth/boredom will kill me tomorrow” artulierte urbane Ennui entfaltet sich hier vor verrauschten Flächen. Auf Johensons “Misty Roads” klingen die Beats, als klopfe ein Specht. Trotz sicher unterschiedlicher Herangehensweisen klingen die 12 auf  “Patronage V” versammelten Tracks in ihrer Heterogenät kohärent. (MG)

Label: Hauch Records

Lagoss, das Trio aus Teneriffa, das sich mit seiner “Imaginary Islands”-Reihe bereits einen Namen gemacht hat, steuert sechs Stücke bei, die in Indonesien aufgenommen wurden. Ihre Collagen aus Klappern, Rauschen, archaisch wirkenden Drums und elektronischer Manipulation lassen eine Herkunft in experimentierfreudiger Geräuschkunst erahnen. In “La Bandunga” etwa entfalten sich einfache, aber unregelmäßige Takte, die gerade durch ihre Verschiebungen hypnotisch wirken, bis sich am Ende eine asiatisch anmutende Melodie andeutet. Andere Tracks schlagen plötzlich Haken, wie “Conan El Barbudo”, das von metallophonem Klimpern und entrückten Melodien zu schepperndem, fast eruptivem Rhythmus kippt. In “Planeta Palmera y su Cabra” wiederum werden Tierlaute in eine unheimliche Klanglandschaft eingesponnen – hier wird die Grenze zwischen Naturgeräusch und akustischer Fiktion bewusst unscharf, und immer wieder entsteht der Eindruck einer künstlich heraufbeschworenen Exotica, die faszinierend und gleichsam beunruhigend wirkt.

Babau – das Duo aus den Artetetra-Gründern Matteo Pennesi und Luigi Monteanni – nimmt mit vier Tracks aus einer Jam-Session den Faden auf, aber in anderer Färbung. “Geoshredder” beginnt verspielt, treibend, mit sich kristallisierenden Handdrum-Beats, und wirkt deutlich melodischer als vieles bei Lagoss. “Tidal Field” verfremdet orchestrale Samples so stark, dass sie wie Fossilien in Bernstein wirken, über denen Wassergeräusche plätschern – eine fast monumentale Stimmung, die durch verfremdete Vocals gebrochen wird. Mit “Stone Cold Thunder Dub” setzen Babau auf eine direktere, elektrifizierte Dub-Variante, deren Lücken zwischen den Sounds genauso wichtig sind wie die ratternden Rhythmen selbst. Den Abschluss bildet “Dulugu Ganalan”, in dem zwitschernde Vögel, Klappern und weitere Naturgeräusche in eine stimmungsvolle, fast hörspielhafte Form gebracht werden – ein beinahe sanfter, aber nach wie vor geheimnisvoller Ausklang.

Was dieses Album besonders macht, ist die Art und Weise, wie zwei Projekte mit ähnlicher Grundhaltung – der Lust am Experiment, der Affinität zu tropischer Exotica und surrealen Verfremdungen – dennoch unterschiedliche Akzente setzen: Lagoss eher düster und vertrackt, Babau verspielt und leichter, ohne den Kollegen an Intensität auch nur im Geringsten nachzustehen. (U.S.)

Label: Artetetra

Schon der Titel des eröffnenden und zugleich längsten Stücks, “Multum in Parvo” – auf deutsch etwas umständlich “Das Viele im Wenigen” –, beschreibt treffend dessen Charakter. Innerhalb von knapp acht Minuten entfaltet Petrarca eine erstaunliche Dichte an Ideen: Rauschen, Hallräume, Kratzen und Schaben verschmelzen zu einem fließenden Kontinuum, das von Anfang an eine gewisse Dunkelheit ausstrahlt, in der man sich einrichten möchte. Immer wieder verändern sich Perspektiven, neue Details treten hervor, dezente Drones schieben sich unter die Oberfläche, ohne je dominant zu werden. Besonders beeindruckend ist dabei die Verweigerung einfacher dramaturgischer Muster. Das Stück steigert sich nicht linear, sondern folgt einem organischen Auf und Ab, das permanent Spannung erzeugt.

“Library of Ruina” wirkt zunächst rauer und elektronischer. Die Texturen sind griffiger, die Oberflächen weniger diffus. Über längere Strecken scheint das Stück beinahe wie ein Interludium zu funktionieren, als würde es auf einen entscheidenden Richtungswechsel warten, der jedoch ausbliebt. Nach und nach treten allerdings neue Klänge hinzu, darunter Signale, die an langsam anschwellende Glockenschläge erinnern. Besonders faszinierend sind die kaum greifbaren vokalen Andeutungen im Hintergrund. Ob hier tatsächlich menschliche Stimmen verarbeitet wurden oder lediglich die Wahrnehmung des Hörers entsprechende Muster erzeugt, bleibt offen.

Der sperrig betitelte “Rapporti intervallari complessi e discontinue” (“Komplexe und diskontinuierliche Intervallbeziehungen”) bildet den wohl herausforderndsten Abschnitt des Albums. Brummen, Rattern, aquatisches Blubbern und hämmernde Takte treffen aufeinander und erzeugen im Zusammenspiel einen Sound, der an die Aufnahme eines Presslufthammers, dann wiederum an die Vorstufe eines Industrial-Techno-Stücks erinnert, der sich jedoch konsequent weigert, jemals einer erwartbaren Form zu folgen. Trotz seiner Härte bleibt auch dieses Stück bemerkenswert beweglich. Nichts verharrt, nichts wird zur bloßen Geste, und gerade in seiner ständigen Veränderung zeigt sich nicht nur hier Petrarcas Stärke als Komponist.

Nach dieser Verdichtung eröffnet “Finnegans Wake” die zweite Albumhälfte deutlich zurückhaltender. Der Titel verweist auf James Joyces Roman, dessen traumartige Logik und permanente sprachliche Transformationen eventuell als mögliche Parallele verstanden werden können – eventuell, da der Verfasser dieser Zeilen das Werk nie komplett gelesen hat. Das Stück beginnt mit beinahe flüsternden Geräuschen, als würde jemand vorsichtig mit fragilen Objekten hantieren. Erst allmählich verdichtet sich das Material. Der bohrende Lärm, der später hinzukommt, wirkt dabei erstaunlich organisch. Noch stärker gilt das für jene quietschenden und klagenden Klangereignisse, die sich später ins Geschehen einfügen.

Mit “O alter Duft” folgt eines der atmosphärisch dichtesten Stücke des Albums. Der Titel scheint hier tatsächlich programmatisch zu sein. Das Rauschen und Brummen ruft Assoziationen an alte Lautsprecher, vergessene Tonträger oder entfernte Erinnerungen hervor. Immer wieder scheinen instrumentale Fragmente durch den Nebel zu dringen – vielleicht eine Klarinette, vielleicht ein Klavier. Tatsächlich sind auf dem Album Kontrabass und Klavier von Flavio Gonnellini zu hören, doch Petrarca integriert diese Elemente so subtil, dass sie eher als Erinnerungsreste denn als klar identifizierbare Instrumente erscheinen. Gerade dieses Spiel mit Präsenz und Abwesenheit macht den Reiz des Stücks aus.

Der Abschluss “Hoquetus” überrascht schließlich mit einer vergleichsweise ausgeprägten Rhythmik. Der Titel verweist laut Liner Notes auf eine mittelalterliche Kompositionstechnik, bei der Stimmen oder Instrumente einander in kurzen, versetzten Fragmenten ergänzen. Zwar setzt Petrarca dieses Prinzip nicht unmittelbar um, doch das Stück besitzt tatsächlich etwas von einem ständigen Ineinandergreifen unterschiedlicher rhythmischer Ebenen. Elektronisch anmutende Tribal-Strukturen treffen auf helle Synthies und eine ungewohnt offene Atmosphäre. Ambient ist das nicht, dafür ist die Musik zu wach, zu präsent. Eher entsteht der Eindruck eines Cliffhangers, eines offenen Endes, das die zuvor entwickelten Ideen nicht abschließt, sondern weiterträgt.

“Instrumentalis” ist keineswegs anstrengend und doch kein Album für beiläufiges Hören, sondern eines, das Aufmerksamkeit fordert. Wer jedoch bereit ist, sich auf Petrarcas Klangarchitekturen einzulassen, entdeckt ein Werk von bemerkenswerter Detailfülle und Eindringlichkeit. Besonders beeindruckend ist dabei, wie konsequent Acrartep Klischees vermeidet. Kein Stück bleibt statisch, keine Idee wird unnötig ausgereizt, kein Moment wirkt wie eine bloße Genregeste. Stattdessen entsteht eine Form experimenteller Elektronik, die gleichermaßen intellektuell anregend und sinnlich erfahrbar bleibt. (U.S.)

Label: Industrial Coast

Der erste Track, “1st Zoa”, ist dem von der Gottheit Urizen allegorisierten Bereich von Vernunft und Ordnung zugeordnet und entfaltet sich als langsame, zähflüssige Klanglandschaft. Helle, organisch wirkende Drones, feine metallene Beigaben und ein stetiges Ausdehnen und Zusammenziehen des Materials erzeugen eine Atmosphäre kontrollierter Spannung. Die Musik bleibt über weite Strecken statisch, wirkt dabei aber nie leblos, sondern wie ein gedanklicher Raum, der sich fast unmerklich verändert.

Deutlich unruhiger präsentiert sich “2nd Zoa”, das der Grundkraft Tharmas gewidmet ist. Hier treten Rauschen, dumpfe Schläge und seltsame Bläserklänge in einen lose zusammenhängenden Dialog. Die Szenerie erinnert stellenweise an fragmentierten Jazz, dann wieder an ferne industrielle Geräusche. Die Zuordnung zu Triebhaftigkeit und unbewussten Emotionen erscheint nachvollziehbar. Das vergleichsweise kurze “3rd Zoa” bildet den intensivsten Abschnitt des Albums. Aus anfänglich unscheinbaren Geräuschen entwickelt sich ein raues, kratzendes Klanggeschehen, das zunehmend die Anmutung eines heraufziehenden Unwetters annimmt. Leidenschaft – Luvah – erscheint hier nicht als romantische Geste, sondern als elementare Kraft. Den Höhepunkt bildet das der Allegorie der Imagination und Kreativität, Urthona, gewidmete halbstündige “4th Zoa”. Verfremdete (kindliche?) Stimmen, krächzende Vögel, Windrauschen und tiefe Drones verschmelzen zu einem surrealen Hörspiel ohne Handlung. Immer wieder scheint sich eine musikalische Struktur herausbilden zu wollen, nur um erneut im Strom der Klänge aufzugehen. Gerade diese permanente Schwebe zwischen Konkretem und Abstraktem verleiht dem Stück seine hypnotische Wirkung, zugleich schlägt es klanglich eine Brücke zurück zum Auftakt des Albums (selbst die beiden thematisiereten Allegorien beginnen mit der gleichen Silbe) und schließt so den Kreis. Der als Bonus enthaltene Titel “Biarmonico” rundet das Werk mit einer besonders reduzierten, meditativen Drone-Komposition ab.

“Vala, Or The Four Zoas” ist keine leichte Kost und verweigert sich konsequent jeder Form von konventioneller Dramaturgie. Wer sich jedoch auf die langsamen Bewegungen, die typisch traumwandlerischen Sounds und die eigenwillige Verbindung aus Ritual, Musique concrète und Elektronik einlässt, entdeckt ein bemerkenswert geschlossenes Werk, das weniger von einzelnen Klängen als von deren geheimnisvollen Beziehungen zueinander lebt. (U.S.)

Label: Eighth Tower Records