In unserer Rezension beschrieben wir das Album als “eine akustische Kartografie von Verlust, Bewegung und Beharrlichkeit”, deren dokumentarische und musikalische Ebenen auf eindrucksvolle Weise ineinandergreifen. Am selben Abend verbindet die aus Gaza stammende und heute in Berlin lebende Sängerin Wafaa Saied traditionelle palästinensische Lieder mit persönlichen Erzählungen und mündlich überlieferten Geschichten.

Zwischen Musik und Oral History entsteht so ein bewegendes Programm über kulturelles Gedächtnis, Identität und Widerstand gegen das Vergessen.

Fotos © Pierre Gondard und Mohammed Rajab

Donnerstag, 09.07.2026
Beginn 19 Uhr
KW Institute for Contemporary Art
Auguststraße 69
10117 Berlin

@ Facebook | Facebook | KW Berlin

Musikalisch verbindet die internationale Formation erneut atmosphärische Soundscapes, Kollagetechniken und experimentelle Arrangements mit einer eigentümlichen Mischung aus Melancholie, schrägem Humor und gebrochener Jahrmarktsatmosphäre. Stellenweise blitzen Chanson-, Shanty- und Folk-Anklänge auf, die jedoch stets in ein eigenwilliges, avantgardistisches Klangbild eingebettet bleiben. Als Sänger steht diesmal der ehemalige Virgin Prunes-Frontmann Dave-id Busaras im Mittelpunkt. Edward Ka-Spel ist auf diesem Album nicht vertreten, während Martyn Bates ausschließlich als Instrumentalist mitwirkt. Ergänzt wird die Besetzung unter anderem durch Patrick Q. Wright, Tom Katsimpalis, David Zekman und Nigel Whitlow.

wandelnde Dynamik, in der kleinste klangliche Verschiebungen überraschend große Wirkung entfalten. Die beiden Kompositionen verfolgen dabei jeweils eine ganz eigene Spannungskurve und zeigen, wie viel Offenheit und Beweglichkeit in reduzierten Mitteln stecken kann. Die EP erscheint bei Tal Records als auf 60 handnummerierte Lathe-Cuts limitierte 10″-Edition mit handgefertigtem Artwork und Poster sowie digital.

Jetzt mag bei einer Frau, die neben Bratsche auch Harmonium spielt, ein Vergleich mit Christa Päffgen (vielleicht allzu) nahezuliegen, aber vielleicht weniger stimmlich als von der auf diesem Album mit dem gewählten Instrument(arium) erzeugten Stimmung. In Passagen wird man auch an einige Aufnahmen von Tara Burkes Fursaxa erinnert.

Konzeptionell geht es auf ihrem neuen, insgesamt fünften Soloalbum  um den Tod ihres Vaters – das spiegelt sich auch in der Widmung („This album is dedicated to the memory of Edwin Cotton“ )wider.  Das knapp zweiminütige, instrumentale „I Still Know You Are Calling My Name“, mit dem das Album eröffnet wird, ist dominiert von dichten, getragenen Bratschenpassagen, die eine Trauermelodie spielen und die die Stimmung gleich zu Beginn des Albums festlegen. Dann folgt direkt sicher eines der zentralen Stücke des Albums: Cottons Vertonung des wohl berühmtesten Gedichts des „quintessential Romantic poet“ John Clare, dessen Naturlyrik ihn für eine kurze Zeit populär machte. Im Gegensatz zu Zeitgenossen wie Byron oder Shelley kam Clare aus einfach(st)en Verhältnissen und litt unter psychischen Problemen, was dazu führte, dass er die letzten 20 Jahre seines Lebens in Nervenheilanstalten verbrachte. Dort schrieb er auch „I Am“, einen beeindruckenden Text, der das Verlorensein, das Weggeworfensein, die Isolation zeigt: „I am – yet what I am who cares, or knows;/My friends forsake me like a memory lost;/I am the self-consumer of my woes – /They rise and vanish, in oblivious host,/Like shades in love and death’s oblivion lost;/And yet I am! and live with shadows tossed/Into the nothingness of scorn and noise,/Into the living sea of waking dream,/Where there is neither sense of life, nor joys,/But the huge shipwreck of my own esteem“. Cottons Interpretation dieser Krisis in extremis ist ein Klagegesang, untermalt von Harmonium, mit an der Grenze zur Dissonanz schabenden Streicherpassagen, perkussiven Elementen und Vogelschreien.  Während „I Am“ die Worte in den Fokus rückt, ist „What Were Those Words You Spoke To Me“ geprägt von Cottons wortlosem Intonieren und flirrenden, leicht metallischen Passagen, die fast schon an David Jackman erinnern, Glöckchen erklingen.  Auf „The Night It Darkens All Around Me“ verkündet die im Zentrum situierte Stimme Unheimliches, während auf dem kurzen, sicher doppeldeutig zu lesenden „The Final Harvest“ getragene Bratschen, untemalt von spärlicher Perkussion, eine Folkmelodie intonieren. Das dunkle, leicht bedrohliche „A Storm In Morwenstow“ kombiniert wortloses Intonieren mit einer dröhnenden Bratsche, „Springs Of Heather“ lässt ein Klavier Worte begleiten, die davon künden, sie sei „surrounded by death, destruction and loss“. Das kurze „Round Of The Red Cape“ überzeugt mit getragenen Streichern und wuchtigen Trommelschlägen. Darauf folgt das fast schon programmatisch zu lesende „The Gods Laugh At Those Who Make Plans“, das mit Glöckchen, Harmoniumdrones, Perkussion und Klavier das Album nicht vollends finster ausklingen lässt.

“The Gods Laugh” übersetzt zentralste Erfahrungen menschlichen Existierens in neun beeindruckende Stücke. (MG)

Label: Glitterbeat 

Auch diesmal bewegt sich der Sampler im Grenzbereich zwischen Ambient, experimentellen Folkansätzen, Hörspielhaftem, Dröhnung und abstrahierter Klangkunst. Auffällig ist dabei, wie unterschiedlich die Traumprotokolle ausgestaltet sind: Manche wirken wie poetische Visionen, andere wie fragmentierte Erinnerungen oder, wie es die Psychoanalyse ausdrücken würde, verstörende Tagesreste. Immer wieder tauchen Motive von Übergängen, geheimen Räumen, Wasser, Orientierungslosigkeit und merkwürdigen Beobachtungen auf. Gleichzeitig fällt auf, wie häufig Schwellenräume, verborgene Orte und rätselhafte Begegnungen die nächtlichen Erzählungen strukturieren.

Besonders stark gelingt der Auftakt der Black Lesbian Fishermen, bei dem die rezitierte Traumlandschaft zwischen Engelsfiguren, einem verschlossenen Garten und der rätselhaften Aufforderung, “die Sonne in einem Eimer Wasser” zu bringen, eine eigentümlich mythische Stimmung erzeugt. Die von R. Loftiss (u.a. The Gray Field Recordings) vorgetragene Erzählung wird dabei von einer ständig changierenden Klangkulisse begleitet, die zwischen Jahrmarktsatmosphäre, aufwühlnden Soundscape und melancholisch anmutenden Instrumentalpassagen oszilliert und dabei unangetastet bleibt. Dimitris Chiotis verwandelt einen scheinbar banalen Blick aus dem Fenster in eine unheimliche Vision endlos vorbeiziehender Menschenmengen. Auch hier entwickelt die Musik ein bemerkenswertes Eigenleben und steigert sich von rauen Ambientflächen zu einer überraschend üppigen, streicherartigen Dramaturgie. Dan Doughty alias Duty liefert mit seinen Haus-Träumen ein besonders erinnerungswürdiges Stück über verborgene Türen, andere Wirklichkeiten und das Gefühl, an Orten zu landen, an denen man nicht sein sollte. Die zurückhaltenden Synthieflächen passen dabei hervorragend zu den Erinnerungen an rätselhafte Gebäude, Korridore und Zwischenwelten.

Musikalisch reicht die Palette von zarten Synthies über knisternde Soundcollagen bis hin zu dunklen Dröhnung und folkig eingefärbten Momenten. Auch FutuRevenant, hinter dem sich Orchis- und Hausfrauen-Experiment-Mitglied Tracy Jeffery verbirgt, steuert mit “Ten O’Clock” eine spannende Miniatur bei, in der Uhrenticken, Postpunk-Anklänge und ein traumhaft versch(r)obenes Szenario zwischen Verfolgung, Konzertalltag und Basarbesuch ineinander übergehen. Der schottische Klangkünstler und Mythenforscher Grey Malkin steuert mit “The Shimmer” eine entrückte, leicht bedrohliche Klangwelt voller beinahe coil’esker Synthietupfer bei, während Sandfingers mit “Pray For Johnny Bones” einen berührenden, melancholischen Song zwischen Folk und Funeral-Drone beisteuern. Kathleen Yearwood bewegt sich mit “Three Dreams In One Night” tief im surrealen Kern der Compilation. Ihre Folge von ineinander übergehenden Traumsequenzen wirkt ebenso rätselhaft wie poetisch und wird von einer eigenwilligen, zwischen Zupf-, Streich- und Summklängen oszillierenden Musik begleitet. Auch Nikos Fokas’ Zusammenarbeit mit Alan Trench setzt einen markanten Akzent: Zwischen unregelmäßig pulsierenden Klanglandschaften, orientalisierenden Momenten und dunkler Rezitation entsteht eine rituelle, hermetisch gefärbte Atmosphäre. Das finale Stück von Stelios Romaliadis hebt die Compilation schließlich in eine märchenhaft-verwaschene Sphäre aus Flötenloops und kindlicher Stimme.

Eine große Stärke der Sammlung liegt erneut darin, dass die Musik nie bloß Illustration bleibt. Die Klangwelten besitzen ein Eigenleben, verändern sich ständig und erzeugen genau jene instabile Logik, die echte Träume auszeichnet. Statt plakativem Surrealismus entsteht eine stille, hypnotische Intensität – besonders, wenn man die Stücke tatsächlich im Halbschlaf oder in nächtlicher Ruhe hört.  Dass dabei so unterschiedliche Beiträge dennoch wie Teile einer gemeinsamen nächtlichen Reise wirken, gehört zu den besonderen Qualitäten der Reihe (U.S.)

Entstanden zwischen Brooklyn und Louisville, verbindet das Album fragile Elektronik, Collage-Techniken, improvisierte Passagen und atmosphärische Soundscapes von ganz unterschiedlicher Beschaffenheit zu einem vielschichtigen Ganzen. Anstatt sich ausschließlich auf programmierte Strukturen zu verlassen, greifen Push For Night diesmal verstärkt zu Gitarren, Bass, Keyboards und Percussion und verleihen den Aufnahmen dadurch eine unmittelbarere, lebendigere Qualität. unterstützt werden sie von David Daniell, dessen Gitarren- und Synthesizerbeiträge prägend für die Entstehung des Albums waren, sowie von Zachary Koeber an der Klarinette. Das Album ist auch zum Downbload erhältlich.

Aus diesem Material formen Hlady und Migone laut Label eine vielschichtige Komposition über Mobilität, Routinen und die oft unsichtbaren Rhythmen des Alltags. Zwischen Field Recordings, Sprache, Soundcollage und konzeptueller Klangkunst entsteht, wie es weiter heißt, ein ebenso verspieltes wie nachdenkliches Hörstück über Pendelbewegungen, Arbeitswelten und das Leben im Transit. “On And On And Off” ist auch zum Download erhältlich.

Den Abend eröffnet das Berliner Ambient-Duo gleo, das sich die Bühe bereits mit Sanam, die sich mit Ghadr überschneiden, geteilt hatte – vermutlich wieder mit einem live improvisierten Set aus manipulierten Samples, Field Recordings und Tape-Loops, das bei früheren Auftritten gekonnt zwischen Intimität und unterschwelliger Unruhe changierte. Ergänzt wird das Programm durch ein DJ-Set von Aalia Iraki sowie levantinisch-ägyptisch inspirierte Speisen von Begzo.

Donnerstag, 02.07.2026
Beginn 19 Uhr
90mil
Holzmarktstraße 19–23
10243 Berlin

@ 90mil 

Das Album wirkt dabei oft deutlich abstrakter und soundorientierter als zurückliegende Veröffentlichungen. Verzerrte und unverzerrte Elektronik trifft auf Instrumente aus verschiedenen kulturellen Kontexten, auf Flöten, Saiteninstrumente, Gongs, Trommeln und selbstgebaute Klangobjekte. Mal entstehen meditative Passagen, mal dichte Geräuschschichten oder lärmige Ausbrüche, die sich zu einer eigenwilligen, schwer greifbaren Dramaturgie verdichten. Thematisch kreisen die Kompositionen um tiergestaltige Energien und mythologische Vorstellungen, insbesondere um den babylonischen Mythenkontext. Die physische Edition erscheint in einer aufwendig gestalteten Edition mit schwarz-rotem Druck auf schwerem Elfenbeinkarton, handgestempelter CDr in schwarzer Papierhülle sowie zwei Kunstpostkarten.

Tags drauf stehen elektronische Live-Performances im Mittelpunkt. Mit dabei sind Radio Hito, Midori Hirano, deren Arbeiten Klavier und modulare Elektronik miteinander verbinden, die Klangkünstlerin Tomoko Sauvage sowie Miki Yui und Yoko Konishi. Der 11. Juli widmet sich der Verbindung von Elektronik, Stimme und Performance. Zu erleben sind Marie Delprat, ein Porträtkonzert für die Komponistin Iris ter Schiphorst mit dem ensemble mosaik und Anna Clementi sowie die multimediale Filmoper von Leah Muir in Zusammenarbeit mit Irene Kurka. An den Nachmittagen und frühen Abendstunden runden Klangkunstarbeiten von Anouk Kellner, Workshops, Filme und tägliche Podiumsdiskussionen das Programm ab.

Heroines of Sound Festival 2026
9., 10. und 11. Juli 2026
Radialsystem
Holzmarktstraße 33
10243 Berlin

@ Heroines of Sound