Vaughan, so viel zum Hintergrund, schrieb vor allem religiös geprägte Lyrik, die das mystische Verhältnis zwischen Mensch und Gott zum Thema hatte, und die neben dem starken Fokus auf Transzendenzerfahrung vor allem auch durch ihre von Naturbildern geprägte Bildlichkeit auffällt. Neben anderen Schreibern wie John Donne zählt er zu den stärksten Stimmen barocker Dichtung auf den britischen Inseln.

Das digitale Album The Greater Whole besteht aus einem einzigen, rund vierzigminütigen Stück, realisiert mit einer beachtlichen Palette an Instrumenten – diverse Gitarren, Lauten und Bässe, Vibraphone, Flöten, Synthiess, Mellotron, Piano, Hackbrett, Perkussion, Glöckchen, Gongs und Tingshas. Es beginnt mit einem verwehten Dröhnen, aus dem sich neben knarrenden Sounds bald eine vermutlich gesamplete Frauenstimme herausschält, die über Erinnerung singt: wenige Worte, vorgetragen in einem Stil, der an Girlie-Pop der frühen Sechziger denken lässt. Eine entspannte E-Gitarre tritt hinzu, begleitet von Rasseln, und schafft eine ernste, nachdenkliche, zugleich aber auffallend gelassene Atmosphäre. Im weiteren Verlauf bimmelt und flirrt es immer wieder; etwas, das wie eine Violine klingt – vermutlich aber keine ist –, zieht wehmütige Linien durch den Raum, Flöten erklingen, und ein regelrechter Goldregen aus glitzernden Klängen scheint sich über das Stück zu ergießen. Die Stimme kehrt zurück, doch schnell wird klar: Dieses Album will nicht um jeden Preis gefallen. Trotz seiner unbestreitbar filigranen Schönheit entsteht kein pittoreskes Idyll, sondern ein bewegliches, sich ständig verschiebendes Szenario. Die klangliche Lieblichkeit hat etwas Schräges, bisweilen sogar leicht Konfrontatives – ein Eindruck, der sich auch aus der permanenten Wandelbarkeit speist. Nichts lässt sich festhalten, alles vergeht und mündet in Neues.

So kann eine plötzlich auftauchende Klaviermelodie zwar romantische Assoziationen wecken, doch ihr Kontext – ein Hintergrundrauschen, das gelegentlich an die Grenze zum Lärm reicht, und der insgesamt dröhnende Grundcharakter – lässt sie eher abgeklärt, fast ironisch erscheinen. Wenn hier Transzendenz aufgerufen wird, dann nicht als kitschige Verklärung, sondern als etwas, das mit einem gewissen Nachdruck, beinahe mit Widerstand, erschlossen werden muss. Und doch bleibt das Ganze wehmütig, schöngeistig: etwa in den Strumming-Passagen auf der Akustikgitarre oder in einer wie von einem wilden Pan gespielten bukolischen Flöte, die zusammen an die verwunschenen Szenarien alter Orchis-Aufnahmen erinnert, jener Band, mit der Trench erstmals einem größeren Publikum bekannt wurde. Besonders hervorzuheben ist auch das kurz darauf folgende spanisch anmutende Gitarrenpicking, das so etwas wie einen barocken Nachhall von Vaughans Geist einfängt und zu den schönsten und eindrücklichsten Momenten des Albums zählt.

Man könnte noch lange über die zahlreichen motivischen Ideen des weitgehend instrumental gehaltenen Albums sprechen, doch letztlich erschließt es sich am besten im Hören selbst. Dass Temple Music erst vor wenigen Wochen ein Studioalbum und eine Compilation über Sombre Sonics veröffentlicht haben und “The Greater Whole” zudem nur eines von zwei Vaughan-inspirierten Projekten ist, unterstreicht die derzeitige kreative Schaffenswut des Duos. Sie scheint ihnen gut zu tun – und dem Hörer ebenso. Begleitend zum album kann man über Bandcamp übrigens noch Originale des Artworks bestellen, die Trench zusammen mit R.Loftiss (The Grey Field Recordings) angefertigt hat. Mehr zu Temple Music in kürzester Bälde. (U.S.)

Label: Cryptanthus

Der Kanadier Eric Boros ist als Hermit seit etwa drei Jahrzehnten aktiv – auf seiner Website kann man lesen: „NOISE PERFORMANCE AND AWKWARD SILENCE SINCE 1994 “  – und hat in all den Jahren zahlreiche Tapes, CD-Rs, Eps, und 7”s herausgebracht, allerdings erscheint erst jetzt seine erste, auf 200 Exemplare limitierte, LP. In den Linernotes heißt es, Boros zeige sich verantwortlich für „Voice and noise“ und es ist sicher passend, dass die Stimme hier als erstes genannt wird: Während im Power Electronics oft aggressiv deklamiert wird, fokussieren sich (Harsh) Noise-Künstler meistens auf andere Klangquellen, schieben Regler, drehen Knöpfe, packen Kontaktmikrophone auf Scrap und Junk Metal. Boros rückt seine Stimme dagegen ganz klar ins Zentrum des Klangs.

Als Motto des Albums findet sich ein Zitat aus Lord Tennysons Langgedicht „Maud“: „What am I raging alone as my father raged in his mood? /Must I too creep to the hollow and dash myself down and die/On a horror of shatter’d limbs and a wretched swindler’s lie?“

Das Album besteht aus zwei etwa gleichlangen (und gleich betitelten) Stücken. Das Album beginnt mit Knirschen, jemand scheint einen Raum zu betreten und mit gequälter Stimme Leid(en) herauszupressen. Vereinzelt gibt es Geräusche, etwas Zischen, Metall wird geschlagen, Röhren rollen, die Stimme würgt, bricht, erbricht sich. Die B-Seite beginnt mit Klopfen, das an ein Metronom erinnert, zwischendurch scheint Regen zu fallen, man hört schreien, würgen, speien und kotzen.

Man hört auf beiden Stücken keine Worte, keine Wörter, nicht einmal Silben, vielmehr gutturale Laute aus einer scheinbar präzivilisatorischen Zeit – aber vielleicht kann man auch sagen, dass hier die tiefste Essenz der menschlichen Existenz deutlich wird. Auch wenn Boros ganz sicher eine andere konzeptionelle Ausrichtung hat, so ist er musikalisch näher an jemandem wie Rudolf Eb.er als an anderen Noisern. Das ist Musik, die in ihrer schieren physischen Präsenz ein wahrlich uneasy listening, „horror of shatter’d limbs“, ist. (MG)

Label: No Rent Records 

Haber, für alle die ihn nicht kennen, ist ein tief in der ausgesprochen kreativen libanensichen Undergroundszene verwurzelter Musiker und seit den 90er Jahren aktiv. Atmosphärische, tendenziell flächig ausgerichtete Kompositionen sind dabei ein Schwerpunkt, der sich erst im Laufe seiner künstlerischen Entwicklung herausgebildet hat – zu beginn seiner Laufbahn stand der Post Punk der von ihm mirgegründeten Band Scrambled Eggs, mit Bao und dem XEFM Collective ging die Reise zunächst in Richtung improvisierter Musik. Gleichwohl er in den vergangenen Jahren primär unter seinem eigenen Namen aktiv war, sind Kollaborationen eine Säule seines Schaffens, und so entstanden in den vergangenen Jahren gemeinsame Aufnahmen u.a. mit Fadi Tabbal sowie mit Nocholas Jaar und Sary Moussa. Rein solo erschien von ihm jünst auch das leider hierzulande etwas untergegangene Album “Lazarus won’t rise if Rome doesn’t fall”.

Noch bevor der erste Ton des neuen Albums erklingt, entfalten die poetischen Titel, die einmal mehr Habers unverkennbare Handschrift tragen, eine eigentümliche Sogwirkung: Zwischen futuristischer Verheißung, morbider Surrealität und zärtlicher Wehmut entsteht eine Atmosphäre, die gleichermaßen entrückt wie fragil wirkt. Stücke wie “This show starts in the future”, “One last stroll in the garden of light”, “I stutter when I speak of love and death” oder “The unfortunate meeting of an accident and the goddess of time on a dissecting table” – letzteres eine Referenz an Louis Aragon und zugleich an das legendäre Debüt von Nurse With Wound – evozieren ein schwebendes Theater der Bilder, in dem Zeit, Formen und Erinnerungen ineinander übergehen. Dass Anfang und Ende des Albums mit “This show starts in the future” und “This show ends in the past” gerahmt sind, legt zudem eine zirkuläre, leicht paradox anmutende Zeitlogik nahe.

Musikalisch eröffnet sich dieses imaginäre Bühnenstück mit einem sanften, atmenden Drone, umhüllt von feinem Rauschen, das wie ein Schleier über allem liegt. Die Klangflächen bewegen sich in einem ruhigen Gezeitenrhythmus, changieren zwischen helleren und dunkleren Färbungen und erzeugen eine sonnige und doch leicht melancholische Grundstimmung, die nie ins Nokturnale kippt. Manchmal treten flirrende Obertöne hervor, setzen kleine helle Impulse, lassen das Geschehen für Momente an Intensität gewinnen, bevor es sich erneut in träumerischer Schwerelosigkeit verliert. Unter diesen minimalistischen Gitarrenschichten, die nicht immer klar zu erkennen sind, scheint das von Rainer Maria Rilke stammende Motto durch: “Lass dir alles geschehen: Schönheit und Schrecken. Man muss nur gehen: Kein Gefühl ist das fernste”.

In längeren Passagen verdichtet sich das Material zu hypnotischen Dröhnwelten, aus denen sich hochfrequente Lichtstrahlen lösen und den Hörer förmlich anheben, bis sich die Klanggestalt in der Höhe aufzulösen scheint. Dann wieder treten rauere, kratzige Texturen hervor – besonders eindrücklich bezeichnenderweise im adäquat betitelten “I stutter when I speak of love and death”, wo der an einen im Wind schebenden Chorgesang erinenrnde Sound etwas versteckt Schreiendes zu transportieren scheint, falls dies keine Illusion ist. Häufig bildet ein tiefer, stabiler Grund die Basis, über dem sich diese lichteren, beinahe himmlischen Schichten entfalten. Gelegentlich durchbrechen (am gemächlichen Tempo der Musik gemessen) abruptere Bewegungen die Ruhe und verleihen dem Ganzen eine unterschwellige Dramatik.

Haber arbeitet dabei mit vergleichsweise reduzierten Mitteln – Gitarre, Looper, ein kleines modulares Setup –, doch die Musik wirkt, wie Vanessa Ague in ihren Liner Notes sagt, durch ihre Vielschichtigkeit beinahe orchestral. Das Finale schließlich gleicht einem flackernden, leicht entrückten Abspann – feierlich, fast pathetisch im besten Sinne, als würde ein Film enden, der sich nie ganz festhalten ließ. Kennt man Habers vor rund sechs Jahren erschienenes One Track-Werk “The Delightful Sights And Sounds Of A Decaying Nation”, kann man kaum umhin, die beiden Platten miteinander in Bezug zu setzen. Im Vergleich zum früheren, stark von Zerfall, Instabilität und der unmittelbaren Erfahrung von Beirut geprägten Werk wirkt das neue Album wie eine Weiterführung dieser Ästhetik unter veränderten Vorzeichen: Die fragile Balance aus Schönheit und Verstörung bleibt, wird jedoch in eine sanftere, kontemplativere Klangsprache überführt.

Während das ältere Album den inneren Ausnahmezustand einer „decaying nation“ nahezu ungefiltert in fließende, oft disharmonische Strukturen übersetzt, erscheint das neue wie ein distanzierteres Echo darauf – ein Versuch, im Exil einen Raum zu schaffen, in dem Erinnerung, Verlust und Hoffnung gleichzeitig existieren können. So verschiebt sich auch konzeptuell der Fokus vom unmittelbaren Erleben des Verfalls hin zu einer poetischen Reflexion über Zeit, Ort und das Leben zwischen zwei Welten. Was nach dem Hören beider Alben bleibt ist letztlich ein berührender Erfahrungsraum, warm und durchlässig, melancholisch und tröstend zugleich. (U.S.)

Label: Ruptured

Die Stücke basieren, wie es ferner heißt, auf einem fortlaufenden Dialog zweier synthetischer Elemente: einer ruhigen elektronischen Fläche und einer beweglichen, sich wandelnden Tonfolge, die sich gegenseitig ablösen und variieren. Trotz des technologischen Hintergrunds setzt das Album auf warme Klangfarben und fließende Wiederholungen. Die einzelnen Tracks greifen ein gemeinsames Motiv auf und entwickeln es in unterschiedlichen Variationen weiter.
Die CD erscheint am 8. Mai und enthält zusätzlich Radio-Edits der Stücke, das Album ist auch zum Download erhältlich.

Die Neuauflage erscheint in zwei Versionen. Die reguläre Edition kommt als sechsteiliges Digipak mit einem 16-seitigen Booklet, das neben Hintergrundinformationen und Texten auch Artwork von Martin Bladh enthält. Ergänzend dazu wird eine streng limitierte Sammleredition von fünfzig handnummerierten Exemplaren veröffentlicht, die in einer gravierten Holzbox erscheint und neben der Doppel-CD zusätzliches Material wie Postkarten mit Motiven der Veröffentlichung, Sticker, ein A3-Poster, Buttons sowie eine schwarze Tasche mit dem Frontcover-Artwork enthält. Zur IRM-Besetzung gehören Erik Jarl, Martin Bladh und Mikael Oretoft, das Remastering übernahm einer der beiden bekannten Peter Anderssons. Das Album erscheint am 14. Mai und ist auch digital erhältlich.

Der Einfluss von Lo-Fi-Ästhetiken der 90er- und Nullerjahre sowie von etwas, das als Postfolk bezeichnet werden kann, tritt dabei in den teils improvisiert entstandenen Stücken deutlicher hervor. Es entsteht ein vielschichtiger, melodischer Sound, der zugleich eine unterschwellige Bedrohlichkeit und Spannung in sich trägt. Detailreiches Knattern, Pfeifen und klangliches Hantieren durchziehen die Stücke, begleitet von Field Recordings, unheilvollem Flüstern und Murmeln sowie immer wieder anschwellenden Spannungsbögen. Neben diesen dichten, teils dröhnenden Passagen öffnen sich ruhige, von Ambient geprägte Gitarrenmomente, in denen mitunter ein fernes Post Punk-Echo aufscheint, während im Hintergrund eine abgründige, vibrierende Textur bestehen bleibt. Subtile Songansätze blitzen immer wieder auf, ohne sich vollständig festzulegen, und verleihen dem Album eine zugleich konzentrierte und fließende Qualität. Die Veröffentlichung erscheint dieser Tage als transparente und optisch elaboriert gestaltete Vinyl-LP und in digitaler Form bei Morc Tapes.

Der Regen wird dabei, wie es vom Label heißt, als beruhigende, nahezu therapeutische Kraft inszeniert, die das Rauschen und die Anspannung des menschlichen Alltags überlagert und in einen gleichmäßigen Klangstrom überführt. In Kontinuität zu früheren Veröffentlichungen auf Cruel Nature vertieft “Sound of Rain” den Fokus auf Textur, Atmosphäre und subtile emotionale Resonanz und verfeinert den charakteristischen Ansatz meditativer, naturinspirierter Soundscapes. Alle Stücke wurden von Melondruie komponiert und im vergangenen Frühjahr an verschiedenen regnerischen Tagen produziert. Das Album ist wie immer auch digital erhältlich.

Nour Sokhon überführt künstlerische Recherche – Interviews, Field Recordings und ortsspezifische Interventionen – in fein gearbeitete Klangkompositionen, in denen Erinnerung, Körper und Raum ineinander greifen. Gemeinsam eröffnen sie ein vielschichtiges akustisches Feld, in dem Stimme als zentrales, zugleich verletzliches wie kraftvolles Element erscheint und zusammen mit Looptechnik, analoger Synthese und weitere Prozesse dichte, räumliche Strukturen entstehen lässt.

Donnerstag, 18.06.2026
Beginn 20 Uhr
KulturRaum Zwingli Kirche
Danneckerstraße 4
10245 Berlin

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offene, emotionale Erzählstruktur formen. Die ebenso eigenwillige wie poetische Praxis von Yuchin bewegt sich zwischen Klangsplittern, Assoziationsketten und performativer Intensität. Zeliha Dogusan verbindet in ihrer Arbeit u.a. Sound, Sprache und Körper zu sich stetig wandelnden Klangszenarien – geprägt von Stimme, Flöte, Noise-Elementen und rhythmischen Dynamiken. Ergänzt wird der Abend durch ein DJ-Set von Secret Getii.

Donnerstag, 30.04.2026
Beginn 20 Uhr
Zemin
Urbanstraße 3
10961 Berlin

Unter dem Titel Frequenze Operaie versteht sich der Abend laut Programmtext als solidarischer künstlerischer Beitrag zum Thema “Struggle” und verbindet Ausstellung, Performance und Klangkunst zu einem vielschichtigen Erfahrungsraum. Gezeigt werden ikonografische Kompositporträts der bildenden Künstlerin Valentina Bardazzi, begleitet von Live-Interventionen und Echtzeit-Klangbearbeitung der beteiligten Musiker sowie Videoarbeiten von Mirco Magnani. Passend zum Vorabend des Tags der Arbeit tritt dabei Archivmaterial zu Arbeitskämpfen und unterschiedlichen Arbeitsrealitäten in einen Dialog mit der Gegenwart und künstlerischer Praxis generell. Ergänzt wird das Programm durch ein Vinyl-Set von DJ Lichene, das sich klanglich den möglichen Bedeutungen einer fernen Zukunft widmet. Der Eintritt ist frei.

Donnerstag, 30.04.2026
Beginn 17 Uhr
Galerie Zeitzone
Adalbertstraße 79
10997 Berlin

@ Galerie Zeitzone