Die sechs Stücke bewegen sich zwischen Ambient, Drone, spirituell aufgeladener Improvisation und dunkler, filmischer Elektronik. Harfe, Ondes Martenot, Orgel, Synthies und eine zwölfsaitige Gitarre verweben sich zu langsamen, oft meditativen Bewegungen, die immer wieder von Dissonanzen, geisterhaften Pulsationen und subtilen Verdichtungen durchzogen werden. Besonders markant ist das Zusammenspiel der leuchtend schwebenden Ondes Martenot mit den zurückhaltenden, fast zerbrechlichen melodischen Linien von Harfe und Gitarre. Dabei entsteht, wie es beim Label heißt, ein eigentümlich kosmischer und zugleich erdverbundener Charakter, als würden sich Erinnerungen an Landschaften, Ruinen und verborgene historische Schichten in den Klang einschreiben. Beteiligt an der Aufnahme sind Olivier Demeaux (Flöte, Synthesizer, Effekte, Pfeifenorgel), Arnaud Marcaille (12-saitige E-Gitarre), Josepha Mougenot (Harfe) und Julie Normal (Ondes Martenot). Das Album erscheint am 12. Juni als LP und digital.

@ Bandcamp 

Die Aufnahmen entstanden zwischen 2023 und 2024 in unterschiedlichen Kontexten und Räumen, darunter Neapel, Yogyakarta sowie während einer Japan-Tour. Diese wechselnden Umgebungen prägen laut Label auch den Charakter des Albums, das beweglich und offen wirkt, als würden sich verschiedene akustische Situationen, Materialien und Atmosphären ineinander verschieben. Organische Resonanzen, rotierende Geräusche, perkussives Knacken, verfremdete Stimmen und fragmentierte elektronische Strukturen verbinden sich zu einem dichten Soundgewebe. Besonders markant ist dabei das Zusammenspiel von hölzernen, beinahe archaisch anmutenden Klangquellen mit digitalen Eingriffen und abstrakter Elektronik. Brandhis expressive Vokalfragmente erscheinen dabei weniger als klassische Sprache denn als eruptive klangliche Gesten, die sich mit Trobollowitschs präparierten Klangsystemen verknüpfen. Das album ist auch digital erhältlich.

Aus dieser sehr persönlichen Ausgangslage entwickelt Noriko ein ebenso zartes wie vielschichtiges Werk zwischen elektronischer Musik, Ambient, experimentellem Pop und abstrakten Klanglandschaften. Fragile Melodien, Feldaufnahmen und verspielte Details treffen auf emotionale Tiefe und eine Wärme, die ihre Musik seit jeher auszeichnet. Mal traumverloren und kindlich staunend, mal melancholisch und beinahe schmerzhaft intim, wirkt “Pon” laut Label wie ein klangliches Erinnerungsalbum, das persönliche Erfahrungen in universelle Gefühle übersetzt.

Ausgangspunkt des rund um die Uhr ablaufenden Werks sind Aufnahmen einer Violine, die, wie man im Begleittext erfährt, nicht als traditionelles Instrument eingesetzt wird, sondern als Rohmaterial für algorithmische Prozesse dient. In Echtzeit werden die Samples umgeformt, neu gestimmt und in wechselnde klangliche Zusammenhänge eingebettet. Dabei durchläuft das Stück verschiedene mikrotonale Teilungen der Oktave, deren Übergänge mal abrupt und klar, mal fließend und schwebend erfolgen. Gerade diese Zwischenräume, in denen sich eine harmonische Struktur auflöst und eine andere erst allmählich Gestalt annimmt, bilden den eigentlichen Fokus der Komposition. Auch die räumliche Dimension spielt, wie es ferner heißt, eine zentrale Rolle. Die einzelnen Klangquellen bewegen sich unterschiedlich durch das Stereofeld, verändern ihre Position und erscheinen je nach Distanz heller oder dunkler gefärbt. Wie bereits in früheren Arbeiten entwickelt Balighi nicht nur die Komposition selbst, sondern auch die dafür benötigten Instrumente und Programmstrukturen. “Micromorphosis No. 5: Algorithmic Explorations of Microtonality” erscheint am 1. Juli digital und ist über die Plattformen von Post Orientalism Music erhältlich.

Zwischen feinen elektroakustischen Texturen, geräuschhaften Verästelungen und spannungsgeladenen Interaktionen entfaltet sich ein konzentrierter Dialog dreier profilierter Stimmen der europäischen Improvisationsszene. Die Aufnahme entstand im September 2025 im Kulturzentrum La Voirie im schweizerischen Biel/Bienne und wurde von den Beteiligten selbst gemischt und gemastert.

@ Bruit Editions 

Ausgehend von den ursprünglichen Kompositionen reduziert und transformiert Shaw das Material zu schwebenden, fein ausbalancierten Soundscapes voller Dröhnung, Resonanzen und subtiler harmonischer Verschiebungen. Dabei entsteht ein eigenständiges Gegenstück zum Original, das dessen bisweilen kammermusikalische oder folkige Elemente in einen stilleren, beinahe geisterhaften Kontext überführt. Das Ergebnis bewegt sich zwischen Ambient, elektroakustischer Musik und moderner Klangkunst und macht die enge kreative Verbindung der beiden Künstler auf besonders eindrucksvolle Weise hörbar.

Dass Erickson bis heute eine solche Projektionsfläche darstellt, liegt nicht allein an seiner Rolle als Frontmann der 13th Floor Elevators, die in den Sechzigern entscheidend an der Herausbildung dessen beteiligt waren, was bald Psychedelic Rock heißen sollte. Es liegt ebenso an der seltsamen Spannung seiner Musik selbst: Diese Songs wirkten oft zunächst wie energiegeladener Garage Rock oder angeblueste, rhythmusbetonte Beatmusik, bis sich in ihnen langsam etwas Fremdes, Verstörtes und Visionäres bemerkbar machte. Tremolierende Gitarren, fiebrige Dröhnungen, surreale Texte und Ericksons zwischen Euphorie und Zusammenbruch schwankende Stimme verliehen dem Ganzen eine Intensität, die selbst Jahrzehnte später kaum an Wirkung verloren hat. Gerade das Solowerk mit seinen Monstern, Geistern, Aliens, Vampiren und metaphysischen Liebesvisionen bleibt ein Faszinosum zwischen Horrorfilm, Outsider-Kunst und zutiefst menschlicher Verletzlichkeit. Im Kontext des ersten teils schrieb ich noch mehr dazu.

Bereits der Auftakt dieser neuen Anthologie macht klar, dass es auch hier nicht um museale Ehrfurcht geht. The Creeping Candies eröffnen die Sammlung mit “Fire in My Bones” schwülheiß und dreckig. Die Augsburger Garage Blues-Veteranen, einst von Nikki Sudden gefördert, bewegen sich zwar relativ nah am Original, doch die leicht klarere Produktion legt andere Schichten frei: quiekende Gitarrensoli, ein bluesiger, taumelnder Rhythmus und verwegene Vocals voller Tradition im Gepäck. Es klingt bisweilen, als würden The Cramps und The Raymen nachts gemeinsam durch zähes Öl waten. Das genaue Gegenteil folgt mit L’Eglise du Mouvement Péristaltique Inversé und ihrer Version von “White Faces”, hier “Visages Blancs” genannt und vollständig auf Französisch gesungen. Nick Grey und Charles Pietri verwandeln den Song vom Soloalbum “The Evil One” in eine geisterhafte Cold Wave-Meditation. Der halb geflüsterte Gesang, die eleganten Synthesizerlinien und die latent cembaloartigen Klangfarben erzeugen eine seltsam feierliche Abgründigkeit und sorgen für einen der frühen Höhepunkte der Sammlung.

Weltraumservice gehen mit “Splash 1″ noch stärker in Richtung Auflösung und Traumlogik. Gitarrenpickings tauchen aus verrauschtem Rumoren auf und werden davon beinahe verschluckt, ehe elektronische Rhythmen allmählich Struktur hineinbringen. Der fragile Tenorgesang und die weiblichen Backing Vocals verleihen dem Stück eine empfindsame Schwerelosigkeit. Aus dem ohnehin schon entrückten Elevators-Original wird hier ein schimmernder Schwebezustand zwischen kosmischem Folk und zerfledderter Erinnerung. Ganz anders wiederum Eklipse beziehungsweise Maline Zickow und Justin, die “You Don’t Love Me Yet” in ein melancholisches Kammerstück überführt. Wo das Original noch deutlicher in hippiesker Songwriter-Tradition verwurzelt war, dominieren nun kratzige Streicher, verrauschte Texturen und eine eigentümliche Eleganz. Dass das Ganze instrumental bleibt, verstärkt die Wehmut zusätzlich. Das Stück wirkt wie ein kurzer Blick in ein verlassenes Theater kurz nach Mitternacht.

Mit Crayon Moon wird es wieder laut und exzessiv. “The Wind and More” bleibt recht dicht am Original von “The Evil One”, doch die belgischen Musiker um Aldo Struyf – der unter anderem mit Mark Lanegan und Masters of Reality gearbeitet hat – verwandeln den Song in ein derbes Nachtstück psychedelischen Hardrocks. Besonders eindrucksvoll ist die Stimme des Sängers mit ihrer deutlichen Patina – die trägt eine unterschwellige Paranoia in sich, die sich hinter der Ekstase verbirgt und dadurch umso stärker wirkt. Der aus Brooklyn stammende Komponist Kyle Acheson, der inzwischen viel Musik für Film und Theater schreibt, macht aus “Anthem (I Promise)” eine der originellsten Neuinterpretationen des Albums. Das schmissige Strumming und die heulenden Vocals des Originals verschwinden hinter Staubwolken aus Synthesizer-Glissandi und verträumter Distanz. Zweieinhalb Minuten lang scheint man durch eine surreale Traumlandschaft zu schweben, halb romantisch, halb verloren.

Auch Heron & Crane bleiben vergleichsweise nah an Ericksons Vorlage von “I Had to Tell You”, versehen den Song aber mit subtilen räumlichen Verschiebungen. Das psychedelisch-elektronische Minimalisten-Duo erzeugt eine leicht schwindelerregende Tiefenwirkung, als würde man – auch die Liner Notes legen das nah – alte Science-Fiction-Literatur in einem langsam rotierenden Planetarium lesen. Ein weiteres Highlight folgt mit Santa Maria Death Trip und ihrer Interpretation von “Reverberation”. Tremolierende Gitarren, ein insgesamt vibrierender Sound und Emmanuelle Dayons starke Stimme machen aus dem Klassiker vom 1966er Elevators-Debüt ein rauschhaftes Psych-Stück voller nächtlicher Energie. Zwar geht dabei etwas von der subtilen Nervosität des Originals verloren, doch dafür entsteht ein hypnotischer, beinahe euphorischer Sog, in dem irgendwo auch Klapperschlangen mitrasseln.

Das lose Hamburger Kollektiv Dreaming Strange Pedal Steel Orchestra verwandelt “Be and Bring Me Home” anschließend fast vollständig. Nach einem kurzen Auftakt mit weiblichem Gesang (wohl solo, gleichwohl es an Mehrstimmigkeit erinnert) übernimmt die Pedal Steel das Kommando und zieht das Stück in verträumte Americana-Weiten. Aus dem schrammeligen, hypnotischen Original wird eine sehnsüchtige instrumentale Meditation über Sehnsucht und Trost. Mit Jeff Gallagher a.k.a. Jeff, Unfortunately und Kryssi B. wird es deutlich folkiger. “For You” erscheint hier als verschlafene, verstaubte Ballade mit Akustikgitarre und Mundharmonika. Alles klingt gedämpft, als läge eine Filzdecke über den Mikrofonen, und gerade diese Müdigkeit verleiht dem kindlich-direkten Liebesbekenntnis des Originals jedoch eine eigentümliche Zerbrechlichkeit.

Besonders faszinierend gerät Clay Cameros Version von “She Lives (In a Time of Her Own)”. Field Recordings von Schritten und aufgewühlten Vögeln eröffnen das Stück, ehe sich helle Droneflächen darunter schieben. Darüber liegen wehmütige Pianoparts und somnambule Vocals an der Grenze zum Flüstern. Ericksons Text über eine Frau, die gleichsam außerhalb der linearen Zeit existiert und Liebe als eine spirituelle Kraft verkörpert, erhält dadurch etwas geisterhaft Intimes. Später brechen plötzlich kratzigere Psychrock-Elemente und ein tänzelnder Beat herein, als würde die ganze Szenerie unbewusst in eine nächtliche Clublandschaft kippen. Die Griechin Ren Water, hauptberuflich Frontfrau bei Echo Train, liefert mit “Burn the Flames” schließlich einen hochdramatischen Beitrag. Ihre eindringliche Stimme wechselt zwischen leidenschaftlichem Gesang, Sprechpassagen und dem dämonischem Lachen, das auch durch das Original spukt, begleitet von psychedelischer Orgel, griffigen Gitarren und Klängen, die wie Theremin oder singende Säge wirken. Der Song, dessen Original in The Return of the Living Dead zu hören war, entfaltet hier erneut seine vampirische Bildwelt aus Dunkelheit und nie verlöschenden Flammen.

Mit Sarg Usuk und Dispens erreicht die Sammlung ihren vielleicht hypnotischsten Moment. Ihre fast achtminütige Version von “Slip Inside This House” baut sich langsam aus verrauschten Klanglandschaften, Fingerpicking-Motiven und orientalisch anmutenden Arabesken auf. Das Original wird nur noch geisterhaft angedeutet; man meint seine melodischen Konturen eher zu erinnern als tatsächlich zu hören. Die geflüsterten Lyrics im letzten Drittel wirken wie Botschaften aus einer postapokalyptischen Traumwelt. Den Abschluss bildet Karen Zanes mit “Unforced Peace”. Orgelartige Synthies, rasselnde Percussion und ein entrückter Gesang verschmelzen beinahe vollständig miteinander. Nach all den Nachtstücken, Geistererscheinungen und psychedelischen Umwegen wirkt dieses Finale wie ein leiser, hoffnungsvoller Ausblick – ein ruhiger Nachhall inmitten des so kurzweiligen wie abgründigen Roky-Universums.

Im Vergleich zu “I Think Of Demons” wirkt “Alien I Creator” insgesamt etwas geschlossener. Der erste Teil, auf dem einige unserem Leserinnen und Lesern vertraute Gestalten wie Allysen Callery, Violet Nox, Walker Phillips und Caira Paravel, Giant Crow und nicht zuletzt Trappist Afterland vertreten waren, setzte stärker auf stilistische Sprünge zwischen Acid Folk, Synth-Wave, Doom, Garagenrock und elektronischer Psychedelia, während Vol. II die nokturnale Traumlogik und das Somnambule deutlicher zusammenführt. Elektronische Elemente bleiben zwar wichtig, treten diesmal aber subtiler in Erscheinung, stattdessen dominieren verrauschte Nachtstimmungen, tremolierende Gitarren, geisterhafte Stimmen und eine eigentümliche Form von sehnsüchtiger Introspektion.

Gerade dadurch gelingt Gruselthon erneut weit mehr als eine bloße Tribute-Compilation: Diese Anthologie zeigt, wie lebendig, wandelbar und inspirierend Roky Ericksons Werk geblieben ist – und wie viele verborgene Türen in diesen Songs auch heute noch darauf warten, geöffnet zu werden. Und übrigens besticht die Veröffentlichung auch diesmal wieder durch tolles Bonusmaterial – neben einem Sticker, einem stylischen Pop Art-Poster zwischen Pharaonenkult und extraterrestrischem Fiebertraum ist auch ein Bastelspaß für die ganze Familie dabei. (U.S.)

Label: Gruselthon

Bereits die Tracktitel verweisen unübersehbar auf einen alchemistischen Themenkomplex. Die Abfolge von Melanosis, Leukosis, Xanthosis, Iosis, Coniunctio, Lapis Philosophorum und Elixir lässt sich als Reise durch die verschiedenen Stadien innerer Läuterung und Integration lesen — von Auflösung und Konfrontation über Reinigung und Vereinigung bis hin zu einer niemals vollständig abgeschlossenen Form von Ganzwerdung. Die klassische Umwandlung unedler Metalle in Gold erscheint hier als Metapher für die Transformation fragmentierter Persönlichkeitsanteile und die bewusste Auseinandersetzung mit verdrängten psychischen Inhalten, die in Jungs Terminologie als Schatten benannt werden.

Klanglich setzt Nam-Khar diesen Prozess mit bemerkenswerter Konsequenz um. Analoge Drones, ritualhafte Strukturen und weit ausgreifende Ambientflächen verschmelzen mit pulsierenden Sequenzen und raueren elektronischen Texturen zu einem semiorganisch anmutenden Gefüge. Auffällig ist dabei, wie beweglich und dynamisch die Stücke angelegt sind. Kaum ein Klangzustand bleibt stabil; selbst ruhige Passagen wirken immer latent in Veränderung begriffen. Das eröffnende “Melanosis” beginnt mit einer vergleichsweise hellen, offenen Fläche, unter die sich nach und nach unterschiedlichste Geräuschebenen schieben: Knackern, Rattern, perkussive Impulse und kraftvolle Synthies erzeugen eine unterschwellige Spannung, die zum Thema der Nigredo-Phase passt. Die Musik bleibt griffig, aber zugleich fordernd, verweigert einfache Auflösungen und hält die Frage offen, wohin sich dieser Prozess entwickeln wird.

“Leukosis” öffnet anschließend einen deutlich lichtvolleren Raum. Die Elektronik entfaltet sich beinahe wie das langsame Aufgehen einer Blüte und breitet sich facettenreich im gesamten Klangbild aus. Doch auch hier bleibt eine gewisse Ambivalenz bestehen. Vereinzelte perkussive Einschläge und unterschwellige Reibungen machen deutlich, dass Reinigung hier nicht mit Harmonie oder einem idyllischen Zustand verwechselt wird. Mit “Xanthosis” tritt eine Phase relativer Ruhe ein, die Musik wirkt entspannt und kontemplativ. Organisch wirkende rhythmische Akzente verleihen dem Stück eine körperliche Qualität innerhalb des ansonsten stark elektronischen Klangbildes.

“Iosis” trägt Spuren unterschiedlicher elektronischer Avantgarden in sich und markiert einen ersten deutlichen Höhepunkt des Albums. Rauere, tiefere elektronische Wellenbewegungen treffen hier auf die lichten Synthies, wobei interessant ist, dass Nam-Khar die hellen Klangfarben nicht nur den “erlösenden” Passagen zuordnet, sondern sie immer wieder mit Dissonanz, Schwere und Reibung verknüpft. In “Coniunctio” verdichten sich die zuvor etablierten Elemente zu einer eindringlichen Form gegenseitiger Durchdringung, was dem Titel entspricht. Melancholisch wirkende Synthies erweitern das Bild dabei um eine entrückte, beinahe traumartige Qualität.

Das folgende “Lapis Philosophorum” wirkt dann wieder sperriger und unbequemer. Helle Glut, Hochfrequentes und Details an der Grenze zum Lärm überschreiten bewusst die Grenzen des Angenehmen, und auch darin liegt eine der Stärken des Albums: “Antimon” präsentiert Transformation nicht als linearen Aufstieg, sondern als widersprüchlichen, manchmal irritierenden Prozess. Das abschließende “Elixir” beginnt fast wie ein künstlicher Regen aus elektronischen Streicherflächen, entwickelt jedoch zunehmend eine schwere, beinahe infernalische Wucht. Auch hier bleibt die Musik in permanenter Bewegung und vermeidet jede endgültige Auflösung.

Gerade die Verbindung aus ritualhafter Atmosphäre, psychoanalytischem Unterbau und klanglicher Beweglichkeit macht das Album zu einer der bislang überzeugendsten Arbeiten von Nam-Khar und zu einer interessanten musikalischen Auseinandersetzung mit Alchemie, die sich neben der “Magnum Opus Collectio”-Serie des Undogmatisch-Labels sehen und hören lassen kann. durch seine Verfasstheit funktioniert “Antimon” aber nicht bloß als Konzeptalbum über Transformation, sondern vollzieht Transformation im Medium des Klangs selbst nach.

Die Stücke changieren dabei fortwährend zwischen reduzierten Passagen und dichten, opulenten Verdichtungen, in denen sich Klangfarben, Bewegungsformen, räumliche Tiefe und Zeitwahrnehmung permanent verschieben. Aus fragmentierten Geräuschen, elektronischen Texturen und transformierten akustischen Signalen entstehen so dynamische Soundräume voller subtiler Verwandlungen und unvorhersehbarer Übergänge. Von English heißt es ferner: “She remains one of the true pioneers of her generation, a fearless and relentless maker for whom the totality of sound’s affect is forever front of mind”. Das Album erscheint als LP und digital.

Ausgehend von Folk-Melodien, mittelalterlicher Literatur und der Figur des legendären Sehers Thomas the Rhymer entfaltet sich eine ebenso rätselhafte wie eindringliche Klangwelt, die, wie es vom Label heißt, Prophezeiung, Wahnsinn und utopische Erlösungsfantasien verknüpft. Statt auf vertraute Songstrukturen des zeitgenössischen Neo-, Weird- oder sonstigen Folk zu setzen, bewegen sich Wire Worms zwischen Folk Horror, experimentierfreudiger Soundart, düsteren Drone-Passagen und bisweilen hörspielartigen Arrangements.Ätherische Gesänge treffen auf atonale Spannungen, archaische Instrumentierungen auf Lärmansätze, wodurch die alten Texte und Überlieferungen zugleich fremd und überraschend gegenwärtig erscheinen. Einflüsse aus Black Metal, Noise und Progressive Rock sind dabei ebenso spürbar wie die Nähe zu Künstlern wie die im Bandkontext bereits erwähnten Current 93, Hedningarna oder Richard Dawson. Bereits ihr nach James George Frazers “The Golden Bough” benanntes Demo deutete das Interesse der Gruppe an den dunkleren, unheimlicheren Schichten europäischer Folklore an. “Beneath The Eildon Tree”, das an das vor anderthalb Jahren erschienene “The First To Come In” anknüpft, führt diesen Ansatz konsequent weiter und entwickelt daraus eine intensive, oft verstörende, aber stets faszinierende Form dessen, was die Band selbst als Fallen Folk bezeichnet. Das Album erscheint mit Artwork von Tanith Mab und ist auch digital erhältlich.