“While the preceding album was an examination of reclusiveness, this body of work is focused on the longer term effect of that isolation. Much of this material was produced from a new studio location, with an outlook from a second floor window. Bissonnette teased out subtle melancholic strains and implemented an increasingly reductive approach to the compositions. Despite a meticulous attention to detail on the final tracks, serendipitous moments were left intact, accidental fragments adding a sense of uneasiness to the mix. The sonics live in an environment caught between beauty and decay. A sense of wistfulness prevails among the typically graceful sounding instruments – piano tones, tines, pads – cast in a light of introspection and restlessness.

As a complimentary element, Bissonnette invited MA|DE, the joint authorship of Mark Laliberte and Jade Wallace, to respond to selected tracks with poems that reflect their perception of the work. These appear in a booklet included with the CD. Likewise, the accompanying photography reflects the partnership between the audio and the writing producing a third component, a visual manifestation of the work. A chain of responses that began at a time of intense uncertainty, culminating in a cathatric release of sonic self-expression.” (12K)

Das Album erscheint am 7. April auf CD und zum Download bei 12K, dem Release liegt ein 46 Seiten umfassendes Buch mit Kollagen bei, die zeitgleich von Marcus Fischer aus Fotografien während der Aufnahmeprozesse angefertigt wurden. Sie sind als PDF auch in der digitalen Version enthalten. 

Auf eine gewisse Weise ist Sawako ihren atmosphärischen Ansätzen treu geblieben, denn auf dem gerade erschienenen “Stella Epoca” pflegt sie ein weiteres Mal diesen merkwürdig traumhaften und doch niemals einschläfernden Stil. War Nu.it ein Werk, dessen impulsgebende Ideen der Zeit gewidmet waren, so formen in “Stella Epoca” Zeit und Raum gemeinsam das Setting der Musik: Das Weltall mit seinen interstellaren Weiten und die Vorstellung eines neuen, von den Sternen geprägten Zeitalters sind der Künstlerin zufolge die wichtigsten Eckpfeiler ihres neuen Stoffes, und vom Label heißt es “The ideas of sky maps and planetary frequencies were the inspirations behind Sawako’s dreamlike sounds”. Astronomisches und Astrologisches klingt in diesen Beschreibungen an, und beide vertragen sich sehr gut auch mit den Stimmungsbildern in den Tracks, die wie miniaturhafte Episoden innerhalb eines größeren Ganzen wirken.

Das sanft fragile, formzerfließende ihrer früheren Soundscapes charakterisiert allerdings auch ihren neuen Stoff und findet sich bereits in den ersten Minuten des Albums. Ein ritualistisch anmutendes metallisches Hantieren, das von einer klirrenden Kette oder einem Säckchen voll Glickerkugeln stammen könnte, wird im ersten der 14 meist kompakten Tracks schnell von der sanft-verträumten Melodie eines Klaviers und dem subtilen Hauch ambienter Elektronik eingehüllt. “Eclipse Dawn” könnte sich zu einem symphonischen Rocksong steigern, doch dazu ist der Track viel zu gelöst und genügsam. Schon in diesem Stück wird ahnbar, was Sawako in ihren Social Media-Auftritten mit der Vermischung “animistische Technologie und digitaler Nostalgie” meint, denn hier gehen nicht nur analoges und digitales, sondern auch archaisch-urtümliches und eine kreativ genutzte moderne Technik eine Verbindung ein.

Meist ist es diese traumartige Umhüllung, die die Vielfalt der auftauchenden Details in der Musik umfasst und ihre Vielgestaltigkeit oft erst bei genauerem Hinhören erkennbar macht: das Glühen und Glitzern im verrauschten “Space Drive”, in dem Sawakos Stimme wie ein Echo aus einer fernen Welt herüberweht; die rückwärts abgespielten Flimmerklänge im passend betitelten “Dream Float” und ihre etwas raueren Pendants in “Fennel Tunnel”; die undefinierbar aquatischen Field Recordings vor dem Jazzpiano in “Night Leaf”; das rumpelige Wuseln, das in “Soranikaeru” von einer wehmütigen Spieluhrmelodie zum Detail einer kindlichen Märchenwelt gemacht wird; selbst der hochtönende Gesang, der in “Sky Rebirth” eine Loop-Orgie einzuläuten scheint, sich aber dann doch recht organisch entfaltet und in helles Rauschen hüllen lässt; oder die vertauschte Melancholie in der fast akustischen Jazzballade “Tiny Conjunction”.

Ihre reine Monumentalität offenbart diese Musik nur in ausgewählten Augenblicken wie in “Sol Soil”, wo ein sirenenhafter Alarmismus aufgeschürfter Töne, die an ein amplifiziertes Cello erinnern, für einige der rauesten Momente des Albums sorgen – ein Stück,  das seinen subtilen Nachhall in “Fertile Emptiness” bekommt. Hier entfalten sich im andeutungshaften Dröhnen und Glühen immer mehr helle und glitzernde Details und man meint fast, einer kleinen Kosmogonie beizuwohnen. Etwas Neues entsteht, und alles scheint wunderbar zu passen.

Vielleicht haben bei diesen Assoziationen aber auch nur die “kosmischen” und auf Zeitenwenden anspielenden Titel und Selbstbeschreibungen ihre Eigendynamik bekommen. Wenn beim abschließenden “Field Memory” kleine folklastige Sounds, die einer Ursula K. Le Guin-Geschichte entfallen sein könnten, auf sanfte Vogelstimmen treffen, hat man jedenfalls nicht den Eindruck, dass es hier jemandem wie einst Blaise Pascal beim “ewige[n] Schweigen dieser unendlichen Räume” schaudert. (U.S.)

Label: 12 K

“Giuseppe Ielasi is back following his 2020 release Five Wooden Frames. There he returned to the guitar exploring shifting and modulating loops and the interplay of tuning and drifting to create stark yet ethereal pieces. [...] Like much music written over the past few years The Prospect is reflective and personal. Created during a time of tragic family loss there is clear melancholy in the stark arrangements where spaces between notes become the sounds of searching. Ielasi’s haunting guitar brings us along to a new phase in his life that is as unknown to us as it is to him.” (12K Music)

@ 12K

Die Feinheiten, um die es sich auf „Mount Carmel“ dreht, könnten der Stimmung nach die eher halbbewusst wahrgenommenen Details eines Ortes sein, die der Erwachende in den frühen Morgenstunden durch die Augenwinkel und die Ritzen des Rolladens wahrnimmt. Alles, das verbummelte Dröhnen, die schabenden und räuseligen Details, das noch ungeordnete Gitarrenspiel, ist noch in die Watte scheuer Intimität gehüllt, bis das irgendwann die aufgehende Sonne Kaliforniens den Raum durchflutet.

Die Musik, mit der Grig die Kindheitsorte neu erkundet, ist eine ruhige, oft weltentrückte und angenehm langsame Art des Drone, die nur selten nach Earth-Manier dunkel gerät, hier und da ganz leicht in jazzige oder shoegazige Gefilde abbiegt und, durch den Slide-Effekte von Lap Steel- und Pedal Steel-Gitarren fast unumgänglich, das Erbe zahlreicher Americana-Spielarten mit sich führt. Lauf der einzelnen Tracks ändert sich oft nur wenig, doch ein provisorisch wirkender Zug, der manchmal an einen Soundcheck denken lässt, verleiht der Musik eine Offenheit, die letztlich nur durch die Kleinteiligkeit der Motive davon absieht, die Weite des mittleren Westens heraufzubeschwören.

Label: 12k Music