Das Werk scheint eine Erkundung von Soundquellen und Effekten zu sein, in der sich detonationsartige Klänge, kratzendes Hantieren und manchmal laut jaulendes Feedback abwechseln. Die Komposition wirkt wie ein handwerkliches Experiment, das auf das Hantieren mit Materialien und Resonanzen setzt, einschließlich der Erprobung von Hallräumen. Die oft wechselhafte Stoßrichtung und Intensität verleihen dem Album eine spürbare Direktheit. “Rawhide” erscheint als Tape und digitaler Download über Dilloways Label Hanson Records. Das Album ist eine leicht gekürzte und bearbeitete Version einer ursprünglichen Aufnahme für Bandcamp-Abonnenten.

„These collaborations between the core Wolf Eyes crew and friends was originally self-released as a series of super-limited 7” hand painted box sets, but now the core ‘hits’ have been compiled by Disciples for wider consumption.

Wolf Eyes’ history with collaboration goes back almost 26 years. From the first Wolf Eyes w/Spykes concert that led to Olson joining the band to Smegma, Braxton, Richard Pinhas, Merzbow, Marshall Allen, and many more. Wolf Eyes has continued expanding musical ideas through collaboration and Difficult Messages is the first compilation of this practice.

Many of the bands on ‘Difficult Messages’ exist inside an assemblage of a mail art tradition. Most of the music was made remotely and this allowed for deeper exploration into styles that might have been too uncomfortable to attempt face to face. Short Hands finds Nate Young, and Alex Moskos exchanging bass and guitar fragments with Olson’s reeds and tones overtop sculpted into odd rock songs. Wolf Raven touches on harsh electronics and pushes forward into postmodern ideas of composition. Time Designers is a duo of Alex Moskos and Nate Young using hacked drum machines and a ‘design’ approach to organizing sound. U Eye finds Olson and Young alongside longtime collaborators Gretchen Gonzales and Aaron Dilloway for a scrape and tape session recorded by Warren Defever. Stare Case is Olson and Young in a non-Wolf duo. Perhaps the only ‘rules following’ project these two have EVER had. The collection of audio tracks could be looked at as an exquisite corpse: a method by which a collection of words or images is collectively assembled. With this method over thirty tracks and four hundred paintings were created.“

@ Bandcamp

Das war den beiden wohl auch schnell klar, oder vielleicht war es auch nur Sympathie, jedenfalls blieben sie über die Distanz in Kontakt, und als Dalt vor der Pandemie durch die USA tourte, nahm sie Dilloway als Einheizer mit, und als Krönung wurde das vorliegende Album “Lucy & Aaron” aufgenommen – ein für “experimentelle” Standards ausgesprochen kurzweiliges Werk mit zwei Handvoll Noise-Miniaturen von 2-4 Minuten Länge, deren Überschuss an spontanen Ideen locker für zwei Alben gereicht hätte.

Wenn zu Beginn ein unverständliches Radiosample erklingt, fühlt man sich als Hörer gleich in die Mitte eines merkwürdigen Geschehens gebeamt, in dem dank primitivistischer Loops nicht nur ein tanzbarer Groove entsteht, sondern auch ein ganz spezielles, nur schwer fassbares Zeitgefühl herrscht. Auch Lucrecias gehauchte Flüsterstimme, die merkwürdig ins Stocken gerät, hilft da nicht weiter. Rhythmische Strukturen, in ihrer Klangmaterialität ungewöhnlich, bilden oft das Rückgrat der einzelnen Stücke, um das sich weitere Komponenten schlängeln. In “Demand of Ordinary Devotion” entsteht ein peitschender Takt im Midtempo, der ohne wirkliche Beats auskommt und wie ein eisernes Gitter die Kulisse für Lucrecias aggressive Shouts abgibt. Im fast poppig-synthielastigen “Yodeling Slits” drücken ähnliche Rhythmen einen verwehten Gesang noch mehr in den Hintergrund. Das alles ist rasant und gleichzeitig von beeindruckender Subtilität, die so gekonnt mit Andeutungen arbeitet, dass man beispielsweise die Rhythmnoise-Eruption im hochfrequenten “Trueno” gar nicht vermisst, gleichwohl man gar nicht anders kann, als sie zu erwarten.

Unaufgeräumtes Rattern und Rumpeln von postapokalyptischem Kolorit bildet das zweite große Leitmotiv. In “Bordeandola” rollt kleinteiliges Geröll durch einen dubbigen Hallraum und tanzt von einer Ecke zur anderen, erst flächige Synthies halten alles halbwegs in Schach. In “Voyria” bildet metallenes und anderes Rattern und Knirschen eine Schutthalde, aus der eine orientalisch klingende Melodie (auf der Klarinette?) wie eine verbotene Pflanze empor wächst. Das von einer abgehackten Rezitation vorangetragene “Both Blue Moons” ist eine wahre Wundertüte an kleinteiligem Klappern, Knistern und Rauschen.

Vielleicht sind es die verkappten Hits, die sich am längsten im Ohr einnisten, und die auch Hörer jenseits der nerdigen Avantgarden anfixen könnten. “The Blob” mit seinem Mix aus Ratterloop und Dalts hallunterlegtem Wave-Gesang wäre ein ordentlicher Clubhit für Nachtschwärmer, die nicht immer das gleiche hören wollen, und “Niles Baroque” betört mit einem Gesangs-Duett, dessen einprägsame Melodie haften bleibt  – zumindest bis Dilloway ins Grummeln verfällt. Wenn das Album mit paranoidem Geflüster ausklingt, das sich so nah am Ohr anfühlt, dass man es für Sekunden im eigenen Kopf verorten mag, mit dem Hubschrauber eine seltsame Gegend überquert zu haben, in denen es vor immer noch unentdeckten Kuriositäten wimmelt. Und garantiert sieht dort bei der zweiten erkundung alles ganz anders aus. (A. Kaudaht)

Label: Hansen Records

„C.Centers One“, der 17-minütige Beitrag von Wolf Eyes knüpft passagenweise durchaus an dieses Album oder an die “Strange Days II”-EP an: Pochen, Dissonanzen, ein gequältes Saxophon und Wassergeräusche scheinen in einer menschenleeren und menschenfernen Landschaft zu ertönen. Dann setzen so etwas wie Rhythmus und Nate Youngs Sprechgesang ein. Das klingt durchgängig desolat, so dass sich der Titel allenfalls ironisch lesen lässt. Viel eher scheint es, als sei es, dass „the centre cannot hold;/Mere anarchy is loosed upon the world,/The blood-dimmed tide is loosed, and everywhere/The ceremony of innocence is drowned“. Nach den Vorfällen in North Carolina hatten sich die eigentlich nur bedingt explizit politischen Wolf Eyes klar positioniert und dann auch Aufnahmen für die in Charlottesville von einem vermeintlichen Herrenmenschen überfahrenen Heather Heyer unter dem recht eindeutigen Titel „No Hate“ veröffentlicht.

Die zwei Beiträge von Universal Eyes sind von der Stimmung nah an dem Wolf Eyes-Beitrag, sind insgesamt vielleicht etwas ambienter, wenn man das auch nicht als Hinweis auf ein gefälliges Klangbild sehen sollte. Auf „Civilized Two“ brodelt und wabert es unter der Oberfläche und man verspürt  fortwährend eine Unruhe, die auch dem dröhnenden „Civilized Three“ innewohnt. Die beiden Stücke könnten auch ein Soundtrack für das Frühwerk von Tobe Hooper sein. Und auch hier stellt sich die Frage, was/wer zivilisiert ist. Vielleicht ist dieses Tape auch einfach nur eine aurale Repräsentation Detroits, wo Wolf Eyes beheimatet sind, oder von anderen Städten des Rust Belts. (MG)

Label: Lower Floor Music

„Ghost“ besteht aus analogem Brutzeln und Brummen, perkussive Elemente kommen hinzu. Nach einiger Zeit setzt eine kaum hörbare bearbeitete Stimme ein. Insgesamt ist das Stück recht kohärent, klingt vielleicht noch am ehesten nach Industrial und erinnert entfernt gar an die jüngeren Arbeiten der ehemaligen Bandkollegen von Wolf Eyes. Auch auf der einen oder anderen Tescoveröffentlichung der letzten Jahre dürfte solch ein Stück nicht völlig deplatziert geklungen haben. „Karaoke with Cal“ beginnt direkt mit einer Stimme, die in ihrer Verfremdung irritiert und verstört. Spricht da ein Mann mit Rachenkarzinom oder Kiefergaumenspalte? Ist er im Ersticken begriffen? Oder ist er von einen psychotischem Schub ergriffen worden? Man wagt kaum zu fragen. Untermalt werden die Laute von dementer, monotoner Perkussion. „Inhuman Form Reflected“ wird durchzogen von rhythmischen Elementen und Stimmengewirr. Gegen Ende hört man ein Stöhnen, Schreien und Stammeln – ganz so, als schleppe Leatherface ein paar Kadaver zum nächsten Fleischerhaken. „Born In A Maze“ wirkt dagegen etwas reduzierter: Zischen, ein Rhythmusloop. Das klingt nach kaputter, sich auflösender Musik. Auf „It’s Not Alright“ singt jemand mit schmachtender Stimme „It‘s alright“. Natürlich wird durch die Wiederholung die Botschaft ad absurdum geführt, lässt unweigerlich an das Bachmannsche „sei ohne Sorge“ denken. „No Eye Sockets (For Otto & Sindy)“ erweckt den Eindruck, als habe Dilloway während einer Party das Aufnahmegerät laufen lassen: Stimmengewirr, Lachen, Gläser werden angestoßen. Verglichen mit den anderen Stücken ist die Atmosphäre weniger von einem Moment der Bedrohung als vielmehr einem der Entspannung bestimmt– was natürlich in scharfem Kontrast zu dem äußert unangenehmen Tracktitel steht. „Switch“ dagegen ist Loopchaos aus sich auflösenden Tapespuren – so in etwa wie frühe NON mit ADHS. „Shot Nerves“ beendet das Album mit atonalen Synthiemomenten, die gegen Ende von zerhackten Stimmen abgelöst werden.

Auf dem (durchaus doppeldeutig betitelten) Album präsentiert uns Dilloway auf acht Stücken eine Sammlung Geräuschmusik, die fast durchgängig irritierend ist und irritiert. “The dummy continues to give forth its mocking laughter, which flaps its way into every niche of the loft and flies back as peculiar echoes. The dummy’s face is vacant and handsome; its eyes roll like mad marbles.” (Thomas Ligotti, “Dr. Voke and Mr. Veech”)

M.G.

Label: Dais Records

Die Band selbst bezeichnet auf ihrer Bandcamp-Seite ganz allgemein ihre Musik als  „homemade post-nuclear terror & claustrophobic atmospheres“, was vielleicht etwas dick aufgetragen klingt, aber tatsächlich führt einen die Musik (auch) auf diesem Album in ein urbanes, wüstes Niemandsland, in eine analog-akustische Höllenlandschaft. Schon das das Album eröffnende Titelstück mit Bassspuren, leicht atonalem Feedback und dem Sprechgesang Nate Youngs legt die das Album dominierende Stimmung fest: „the place is never gonna change“, intoniert er. Dabei klingt Young auf den zwei Stücken, auf denen er singt/spricht, etwas nach Jandek (der bei einem Auftritt auch einmal vom ehemaligen Wolf Eyes-Mitglied Aaaron Dilloway unterstützt wurde). „Laughing Tides“ besteht aus unruhigem Knarzen, Lachen, Hochtönen – nach knapp zwei Minuten ist der Spuk vorbei. „Texas“ wird von einem dissonanten Blasinstrument durchzogen, man hört Knirschen und glaubt, dass irgendwo in der Ferne Türen schlagen und Maschinen ächzen. „Empty Island“ entfaltet weniger Inselidylle als latente Bedrohung; das Stück wird geprägt von James Baljo E-Gitarre. Der Höhepunkt des Albums ist der Abschlusstrack „Thirteen“: Auf 14 Minuten findet sich so etwas wie ein Resümee des Bisherigen. Untermalt von Olsons Saxophon (?) und Baljos Gitarre deklamiert Young: „ I count every deceit/as they repeat/like receipts of doom”. Manch einer mag Free Jazz-Elemente erkennen, aber wenn, dann ist da in etwa so viel Jazz enthalten wie auf Bowies “★”. “Undertows”  „sea-bottom R&B sound lurch“ kann ohne Weiteres für sich (be)stehen.

Die Herangehensweise der Band mit ihren zahlreichen selbstbetriebenen DIY-Labeln- “Undertow” erscheint auf dem neu gegründeten Lower Floor Music- hatte immer etwas Anarchisches – politisch im eigentlichen engen Sinn war die Band insofern eher indirekt. Bezeichenderweise sagt Young aber inzwischen: “We have never been activists, but in this day in age, it has become clear that we need to use our music as a carrier signal to fight against all forms of prejudice. Rather than boycotting North Carolina, we are excited to participate in building a network of artists and activists by collaborating with Moogfest.” Wolf Eyes haben sich in ihrer dystopischen Landschaft nicht gemütlich eingerichtet, sondern haben (wohl unweigerlich) die Zeichen der Zeit erkannt. (MG)

Label: Lower Floor Music

„No Answer-Lower Floors“ ist der erste reguläre Longplayer seit dem 2009 erschienenen Album „Always Wrong“ auf Hospital Productions und wurde von Young, Olson, dem Neuzugang Jim Balijo sowie den beiden Gästen Dilloway und Conelly eingespielt. Man sollte nun vielleicht nicht von Introspektion reden, aber auf dem auf De Stijl veröffentlichten neuen Album wird das Brachiale, Eruptive, das viele Tonträger der Band prägt(e), zurückgefahren. Der Opener „Choking Files“ beginnt mit monotoner Perkussion, in die fiese Störgeräusche, die ab und an an einen Zahnarztbohrer („Is it safe?“ möchte man fast rufen) denken lassen, einbrechen und Youngs Sprechgesang untermalen. „Born Liar“ ist musikalisch ähnlich, beginnt aber etwas rabiater. Auch hier wird das Stück durch die monotone Perkussion strukturiert. Bizarrerweise besteht das Titelstück lediglich aus zerhackter Stimme und einer Noisespur, die an TGs „IBM“ denken lässt – nach eineinhalb Minuten ist allerdings alles schon vorbei. Das melodischste Stück des Albums ist „Chattering Lead“, auf dem Youngs fast schon konventioneller Gesang von flächigen Klängen durchzogen wird, die dem Stück einen leichten Soundtrackcharakter geben. Der Höhepunkt des Albums ist das lange „Confession of the Informer“, das mit minimalem Bass beginnt, dann tauchen vereinzelte Geräusche auf, eine Stimme setzt ein, murmelt Unverständliches. Auf diese minimalistische, zwölfminütige, extrem unangenehme Klanglandschaft trifft die Bezeichnung „dystopische Musik“, die ich für Youngs “Regression”-Projekt gebraucht habe, ebenfalls mehr als zu. Das ist vielleicht eines der stärksten Stücke Geräuschmusik, die ich in den letzten Monaten gehört habe. Sucht man Referenzpunkte, dann könnte man sagen, dass das Stück klingt, als ob Olsens und Youngs (selbst so betiteltes) „Blues roots duo“ Stare Case TGs „Hamburger Lady“ covern würden. Das abschließende instrumentale „Warning Sign“ ist dagegen etwas atonaler und hat durch die Loopstruktur repetetiven Charakter.

Die insgesamt das Album charakterisierende Zurückhaltung, die Reduktion und Konzentration auf wenige Klangquellen, ist extrem effektiv und zeigt eine Band, die vielleicht auf den ersten Blick (alters)milder agiert als zuvor, auf den zweiten Blick aber die adäquate(re) Form gewählt hat, um den Hörer zu irritieren.

M.G.

Label: De Stijl