Hacke, Mitbegründer und prägende Figur und seit Kurzem ehemaliges Mitglied der Einstürzenden Neubauten, blickt darin auf fünf Jahrzehnte zwischen Berliner Underground, internationalem Erfolg und künstlerischer Selbstbefragung zurück. Mit angenehm einladender Stimme erzählt er von jugendlicher Neugier, von den anarchischen Jahren der West-Berliner Szene, von exzessiven Experimenten und der anhaltenden Suche nach Ausdruck jenseits musikalischer Grenzen. Die Aufnahme entstand in Zusammenarbeit mit Produzent Peter Zirbs im Spätsommer in Berlin. Herausgekommen ist ein intensives Hörbuch, das Hackes Erinnerungen Eindringlichkeit und Unmittelbarkeit verleiht. “Ich wollte, dass der Text so klingt, wie ich ihn gemeint habe”, so ein lakonischer Hacke. Begleitend zum Erscheinen ist Hacke bereits auf Lesetour, die noch anstehenden Termine sind:

20/11/25 – A-Klagenfurt – Buchhandlung Heyn
21/11/25 – A-Wien – Studio Moliere
30/01/26 – D-Berlin – Pfefferberg Theater
31/01/26 – D-Jena Volksbad

“For over 20 years Alexander Hacke (Einstürzende Neubauten) and artist, musician and filmmaker Danielle de Picciotto (co-founder of Love Parade) have been developing and evolving a symbiotic working practise together, with a deep intuition of the kind that has  distinguished a rare number of creative and romantic partnerships – think of the writers Joan Didion and John Gregory Dunne, the artists Lee Miller and Man Ray or heroes of independent filmmaking, Gena Rowlands and John Cassavetes – each partnership underlined by a creative equality that allowed both artists freedom to explore and expand. Individually, hackedepicciotto have been trailblazers from the beginning. Alexander Hacke started experimenting with cassette loops at 14 in the early 80s, then joined Einstürzende Neubauten to create music that would influence generations of musicians. Danielle de Picciotto, fascinated by early electronic dance music, founded the Berlin Love Parade in 1989, was the singer of one of the first cross-over bands in Berlin, The Space Cowboys and then joined forces with Gudrun Gut to create a feminine version of electronic music far ahead of its time.

In 2001 Hacke and de Picciotto began collaborating, creating elaborate audio/visual multimedia performances in Berlin, before deciding to become nomads. The duo gave up their home and travelled the world, boldly defying convention and becoming a modern, musical version of Bonnie and Clyde, racing from concert to concert, and releasing albums at breakneck speed, until they were forced to lockdown in a studio during the pandemic in 2020″ (Mute Records)

Foto: Mara von Kummer

Tourdaten:

01 Nov – Parma (IT), Borgo Santa Brigida
02 Nov – Pordenone (IT), Astro Club
03 Nov – Milan (IT), Arci Bellezza
05 Nov – Turin (IT), Blah Blah
07 Nov – Pescara (IT), Scumm
08 Nov – Campobasso (IT), Circolo Beatnik
12 Nov – Lyon (FR), Sonic Lyon
29 Nov – Malmö (SW), Inkonst
30 Nov – Odense (DK), Klub Golem
06 Dec – Athens (GR), Temple
07 Dec – Thessaloniki (GR), Eightball
12 Dec – Bratislava (SK), Pink Whale
13 Dec – Augsburg (DE), Provino Club
15 Dec – Bielefeld (DE), Movie Bielefeld
18 Dec – Berlin (DE), Berghain Kantine

Unter den Fans der Einstürzenden Neubauten hat sich längst herumgesprochen, dass mit Rampen die zahlreichen improvisierten Interludien gemeint sind, mit denen bei ihren Live-Shows einzelne Stücke miteinander verbunden werden. Gerade bei diesem Abschnitten steht das perkussive Element, das aufgrund seiner Verwendung von Metallteilen gerne als experimentell bezeichnet wird, besonders im Zentrum, sie bilden einen deutlichen Gegenpart zum Songformat, das bei Konzerten eine ebenso wichtige Rolle spielt.

Teile dieser Rampen wurden in der Vergangenheit immer wieder als Ausgangsmaterial für eine nächste Schicht einzelner Stücke genommen, die dann auf kommenden Alben erschienen sind. Für das neue Album “Rampen (apm: alien pop music)”, das in alamierendem Gelb, der wahren Farbe erscheint, hat man sich entschieden, in Gänze auf dieses Rampenmaterial zurückzugreifen und es zum Soundfundament jedes der fünfzehn Stücke zu machen. Die Entscheidung, das von vielen wahrscheinlich als tendenziell marginal begriffene ins Zentrum des Geschehens zu holen, findet ihre Entsprechung noch in einer weiteren Idee, denn das Resultat sollte eine Musik sein, in der die Aliens – die Fremden, Außenseiter, Außerirdischen im buchstäblichen wie im übertragenen Sinne – etwas finden, das in einer Vielzahl gängiger Popmusik ein leeres Versprechen bleiben sollte. Um welche möglichen Funde handelt es sich da, und wie viel von einen Alien steckt in einem selbst, wenn man meint, darauf eine vage Antwort gefunden zu haben? Auch ohne diese beiden thematischen Rahmungen ist das Album ein ungemein reichhaltiges Werk geworden, bei dem sich zahlreiche weitere musikalische und lyrische Themen ausfindig machen lassen.

Allein das wiederholte Aufgreifen von Fragen des Seins, der Zeitlichkeit, der Veränderung und der Vergänglichkeit in den Songtexten zusammen mit dem pulsierenden Hinsteuern der Musik auf deutliche und weniger deutliche Höhepunkte oder zumindest Plateaus, in denen die Stücke so etwas wie ihren wesentlichen Charakter offenbaren, würde für eine markante Signatur reichen, doch tauchen wir zunächst ein. Auf eine gewisse Weise enthält das eröffnende “Wie lange noch?” so manche Essenz des Albums in a nutshell: Trippelnd hypnotisches Pulsieren gibt den flinken Takt vor, in den sich kleinteilig scheppernde Metallklänge und organische Gitarrenfigurinen einflechten, kurz darauf ebenso Blixa Bargelds kräftig ins Zentrum gemischte Stimme, die nachdenklich an der Grenze zum Sprechen und so nur leicht melodisch die schon im Titel aufgeworfene Frage präzisiert. Während es immer stärker scheppert und elektronisches Geschnippe hinzukommt, entfaltet sich ein zumindest dem Anschein nach protoapokalyptisches Szenario, in dem alle wesentlichen Dinge erledigt sind, und doch keine Sicht, das ist gut war, anklingt, sondern lediglich Akzeptanz und die Frage, wie lange all dies noch andauern mag. Im taz-Interview erfahren wir, dass es hier primär um die Antizipation des Endes der Studioarbeit geht, doch spielen Implikationen eines Endpunktes immer wieder eine neue Rolle im Verlauf von “Rampen”.

Das folgende und bereits vorab veröffentlichte “Ist Ist” ist von ähnlicher Machart und doch weitaus weniger harmonisch, stattdessen kratzender, detonierender. Nach diesen beiden Openern, die wahrscheinlich viele an klassische Neubauten-Momente der Vergangenheit erinnern werden, gibt sich das folgende “Pestalozzi” schleppender. Was zunächst flächig wie ein schwebender Klangteppich beginnt, wird zum Substrat, aus dem zahlreiche kratzende, rumorende und bimmelnde Sounds herauswachsen, alles in gemächlicher Vorwärtsbewegung, in der auch ein paar zaghafte Paukenschläge ihren Raum finden. Was immer das lyrische Ich vor dem Hintergrund eines dezenten Chorgesangs an Übereinstimmungen mit dem bekannten Schweizer Reformpädagogen – falls dieser wirklich gemeint ist – entdeckt, es wird mit einer für dieses Album typischen Genügsamkeit quittiert, die nichts verwundertes mehr zulässt, vielleicht einen kleinen Touch erträglicher Resignation, zugleich aber nichts kaltes und abgeklärtes. Auch dieser Song entwickelt sich auf seine Art zu einem deutlichen Höhepunkt hin, doch es gibt hier nicht den einen Moment, in welchem sich die Musik klar erkennbar steigert, es passiert graduell, wird kontinuierlich dichter, wirbelnder, etwas braut sich im Laufe des Stücks mehr und mehr zusammen.

“Rampen” ist trotz seiner rund 75 Minuten Spieldauer ein Album mit wenigen bis gar keinen Längen, und so fällt es durchaus nicht leicht, einzelne Höhepunkte hervorzuheben. Vielleicht “Es könnte sein”, ein großartiger Song über die Möglichkeiten des Seins und des Verschwindens, Verblassens, sich Verflüchtigens – und von der Möglichkeit des Akzeptierens, der sich von einem fast folkig bimmelnden Lullaby mit anheimend krautiger Orgelkulisse diesmal relativ abrupt in ein zisselndes und dreschendes Freakout verwandelt, aus dem der Song nicht mehr herausfinden kann und muss. Oder das Stück über den schattenlosen, verregneten Planeten Umbra, dessen von lieblichen Gitarren und handdrumartigen Takten gezeichnetes Setting eine ähnlich halbtrügerische Enklave abgibt wie seinerzeit ein fiktives Bergkarabach. Oder vielleicht “Besser Isses”, bei dem in lakonischer Prosa die Geschichte einer Trennung, einer Häutung erzählt wird. Die auf “Rampen” immer wieder aufgeworfene Frage des Seins kehrt hier in Form einer Selbstfiktion, einer Hochstapelei wieder. Doch um wessen Prätention es sich hier handelt, wessen Lügen der Sprecher hinterherrennt, bleibt offen, und man fragt sich vielleicht im Übermut zur Überinterpretation, ob es hier auch um eine kritische Selbstreflexion geht, und wir alle dieses Sprechersubjekt sind. Der Umgang mit der Sprache erscheint in “Rampen” ohnehin als ein heikler, immer wieder riskanter Akt, dessen Medium sich in gleich zwei Songs – “The Pit of Language” und “Tar & “Feathers” – als abgründiges Verließ entpuppt, dem man nur geteert und gefedert entkommt.

Geteert und gefedert zurück an der Erdoberfläche ist der schreibende Rezensent begeistert und der noch kommenden Entdeckungen, die sich beim wiederholten Hören ergeben werden, noch lange nicht überdrüssig. Dass es, wie Leser von Magazinen wie dem unseren wissen, neben einer Menge an Pseudoaußenseitertum bereits viel an Alienpopmusik gibt, darf nicht darüber hinwegtäuschen, dass Einstürzende Neubauten diese auf eine ungemein frische, gehaltvolle und niemals ermüdende Weise ins Werk gesetzt haben, und dies trotz oder vielleicht sogar wegen seiner zahlreichen Rückgriffe auf früheres Material und schon vormals gestellte Fragen. (U.S.)

Label: Potomak

Die Idee zu “Keepsakes”, das die beiden als Ode an die Freundschaft und als Album der Dankbarkeit bezeichnen, entstand während der Pandemie, als den beiden wie vielen anderen die Bedeutung geliebter Menschen gerade in der Isoliertheit besonders schmerzlich bewusst wurde. So entstand der Plan, jedem dieser besonderen Menschen ein musikalisches Andenken in Form eines Songs zu geben, der im besten Fall sowohl den Charakter der Person als auch Spuren dessen, was man die Essenz der jeweiligen Freundschaft nennen könnte, enthält. Und da es sich bei den namentlich nicht genannten Freunden zum Großteil auch um Musiker handelt, könnte darin sogar etwas vom musikalischen Charakter der Freundin oder das Freundes enthalten sein, wer weiß.

Bei einem derart personenbezogenen Projekt wundert es kaum, dass die einzelnen Stücke zum Teil sehr unterschiedlich ausgefallen sind. Das Album startet mit “Troubadour”, das mit seinem wehmütigen Duettgesang und seinem Walzertakt in primär akustischer Instrumentierung mit Gitarre, Triangel und Salterio so liebevoll wie ein Lullaby und so sehnsuchtsvoll wie ein melancholisches Sea Chanty klingt. In seinem vielleicht zentralen Wort “long ago” scheint sich all die Liebe zu bündeln, die sich oft erst im Schmerz der Abwesenheit offenbart. Eine folkige Klanggestalt ist einer der roten Fäden, die sich durch das Album ziehen, wenngleich dies von Song zu Song unterschiedlich stark gewichtet wird. Das gilt auch für die schnelleren Stücke wie das technoid angehauchte “Aichach”, in dessen anfängliches Saitenknarren sich bald zackige elektronische Rhythmen und später orchestrale Opulenz mischen, doch auch dies scheint wie ein solides Fundament für die wehmütigen Streicher, die ich hier für die Hauptakteure halte. Ebenso dynamisch ist das urbane Szenario von “Anthem”, wenngleich auf verspieltere Art. In dem theatralischen Setting, das zu einem eigenwilliges Musicalstück passen würde, treffen kantige Gitarren auf liebliche Glöckchen und Danielles Spoken Words. Ein lautes Geklapper scheint all dies mit der Zeit mehr und mehr zu verschütten.

Eine weitere Konstante in “Keepsakes” betrifft gerade die immer im Wandel bleibende Vielfalt der Instrumentierung, die sich auch dem opulenten Repertoire an Instrumenten verdankt, die die beiden im Studio des Auditorium Novecento in Neapel vorfanden. Dazu zählt auch eine Celesta aus dem persönlichen Fundus von Ennio Morricone. Das mit einem aufweckenden Paukenschlag beginnende “La Femme Sauvage”, bei dem die beiden in zwei Sprachen mit viel Theatralik ein bewegtes, rauschendes Leben in vielen Metropolen besingen und mit einem Versprechen – “I won’t forget” – krönen, scheint mir auch von dem Entdeckergeist zu zeugen, der die beiden an dem wundersamen Ort befallen haben muss.

Nicht alle der Stücke haben diesen eingängigen Songcharakter, auch wenn “Schwarze Milch” mit seinen Paul Celan-Referenzen durch groovigen Takt und Saxophoneinsatz an Smooth Jazz erinnert. “Mastodon” ist, wenn man so will, eines der experimentellsten Stücke des Albums. Startend mit erwartungsvollen Hochtönern lässt das Stück einen Sound, der an grummelige Vokaldrones erinnert, ins Zentrum und somit einen Sound entstehen, der zu laut und aufwühlend ist, um als Ambient durchzugehen. Über wehmütige Streicher macht sich auch hier das melancholische Thema bemerkbar, aber wie an vielen Stellen des Albums ist es auch in diesem Song kombiniert mit einer drängenden, fast reißerisch anmutenden Dynamik. Ein in ein Vogelkonzert und andere Field Recordings gehülltes Duett der beiden besingt in “Love stuff” eine “Nightingale in clear moonlight”, ein “wild girl in agony”, bei der ich an Ophelia denken musste. Beim somnambul hypnotischen “Song of Gratitude”, dessen spannungsvoll dröhnender Auftakt auch ein Metalstück einleiten könnte, dann aber mit Danielles präraffaellitischem Gesang in eine viel lieblichere Richtung geht, ziehen die beiden noch mal alle Register, bevor mit dem folkigen “The Blackest Crow”, das die Sehnsucht nach dem Mitmensch vielleicht am unmittelbarsten ausdrückt, alles zum feierlichen Abschluss kommt.

Gleichwohl man ein derart persönliches Album vielleichtnur bedingt beurteilen sollte, kann man sagen, dass “Keepsakes” aufgrund seiner musikalichen Tiefe wie durch seine liebevollen Gesten nicht nurüberzeugt, sondern auch ein Modell dafür bietet, was ein musikalisches Andenken sein kann. (A.Kaudaht)

Label: Mute

Aufnahmen gab es aber durchaus. Zumindest acht Stücke nahm Mona Mur damals auf mit einem Line-Up, das sich hören lassen konnte: Siewert Johannsen und Alexander Hacke an den Gitarren, FM Einheit am Schlagwerk, Thomas Stern am Bass und Nikko Weidemann (heute aktiv mit dem Moka Efti Orchestra) an Keyboard und Orgel. Die Songs aus dieser Ära avancierten über die Jahre zu wichtigen Bestandteilen ihrer Karriere und erschienen in neuen Versionen auf späteren Veröffentlichungen, in der Mehrheit auf dem 2009 zusammen mit En Esch aufgenommenen Album “120 Tage – The Fine Art of Beauty & Violence” (Pale Music). Die ursprünglichen Fassungen jedoch wurden, trotz einiger Angebote, beinahe vier Jahrzehnte lang nicht veröffentlicht – ein Desiderat, dem Play Loud! Productions nun entgegenwirken.

Roher, rauer, zugleich aber auch luftiger und minimaler als die üppigen Produktionen des späteren Albums offenbaren sich die Urversionen der Stücke, und auch wenn es Geschmackssache sein mag, erscheint mit dieses Soundgewandt noch besser zu der mal lasziven, mal aggressiven, aber stets intensiven Stimme der Protagonistin zu passen, die der Musikexpress seinerzeit als “tief, bedrohlich, erotisch fordernd, kühl und berührend” charakterisiert hatte. Von trunkener Erschöpftheit und zugleich ungemein spannend entpuppt sich der Klassiker “Surabaya Johnny”, dessen Lament über die Unzuverlässigkeit eines flatterhaften Burschen Mona und ihre Band mit müden Vocals, kreischenden Gitarren und einem fast no wave-artigen Rhythmus einen ganz eigenen Fatalismus verleihen. Dieser Song taucht später in leicht überarbeiteter Version auf ihrem Solo-Debüt auf und ist hier keineswegs die einzige Interpretation von Brecht / Weill-Liedern: Die kurze, hier mit bedächtigem Orgelauftakt beginnende “Ballade vom ertrunkenen Mädchen” mit seiner leidenschaftlich gehauchten Chansonmelodie, die einst Lotte Lenya auf den Leib geschrieben wurde, steigert sich in kurzer Zeit zu einem zornigen Wutausbruch und verzichtet noch auf die tanzbare Rhythmik, die späteren Interpretationen zugrunde lag. Fast heroisch in seinem Vertrauen auf eine Liebe, die nicht an die Zeit gebunden ist, erscheint der mit punkigen Shouts, hämmernden Drums und fast sakral anmutenden Orgelparts kraftvoll in Szene gesetzte “Song von Mandelay”. Jemand bezeichente ihre Songs einmal als brutale Chansons, wofür dieses Stück vielleicht das beste Beispiel ist.

Schon in diesen frühen Versionen zeigt sich Mona Murs gutes Händchen für Stimmung und Theatralik, und man kann sie sich gut als Hauptfigur und zugleich Regisseurin vorstellen, die ihre Begleitmusiker, die allesamt nicht als fügsam ausführende Geister bekannt sind, im Interesse dieser Stimmungen ausrichtet. Das kann dann im Resultat spannungsgeladen ausfallen wie der von pochenden, paukenden und federnden Rhythmen getragene de Sade-Seufzer “120 Tage” oder charmant-verspielt wie der Jahrmarktswalzer “Mon Amour”. Dieses französische Lebensgefühl, dass die Sängerin immer wieder in späteren Songs aufgriff und nicht ohne die gebührenden Abgründe inszenierte, lag ihr seit eh und je. Mit ihrer ungekünstelt heiseren Stimme, die einem “das Blut rückwärts fließen lässt” (Bewegungsmelder Zürich) würde sie in diesem Stück noch heute eine perfekte Duettpartnerin für Marc Almond abgeben. Meine Favoriten sind die dreckigeren Stücke wie “Snake” und das schon mit den Mietern aufgenommene “Eintagsfliegen”: Nirgendwo tritt die Sängerin derart als Femme Fatale auf als in “Snake”, das sich nach einem fiesen Intro von Hacke ordentlich groovig auf leisen Sohlen anschleicht und einen fast urtümlichen Blues-Vibe entfaltet, “Eintagsfliegen” dagegen zeigt Mona und ihre Band von ihrer zerfleddertsten Seite – fast erinnern die schleifenden Feedback-Sounds, die hintergründigen Bläser, die scheinbar orientierungslosen Handdrums und die heiser vorgebrachte Prosa in ihrer implodierenden Schönheit an die Situation der kurzlebigen Fliegen und der Schweine auf der Schlachtbank, die im Text beschworen wird.

In ihrem neu abgemischten Sound sind diese urtümlichen Versionen keineswegs nur historisch intetessant, gleichwohl man sich wundern mag, dass sie so lange unter Verschluss gehalten wurden. Play Loud!, die übrigens einiges an Hintergrundinformationen zu Geschichte der Aufnahmen gesammelt haben, hat zeitgleich zur vorliegenden LP noch zwei weitere Raritäten der Sängerin herausgebracht, nämlich eine Live-Aufnahme m.o.w. der gleichen Stücke, die 1985 in der Hamburger NDR Studios gemacht wurde, sowie ein Live-Set mit einigen der Songs von 2005. Noch ist einiges davon erhältlich! (U.S.)

Label: Play Loud! Productions

Bei Labels wie Eisengrau, dem Cassetten Combinat und wenig später beim Hamburger Supermax erschienen in den frühen 80ern Tapes und eine Maxi-Single unter Namen wie Sentimentale Jugend, Borsig, Borsig Werke oder Alexander von Borsig. Alexanders Vater war damals bei dem als Dampflokhersteller bekannt gewordenen Tegeler Werk beschäftigt und brachte ihm Unmengen an Firmenaufklebern mit, die ihr Zuhause dann schnell an den Orten der Berliner Subkultur fanden, und so kam der junge Musiker zu seinem vielfach variierten Pseudonym.

Mauerstadtmusik hat nun eine Compilation mit allen verfügbaren Aufnahmen der frühen Zeit auf Doppel-LP herausgebracht. In seinem oft fragmentarisch anmutenden Lofi-Charakter entspricht ein großer Teil des Materials dem ungemein frischen Analogsound der Punk’n'Wave-Ära, und doch beeindruckt der Ideenreichtum der um keine schrägen Exkurse verlegenen Musik ebenso wie der der gemurmelten, genölten und geschmetterten Texte, die vor Ironie und Unbekümmertheit strotzen.

Einer Art Trademark-Sound entsprechen wohl am ehesten die beiden Opener “Accent” und “Das Leben ist Schön”, der Titelsong des gleichnamigen Tapes (für die Veröffentlichungs-Geschichte der einzelnen Tracks bitte an Discogs wenden). Eingängiger und zugleich in seiner Low Fidelity dreckiger Minimalsynth mit einem oft eiernden Gesang, der die elektrisierende Hypnotik der Handclap-Takte und der summenden Synthies nicht antastet: “Das Leben ist schön, die Luft ist rein, und so soll es immer sein”, lautet der zentrale Slogan, und wer wollte da widersprechen?

Viele weitere Tracks sind Variationen dieses Schemas. Dazu würde ich z. B. “Napalm” zählen mit seinen ätzenden Synthies und den zum Titel passenden Schmerzensschreien, ebenso das  hektisch-trunkene “Tote Kammer” mit beängstigenden (Tier?)-Stimmen im Hintergrund. Eine Spur weiter entfernt ist der basslastige Postpunk von “Kombinat Dub”. In eine ganz andere Richtung gehen die mit etwas Fantasie an früher Krupps erinnernde “Bauarbeiterhymne” oder das noch mehr an Industrial und Noise erinnernde Brummen in dem Stück “Maschinen”. Am gegenüberliegenden Ende finden sich vereinzelt akustische Stücke mit Violine wie die herzige Mozart-Hommage “Kleine Nachtmusik” oder mit akustischen Gitarren wie “If you want to have a brother” – vielleicht besteht hier die größte  Nähe zur Kultband Sprung aus den Wolken, in deren Line-up Hacke eine Zeitlang auftauchte.

Wenn man ein paar Stücke aufgrund ihrer Eigen- und Einzigartigkeit besonders hervorheben will, dann wären das z.B. “10.5.”, das textlich eine verquere murder ballad ist und in den beiden hier vertretenen Versionen, besonders in der “Eisengrau-Variation”, dem punkigen Rock’n'Roll von Suicide recht nahe kommt. Auch die ethnolastige Melodie und die Stimmsamples in “Japan, Japan”, das in seinem verspielten Exotismus sehr gut auf bessere NDW-Sampler gepasst hätte, aber leider nicht die verdiente Aufmerksamkeit bekommen hat. Ebenfalls nah am Japan-Thema ist das in seiner kühnen Ironie dystopische “Hiroshima” das die historische Katastrophe mit einem eiernden Walzertakt aus dem Fundus der Jahrmarktsmusik kontrastiert und ihre Grausamkeit so noch mehr hervorhebt. “Tu mir weh” mit seiner surrrealen Mixtur aus Noisebrummen und hektisch hervorgestoßenem Geschrei zählt ebenso dazu wie einige der eher hörspielartigen Tracks gegen Ende der Sammlung.

Bei einem Kompendium wie diesem darf natürlich auch ein Bonustrack nicht fehlen, und der besteht in einer ambient eingeleiteten neuen Version von “Hiroshima” dessen Gesang vermutlich von damals stammt und in ein halllastiges Szenario eingebettet ist, bei dem dankenswerterweise nicht allzu künstlich auf kultig und “dilettantisch” gemacht wurde.

Wer Hacke in erster Linie in seiner Rolle bei den Neubauten kennt, von Crime & The City Solution und seinen Arbeiten mit Partnern Danielle de Piechotta, aber weniger von Aufnahmen mit Acts wie P1/E, findet auf dieser Sammlung manch überraschendes Zeitzeugnis seiner musikalischen Biografie, vielleicht sogar einer ganzen Ära. Mit etwas Sinn für den Charme alter Demo-Aufnahmen entdeckt man hier aber auch einige Gassenhauer, in deren verquere Hypnotik man sich für längere Zeit verlieren und verlieben kann.

Label: Mauerstadtmusik

Was die vier Songs dieses Debüts damals aus der Masse eines allzu gefälligen NDW-Einerleis herausholte, war – noch vor der nowavigen Schwere des Songs “Ein bisschen Frieden” und dem hymnisch geschmetterten Polnisch des Titelstücks – die ernste, tiefe Schwermut, der Touch von Chanson, der sich schon damals in ihrer warmen Stimme fand und wahrscheinlich schon früh Vergleiche mit Zarah Leander nach sich zog. Die nächsten Jahre vergingen anscheinend schnell, es gab eine weitere Single namens “Casablanca” und einige Konzerte, wohl auch eine Reihe Songs, die nie ihren Weg auf Tonträger fanden.

Ich kann mir vorstellen, dass einige ihrer Fans der ersten Stunde große Augen machten, als der Longplayer irgendwann in den Regalen stand, denn vordergründig betrachtet hatte das neue musikalische Gewand nur noch wenig mit dem Punk’n'Wave der ersten Aufnahmen gemein. Enttäuschung wäre aber fehl am Platz gewesen, zumindest bei all denen, die die chansonhafte Melancholie ihres Gesangs liebten, denn die kam auf “Mona Mur” nun noch stärker zum Zug und erhielt mit Hilfe einer neuen Band eine besondere Kulisse.

Schon in den ersten drei Stücken  – dem Schmachtfetzen “Ritz”, der wunderbar in eine Serie wie Babylon Berlin passen würde, dem mexikanisch angehauchten “Mezcal” und dem verspielten Synthie-Chanson “Bastard” – entfaltet sich die ganze Bandbreite aus Abenteuer, Rausch und Revue, aus sinnenfroher Exotix und schwermütig gefärbter Erotik, die dem Album ihr Gepräge geben sollte. Dass sie und ihre Band sich für einen Synthie-Rahmen entschieden haben, der ziemlich nah an den damals populären Euro Disco kam, könnte man selbst heute nicht gegen das Album ins Feld führen, denn Mona Mur weiß dieses Gerüst so sehr mit Würde, Tiefe und dem einen oder anderen Abgrund zu füllen, wie es außer ihr nur Marc Almond auf “Tenement Symphony” und v.a. “Enchanted” vermocht hatte. Zudem sorgen J.J. Burnell und Dave Greenfield – beide ursprünglich von den Stranglers – mit viel rumpelnder Detailverliebtheit dafür, dass jedes Stück ein kleiner Irrgarten wurde.

Solche Abgründe öffnen sich in poppigen Stücken wie “Venus”, das den Widerhall von Sacher-Masochs berühmtester Novelle in eine Atmosphäre wehmütiger Heiterkeit packt, ebenso im großen Pathos der schwindelerregenden Nachtmusik von “Jealous”. Eifersucht und sonstige Liebesleidenschaften sind ohnehin ein wiederkehrendes Thema in den Songs – schlüpfrig und hochemotional wird in “Auf Immer” die Lust am gemeinsamen Untergang gefeiert, exaltierter dagegen die Billie Holiday-Ballade “My Man, und für viele ist Brechts Schwein “Surabaya Johnny”, bei dem Einheit und Hacke für Krach sorgen und Monas Stimme wie durch eine offene Tür klagt, der Höhepunkt des Albums. Hacke ist dann auch noch mal in der sleazigen bluesnummer “Snake” zu hören, die ebenfalls den Rahmen sprengt.

Dank Playloud! und dem Händchen von En Esch (KMFDM, Pigface u.a.) ist das Album nun in remasterter Form auf LP erhältlich  – zusammen mit zwei Alternativversionen sowie den Songs von “Jeszcze Polska”, und man kann schließen, dass all diese Aufnahmen wie ein guter Wein in die Jahre gekommen sind. (U.S.)

Label: Play Loud!

@ Mute

“The ideas for the script were created in a couple of nights. Usually, I sat in the same corner at “Hansa-Studio”. Bands like “Einstuerzende Neubauten”, “Nick Cave & The Bad Seeds” and “Crime and the City Solution” were recording their albums after another. I only had to close my eyes and the projector was running, like weeds images grew emberantly to the background of the new sounds. I felt the mood, the quiet-intensive atmosphere that the film was to carry with it. The parabel and the baladesque was created. The expressive strength and poetry of the picture was to be more important than the story and action. No reality, no contemporary was to be shown directly, but only to be seen in the presence of the actors faces. No cars, no people, no Berlin! Still, WestBerlin was to be present throughout the film, and no other city. The feeling and the conception of the world shown could have only been created here, at the end of the 80s. Small groups develop everywhere, energies which move forward desperatly. Anywhere. An illusion of losers who become heroes. No aim (which?) is relevant anymore. Only the movement…” (Uli M Schueppel, Excerpts from “Chonicle of an unexplored film”, 1988)

Donnerstag, 12.08.2021
Beginn 19 Uhr
Liebig12 Project Space
Liebigstrasse 12
10247 Berlin

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@ Schueppel-Films.de

“Nachdem die ersten beiden Poetry Salons von Danielle de Picciotto komplett ausverkauft waren, laden wir zum Saisonauftakt gleich zu einer dritten Ausgabe ein. Spoken Poetry erlebt eine Renaissance: In London, New York, Berlin und Paris eröffnen seit einigen Jahren wieder Salons, in denen Poetry und Sprachkunst auf Visual Arts und Musik treffen. Vergleichbar mit der Beat Generation entwickelt sich eine neue gegenkulturelle Szene, in der das gesprochene Wort im Zentrum der Kunst steht. Gerade angesichts der Ausnahmesituation, die wir in diesem Jahr mit der Covid19-Pandemie, den ständigen Fake News, der Black Lives Matter-Bewegung, den weiterhin virulenten Genderfragen und der drohenden Klimakatastrophe erleben, wächst das Bedürfnis nach Wahrhaftigkeit, offen gestellten Fragen und Gedanken. Spoken Word fordert heraus und reißt mit – vorbei sind die Tage trocken rezitierter Kreuzreime.” (Volksbühne)

Sonntag, 20.09.2020
Beginn: 20 Uhr
Roter Salon / Volksbühne Berlin
Linienstraße 227
10178 Berlin
U2 Station Rosa-Luxemburg-Platz

Event @ Facebook mit Infos zu den teilnehmenden Künstlern

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