Zierten das letzte Album dem Sujet des Meeres entsprechend verschiedene Seekreaturen das Artwork, geht es beim zwischen 2016 und 2023 entstandenen Nachfolger um etwas anderes. Monseré schreibt: „this album explores history, its weight, and its exclusions on both a general and personal level.“ Diese Exkludierten zeigen sich dann auch im Artwork: „The drawings were inspired by the work of historically marginalized and excluded artists, namely: Judith Leyster, Rachel Ruysch, Maria Van Oosterwijck, Margaretha Haverman, Clara Peeters, Margareta de Heer, and Anna Maria Janssens.”

Das Album beginnt mit dem Titelstück mit leicht pochendem Drumcomputer, flächigen Orgelpassagen und Monserés Gesang, durch den eine leicht entrückte Atmosphäre erzeugt wird. Das instrumentale „January“ mit seiner immer wiederkehrenden Melodiefolge erzeugt eine fast schon mittelaterliche Atmosphäre – ähnlich wie das kurze „Triton“. Es gibt auch Stücke, bei denen das Klavier im Zentrum steht, wie auf der ersten Version von „Dark Ages (Piano)“ oder auf dem Jean Ritchie-Cover „One I Love“. „Salt“ kombiniert eine  treibende Drummaschine mit sakralen, dramatischen Orgelkängen. Dieses im Kontext des Albums fast schon bombastisch zu nennende Stück könnte mit seiner Dynamik durchaus auch eine Single sein. Ein weiterer Höhepunkt ist „Simple Fractures“ mit einer dunklen Orgel und an Kesselpauken erinnernder Perkussion. Auch die Orgelversion von „Dark Ages“ passt zu diesen eher opulenten Stücken. Was aber auffällt, dass diese Stücke bar jeden falschen Pathos sind. Allen Stücken des Albums wohnt zudem ein Moment des Seltsamen, Irritiereden inne.

“I Sigh, I Resign” ist ebenso wie der Vorgänger wie aus der Zeit gefallen, lässt sich letztlich kaum lokalisieren und kategorisieren. Mit ihren letzten Veröffentlichungen situiert sich Monseré in einem Universum, in dem andere Künstlerinnen (im weitesten Sinne könn(t)en Nico oder Fursaxa als Referenzpunkte dienen) ihre ganz eigene Musik erschaffen haben. (MG)

Label: Horn Of Plenty

The cover features Annelies’s sketches referencing female artists from the Dutch Golden Age who, highly revered at the time, now serve as mere footnotes to Rembrandt, Vermeer et al. The cover sets the tone for the music within which deals with power structures, toxic environments, and questioning (his)tories.

Standout tracks include the pounding rhythm and choir-like voices on Salt as well as the tense folk/post-rock of Simple Fractures (co-written with her Luster bandmates). The album’s most tender moment is a cover of Jean Ritchie’s Appalachian ballad One I Love played and sung by Annelies and her ten year old son.

I Sigh, I Resign is an intimate piece of work that explores personal and general themes which, having played-out for centuries, are still depressingly relevant. Despite the suggestion of defeat in the title, I Sigh, I Resign is an affirming and defiant manifesto for growth and liberation.”
@ Horn Of Plenty

Das Vinyl „Mares“ wurde jetzt (zu Recht muss man antizipierend sagen) nachgepresst. Monseré verortet ihr letztes Album etwas zögerlich im Folk: „as I am not part of a living folk tradition and I am not a folk revivalist, I would not call ‘Mares’ a folk album. But, it is very obviously inspired by folk music, which is quite unsurprising given the fact that I listen to a lot of folk and folk-inspired music. Having said all this, I do not object to people calling it folk. It is a bit silly to invent new genre names for every new album, as if an album is so exceptional that it deserves a whole new concept. “

Erste Aufnahmen zu dem Album begannen 2017, fertiggestellt wurde es 2022, wobei man diesem unglaublich kohärenten Album diesen recht langen Entstehungszeitraum nicht anmerkt.  Die Musik auf „Mares“ ist getragen, dronelastig, repetetiv und zuteifst dicht und atmosphärisch, wird dominiert von Harmonium, Akkordeon, Keyboards. Monseré verzichtet gänzlich auf Gitarre und Klavier, die auf den Vorgängeralben entscheidend zum Klangbild beigetragen hatten.

Das Thema des Meeres wird durch Wiederholungen und Zirkuläres auf klanglicher wie auch auf textlicher Ebene – das Album beginnt mit „Your Finest Hour“ und endet mit „My Finest Hour“, es finden sich zwei Teile von „August“ – zum Ausdruck gebracht. „Your Finest Hour“ ist ein flächiges, loopbasiertes Instrumental. Einer der Höhepunkte ist das darauf folgende „Shells“ mit Harmoniumdrones. Hier spielt Monseré eine mysteriöse Klagemusik, die erschüttert. Fast könnte man sagen, dass die beiden Teile von „August“ so klingen, wie es Dungeonsynth möchte, ohne dass es wirklich gelingt, während hier eine mittelalterliche, mysteriöse Atmosphäre erzeugt wird. Im Zentrum des Albums steht „Sally, Free and Easy“, ein Cover des so häufig interpretierten von Cyril Tawney 1958 geschriebenen Songs, der hier mit Harmonimdrones umgesetzt wird. Mit sakral-entrückter Stimme wird das Thema des Meeres weitergeführt: „Sally, free and easy,/That should be her name,/Sally, free and easy,/That should be her name,/Took a sailor’s loving,/For a nursery game. „Mirror“ ist ein  von Orgeltönen durchzogenes sakrales Instrumental.

“Mares”, das manchmal entfernt an Tara Burkes Fursaxa denken lässt, erzeugt durchgängig ein Gefühl des leicht Unheimlichen, des Entrückt- und Verrücktseins und lässt den Hörenden “Meer” rufen. (MG)

Label: Horn Of Plenty

Während der Pandemiejahre fand man dann doch Zeit, ein etwas verspätet anmutendes Debütalbum einzuspielen, und das jüngst veröffentlichte Resultat ist beeindruckend. Im Grunde braucht es nur die ersten beiden Tracks, um das stilistische Terrain des gleichnamigen Longplayers abzustecken. Ohne viel Federlesens startet der Opener “All is dark inside” mit einem hypnotisch dröhnenden Harmonium und steten, langsamen Handtrommeln – sowie dem Gefühl, dass etwas Spannungsvolles ansteht. Doch netter folkiger Gesang in Monserés ungekünsteltem Sopran gibt dem Stück eine Wendung, die sofort an gängige Mittelalter-Versatzstücke denken lässt, die man auch von Gruppen wie The Moon Lay Hidden Beneath A Cloud oder auch dem Punk’n'Wave von Astaron kennt. Bassläufe in knarriger Postpunkmanier leiten das folgende “L’idéal” ein, bei dem man zunächst eine Bauchlandung im profaneren Hier und Jetzt erwarten könnte, doch wenn der hochtönende Gesang diesmal eine noch märchenhaftere Melodie anstimmt, fühlt man sich überraschenderweise in ein Tableau entrückt, in dem Heroen um die Gunst präraphaelitischer Mädchen in wallenden Gewändern buhlen.

Gleichwohl sich bis zur sonnabolen Entrückung im finalen Gegenzoom von “Out of time” alles in diesem Rahmen abspielt, demonstrieren die einzelnen Stücke – zumindest bei wiederholtem Höhren – ihre jeweils individuellen Charakterzüge: eine kanonartig gekoppelte Stimme, deren märchenhafte Melodiebögen in “Archaeologist” erneut diese gebrochene präraffaelitische Atmosphäre entstehen lassen; das ungleich temperamentvollere Picking in “Espace”, das irgendwann von einer dunklen Ambientfläche gebremst wird, um Raum für einen Gesang zu schaffen, der wie ein Echo aus einer anderen Welt klingt; der höfische Tanz in “Crépuscule”, der wie ein Jugendstilmotiv mit versteckten morbiden Details anmutet; die heitere Melancholie im zuckersüßen “I Fall”; das düstere Harmonium in “Angst”, dem all die anderen Instrumente geschwungene Ornamente geben.

Dass alle Stücke auf die eine oder andere Art einen doppelten Boden haben, ist ein mindestens ebenso charakteristisches Merkmal der Musik wie das märchenhafte Setting, das sie entstehen lässt, und man darf gespannt sein, wann und wie die Reise für Luster weitergehen wird.