Statt vordergründiger Härte setzt “Interalto” auf kontrollierte Spannung und klangliche Bewegung. Elemente tauchen auf, zerfallen, formieren sich neu. Struktur und Fragmentierung stehen dabei nicht im Gegensatz, sondern bedingen einander und erweisen sich als präzise, kompromisslos und gleichsam offen zugleich. Das Album erscheint digital mit Artwork von Stefan Alt bei Ant-Zen.

Contagious Orgasm, das Projekt von Hiroshi Hashimoto aus Nagoya, entwickelt seit vielen Jahren eine ganz eigene Musik, in der ambiente Texturen, fragmentierte Samples, post-industrielle Geräuschkulissen und klangliche Miniaturen ineinander übergehen. Es ist eine Musik, die bewusst Irritation zulässt, aber zugleich auf ihre Weise eindringlich bleibt. Wie es beim Label heißt, sind die Stücke “eine fesselnde Mischung aus wirbelnder Psychedelik, rohen Samples, verloren wirkenden Rhythmen und postindustriellem Lärm – alles verwoben zu einem fließenden Gewebe aus Ambient und musique concrète”. Die Tracks wirken wie kleine Szenen, die sich langsam entfalten und dann wieder in stillen Passagen verwehen. Mal wird mit eigenwilliger Percussion gearbeitet, mal mit zufällig anmutenden Geräuschen, die letztlich wohl doch gezielt gesetzt sind.

Freitag, 08.93.2024
Beginn 20 Uhr
Urban Spree (RAW-Area)
Revaler Str. 99
10245 Berlin

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Die immer wieder für Kollaborationen und Split-Releases mit befreundeten Musikern offene Band brachte bis in die Nullerjahre eine gute Handvoll Alben und einige kleinere Veröffentlichungen heraus, auf Raubbau in Kooperation mit Pflichtkauf erschien 2021 die Aufnahme “Live At Maschinenfest 2001 AZ Aachen”. Das vorliegende Tape enthält zwei Handvoll recht unterschiedlich gestaltete Tracks im weiten Feld ritueller, partiell ethno-angehauchter Soundscapes, die freilich die Spuren ihrer Zeit und der Ritual Industrial- und Dark Ambient-Strukturen ihrer Zeit aufweisen. Es präsentiert den Stil der Band von seiner etwas raueren und ungehobelteren Seite. Beim Label heißt es: “in a haze of youthful enthusiasm, the collective crafted a sonic landscape where gritty textures and cold, metallic sounds take center stage, immersing listeners in an experience resonating with the shadows of the wasteland. the extended visceral exploration of otherworldly sounds leaves an indelible mark. and yet, ‘pornografia’ holds surprises: the final, cryptically untitled track unveils a lush shoegaze instrumental – a departure that adds a layer of complexity, a sonic oasis in the midst of industrial desolation. as a whole, ‘pornografia’ showcases templegarden’s willingness to experiment, redefine sonic boundaries, and courage. it stands as a testament to their timeless commitment, well worth rediscovery. first released in 1997 as a cassette tape and later as a cd-r, the circle now closes with this final reissue. join us in exploring the depths of ‘pornografia’ – an auditory journey into the experimental and the unknown”. Das Album ist auch digital erhältlich.

sonstigen Geräuschen mit Songansätzen, die in  ihrer psychedelisch angehauchten Lieblichkeit partiell an die folkorientierte Phase Grims in den 80ern erinnert, bei denen man bisweilen an eine japanische und zudem betont mädchenhafte Antwort auf frühe Psychic TV denken konnte. “Theriantropy” ist nach der mittlerweile ausverkauten “Totem Song” (2021) der zweite Teil einer geplanten Tetralogie mit Singles und Kunst, dem noch die konzeptuell für sich stehende 7″ plus Kunstdrucke “Great Magi” (2020) vorausging. Das Release erscheint in 200er Auflage bei Ant-Zen und ist auch digital erhältlich.

“grim is simple purity in sound and noise. field recordings, junk noise and heavy rhythms, organs and distinctive vocals in its own unique mixture. an extremely organic-sounding compound of electronic sounds, dressed in a blurred, psychedelic outfit, alternating with heavily distorted beats and a blast of japanese voice. grim is the one-man pioneer of power electronics / noise music and has been around since the 1980s.” (Ant-Zen)

„Golden Temple“ – man mag beim Titel an Mishimas Temple of the Golden Pavillon denken, woraus im opulenten Booklet zitiert wird – ist der dritte Teil von Anemone Tubes „Suicide Series“ und somit Nachfolger von „Dream Landscape“ und „Death Over China“. Ein weiteres mal geht es um Landschaften, die sich in der Spätform unserer Zivilisation herausgebildet haben und die zugleich ihren selbst hervorgerufenen Kollaps symbolisieren. Auf „Golden Temple“ ist all dies noch stärker als zuvor mit textlichen und ikonischen Zitaten und Anspielungen unterfüttert, die viele Fragen stellen und gelegentlich auch die eine oder andere Antwort in den Raum stellen.

Noch deutlicher als auf „Death Over China“ dreht sich auf „Golden Temple“ alles um das Thema der Entfremdung und ihrer apokalyptischen Dimensionen, und wie es scheint wird ein historisches Panorama entfaltet. Im eröffnenden „L’Homme et les Sirenes“ wird gewissermaßen die Ursünde der Entfremdung abgehandelt, der Trick des Odysseus, dem verführerischen Gesang der Sirenen zu widerstehen, oder allgemeiner: durch scheinbare Disziplin, die in Wirklichkeit eine Selbstfesselung ist, über die Natur und ihre Geister zu triumphieren. Dieser Akt, von Homer gefeiert und noch in der Dialektik der Aufklärung als Sternstunde der Zivilisation gewürdigt, erscheint hier als Auftakt einer fatalen Dystopie, zumindest lässt der knochentrockene Schleifsound, der seine destruktive Wirkraft erst nach und nach entfaltet, nichts anderes vermuten.

Von der Irrfahrt des Heroen bis zum finalen Anthropozän in „Anthropocene – The Dark Abyss of Time“ mit seinem an apokalyptisches Flammengeprassel erinnernden Rauschen ist es ein weiter Weg, und der ist mit Marken versehen, die so etwas wie einen Kampf zwischen Sein und Entfremdung anzudeuten scheinen. Auf musikalischer wie textlicher Seite herrscht der Nihilismus des all-encompassing destroyer aus dem zentralen „Tower of Evil“. „Apocalyptic Fantasy“ knüpt mit fatal dröhnenden Kreisbewegungen und einem Sound, der an Gitarrensoli diverser Metalgenres gemahnt, an die vorab veröffentlichte EP „In the Vortex of Dionysian Reality“ an, und schon dass hier auf Fantasy und nicht auf Nightmare verwiesen wird, unterstreicht das Lustvolle, dass dieses Untergangs-Narrativ bis zum kaum verständlichen Sprachample durchzieht – wie im Tarot Crowleys ist der Turm, der hier durch brettharte Noisewände evoziert wird, eine dem Einsturz geweihte comfort zone, deren Implosion gefürchtet und zugleich erhofft wird.

Nach einer eindringlicheren Version des schon auf dem Vortex-Tape enthaltenen „Tower of Evil“, hier mit dem Zusatz „The Ultimate Truth“, führt uns „Negation of Myth“ in die etwas filigraneren Regionen der Anemone Tube-Kosmos, was allerdings nur heißt, dass die nosigen Sounds weniger verwaschen und die einzelnen grobkörnigen Partikel deutlicher herausgearbeitet sind. Wer vergleichbare Passagen auf „Death Over China“ oder auf der Split mit Dissecting Table kennt, weiß, dass solche Tracks immer noch niederdrückend sind, und hier ist es v.a. das kosmische Hintergrunddröhnen, das den Eindruck von etwas Verlorenem aufrecht erhält. Vielleicht ist es diese Evokation von etwas ungreifbar Verlorenem, die auch den vielleicht schöngeistigesten Track „Sea of Lights (Golden Temple)“ so eindringlich macht.

Anemone Tube war stets an einer angemessenen allegorischen Aufmachung interessiert, doch diesmal ist das Booklet besonders reichhaltig gefüllt. Auf der bildlichen und paratextlichen Seite, die hier entfaltet wird, erwacht eine hetrotopische Gegenwelt, die so etwas wie ein nicht entfremdetes Sein zum Thema macht. Teil dieser Gegenwelt, wenn auch auf sehr radikale Art, ist zumindest der erste der beiden Bonus-Tracks, die wie eine integrierte EP unter dem Titel „Arcadia – Dreamland and Myth” angehängt sind: „I, Death, Even Rule in Arcadia” greift das Motiv der Odysse wieder auf und deutet eine alternative Erzähung an, in der der Held dem Ruf der Geister nachgibt und – auf tragische Weise, der Entfremdung jedoch entrinnend, wieder mit seiner eigenen Natur verschmilzt. „Tojinbo – Tranquil Sea of Equanimity” wiederum ist besonders doppelbödig, scheinen die vom schweitzer Soundaktivisten Dave Philips abgemischten Feldaufnahmen aus der Nähe einer für zahlreiche Selbstmorde bekannten Felsenklippe in Japan doch eher wieder eine Folge der Entfremdung statt ihre Alternative zu beschwören.

Letztlich bleibt es eine Frage der Interpretation, ob man die schönen Seiten des in „Golden Temple“ beschworenen als eskapistische Gegenwelt, als Einklagen einer veschmähten Kostbarkeit, als reine Dokumentation oder als vorsichtig hoffnungvolle Zukunftsaussicht auf ein Danach lesen will. Nietzsches Umschreibung des Dionysischen als „Ja zu Leben in all seiner Tragik” kommt mir dabei allerdings nicht aus dem Sinn. Sicher ist, dass das immer etwas links klingende Wort Antikapitalismus und das immer etwas rechts klingende Wort Antimodernismus selten so sehr überblendet wurde, wie auf diesem an Andeutungen und Anspielungen reichen Album, das den Geist Pasolinis wie ein Kontrastmittel über die Goldenen Tempel unserer Zeit gießt – und damit selbst die namenlose saufende Schönheit zu Füßen der Kolosses aus Glas und Beton zum Strahlen bringt. (U.S.)

Label: Raubbau

Dass Nilsen Morthound auch als Studioprojekt wiederbeleben würde, lag somit in der Luft, und alle Erwartungen bestätigen sich nun in Form von “Off the Beaten Track the Light don’t Shine”, einem Werk in vielen dunklen Farbschattierungen, dass nebenbei noch von Nilsens Erfahrungen mit Sampling und Feldaufnahmen profitiert. Für Die Hards der alten Schule werden in erster Linie die Tracks interessant sein, die besonders prägnant an das Frühwerk anknüpfen und dunklen Industrial bieten. Das ausladende „Between Midnight And Dawn“ ist so ein Stück, schon der Titel verweist unmissverständlich auf die episodische Reise durch dunklen Klanglandschaften, in denen unheilvolle Dialogfetzen in unterschiedlich starker Verfremdung mit hintergründigem Grollen und geheimnnissvollem Glühen überblenden. Oder das ebenfalls recht lange „Disquieted“, das zunächst auf ausgesprochen leisen Sohlen daherkommt und sich nach und nach, begleitet von cinematischen Spannungsmachern, zu einem wahren Inferno aus verzerrtem Rauschen hocharbeitet.

Schon bei diesen recht klassischen Tracks demonstriert der Musiker zwei seiner zentralen Fähigkeiten, nämlich mittels klanglicher Bewegung und angedeuteter Plastizität ein fast filmisches Raumgefühl zu suggerieren, begleitet von einem kunstvollen Umgang mit Geräuschen, bei denen er stets ein gutes Händchen für unterschiedliche Grade an Bearbeitung hat. Bei einigen seiner eher „dokumentarischen“ Arbeiten mit weitgehend naturbelassenen field recordings würde man sich eine solche Variationsbreite gelegentlich wünschen, aber das nur am Rande.

Zum Thema Variation gibt es aber auch bei „Off The Beaten Track..“ einiges zu sagen, denn die meisten der etwas kürzeren Stücke differenzieren den klassischen Morthound-Stil in die unterschiedlichsten Richtungen aus. Während „The Black Forest“ mit seine relaxten Ethno-Percussions noch gut zu der ambienteren Seite der klassischen Morthound passt, irritiert „The Munich Manual“ die Hörer mit der Illusion technoider Rhythmen, die sich jedoch als genial inkohärent erweisen und das Stück bald in einen Klangstrudel münden lassen, der in eine surreale Filmszene (ich kann mir David Lynch an der Stelle nicht verkneifen…) passen würde. „The Device“ beginnt mit enervierendem minimalistichem Geklicke, bis dass räudiges Grollen dem Spaß sein verdientes Ende bereitet und das Substrat für allerhand schemenhafte Soundfragmente bildet.

Letztlich ist das Album gerade deshalb ein gutes Comeback, da es an frühere Arbeiten zwar deutlich anknüpft, dabei aber trotzdem erst gar nicht versucht, 19 Jahre für null und nichtig zu erklären und somit ein wirkliches neues Kapitel einleitet. Es könnte spannend bleiben. (U.S.)

Label: Raubbau

Sieben Jahre nach seinem Debüt „A Rebours“ ließ der Musiker erneut von sich hören und brachte eine EP namens „Interim“ und vor allem das Album „Songs of Experience“ (beide CMI) heraus, das formal wie inhaltlich nah am Vorgänger ist und durchaus als Fortsetzung verstanden werden kann. Veränderungen im Kleinen gibt es insofern, dass experimentierfreudigere Passagen mit weniger geradlinigen Sounds etwas mehr Raum bekommen, so beispielsweise bei der einleitenden Umsetzung von William Blakes „The Sick Rose“, ein Stück, das schon von vielen Musikern vertont wurde, am Prominentesten vielleicht von Coil. Es war Teil des illuminierten Gedichtszyklus, nach welchem Sundström das ganze Album benannte – die lyrischen Texte verschreiben sich der Erforschung eines menschlichen Seelenzustandes, welcher der Unschuld diametral entgegen gesetzt ist: Ein Zustand, der vom Verlust des kindlichen Urvertrauens und der despotischen Macht banaler weltlicher Institutionen geprägt ist und in Blakes Mythologie der Vertreibung aus dem Paradies entspricht. In „The Sick Rose“ wird Schönheit und Freude durch einen mysteriösen Trieb zerstört, der als dunkle, heimliche Liebe auftritt, allegorisiert durch die Figur eines unsichtbaren Wurmes – Jonathan Grieve (Contrastate) illustriert diese destruktive Kraft durch seinen grimmigen Stimmvortrag. An Coil (die musikalisch eigentlich Lichtjahre entfernt sind) musste ich auch bei der perkussiv-dramatischen Lovecraft-Vertonung „Hesperia“ denken, bei der der Vortragsstil an „The Golden Section“ erinnert. Wer bei diesem Stück an klassische Monumentalfilme denken muss, der kann sicher meine Kinoassoziation nachempfinden.

Insgesamt gestaltet sich „Songs of Experience“ recht wandlungsreich. Während „Spirits of the Dead“ mit wechselnden Tempi und Rhythmen spielt, offenbart das wieder an Huysmans abgelehnte „Down There“ mit seinen Chören eher die schwere Seite des Albums und hält Titel und Thema entsprechend einige der bedrückendsten Momente parat. Relativ unprätentiös und gerade deshalb einer der Höhepunkte ist die lange Version von Baudelaires „La Fin de la Journée“, das besonders von seinem gelungenen französischen Textvortrag lebt. Größtmögliche Gesten und ein enormer Breitbandsound finden sich dagegen wieder bei „The Hunt“ und bei „Strife“ (eine von Tomas Petterson vorgetragene Passage aus „Romeo & Julia“), das zum Teil in einem großen Theater eingespielt wurde.

Für jemanden, der wie ich meist um orchestrale Musik einen Bogen macht, klingt ein solches Album ungewöhnlich, und an einigen Stellen ist es mir etwas zu viel an Dramatik und Wucht – Kunstgriffe, über die ich daher ebenso wenig ein Expertenurteil abgeben will wie zu den gelegentlich hervorgehobenen Referenzen an Komponisten des späten 19. Jahrhunderts. Dass The Protagonist damals Standards setzte, hinter denen viele Nachfolger unter dem Begriff „Neoklassik“ weit zurück blieben, steht fest. Wie schon der Erstling wurde „Songs of Experience“ durch das Berliner Label Raubbau wieder zugänglich gemacht und enthält als Bonus die drei weiteren Stücke der „Interim“-Ep, die sich nahtlos an die Albumstücke anschließen – nach weiteren sieben Jahren, und vielleicht impliziert die Zahl ja eine gewisse Regelmäßigkeit, die Fans auf weitere Lebenszeichen gespannt machen können.

Eine Schildkröte kommt auch in Joris-Karl Huysmans’ Roman “A Rebours”, zu deutsch “Gegen den Strich”, vor. Der Dandy Floressas des Esseintes, anämischer Spross einer alten Adelsfamilie und dem Funktionalismus seiner Generation mehr als überdrüssig, stürzt sich dort zunächst in allerlei abseitige Abenteuer, frönt der sexuellen Ausschweifung, dem Opium und andern dekadenten Freuden der Halbwelt, bis er eines Tages erkennt, dass auch er, und sei es nur als perfekt passendes Gegenprogramm, Teil des verhassten Zeitgeistes ist. Vielleicht war es auch nur die Erschöpfung, jedenfalls wird aus dem versnobten Salonlöwen irgendwann ein Eskapist, der sich in einem abgelegenen Landhaus verbarrikadiert, um dort ganz seinen autistischen Obsessionen nachzugehen. Er häuft „Nerd“-Wissen über obskure spätrömische Literatur an, sammelt überzüchtete Pflanzen und erteilt eine wütende Absage an alles, was als natürlich gilt. Mit Düften versucht er so etwas wie Musik für die Nase zu komponieren. Mit einer Goldschicht und einem Muster aus Edelsteinen überzieht er die besagte Schildkröte, die dem Ästhetizismus freilich zum Opfer fallen muss. Auch so siegt die Kunst über eine Natur, die weg muss. Alles Störende musste radikal ausgeklammert werden, selbst die Diener durften nur auf Filzschlappen über dicke Teppiche schleichen.

Aus Protest gegen zeitgemäße Entfremdung pflegte Des Esseintes eine radikale Egozentrik, selten war eine Romanfigur so sehr Protagonist im wahrsten Wortsinne. Doch irgendwann macht sich auch in seiner faszinierend-morbiden Parallelwelt die Erschöpfung breit. Dem Titel entsprechend war der Roman ein Plädoyer gegen die Zeit, doch in seiner Übertriebenheit und Einseitigkeit war “A Rebours” ebenso sehr Satire. Ob Anarchisten, Träumer oder konservative Rebellen, unzählige Figuren, die mit dem Status Quo des 20. Jahrhunderts nicht einverstanden waren, verehrten den fiktiven Des Esseintes als Idol und ließen sich von ihm inspirieren – von George bis Jünger, von den Surrealisten bis zu den Situationisten war man Fan, und auch im Werk spätmodernder Autoren wie Bernhard oder Houellebecq meint man das Echo Des Esseintes’ zu hören. Zahlreiche New Wave-Bands zählten „A Rebours“ zu ihrer Lieblingslektüre, Marc Almond, David Tibet und Mark Ellis von Elijah’s Mantle wären ohne Huysmans vielleicht nicht geworden, was sie sind.

Aus Ellis erweitertem Umfeld stammt auch Magnus Sundström, der als The Protagonist 1998 ein ganzes Konzeptalbum nach dem Roman benannte. Der Bezug besteht eher lose, so dass man den Titel auch schlicht als Slogan betrachten kann – gegen die Welt, gegen das Leben, um es mit dem deutschen Titel einer Lovecraft-Biografie aus der Feder Houellebecqs zu umschreiben. Die beiden Hauptkomponenten sind ein breiter, wuchtiger Orchestralsound und eine Reihe ausgewählter Textzitate, die auf unterschiedlichste Art einen artifiziellen Nonkonformismus teilen. Von Huysmans selbst wird ein Auszug aus seinem „Satans“-Roman „Tief Unten“ verwendet. Sundström trägt den Passus betont ungekünstelt vor, ergänzt von euphorischen Streichern, die bald zur Ruhe kommen, um martialische Snaredrums zu besänftigen. Klang und Harmonik erinnert an einigen Stellen an In The Nursery zur „Köda“- und „Stormhorse“-Zeit, sind emotional aufwühlend und spannungsgeladen. Einiges ist Keyboard, aber vielleicht passt das ja auch ganz gut zum Künstlichkeitskult der Decadence.

Viele der Beitragenden kommen aus Sundströms skandinavischem Umfeld, so Peter Pettersson (heute Bjärgö), der William Blakes „Song of Innocence“ vorträgt – viel deutlicher als der so anschaulich naive Text demonstriert die Musik das Betrauern einer Unschuld, die verloren ist. Mark Ellis, der ein hervorragender Rezitator ist, macht Shelleys „Mutability“ zu einem Höhepunkt. Hier wird das Monumentale etwas herunter gefahren – ein Zug, der auch einigen anderen Stücken gut getan hätte, denn an manchen Stellen wird das auf Dramatik setzende Pauken- und Streicher-Konzept etwas vorhersehbar. Das Gedicht „Imitation“ des düsteren Phlegmatikers Edgar Allen Poe in Carl Orff’sche Höhen emporzuheben mag einer Taktik des Kontrastes geschuldet sein, die bei mir ihre Wirkung verfehlt. Besser passt der reißerische Neoklassizismus zu dem Stück, das nach einer Thorakskulptur benannt ist – die gigantomanischen Wuchtklötze des Künstlers, seinerzeit in fragwürdigen Diensten, entspringen einem ähnlichen ästhetischen Fundamentalwillen wie z.B. der weltabgewandte Antivitalismus eines Cioran, auch wenn die äußeren Unterschiede nicht größer sein könnten.

Wie eine Klammer umfasst „A Rebours“ die Dekadenz mit all ihren Empfindungen und Ausdrucksweisen – als in sich schlüssiges, aber auch nicht zu eng gefasstes Konzeptalbum, dass nun nach über dreizehn Jahren erstmals vom Berliner Label Raubbau neu veröffentlicht wird – mit komplett neuem Artwork und zeitgleich zum Folgealbum “Songs of Experience”, über das in Kürze berichtet wird. Dass der spezifische Sound zum Teil nach Fantasie-Score klingt, mag an manchen Stellen unpassend wirken, und dass orchestraler Bombast später die (Disco-)Grüfte dieser Welt eroberte, ist schlicht der Lauf der Dinge. Deshalb auch primär ein Muss für spätgeborene CMI-Afficionados und alle Freunde der Pauken und Trompeten. Allen anderen Dandys sei zuvor eine Hörprobe empfohlen. (U.S.)

Label: Raubbau/Ant-Zen