Surreale Sounddetails, gelegentlich dramatische und leicht lärmende Passagen sowie dröhnend-jaulendes Feedback ergänzen den über weite Strecken skulptural anmutenden Sound, während sich die Komposition innerhalb eines durchgehend flächigen, teils dröhnenden Rahmens immer wieder langsam modifiziert. Beteiligt sind auch diesmal David J. Smith (The Holy Family, Guapo), David J. Knight (UnicaZürn, Arkkon), Michael J. York (ex-Coil, Current 93, The Witching Tale, Teleplasmiste) und Antti J. Uusimaki (Uzu Noir), die das Projekt wie eine Supergroup erscheinen lassen. Das Album erscheint als LP und zum Download.

Die beiden Stücke des Albums entfalten sich in langsamen Wellenbewegungen, getragen von modularen Synthiestrukturen, die gleichermaßen melancholisch und verspielt wirken. Zwischen den Tönen schimmert die Erinnerung an die elektronische Avantgarde früherer Jahrzehnte durch und so an eine Musik, die sich Zeit lässt und in ihrer Reduktion eine eigentümliche Wärme entfaltet. Auch treibende Passagen und Momente beängstigender, surreal anmutender Schrägheit haben ihren Platz. “Modular Fields. Volume One” knüpft damit, wie es auch sinngemäß beim label heißt, an die spirituell aufgeladene Atmosphäre des Vorgängers “Fire Worshipper” an, wirkt aber zugleich offener und erdiger, weniger okkult als elementar. “Modular Fields. Volume One” erscheint als LP und zum Download.

“In 1978 I started making experimental home recordings with my old schoolfriend Alan Clark. We both had Akai 4000DS reel-to-reels, which made for easy swapping of locations and ideas. We would meet most evenings to record – for the best part of two years. Much of the music on this tape comes from those experiments.

Some of my solo pieces on this cassette were on a compilation cassette I made for my friend Brad Day, who in 1979 was working at Beggars Banquet record shop in Earl’s Court. He happened to be playing it in the shop when co-manager Peter Kent walked in and asked who it was. From that I was offered a 7” release on the Axis label Peter was starting with his colleague Ivo Watts-Russell, and my first gig was organised at Mayhem Studio in Battersea, supporting Vice Versa. With another schoolfriend, Steve Player on guitar and Stylophone 350S, my 16-year-old brother Peter Knight on backing tapes and backing vocals, and me on VCS3 and vocals, we put a set together within a week. The filmmaker John Maybury projected Super-8 films over us at the gig, and suggested we call ourselves The Fast Set – as all three of us were rooted static to the spot with nerves. The name stuck, and it now seems appropriate to retrospectively apply that name to our previous untitled endeavours.

This cassette release is a ‘patchwork’ I constructed back in 1980 of the late-70s home recordings – both solo or with Alan. There were two projects back then – the experimental pieces, and the electronic ‘pop’ songs. This release consists of the former, which I feel age has been kinder to. The tapes had remained untouched for over 40 years until I baked and transferred them recently, so please excuse the hiss, distortion, pops, crackles, and wobbles, as I wish to maintain the integrity and home-made feel of the original recordings” (David Knight)

@ Bandcamp

Zu “Blood Comes Singing” heißt es an gleicher Stelle: “the exquisitely titled ‘Blood Comes Singing’, is a more cold blooded affair: a brooding, majestic work with rich undercurrents of unease. With its stately keyboard arrangement and what sound like, but almost certainly aren’t, keening violins, ‘Blood Comes Singing’ could almost be the soundtrack to the opening scenes of a chic Spanish horror film circa 1979″. Die Single erscheint auf 100 transparenten Lathe Cut 7″s, das Artwork basiert auf einem bislang unveröffentlichten Gemälde von Danielle Dax.

@ HL Records

Interview @ African Paper

Im Pressetext zum Album wird die Frage gestellt, ob es je eine bessere Zeit gegeben habe, diesen Planeten zu verlassen und sich zu den Sternen zu „verpissen“, und passenderwiese heißt das erste Stück „For The Dark Planets“. Dennoch klingt der Track von der Stimmung gar nicht so (ver)dunkel(t), wie es der Titel denken lassen mag. Man hört ein bearbeitetes Blasinstrument inmitten dronig-flächiger Passagen. Das Stück ist, wie auch der größte Teil des restlichen Albums, fortwährend in Bewegung und entwickelt eine ziemliche Dynamik. Auf „Into Burning Labyrinths (Fuse-Fire-Seed)“ hört man flirrende Sounds und Perkussion. Sucht man Vergleiche außerhalb des UnicaZürn-Kosmos könnte man vielleicht Coils „Tiny Golden Books“ als Referenzpunkt nennen. “Stems of The Shadowmind” ist für mich ein erster Höhepunkt: erneut nimmt man diese Dynamik, diese Bewegung innerhalb des Tracks wahr und dann setzt nach einer Weile Throwers Saxophonspiel ein. Vielleicht ist das Jazz für die Blade Runner-Bar. Auf „A Gulp Of Moss A Breath of Stone“ fluktuiert, oszilliert die Elektonik. Gegen Ende erklingen verfremdete, seltsame Stimmen. Der Bonustrack „Frozen Scars and Laudanum“ fällt etwas ruhiger aus als die anderen vier Tracks, die Bewegung wird zurückgenommen und das Stück hat durchaus Soundtrackqualitäten: in der Ferne flirrende Hochtöne, Pulsieren, ein Blasinstrument lässt sich erahnen.

Vor einiger Zeit sagte Thrower in einem Interview bezogen auf die Musik UnicaZürns: „We’re fond of long-form pieces, extended trips, and I see what we do as having strong psychedelic qualities, with underlying tension and a sense of the uncanny.” Das ist eine durchaus angemessene Beschreibung dessen, was man auf „Sensudistricto“ hören kann, denn „trip“ kann immer (auch) zweierlei meinen: Die (durch psychotrope Substanzen verursachte) Reinigung der „Pforten der Wahrnehmung“ (Huxley via Blake) und die daraus resultierenden Bewusstseinsverschiebungen (worauf der letzte Titel mit seinem Verweis auf flüssiges Opium hinweisen mag) und eine Reise im eigentlichen Sinne, die diese narrativen, ausufernden, psychedelischen Tracks durchaus evozieren können. (MG)

Label: Touch

Das zwischen 2011 und 2015 entstandene Album wurde von David Smith, David Knight und Michael York aufgenommen. Knight hat zusammen mit Karl Blake als Shock Headed Peters eine völlig eigenwillige Form von Rockmusik eingespielt, unter dem Namen Arkkon orginellen Dark Ambient aufgenommen und als Teil des Amal Gamal Ensembles Improvisationstalent bewiesen. York dürfte den Lesern dieser Publikation vor allem als Musiker bei Coil bekannt sein. Als The Other Without hat er gerade ein Album mit „rural psychedelica“ veröffentlicht. Der Perkussionist Smith hat seit Mitte der 90er Jahre bei Guapo konventionelle Formen von Rock immer wieder aufgebrochen und hat allzu enge Gattungsgrenzen überschritten.

Die drei langen Tracks auf „Remoteness of Light“ sind beeindruckend: „Agents of Altitude“ beginnt mit spärlicher Perkussion, einer Flöte, Glocken, Drones und flüsternden Stimmen, ganz so, als wolle man erst einmal zusammenfinden, bevor dann im weiteren Verlauf das Stück immer dichter wird, das Blasinstrument sich fast dem Drone annähert. Man hört eine fortwährende kaum zu bändigende Unruhe unter der Oberfläche in dem Zusammenspiel von Perkussion und Bläsern. „World of Amphibia“ erinnert durch den Einsatz von Michael Yorks Duduk etwas an Coils „Remote Viewer“, hier aber getrieben von Perkussion und einem fast an Jazz erinnernden Abschluss. Das das Album beendende Titelstück enthält asiatisch anmutende Tonfolgen, die Kombination von Zungenpfeife, E-Gitarre und Perkussion erzeugt einen wahren Mahlstrom.

„Remoteness of Light“ ist ein Album, das durchgehend zeigt, wie das Zusammenspiel von elektronischen und akustischen Instrumenten funktionieren kann und dass Improvisation nichts mit Beliebigkeit zu tun haben muss. Das ist halluzinatorische und psychedelische Musik und diese eigentlich völlig inflationär gebrauchten und (daher) verbrauchten Wörter beschreiben das, was man auf diesem Album hört, letztlich sehr gut. The Stargazer’s Assistant spielen in einem Universum, in dem man sicherlich auch Cyclobe (bei denen sowohl Smith als auch York schon mitgewirkt haben) verorten kann. (MG)

Label: House of Mythology

Auch auf den hier enthaltenen drei recht ausladenden Tracks finden sich die zentralen Eigenschaften des Duos, allem voran die spontane Unberechenbarkeit der Soundnarrative und die feine Gestaltung der Tableaus. Das halbstündige „Extract From Eternal Conumbra“, das die erste Seite ausfüllt, beginnt sehr leise und hintergründig, steigert sich zunächst sehr zaghaft, und man muss schon genauer hinhören, um der warmdunklen Klangfarben und der vielen im sanften Brummen versteckten Soundpartikel gewahr zu werden. Erst mit der Zeit kommt etwas mehr Bewegung hinein, immer mehr Schichten entfalten sich und lassen verschiedene Kreisbewegungen entstehen, die in subtilen Widerstreit zueinander treten. Schwer zu sagen, ob diese kleinen Disharmonien das angenehm tremolierende Gleiten unterschwellig sabotieren oder eher in Schwung halten, aber letztlich reicht es völlig aus, die Stimmigkeit des Stückes zu erahnen, das ja nur ein Auszug von etwas Ewigem ist – ein Motiv, das übrigens des öfteren bei UnicaZürn vorkommt.

Sich stetig wiederholende Stimmfetzen in undefinierbarer Verfremdung prägen das die zweite Seite eröffnende „Heliomantra“, doch dem Titel vielleicht ganz gut entsprechend nimmt man diese irgendwann kaum noch wahr, lässt sie versinken in einem Klangfluss, aus dem einen keine markanten Brüche aufscheuchen, und der doch stets im Wandel begriffen ist. Das etwas kürzere „Phosphor AKS“ mutet noch traumwandlerischer („surrealer“) an, dunkle Celloparts und klirrendes, das von einem elektrischen Piano stammen könnte, lassen ein Spannungsgefüge ins Idyll eindringen, das erst im opulenten Höhepunkt kurz vor dem Ende aufgelöst wird – genau darin unterschiedet sich der finale Track auch von den anderen, die so exzerpthaft anmuten, dass sie endlos weitergehen könnte.

Insgesamt eine Veröffentlichung mit einer Menge an halbversteckten Subtexten, die definitiv mit mehrmaligem Hören dazugewinnt, die Lust am aufmerksamen Hören natürlich vorausgesetzt. Zusammen mit dem Artwork – einem der eher seltenen lebenszeichen von Danielle Dax! – sollte das ein guter Anreiz sein, sich das Tape zu besorgen. (U.S.)

Label: The Tape Worm

English version

Ich bin ehrlich gesagt sehr neugierig, weshalb ihr für euch den Namen der deutschen Künstlerin Unica Zürn gewählt habt. Ich erinnere mich, wie ich vor einigen Jahren ihre Anagrammdichtungen entdeckte und sofort stark beeindruckt war. Leider ist sie nicht sehr bekannt. Seit ihr mehr durch ihre Texte oder durch ihre visuellen Arbeiten beeinflusst?

David: Wir haben uns lange Gedanken über Namen gemacht, und obwohl wir schon seit Jahren zusammen aktiv waren, hatten wir uns bis kurz vor der Veröffentlichung der “Temporal Bends”-CD noch auf keinen Namen geeinigt. Ossian Brown las gerade eines ihrer Bücher; Steve wurde darauf aufmerksam, und das war’s. Ich hatte ihre Zeichnungen  und ihre Arbeiten mit Bellmer schon immer gemocht, weshalb ich den Namen dann auch perfekt fand. Ich finde ihre Zeichnungen inspirierender als ihre Texte, aber wenn jemand unsere Musik in Bilder konvertieren würde, würde es wahrscheinlich eher wie Rothko aussehen!

Seht ihr einen Bezug zwischen ihrer Art des Schreibens/Zeichnens und eurer Art des Komponierens?

David: Auch wenn ich ihre anagrammatischen Dichtungen mag, sind sie das Gegenteil von der Art, wie wir arbeiten – meistens benutzen wir keinerlei Kompositionssysteme. Wir haben damit experimentiert, aber wie es aussieht, kommen wir immer zu besseren Ergebnissen, sobald wir frei arbeiten. Unsere Adaption/Adoption ihres Namens ist eine Hommage an ihre kreative Kraft, nicht an ihre Herangehensweise.

Viele ihrer Arbeiten sind in Deutschland nicht mehr erhältlich. Gibt es (eventuell mehrere) englische Übersetzungen ihrer Werke?

David: I habe die Atlas Press-Ausgabe (UK) von “Der Mann im Jasmin” und “Das Haus der Krankheiten” – sie sind mittlerweile vergriffen, aber waren vor einigen Jahren noch einfach zu bekommen.

Trefft ihr eine klare, programmatische Unterscheidung zwischen UnicaZürn und euren anderen Gruppen, oder ist eure Kollaboration mehr ein spontanes Ergebnis aus dem, was so passiert, wenn zwei Musiker sich treffen und zusammen improvisieren?

Stephen: Ich würde sagen, es ist letzteres. Manches, was wir machen, entsteht, wenn wir allein arbeiten, und es dann dem jeweis anderen geben, um etwas damit zu machen. Aber ich schätze, dass mehr als die Hälfte unseres Materials beim gemeinsamen Improvisieren entsteht. Diese Spontaneität unterliegt dann einem Aussortieren, einer Verfeinerung und bewussteren Stufe des Entscheides, was fehlt, was herausgenommen werden muss, ein Prozess, der durch gemeinsame Absprachen und Vergleiche abläuft.

Was ist der wichtigste Unterschied in der Herangehensweise, verglichen mit eurem Spiel bei Arkkon und Cyclobe?

Stephen: Für mich liegt der Unterschied in dem Gewicht, das wir auf das simultane Spielen legen; in Cyclobe passiert das relativ selten, in UnicaZürn ist es die Norm. Ich denke, es resultiert aus unserer Freude am Improvisieren im Amal Gamal Ensemble, plus die Leichtigkeit, mit der wir die richtige Herangehensweise oder den passenden Kanal finden, um so zu experimentieren.

David: Bei mir ist es ganz ähnlich; als Teil eines (an der Basis) improvisierenden Duos zu arbeiten, bedeutet, meinen Kopf von allen vorgefertigten Ideen zu reinigen, wo es mit einem Stück hingehen soll (oder wo man überhaupt beginnt), die Luft anzuhalten und einzutauchen. Wohingegen ich bei der Arbeit an meinen Soloprojekten für gewöhnlich zumindest eine grundsätzliche Richtung vor mir sehe, wohin ich ein Stück gehen lasse.

Ich glaube, The Amal Gamal Ensemble hatte seinen letzten Auftritt 2011. Ist dieses Projekt immer noch aktiv, liegt es auf Eis oder existiert es gar nicht mehr?

Stephen: Amal Gamal erlebt eine lange Unterbrechung, aber es gab nie ein definitives “Ende”. Die persönlichen Verbindungen haben sich vielleicht gelockert. Ich lebe nicht mehr in London, so dass ich die anderen nicht mehr so oft sehe wie bisher. Ich könnte mir ein weiteres Explodieren der Aktivität vorstellen, vielleicht mit einem etwas anderen Line-Up: Wir hatten angefangen, die Besetzung etwas zu variieren und fanden uns vorübergehend als stabilie sechsköpfige Band wieder, vielleicht würde es Sinn machen, dieses Muster aufzubrechen.

Ich habe das Gefühl, dass in der Musik des Amal Gamal Ensemble mehr (Prog-)Rock-Elemente zu finden sind als in UnicaZürn. Seht ihr UnicaZürn als eine Art Fortsetzung dieser Band? In welcher Beziehung stehen die beiden Bands zueinander?

David: Ich denke, Amal verwandelte sich sukzessive in etwas, was man für gewöhnlich ein “traditionelles” Line-up nennt: Drums, Bass, Gitarre – allerdings mit drei Synthie/Keyboard-Spielern – und obwohl wir alle bekennende spontan improvisierende Musiker sind, beherrschen wir wenn nötig auch das Vokabular des Rock. Aber ich denke, wir klangen mehr wie Chrome als wie The Nitty Gritty Dirt Band! Steve und ich hatten schon zusammen gespielt, bevor Amal gegründet wurde, und das “Temporal Bends”-Album enthält einiges von diesem frühen Material – besonders “Black Glass Mask” und den Großteil des “Temporal Lapse”-Minialbums. Obwohl wir damals keinen Namen für das Projekt hatten, gab es UnicaZürn also schon vor Amal. Wir behandeln beide Bands als komplett von einander getrennte Dinge – Amal begann als fließendes Kollektiv, das erst öffentlich vollends erwachsen wurde; eine stets wechselnde Ansammlung von Musikern, die sich einmal monatlich im Londoner Horse Hospital trifft und eine Stunde lang improvisiert. Ich habe dabei sehr viel lernen können, musikalisch war es sehr intensiv, und natürlich strahlt das dann auch auf andere Projekte wie eben UnicaZürn aus – in jedem Fall hat es mir das Selbstvertrauen verschafft, die UnicaZürn-Livesets zu improvisieren, als wir anfingen, außerhalb unseres Studios zu spielen.

Gab es neben euren eigenen Erfahrungen als Musiker irgendwelche wichtigen Begegnungen, Impulse oder Inspirationen, die die Grundlage schufen, auf der UnicaZürn wachsen konnte?

David: Es gab auf jeden Fall Inspirationen für mich als Hörer – meine stärkste Erfahrung war, als ich This Heat zum ersten mal live gesehen hatte, in einem kleinen Keller in Covent Garden, London. Ich war wie umgehauen – es war wie Post Punk in Kollison mit Stockhausen, einem elektronischen Miles Davis, King Crimson, Faust und Henry Cow – es war ungeheuerlich, beglückend und beängstigend. Im selben Jahr sah ich TG in der London Filmmaker’s Co-Op spielen, was mir eine komplett neue Form der Dunkelheit in der Musik näherbrachte. Es waren vermutlich nur 20 bis 40 Leute bei jedem dieser Gigs, aber es braute sich zu dieser Zeit definitiv etwas zusammen, und es war von einer Spannung, die mich bis zum heutigen Tag antreibt und inspiriert.

Würdet ihr sagen, dass es – vielleicht in Bezug zum Songtitel “The Infernal Kernel” – so etwas wie einen beständigen Kern oder einen roten Faden gibt, der alle Arbeiten von UnicaZürn verbindet?

Stephen: Ich denke, dass unsere Arbeiten eng verbunden sind mit “Kosmischer” Musik, ein verdrehter Ableger davon, und dies bildet einen Faden, obwohl richtig gute Kosmische Musik unberechenbar und wechselhaft ist, so gesehen, ist es auch keine all zu enge Definition! Auf zuverlässige Art unberechenbar,das ist die Idee. Ein Titel wie “The Infernal Kernel” bezieht sich auf Existenz in kosmischen Begriffen, in dem Fall berührt es den Gnostizismus (das Universum als Konstruktion des Bösen); auch den nicht reduzierbaren Kern dessen, was existieren ist, das unerträgliche “Sein”, das nicht exklärt werden kann, ohne in eine Tautologie zu verfallen.

Symbole, so vage sie auch sein mögen, scheinen eine große Rolle in eurem Werk zu spielen, vor allem anscheinend Bilder des Wassers, der Tiefe und des Tauchens. Auf eurer Webseite zitiert ihr sogar einen Rezensenten, der im Zusammenhang mit eurer Musik Cousteau und Lovecraft nennt. Versteht ihr eure musikalische Improvisation als eine Expedition, die “auf den Grund” geht? Wenn ja, wie ergebnisoffen ist dabei eure Suche?

Stephen: Wenn du in einem solch abstrakten Bereich wie der Musik arbeitest, vor allem in der Musik ohne Texte, suchst du automatisch nach symbolischen Grenzmarkierungen zur Orientierung deiner Abstraktionen; etwa die Frage, wie herum du dein Gemälde aufhängst! Es ist etwas von einem Spiel in unserer Musik und den Songtiteln, zwischen dem Allgemeinen und dem Speziellen; wir haben elementale Bildlichkeit zusammen mit Sprachspielen und Zungentricks, die den Gegenschuss zeigen, zusammengeführt; die spezifische Natur eines Wortspiels oder eines surrealen Kontrastes. Beim Zusammenarbeiten ist uns aufgefallen, dass es eine starke Tendenz in unseren Assoziationen gibt, das Elementare zu suchen; Wasser, hauptsächlich, und die dunkle Kompression der Erde. Wasser to Erde; das ist der Verlauf!

Wasser wurde seit jeher mit dem Unbewussten assoziiert und das Eintauchen in Bereiche unterhalb des rationalen Bewusstseins steht in Verbindung mit der individuellen Psyche. Welche Rolle spielt in dem Zusammenhang die Tatsache, dass bei euch zwei Personen an der “Taucherfahrung” teilnehmen?

Stephen: Es hat widersprüchliche Assoziationen; ich persönlich liebe es, auf Schiffen und Booten zu sein, aber als Kind hatte ich wirklich große Angst vor dem Ertrinken; es dauerte Jahre, bis ich es schaffte, eine zutiefst irrationale Angst vor Wasser zu überwinden. Es liegt darin für mich etwas sehr Beängstigendes, aber auch eine große Faszination. Panik zusammen mit Würgen, mit stockendem Atem, mit dem Gefühl zu ersticken; das waren echte Druckstellen; jetzt ist das weniger, da man diese durch das schiere Durchhaltevermögen des Lebens überwindet. Ich nehme an, der Aspekt des unter Wasser Seins, die sich auf interessante Art in die Musik schleicht, ist das Gefühl der Immersion. Unter Wasser ist es nicht wesentlich anders als im Pulsieren eines Musikstücks; sicher, wenn man Musik zu Halluzinogenen genießt, hat man eine viel taktilere Wahrnehmung davon, wie die Musik einen in ihre Wellen hineinzieht. Auch die Art, wie man unter Wasser langsamer wird, suggeriert ein verändertes Verhältnis zu Bewegung und Zeit; es dauert länger, eine einfache Bewegung zu machen, alles wird bewusster und es gibt eine Zeitverzögerung zwischen der Entscheidung, sich zu bewegen und der Bewegung selbst. Ich denke, alles, was den Fluss von Ursache und Wirkung stört oder verändert, ist interessant. Und was die Tatsache, dass wir Zwei sind, anbelangt, na ja, auf die Art kann es sicherer sein, abgesehen dann, wenn Lachgas in der Sauerstoffflasche ist oder dem seltsamen Fall von Juckpulver im Taucheranzug…

In unserer Kultur haben Begriffe wie “Regression“ oder “regressiv“ einen eher negative Begriffe und werden oft mit Schwäche und einer Unfähigkeit in Verbindung gebracht, mit den harten Fakten des Lebens klarzukommen. Bei genauerem Hinsehen kann der Fokus auf die eher archaischen Aspekte der Persönlichkeit oder des Lebens aber eine kostbare Erfahrung sein und unseren Blick auf die Wirklichkeit bereichern. Glaubt ihr, dass dies noch immer ein Bereich ist, wo unsere Gesellschaft einen Paradigmenwechsel nötig hat?

Stephen: Ich bin nicht ganz sicher, worauf du hinauswillst (oder worauf du dich beziehst)… Wenn ich deine Begriffe richtig verstehe, geht es nicht so sehr darum, dass das Regressive schlecht oder gut ist, sondern mehr auf welche Art du dich erst einmal von dem archaischen Selbst loslöst? Wie trennst du die Schnur durch? Ich würde die Vorrichtung gerne sehen, die das zustandebringt. In einer Kultur, die stillsteht, wäre meines Erachtens eine Bewegung in beide Richtungen gefährlich. Es gibt einen Unterschied zwischen Verfeinerung oder Reduktion auf das Wesentliche und Regression, die mit Flucht und einem Zurückschrecken vor der Zukunft assoziiert ist. Mit Coil hatten wir einen Songtitel, “Further Back and Faster”, den wir aus Nic Roegs und Donald Cammells Performance entliehen hatten. Ich mag diesen Titel noch immer sehr und er passt auch sehr gut zu dem UnicaZürn-Ansatz.

Sind solche Interessen für euch mit Mystizismus oder dem Okkulten im weiteren Sinne verbunden (nicht im Sinne eines romantischen Eskapismus..)?

Stephen: Ich bin den Theorien des Unerklärbaren gegenüber etwas müde geworden, aber ich bin sicher, dass es wirklich Kräfte jenseits unseres heutigen Verständnisses gibt, mit Betonung auf “heutig”.

“Jack Sorrow“ enthält Lyrics und Gesang der heutzutage leider nicht sehr aktiven Danielle Dax. Könntet ihr euch vorstellen, mehr Songorientiertes in künftigen Aufnahmen von UnicaZürn zu integrieren?

David: Bei “Jack Sorrow”  hatten wir ursprünglich eine Aufnahme von Steves sehr stark bearbeiteter Klarinette, die so klang, wie miaunde Katzen. Danielle hörte die Aufnahme eines Tages, als ich ihr einige unserer Stücke vorspielte, und sie hatte sofort eine Idee für eine Gesangslinie. Das Stück hat sich ganz natürlich entwickelt, genauso wie der Rest des Albums. Ich denke, es gibt nichts Schlimmeres, als wenn man sich hinsetzt und sagt: “OK, lass uns einen Song schreiben.” und wegen der Art und Weise, wie es sich natürlich entwickelt hatte, passte es perfekt als Koda auf das Album anstatt, dass so zu klingen, als wäre es angehängt worden – was eine Gefahr sein kann, wenn es das einzige Stück mit Gesang auf einem ansonsten komplett instrumentalen Album ist. Bei UnicaZürn wollen wir keine Regeln festlegen, insofern sehe ich keinen Grund, warum wir nicht mehr Gesangs- oder Rhythmus basierte Strukturen einfügen sollten. Wir haben definitiv schon mit ihnen experimentiert.

Habt ihr, abgesehen davon, schon Pläne, wie euer nächstes Release klingen soll?

David: ‘Temporal Bends’ war das Ergebnis einer langen Experimentierphase und wir haben seitdem viel gemacht. Wir haben wahrscheinlich genug Material zusammen, um ein Dreifachalbum zu veröffentlichen, aber wir sind immer noch dabei es auf eins runterzubrechen – was hoffentlich dieses Jahr zu Ende gebracht werden wird. David J Smith hat auf einigen Tracks Schlagzeug/Perkussion gespielt und ich bin sehr aufgeregt, was die möglichen Richtungen, die das nächste Album einschlagen könnte, anbelangt. In meinem Kopf klingt es wie eine Mischung aus Popol Vuhs “Affenstunde”, Fausts “So Far” und Tangerine Dreams “Electronic Meditation’” – aber das ist nur meine Vorstellung! Wir wollen auch eine Aufnahme eines Auftritts veröffentlichen, als wir vergangenes Jahr in London in den Ironmongers Baths aufgetreten sind. Klänge wurden durch Unterwasserlautsprecher zu den Schwimmern übertragen. Das war der surrealste Gig, den ich je gespielt habe. Wir ihr euch vorstellen könnt, hat den Analogsynthesizern die Feuchtigkeit nicht so zugesagt – einer von ihnen ist explodiert, als wir nach Hause gekommen sind.

In den Linernotes zu “Dark Earth Distillery“ heißt es, dass die Aufnahmen von drei verschiedenen Performances stammen. Wenn man das Album hört, kann man sich darüber nur wundern, da beide Seite des Vinyls “zusammenfließen”. Könnt ihr uns etwas zum Arbeitsprozess sagen?

David: Wir hatten uns einige unserer Liveauftritte anghehört und haben uns entschieden, dass einige gut genug für eine Veröffentlichung waren. Wir beschlossen, die Liveaufnahmen genauso wie unsere im Studio improvisierten Aufnahmen zu behandeln, so wie Teo Macero und Holger Czukay jeweils Miles David und Can bearbeitet, zusammengefügt und neu komponiert haben. Das ist immer unsere Arbeitsweise im Studio, der einzige Unterschied ist, dass es diesmal Publikum gab. All das Ausgangsmaterial ist von den Auftritten, aber wir haben die Klänge bearbeitet, überblendet und haben mit den Teilen, die wir ausgewählt haben, versucht, eine neue Erzählung zu schaffen.

Wollt ihr mit dem Titel “Dark earth distillery“ ausdrücken, dass es (mit Hilfe der Kunst?) möglich ist, positive Elemente aus einer (zunehmend) dunklen Welt herauszudestillieren?

Stephen:Es ist ein Bündel von Bildern. Für mich lässt das an den Lehm, das Gedränge, das Gewicht der Materie,  die “Schwere” von all dem denken, verdichtet, komprimiert und verfeinert, und davon ein ursprünglicher ein belebendes Rauschmittel oder ein Gift, um es zu beenden. Eine “dunkle Erde” ist eine verfinsterte Erde, eine Erde in vollem Schatten, Nacht überall. Und dann sind es die Erinnerungen vom Reisen bei Nacht durch fremde Länder, Konzerte spielen, Musik aus den osteuropäischen Schatten oder der Londoner Düsternis herausziehen. Außerdem habe ich vor einiger Zeit mit dem Trinken aufgehört und gegen Ende war das ein melancholisches Unterfangen, sehr einsam, meistens mitten in der Nacht. Symbolismus mal beiseitegelassen. Ich bin mir nicht sicher, ob die Welt dunkler wird, als sie es je war. Wir haben Antibiotika für eiternde Wunden, Kopfhörerreisen statt elende Plackerei, wir können alles essen anstatt, dass alles uns isst. Ich bin nicht so naiv, was die Vergangenheit anbelangt. Ich denke, ich habe verdammtes Glück hier und jetzt geboren worden zu sein. Wenn der Preis dafür ist, die Postmoderne und 24 Stunden am Tag den Mist im Fernsehen zu ertragen, dann habe ich in der kosmischen Lotterie ziemliches Glück gehabt!

David, ich erinnere mich, dass du, als ich dich vor ein paar Jahren interviewt habe, sagtest, du würdest in ein Büro gehen, wenn du Menschen hinter Laptops sehen willst. In welchem Ausmaß betrachtest du das Zusammenspiel zwischen elektronischen und akustischen Instrumenten als wesentlich für das, was du machst?

David: Ha! Persönlich finde ich Laptop-Performances eher langweilig anzusehen als Live-Spektakel… Aber jeder wie er mag… Wenn es gut klingt, arbeite damit.

Was die Überblendung elektronischer und akustischer Instrumente angeht, denke ich, dass akustische Instrumente derart viele Obertöne haben, eine derart starke klangliche Komplexität, dass man sie nicht ignorieren kann, wenn man wirklich daran interessiert ist, auditive Muster zu kreieren und zu gestalten. Ich würde sagen, dass die Mehrheit der Klänge auf “Temporal Bends” mit verfremdeter Gitarre, Saxophon und Klarinette erzeugt wurde. Wir hatten uns außerdem bewusst bemüht, jeden Synthiesound unkenntlich zu machen und auf der anderen Seite jedes akustische Instrument synthetisch klingen zu lassen. Zu unseren favorisierten Live- Instrumenten zählt ein kleines Yamaha-Minikeyboard, das ich für einen Pfund auf dem Flohmarktgekauft hatte – wenn du es erst einmal an ein paar Pedale angeschlossen hast, klingt es schön und sehr einzigartig – man hört es fast überall auf “Dark Earth Distillery”.

(M.G. & U.S.)

UnicaZürn