“Svalr” basiert, wie man im Begleittext erfährt, auf einer Field Recording-Expedition, bei der OD gemeinsam mit der Bildhauerin und Installationskünstlerin Andreea Ionascu eine vielschichtige akustische Karte der Region erstellte. Neben klassischen Aufnahmen kamen auch selbstgebaute Mikrofontechnologien zum Einsatz, darunter Hydrophonaufnahmen unter Wasser, Geophone für unterirdische Eisresonanzen sowie elektromagnetische Mikrofone, die technische Signale menschlicher Infrastruktur einfangen. Die daraus entstandenen Klangfragmente – Gletscher, Fjorde, Tierstimmen, Wind und Resonanzen von Eis und Permafrost – bilden das Rohmaterial für eine Komposition, die Field Recording, minimal begleitenden Synthie-Einsatz und elektroakustische Bearbeitung miteinander verknüpft. Wie es ferner heißt, fungieren die Aufnahmen dabei wie ein klangliches Tagebuch der Expedition. Zwischen leisen Texturen, rauer Geräuschhaftigkeit und melodischer Ambient-Weite entsteht ein Eindruck von der eigenwilligen Akustik dieser abgelegenen Region, deren scheinbar unberührte Natur zugleich die globalen Spuren des Anthropozäns in sich trägt.

@ Driftworks 

Von Beginn an zieht das Album in vielfältige und trotz der meist abgedunkelten Stimmungslagen vielfarbige Szenarien, die an filmische Traumwelten erinnern. Bereits der Opener verführt mit entrückten Synthietupfern, dem Zirpen imaginärer Grillen, einer milden Brise und einem sanften Zwitschern. Es ist eine hypnotische Komposition, in der jede Klangkomponente ihre Aufgabe erfüllt – beruhigend oder anregend, dem Anschein nach aber immer auf ein Transzendentes verweisend. Diese Detailverliebtheit und Vielgestaltigkeit prägen die gesamte Platte und machen sie zu einem akustischen Kaleidoskop, das bei jedem Hören neue Facetten enthüllt.

Ümlaut versteht es, Klanglandschaften zu erschaffen, die mit ihrer poetischen Präzision beeindrucken. Die Kompositionen wirken oft wie Erkundungen unbekannter Regionen: In einem Stück gleitet man durch eine aquatisch geprägte, fast gelierte Klangwelt, wo tropfende Sounds, glockenartige Klänge und digitale Geräusche wie Treibgut an die Oberfläche kommen. Das Labyrinthische und Verspielte, typisch für Düngfelders Werk, wird hier erneut zum Prinzip erhoben. An einer anderen Stelle taucht die Musik den Hörer in eine tropische Nacht, in der metronomartige Anschläge und luftiges Rauschen mit geheimnisvollen nächtlichen Tierlauten verschmelzen (diese und der luftige Wind zählen zu den offensichtlicheren Leitmotiven, die dei Kompositionen durchziehen). Pianoparts und perkussive Akzente fügen eine Dramatik hinzu, die an den buddhistisch inspirierten Kreislauf von Werden und Vergehen erinnert, an dessen Verlöschen der Titel “Until We Became Nothing” vielleicht anspielt. Dabei bleibt die Musik stets subtil und nuanciert.

Besonders beeindruckend ist die dynamische Vielschichtigkeit der Kompositionen. Einige Stücke wirken filmisch, mit scharfen Rhythmen und dunkel dröhnenden Grundtönen, die sich zu orchestralen Miniaturen entwickeln. Andere wiederum sind meditative Tableaus, durchzogen von Glockenklängen, vibrierenden Texturen und subtilem elektronischem Zisseln. Es ist v.a. diese Balance zwischen Strukturiertheit und Offenheit, die “Un Être Humain Ordinaire” sein eigenes Gepräge gibt. Auch thematisch überzeugt das Album: Die Titel der Tracks fungieren als poetische Hinweise auf die klanglichen und konzeptuellen Welten, die Düngfelder erschafft. Mal beschreibt er mit präzisen Klängen den Moment, mal den Punkt im Raum, mal das, was zufällig an die Oberfläche tritt. Besonders die finale Komposition fasst das Werk harmonisch zusammen – ein leiser Abschied, der sich noch einmal sanft erhebt, um schließlich sanft auszuklingen.

Auf all diese Arten und Weisen entsteht in “Un Être Humain Ordinaire” mit seiner charakteristischen Poesie eine intime, gleichzeitig aber auch universelle Welt. Ist es wirklich ein Tribut an das Alltägliche des menschlichen Daseins, dann wird dieses durch Ümlauts präzise durchdachte und doch niemals unspontan wirkende Ästhetik zu etwas Außergewöhnlichem. (U.S.)

Label: Audiobulb

“a colourful collection of ambient glitch, an EP with 4 hauntingly beautiful tracks oozing a dreamy cinematic vibe that reminds of the underground arthouse scene. Often dark and mysterious by nature, the soundscapes evoke a deep and existential state of contemplation about the deepening awareness that there’s an entire universe of understanding forever outside our reach. Questions only lead to more questions, boundaries are fading and behind every fallen curtain a new majestic world emerges waiting to be explored”. Das Album erscheint am 9. September zum Download.

Musik verträgt sich gut mit dem stark persönlich gefärbten Charakter, den die Stücke für den Musiker haben. All dies und mehr verbindet das Album laut Castagné auch mit dem vor rund zwei Jahren ebenfalls bei Audiobulb erschienenen Debütalbum “Soft Power”: “This album is a continuation of the previous one, in the sense that the composition methods are similar. It also represents the quest for music that tends to be listened to semi-consciously, neither too overwhelming nor too easy. That famous “drift” mentioned in the title. In the end, these are very personal songs that I hope everyone will be able to appropriate and feel in their own way”.

“Following on from 2021′s Sodium Light, Brick and Air is another reflective and reactive collection of pieces that show an active engagement with the environments in which we live. In early 2021 Greig Baird moved his family into a new home in a relatively unexplored area of town and was immediately struck by the aesthetics of the location both in sight and sound. The work that followed was all a reflection of this urban space that Greig and his family found themselves. Inspired by countless walks, a few outside recording sessions and sessions of photographing the new locale, Brick and Air was almost diaristic in its evolution. An ode to distant traffic noise and the hum of air-conditioning outlets behind shopping precincts.” (Audiobulb)

“Tayutau is a Japanese word that means drifting, floating and unstable. It represents the musicality of this album, as well as the state of mind of Tomo when he was making it. It also hopes that in this unstable and absurd world, people will have time to let feel at will. The album started with a lot of small sound elements recorded by Tomo. He fleshed them out with numerous effect plug-ins, synthesizers and distorted guitars to create multi-layered beautiful soundscapes like countless colorful creatures dancing at the bottom of the deep sea. They gradually change shape over time and drift in the deep sea of our hearts.” (Audiobulb)

“At the end of winter, the faint breath of life shakes the air as the world is still surrounded by the silence of death. The small breath will eventually become a prelude for the spring when all life plays fanfare and echoes to the world. It’s like a majestic symphony played by nature, wrapping the world quietly but with tremendous power. The gentle Eastern breeze, the scent of flowers drifting from afar, the shortening shadows on the ground, the quietly climbing silver moon, the sprouting trees, and the beasts come back to life with their breath. The spring throughout the winter is always far away, yet the warmth is endlessly gentle and floats around the world like soothing music.” (Audiobulb)

“Gert got to see the undercurrent of what those measures bring about especially to the socially weaker people and it is not a pretty sight”, heißt es beim Label. “In the past period he saw people collapse on the continuous non-perspective of never being able to get up again. He saw people hopefully trying to do their best to make things bearable. He witnessed people taking refuge in rebellion. He saw people practicing altruism to the most honorable meaning of the word. And he watched all that hope being crushed like a walnut” – “Inperspectycon Vol.1″ erscheint als CD und digital bei Audiobulb, eine Fortsetzung, die sich mit weiteren Aspekten der Covid-Krise beschäftigt, ist bereits geplant.

“OdNu’s latest release Expansive Nothingness is a binaural 3D textural experimental guitar ambient album. It was recorded throughout the weird year of 2020 as a way for Michel to cope and channel his feelings on the events that took place. He discovered that even the most intense, chaotic and surreal realities can become harmonious when we don’t let fear control us and we allow ourselves to observe from a perspective of expansive nothingness.

Michel uses the electric guitar as the main sound source for this album but always very processed, sometimes to the unrecognizable and often pushing the guitar sound to the breaking point. Loopy leitmotifs come and go knitting feelings and ideas and creating a space that for a time seems unable to contain itself. In this way he is able to create music that is visceral, raw and dramatic and he pushes sound to experimental directions without losing clean and recognizable melody and emotion.” (Audiobulb)

@ Michel Mazza

“Story Machine sets out an expansive result from a context of limitation and pandemic lockdown. Rather than a sense of confinement we have a sense of adventure, escaping into a melodic alternative reality. This is a joyous journey and a wonderous ride tinged with brilliance aligned to the recent masterpiece works of Plaid. Adam reflects: “Stuck at home, sitting with my wife and children while they worked from home, I set myself the challenge of creating pieces using only equipment that could fit in my space on the living room table. Motivated by my game and pleasantly surprised by what I could achieve.” The result is an inspirational album that catapults the listener outside of small environments into a story of escapism, freedom and joy.” (Audiobulb)