Founded in 2006 in Berlin, Solistenensemble Kaleidoskop has since its inception dedicated itself to the development of new forms of experimental music theater. With great openness, the ensemble creates new formats in collaboration with international artists from other genres and stages music in current contexts. In recent years, the focus of the ensemble’s work has shifted to an examination of the body. The members of the ensemble have developed from pure instrumentalists to musical performers and co-authors of these collaborative productions. Annika Henderson is a musician, poet and artist who rose to fame as Anika with two highly acclaimed eponymous records. The former journalist made a name for herself in the electronic music scene with her experimental sound collages, confrontational texts and unique way of performing live solo. Her breakthrough came in 2010 with the release of the cult-hit LP, ‚Anika‘ (Stones Throw /Invada), which she recorded with Beak> in Bristol, which began her long and winding road into the music, film, poetry and arts scenes”.

Donnerstag, 02.11.2023
Einlass 19 Uhr
Silent Green
Gerichtstraße 35
13347 Berlin

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Das Soundwalk Collective verweist auf dieser vor einigen Monaten erschienenen Veröffentlichung zwar durch die auf Ibiza gemachten Feldaufnahmen und das Titelstück explizit auf Nicos Tod, versucht aber in stärkerem Maße die Texte Nicos in den Vordergrund zu rücken, denn um Coverversionen im eigentlichen Sinn handelt es sich nicht, zu sehr entfernt man sich musikalisch von den Originalen, verzichtet man (fast) völlig auf Gesang und setzt stattdessen auf Rezitation. Das Titelstück, das scheinbar auf einem unveröffentlichten Text Nicos basiert, lässt sich fast schon als Antizipation des eigenen Todes lesen, wird die „Killer Road“ (“The killer road is waiting for you / like a finger, pointing in the night.”) zur Straße auf Ibiza, auf der Nico (den Hunger nach Herion nun durch Methadon stillend) nach einer Hirnblutung vom Fahrrad fiel und wenig später verstarb. Der Text wird von Patti Smith (die Ende der 70er Nicos aus Geldnot verkauftes Harmonium erstand und es ihr schenkte) – wie auch bei fast allen weiteren Stücken – gesprochen, geflüstert, lediglich untermalt vom Zirpen der Grillen und dezenter perkussiver Elektronik. Weitgehend darauf zu verzichten, die Texte zu singen, ist sicher auch deswegen eine gute Entscheidung gewesen, weil Nicos dunkle Stimme mit ihrem bewusst prononcierten deutschen Akzent zu eigen, zu einzigartig war.

Bei der Auswahl der restlichen acht Stücke hat man darauf geachtet, jedes Nico-Album zu berücksichtigen -sieht man von dem Debüt ab, das musikalisch völlig anders geartet als das Restwerk ist und auf dem die Stücke (fast) ausschließlich von anderen geschrieben wurden. Die Feldaufnahmen prägen die Stücke: Auf „My Heart is Empty“ summen Insekten, singen Vögel, ein entfernter Drone wie ein brummendes Stromkabel untermalt Zeilen wie “There is no witness to my anger/When it stabs until he dies/I am looking for the strangler/To help me, help me with my crime“. Zeitweise scheint Patti Smiths Stimme ganz zu verschwinden. Aus dem im Original getragen-feierlichen „Evening of Light“ wird eine von einem dunklen Drone dominierte Nummer und wenn Smith “A dragonfly laying in a coat of snow/I’ll send to kiss your heart for me/Midnight winds are landing at the end of time“ flüstert, dann bekommt das in Wellenrauschen ausklingende Stück durchaus etwas Apokalyptisches. Auch das von Glöckchen und Knistern eingeleitete “Saeta” verbreitet eine ähnliche Stimmung und dadurch werden Zeilen wie “I will give them all they need/Everything they know and read/But they must cross the line”, die Smith mit einer wahrlich dämonischen Intensität vorträgt, äußerst beunruhigend. “Secret Side” knüpft an vorangegangen Stücke an. “Fearfully in danger” fällt etwas heraus, da hier erstmalig tatsächlich gesungen wird und Harmoniumdrones  zu hören sind. Auf „I Will Be Seven“ (das Nico während ihres letzten Konzerts spielte und von dem es keine Studioversion gibt) bekommen die (gesungenen) Zeilen „I will be seven/When I meet you in heaven“ eine mehr als ambivalente Bedeutung. Die auf “The Sphinx” beschworene “loneliness” erzeugt in Verbindung mit den Drones eine Atmosphäre von Trauer, wobei Smith im Verlauf des Stücks den Text fast schon mit einer trotzigen Wut vorträgt.  Mit “My Only Child” endet das Album: Gespäche sind zu hören, Smith spricht: “My only child remember well/
The words that you are told/For some of them it is only easy to survive”. (MG)

Label: Sacred Bones

Wenn in der aktuellen Testcard ein Autor räsoniert, dass das Werk der Band „bis heute im Gegensatz zu vielen anderen Avantgarden seine Halbwertszeit als schockierendes Manifest einer emanzipatorischen Provokation nicht ansatzweise überschritten hat, noch immer Schmerzen bereitet, ins Fleisch zu schneiden scheint“, dann wird deutlich, wie hoch jenseits des rein klanglichen Gehalts die Erwartungen an eine Band sind, die, wie hinlänglich bekannt, einmal als „Zivilisationzerstörer“ tituliert wurden und ein ganzes Genre (mit)erfanden. Dieses Insistieren auf der epochalen Leistung des Quartetts spiegelt sich auch in den Linernotes zum aktuellen, finalen Album der (geschrumpften) Band wieder, wenn Dan Fox schreibt: „[Throbbing Gristle were] „beacons at the extreme co-ordinates of art, performance and sound, witnesses to the darkness of GB 1977-2012“.

Versucht man sich aber auf den musikalischen Gehalt der Auftritte und Veröffentlichungen der letzten Jahre zu konzentrieren, so sieht die Bilanz meines Erachtens nicht schlecht aus. Schon auf „TG Now“, der EP, die die Rückkehr einläuten sollte, gelang es der Band, eine unruhige, durchaus minimale Form irritierender elektronischer Musik zu erzeugen, die verdeutlichte, dass es die Band geschafft hatte, ihre ganz eigene Klangsprache und ihre Ursprungsideen ins 21. Jahrhundert zu übertragen. Und auch wenn auf allzu große textliche und musikalische Schockeffekte verzichtet wurde, so war die Musik noch immer verstörend – nicht nur dann, wenn durch Lautstärke und Frequenzen die Wände der Volksbühne in Berlin zum Vibrieren, zum Pulsieren gebracht wurden. Auch wenn natürlich die auf der Bühne aufgeklappten Macbooks für manche nicht das gleiche Distinktionspotential hatten wie die selbstgebauten Synthesizer und Protosampler, die in der Vergangenheit die Bühnen zierten.

Das erneute Zerwürfnis und die Entstehungsgeschichte des neuen Albums, das nun unter dem Namen X-TG veröffentlicht wird sowie der über Twitter ausgetragene Disput zwischen P. Orridge auf der einen und Chris und Cosey auf der anderen Seite sind hinlänglich dokumentiert und sollen hier keine große Rolle spielen. Dass das ursprünglich von Peter “Sleazy” Christopherson initiierte „Desertshore“-Projekt jetzt ohne P.Orridge erscheint, mag nicht jedem zusagen, aber wer sich die ursprünglichen(öffentlich durchgeführten) Sessions aber anhört, der wird feststellen, dass damals Sleazy schon zu Beginn der Aufnahmen dem Publikum mitteilte, Genesis höre die Musik an jenem Tag zum ersten Mal. Das mag einerseits ein nettes Kokettieren mit der oftmals antimusikalischen Herangehensweise der Band gewesen sein -ähnlich wie damals behauptet wurde, Monte Cazazza habe beim Einspielen seiner Aufnahmen für Industrial Records seinen eigenen Vortrag nicht gehört, da er Kopfhörer getragen habe-, war aber auch schon ein Hinweis auf die Arbeitsteilung innerhalb der Band und die letztlich schon damals immer geringere Rolle P-Orridges bei der musikalischen Gestaltung. Auf dem nun erschienenen Album findet sich keine Spur mehr von seinem Gesang, sondern eine Reihe von Gastsängern interpretieren die Songs von Nicos vielleicht bestem Album, auf dem ihr tiefer Gesang, ihr Harmoniumspiel und John Cales Produktion eine perfekte Synthese eingingen.

War das Brian Jones gewidmete „Janitor of Lunacy“ im Original von einer teutonischen Schwere durchzogen, so situiert Antony mit seinen mulitgetrackten Vocals das Stück irgendwo im Äther, transzendiert das Original. Die Elektronik pulsiert dezent, zwischendurch setzt kurzzeitig Coseys Kornet ein, spielt inmitten der elektronischen Landschaft die Melodie, die Nico auf ihrem Harmonium intonierte. Das ist vielleicht einer der stärksten Tracks des Albums, auch wenn (oder gerade weil) die Stimmung doch eine ganz andere ist. Wie Streicher klingende Elektronik leitet das von Blixa Bargeld gesungene „Abschied“ ein. Dumpfes Pochen gibt den Rhythmus vor, im Fokus steht dann aber ganz klar Bargeld, der den Text zurückhaltend vorträgt. An mehreren Stellen ist schon auf Sasha Grays (misslungene) Interpretation von „Afraid“ hingewiesen worden und tatsächlich: Insbesondere verglichen mit dem Original klingt Greys Stimme farblos, es scheint, als wolle sie besonders sinnlich wirken, insgesamt ist das aber ähnlich blutleer wie ihr Auftritt in Soderberghs „Girlfriend Experience“. Marc Almond, der auf seinem Album „The Stars We Are“ mit Nico das Duett „Your Kisses Burn“ gesungen hatte, interpretiert nun „The Falconer“ mit dunkler Stimme, ganz so, als wolle er sich Nicos Timbre anschließen. Almond gelingt hier eine Art von Sinnlichkeit, an der Sasha Grey sich vergeblich versucht. Musikalisch ist dieses Stück vielleicht das melodischste des ganzen Albums. Sperrige Geräusche dagegen leiten Coseys Version von „All That is My Own“ ein und bizarrerweise klingt ihre Stimme auf dem recht treibenden Stück tatsächlich entfernt an Christa Päffgen. „Mütterlein“ wird von einem recht klaren Beat durchzogen, Bargelds Vortrag ist fast aggressiv, atonale Elemente brechen ein, die Trauer des Originals weicht hier einem fast verzweifeltem Zorn. Das vielleicht am industriellsten klingende Stück auf diesem Album ist das von Gaspar Noé interpretierte „Le Petit Chevalier“, das ursprünglich von Nicos kleinem Sohn gesungen wurde. Noés verzerrte Stimme weckt allerdings zu starke Assoziationen an wenig inspirierte Epigonen. „My Only Child“, mit Cosey am Mikro, ist melodisch und man hört vereinzelt Klänge, die an die Spätphase Coils erinnern. Abgeschlossen wir das Album von dem Track „Desertshores“: Inmitten der verhallten Pianoklänge hört man das Flüstern der Freunde Sleazys, die dem Verstorbenen zurufen: „Meet me on the desertshore“.

Mindestens ebenso interessant wie diese Neu- und Reinterpretation von Nicos Album ist das völlig eigene Material, das aus den letzten Sessions von Sleazy, Chris und Cosey stammt und hier – an frühe Throbbing Gristle-Alben anspielend und gleichzeitig das endgültige Ende in Worte fassend- „The Final Report“ heißt. Das Eröffnungsstück „Stasis“ gibt den Ton vor: Aus Pochen, Stampfen, Störgeräuschen wird unangenehme, dystopische Musik erzeugt. „Emerge to Space Jazz“ klingt so wenig nach Jazz wie es das dritte Album der Band tat, auch wenn Cosey Kornet etwas anderes zu verkünden versucht. Entfernt erinnern manche der Stücke an “Transverse”,  das Album, das Chris und Cosey mit Nick Void eingespielt haben . „Um Dum Dom“ fällt etwas aus dem Rahmen, erinnert es doch an Sleazys recht harmonisches und positives Spätwerk. Zu tickendem Rhythmus und melodischen Passagen hört man Sleazys durch den Vocoder gejagte Stimme. Dieses Stück ragt von der Stimmung als kleiner Lichtblick aus der Tristesse heraus. Insgesamt aber ist “The Final Report” ein so beeindruckender wie bedrückender Soundtrack für einen Gang durch eine „Concentration City“ (J. G. Ballard), der verdeutlicht, wie vital diese Band noch immer ist/war. Das ist tatsächlich Industrial für das 21. Jahrhundert.

Der der limitieren Auflage beigelegte Remix von „Desertshore“, das Downloadalbum „แฝดนรก (Faet Narok)“, das als „Evil Twin“  bezeichnet wurde, ist ambienter, hier werden die Stimmen der Sänger an den Rand gerückt, werden verfremdet (auf Teil sechs klingt Blixa Bargeld fast wie Micky Maus), verlangsamt, sind nur noch ein Klangbaustein unter anderen.

Die bisherige Rezeption der Alben ist bislang (zu Recht) relativ positiv ausgefallen. Natürlich bringt man mit dieser Musik heutzutage keine Zivilisationen mehr zum Wanken, aber sie gehören zusammen mit den dieses Jahr veröffentlichten Alben der Swans und Scott Walker – alles Künstler also, die seit mehreren Jahrzehnten aktiv sind- zu den aufregendsten Veröffentlichungen der letzten Monate und sind vielleicht eine angemessene Untermalung des von apokalyptischen Erwartungen durchzogenen Jahr 2012.

(M.G.)

Label: Industrial Records

X-TG

Bei “The Frozen Borderline“ handelt es sich allerdings um eine essentielle Veröffentlichung, denn diese Doppel-CD vereint zwei der drei wichtigtsten NICO-Alben, nämlich ihr erstes richtiges Soloalbum “The Marble Index“ von 1968 wie auch den Nachfolger “Desertshore“ von 1970. Nicht berücksichtigt wurde das  auf Island veröffentlichte “The End“ (das die Trilogie der Meisterwerke 1974 abschloss). Was auch heute nach mehreren Jahrzehnten auffällt, ist wie frisch und zeitlos die Aufnahmen klingen, ganz so, als seien sie in einem eigenen Universum aufgenommen worden. Nicos tiefer Gesang und ihr Harmoniumspiel werden von John Cale mit einer Reihe von Sounds und Instrumenten begleitet (man höre sich die Geräusche bei “Lawns Of Dawns“ an oder das fast schon majestätische “Evening of Light“). Was die CD auch für Besitzer der Einzelalben interessant macht, ist das Bonusmaterial, so z.B. die bisher unveröffentlichten Stücke “Sagen die Gelehrten“ (das trotz apokalyptischem Text (“Plötzlich sieht der Himmel aus wie Blut“) fast schon Popcharakter hat) und „Rêve Réveiller“.  Zudem finden sich (durchaus spannende) alternative Versionen und zum ersten Mal die vollständig instrumentierte Version von “Nibelungen“.

“Dersert Shore“ beginnt mit dem vielleicht beeindruckendsten Stück “Janitor Of Lunacy“ (das auf den im Swimmingpool ertrunkenen ROLLING STONE Brian Jones verweist), es gibt das finstere “Mütterlein“, um nur zwei der Stücke herauszugreifen. Als Ergänzung finden sich Demoversionen, auf denen kurze Einwürfe NICOs zu hören sind.

Was wäre passiert, wenn NICO einmal – als eine der wenigen Berufenen und Befugten – JOY DIVISION gecovert hätte? NICOS Musik ist zeitlos, auch wenn sie einem mit jedem Ton die eigene begrenzte Zeit vor Augen führt; beide Alben sind schwarze Monolithen, die man als Willen zum (eigenen) Untergang lesen kann (John Cale wird zitiert mit den Worten: “The Marble Index is an artefact, not a commodity…you can’t sell suicide.”), die aber vielleicht auch lediglich nur eine adäquate musikalische Umsetzung der menschlichen Existenz darstellen.

(M.G.)