Nun wiederveröffentlicht er das zweite Album von Hollywood Dream Trip, einem aus Christoph Heemann und Will Long bestehenden Duo, das um 2013 aktiv war (und insgesamt drei Alben veröffentlichte), dem Jahr, in dem auch das lapidar „Second Album“ betitelte Zweitwerk in Aachen aufgenommen wurde. Ursprünglich war „Second Album“ nur als auf 50 Exemplare limitierte CD-R während einer Tour von Heemann und Long erhältlich.

Eingespielt u.a. mit Moog Rogue und einem Roland MC-202 beginnt „Second Album“ mit dunklem, reduziertem Dröhnen und Pulsieren, zu dem nach und nach melodische flächige Sounds hinzukommen, die anfangs im Hintergrund bleiben. In weiteren Verlauf der 40 Minuten zu einem lauter werdenden, an- und abschwellenden Drone steigern. Als vor etlichen Jahren auf diesen Seiten Hollywood Dream Trips „Would You Like To Know More?“ besprochen wurde, konnte man lesen, man könne den Namen des Projekts „aber auch als Hinweis auf das Unterbewussste, Somnambule sehen – auf das, was dem Verstand oft nur indirekt zugänglich ist. Letzteres kommt einem beim Hören der zwei etwa 20-minütigen Tracks dann auch schnell in den Sinn.“

Letztlich passen diese Überlegungen auch zu dieser Veröffentlichung. Das ist nämlich, um auf das zweite Substantiv im Projektnamen zu kommen, tatsächlich eine im wahrsten und beiderlei Wortsinne „traumhafte“ Musik“ und es ist ein interessanter Kontrast zwischen dem doch recht prosaischen Titel des Albums und dieser Musik, der fortwährend ein Moment des Ver- und Entrücktseins innewohnt. Man kann sich problemlos eine nächtliche Fahrt durch die Hollywood Hills vorstellen, während man die CD hört und an David Lynchs Haus vorbeifährt. Zu dieser durchgängig somnambulen Atmosphäre passt dann auch das von Christoph Heemann gezeichnete Cover. (MG)

Label: Black Rose Recordings

Ebenfalls zu sehen ist die aus Istanbul stammende Gitarrendröhnerin und Filmkomponistin Ekin Fil, deren neues Album “Dora Agora” gerade bei The Helen Scarsdale Agency erscheint. Ferner Hellmuth Neidhardt alias N zusammen mit licht-ung, sowie der kanadische Komponist und Performancekünstler crys cole. An der Produktion des Festivals ist auch Kulturradio WDR 3 beteiligt. Der Sender macht Aufnahmen der Konzerte und wird im kommenden Jahr Ausschnitte davon sowie Interviews mit den Künstlern veröffentlichen.

15.-16.10.2022
CubaCultur
Achtermannstr. 12
48143 Münster

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Anders als heute, nachdem man sich wieder mehr an häufige Stilwechsel gewöhnt hat, konnte “Soft Black Stars”, auch wenn die kurz zuvor erschienene EP “A Gothic Love Song” den Sound des Albums bereits in gebotener Kürze ankündigte, überraschen: Das Gros der Songs basierte auf einem minimalen Gerüst aus von Maja Elliott und Michael Cashmore eingespielten Klavierparts und Tibets Textvortrag, der oft nur ein leicht melodisch eingefärbter Sprechgesang war, der an Downtempo-Reduziertheit die ebenfalls stark rezitativen Stücke der “Of Ruin or Some Blazing Starre” noch um Längen übertraf: “Soft Black Stars” war eine Platte zum Runterkommen und strahlte vom ersten bis zum letzten Ton die Aura einer schwermütigen, aber auch deutlich friedvollen Besinnung aus.

Ähnlich wie die Songs untereinander, die durch wiederkehrende Motive und Stimmungsnuancen zu einer organischen Einheit verwoben schienen, wirkten auch Musik und Texte wie für einander geschaffen und schienen einem kohärenten Stimmungsbild zu entsprechen. Die koboldhafte Exaltiertheit, mit der Tibets Gesang immer mal die Grenzen des Bizarren überschritt, hatte hier keinen Platz, und jedes Drängen, jede Begierlichkeit, die in früheren Arbeiten den eschatologischen Grundtenor mitgeprägt hatten, waren aus den Lyrics und ihrer Darbietung verschwunden, die hier wie wehmütige Bekenntnisse eines Menschen klangen, der seinen Frieden gemacht hat: mit den angsterfüllten religiösen Ahnungen seines früheren Selbst (so in “Moonlight, or Other Dreams, or Other Fields”), mit der Substanzlosigkeit, die Zuneigung im Rahmen subkultureller Klischees annehmen kann (in “A Gothic Love Song”), v.a. aber mit dem immer noch nagenden Verlust nahestehender Menschen (in “Larkspur and Lazarus”, “Mockingbird”, The Signs in the Stars” und dem von besonderer Trauer durchdrungenen “It’s Time, Only Time”, bei dem für kurze Augenblicke die Violine Peter Vastls zu hören ist). Als eine Art Gegenstück zu diesen Bürden der Erinnerung mag man die (romantische) Utopie betrachten, die im Titelsong anklingt: im kindlich-vorsymbolischen Urzustand (“Deliver them from the book / And the letter / And the Word / And let them read the silence”) und in der Hoffnung auf einen Ort, an dem man sich wiedersieht, und an dem die sanften schwarzen Sterne scheinen.

All dies scheint eingetaucht in das Gefühl einer freundlichen Abgeklärtheit und etwas, das sich wie der Wunsch nach Neuerfindung anfühlt. “If I could have one wish / As in the fairy tales / I would unmake my past / And rise like Lazarus / And stand in sunlight / And banish all the dark” heist es in “Larkspur and Lazarus”, “And so I put away / All talk of death’s heads / And a little glimpse is a bloodblossomed force / And all talk of apocalypse” später in “Moonlight”, und auch wenn diese Stellen primär im Kontext der jeweiligen Songs Bedeutung haben, passen sie doch auch zu der Atmosphäre von Besinnung und selbstreflexiver Rückschau, die sich im Kleinen schon seit der “Tamlin”-EP ankündigte, aber hier erstmals zu einer zentralen Eigenschaft wurden. Dass Current 93 sich damals Current Ninety Three schrieben, mag all dies symbolisch unterstreichen, mehr noch, dass Tibet zwar nicht erstmals, aber erstmals im größeren Stil das Artwork mit eigenen Bildern schmückte. Und auch wenn man das als Trivia abtut: Current 93 wurden fortan überwiegend von denjenigen Dark Folk-Fans gehört, die wenig Interesse an einem verengten Szenedasein hatten, später dann vermehrt auch von Hörern mit den unterschiedlichsten Hintergründen.

Folkreferenzen gibt es durchaus, “Antichrist und Barcodes” und “Moonlight” basieren von der Melodie her auf dem Traditional “The Rolling of the Stones”, “Mockingbird” und “The Signs in the Stars” auf “O Willow Waly”, den man aus dem Film The Innocents (1961) kennt. Der Titelsong wiederum, der auch durch ein Antony and the Johnsons-Cover bekannt wurde, adaptiert den Renaissance-Klassiker “Une Jeune Fillette” von Jehan Chardavoine, und im in seiner Abgeklärtheit erschütternden Schlusstrack “Chewing on Shadows” tauchen dann einige traditionelle Instrumente aus dem dronigen Sirup auf.

Auf der im letzten Jahr von Michael Lawrence alias The Bricoleur klanglich aufgearbeiteten Neuauflage sind zwei in der Zwischenzeit entstandene Versionen dieses Songs angehängt, und man kann dieses Album, das Current 93 vielleicht von ihrer nachdenklichsten Seite und die rezitativen Vocals noch in voller Frische zeigt, immer noch jedem empfehlen, der die Band kennenlernen will. (U.S.)

Label: The Spheres

Der Begriff „dream“ hat etwas durchaus Doppeldeutiges, lässt sich einmal verstehen als (Be-)Wertung, das Positive einer Sache, eines Erlebnisses, eines Ausflugs betonend, andererseits kann man es aber auch als Hinweis auf das Unterbewussste, Somnambule sehen – auf das, was dem Verstand oft nur indirekt zugänglich ist. Letzteres kommt einem beim Hören der zwei etwa 20-minütigen Tracks dann auch schnell in den Sinn.

Trotz des Titels scheint bei „Excited by Light“ Licht erst einmal abwesend zu sein: Man hört ein enorm verdichtetes, übereinandergeschichtetes Stimmengewirr, dazu pulsierende dunke Drones voller Unruhe, ein Mahlstrom; im Laufe des Tracks kommen aber melodische, verrauschte flächige Elemente hinzu, das Pochen und Pulsieren verschwindet, verebbt und die Unruhe und die (latente) Bedrohung werden von einer Mischung aus Melancholie und Trost abgelöst. „Summary And Concluding Remarks“ beginnt mit recht harschen Tönen, dann entwickeln sich langsam dichte Drones, man erkennt den Ansatz einer Melodie, dann knüpft der Track an die zweite Hälfte des Vorgängers an, so dass der prosaische Titel etwas im Widerspruch zu der emotionalen Musik steht.

Um noch einmal auf den Ausgangspunkt – Namensgebung des Projekts – zurückzukommen: Als Chronist dieses Ausflugs würde sich dann jemand wie Gregory Crewdson anbieten. Und die Frage, ob man mehr wissen möchte, muss dann auch mit einem begeisterten “Ja” beantwortet werden.

M.G.

Label: Streamline

Vier ausladende Klanglandschaften, alle zwischen zehn und fünfzehn Minuten lang, sind das Resultat ihrer gemeinsamen Arbeit – Landschaften, die des nachts erkundet werden und die Schauplatz mythischer Ereignisse sind. Letzteres kommt in Andeutungen zur Sprache, neben der Stimmung v.a. durch die Titel, die Monumentales andeuten. „Hecatombe“ bezeichnet laut einer populären Enzyklopädie einen antiken Opferbrauch, der Begriff verweist auf die Anzahl der Opfertiere und suggeriert im Einklang mit der Musik Großes und Bedeutsames. Mit einfachen Mitteln wird eine beschwörende Stimmung entfacht: Wenige Akkorde auf einer stromlosen Gitarre, geheimnisvolles hintergründiges Summen und ein rituelles Pulsieren reichen aus, um den Hörer zu bannen, und erst mit der Zeit, wenn das Dröhnen und Pochen immer bedrohlicher erscheint, wird deutlich, wie vielschichtig das Soundgebilde eigentlich ist. Verschiedene Klanglinien bahnen sich ihren Weg, immer drängen andere in den Vordergrund, transformieren sich, aus Linien zweigen sich wieder andere Linien ab, verdoppeln sich, finden wider zusammen. Das infernalisch dröhnende Schlussstück „The Drowned Forrest“ könnte tatsächlich ein Requiem auf ein von Fluten verschlungenes Land sein, wie es in zahllosen maritimen Mythen vorkommt.

“Loath the light” beginnt beinahe mit Stille, als ob der Sound dem Licht entspräche, das hier so sehr verabscheut wird, dass man sich gesanglich beinahe in schwarzmetallische Gefilde begibt. Die eruptiven Vocals sind befreiend und erscheinen doch keineswegs plötzlich – spannungsgeladenes Auf- und Abebben und für Momente zielloses Spiel mit den High Hats stellen den Ausbruch bereits in Erwartung. Man würde bei solcher Musik nicht von Leichtigkeit sprechen, und dennoch haben die kraftvollen, intensiven Klänge niemals das Bleischwere anderer Bands, die man leichtfertiger als Drone Doom klassifizieren würde. “Edgless City” beginnt subtil und hintergründig, doch auch diese Komposition gewinnt im Laufe der Zeit an Markanz, an der auch die grobkörnig unterlegten Smooth Jazz-Bläser nichts ändern.

Dass sich die Stücke in ihrem zirkulären Aufbau ähneln, ändert nichts an der Spannung, die sie durchweg aufrecht erhalten – tolle Melodieansätze und ein ebenso rauer wie erdiger Sound tragen ihren Teil dazu bei, mehr vielleicht dankt sich der unbestimmbaren Magie eines gelungenen kreativen Dialogs. Wer gerne versteckte Details hinter vermeintlicher Einfachheit sucht und ein Faible für eine mit wenigen Mitteln erzeugte Erhabenheit hat, dem sei diese Kollaboration mit Nachdruck empfohlen. Ich würde mich über eine Livedarbietung des Materials ebenso freuen wie über einen zweiten Teil.

Label: Handmade Birds