Myths are a transcendent collective narrative; a buried memory, not intellectual but spiritual, alive to all the senses of another world. These stories often describe forbidding passages guarded by terrifying monster-like creatures, which, if conquered, give access to other planes. ‘Door 1 – Door 2′ are two of these planes, opening to prophecy and kingship”. Sein Stammlabel Fabrique Records betont den stilistisch ungreifbaren und gleichsam intensiven Charakter der Musik: “Christopher Chaplin playfully transcends genre boundaries and manages to condense experimental and colourful electronics into chamber music in a unique way, transporting the listener into mental and spatiotemporal intermediate states”. Auch diesmal hat sich der Komponist tatkräftige Unterstützung ins Boot geholt, allesamt Stimmen, namentlich Carmen Alt-Chaplin (Rezitation), Tassos Apostolou (Bass) und Michela Varvaro (Sopran). Das Album erscheint mit Artwork von Tim Story als LP und digital.

@ Bandcamp

Once again, Christopher Chaplin breaks genre boundaries and managed to condense experimental and colorful electronics in chamber music in a unique way, transporting the listener into mental and spatiotemporal intermediate states. A completely unique musical microcosm that can also be experienced in his powerful solo live performances”. Der vorliegende Mitschnitt, der konzeptuell der Genealogie und so auch der Reihenfolge der Studioversionen folgt, ist auch als Teaser seiner aktuellen Konzerttour gedacht, bei denen noch drei Shows – Ambient Festival Gorlice (08.07.), BulwArt, Dom Utopii, Krakau (09.07.) und Cafe Oto, London, zusammen mit Hans-Joachim Roedelius und Tim Story (27.07.) – auf dem Programm stehen. Roedelius ist auch auf “Patriarchs Live” zu hören.

@ Fabrique

“Patriarchs refer to the ten antediluvian Patriarchs, the ten pre-Flood patriarchs listed in the genealogy of Genesis V – from Adam to Noah. The album is about the lineage of these patriarchs and their journey from the darkness of the Fall towards enlightenment. It’s a progressive uprooting from a dark and confused world to a world with more light and consciousness. In musical terms, it’s a struggle from dense, slow-moving textures to more dynamic and structured ones. Language is also present in the first eight tracks, starting with distorted bits of words and phrases tuning into clearer and more defined sentences and eventually verses as the tracks progress. The last two tracks: Lamech and Noah incorporate the sounds of a crow and a dove, respectively, hinting at the coming and passing of the Flood.“ (Christopher Chaplin)

Coverfoto © Carmen Alt-Chaplin, Artwork und Design © Petulia Mattioli

@ Fabrique Records

Der Titel “M” bezieht sich Chaplin zufolge auf den hebräischen Buchstaben Mem, der im kabbalistischen Gebrauch mit zwei Dingen in Verbindung steht, die vielleicht erst auf den zweiten Blick miteinander zu tun haben: mit der schöpferischen Transformation des Selbst (und der persönlichen Umwelt) und mit dem Rückzug, der Quarantäne, die oftmals den Wunsch und die Notwendigkeit tiefgreifender Veränderungen erst bewusst und ihre Verwirklichung zeitökonomisch möglich macht. Chaplin vertont allerdings keine Texte der Kabbala, sondern setzt durch die Voraussetzung des aktiv sinnstiftenden Rezipierens seiner Arbeit einmal mehr auf Kreativität. Die Reise beginnt bei dem römischen Dichter Ovid, dessen Metamorphosen zu den klassischen Werken zum Thema der Transformation zählen.

Feierliche Bläser bilden den Auftakt, deuten Großes an, das sich noch nicht ganz in dem hypnotisch summenden Klangteppich offenbart, der sich kurz darauf gemächlich im Raum ausbreitet, spätestens aber im Vortrag des Vokalisten Finley Quaye aus der englischen Textfassung, dessen gewollte Schnodderigkeit die Poesie der Geschichten über verwandelte Seeungeheuer noch unterstreicht. Der leicht aggressive Ton akzentuiert Unerhörtes, Nichtalltägliches, und auch in die Musik kommt nach einigen Minuten immer mehr Bewegung und Fülle.

Ein leicht metallener, technoider Takt verbindet “Metamorphose” mit “A Sea Change”, wo er als hauchdünner, trippelnder Beat feine Streicherpassagen vorantreibt. Über einem Fundament aus Samples von Karl Michael von Hauswolff spricht und singt Mira Lu Kovacs eine Passage aus Shakespeares The Tempest, wo der Geist Ariel prophetisch einen Paradigmenwechel für die Welt besingt. Die wandlungsfähige Stimme vollzieht mehrere spontane Wechsel zwischen akzentuierter und verwaschener Sprache, während im musikalischen Fundament Techno und Neoklassik immer wieder miteinander verschmelzen. Mit der zwanzigminütigen Umsetzung von P.B. Shelleys “Mutability” schließt sich der Kreis und schwebende, dröhnende Wohlklänge übernehmen das Feld. So wie der Text in Aurelia Thierrees Darbietung die Existenz als permanente Verwandlung feiert, verschwimmen hier Harmonie und Lärm miteinander. Wer denkt, dass die sanfte Schönheit dominiert, wird von immer wieder einsetzenden Brüchen überrascht, die “M” nicht allzu berieselnd ausklingen lassen.

Der Text endet mit dem titelgebenden Wort, mit dessen Initial sich der Themenkreis des Albums dann wieder schließt. Ähnlich wie die minimalisticheren und in technischer Hinsicht sicher einfacher gestrickten Arbeiten von Mark St. John Ellis sind Chaplins Werke von einer Art, bei dir sich beim mehrfachen Hören immer mehr Dimensionen eröffnen, was sie, gerade angesichts des aktuellen Themas, zu einer gewinnbringenden Erfahrung macht. (U.S.)

Label: Fabrique Records

Nach seinem Solodebüt “Je suis le Ténébreux”, auf dem er das gleichnamige Gedicht Gerard de Nervals und das “Rätsel von Bologna”, einen ananymen Text der italienischen Renaissance adaptierte, hat er sich in “Paradise Lost” an das berühmte Epos John Miltons herangewagt – ein Wagnis schon deshalb, weil man sich dem vielzitierten Text über den Höllensturz der gefallenen Engel und das Wirken Satans, der zudem über ein gewisses Klischeepotenzial verfügt, nicht beliebig nähern sollte.

In den drei längeren Stücken erweist sich Chaplin als hervorragender Dramaturg: Ein Ensemble aus Glocken und Bläsern, aus Streichern, Trommeln und Klaviertupfern verbreitet zu Beginn eine diffuse Stimmung, in der tastenden Vorwärtsbewegungen in alle möglichen Ecken deuten und jede Menge Spannung entsteht. Erst der Gesang eines Tenors zeigt eine Richtung an. Mit dessen Verschwinden kehrt Unruhe ein, spätestens jetzt ist die Dramatik spürbar, die sich hier zusammenbraut. Doch unter dem Klimax aus federnden Metallteilen und schellenden Glöckchen, tief unter dem entfesselten Chaos kaum noch erkennbarer Instrumente, entfaltet sich ein ambienter Wohlklang, der immer mehr Raum einnimmt, und alles in einer tief traurigen Harmonie umfängt.

Erschöpftes Stöhnen, himmlische Chöre, ein Stimmvortrag, der entfernt an Genesis P-Orridge erinnert, kurz aufspielende Streicher, ein undefinierbarer Sternschnuppenregen – auch in den folgenden Stücken findet sich Kleinteiliges in Hülle und Fülle, und gerne koollidiert der beschwörende Gesang Nathan Vales und Leslie Winers, der ausgewählte Stellen aus Miltons Text wiedergibt, mit orchestraler Wucht und mechanischer Atonalität, und zusammen entfalten diese z.T. gegensätzlichen Komponenten eine Stimmung, die so eindringlich ist, dass das Gefühl der Gefallenheit auch dann spürbar wäre, wenn man keine Silbe des Textes verstünde.

Label: Fabrique Records