“Creature Comforts” ist als Soundtrack zu einem imaginierten, isolierten Ausnahmezustand angelegt. Die Stücke arbeiten mit stark verdichteter Melancholie, verstörenden Momenten und kindlichen Fragmenten und erzeugen Gefühle von Verlust, Orientierungslosigkeit und unterschwelliger Bedrohung. Dem gegenüber steht “Why I Went To The Woods”, das sich, wie es im Begleittext heißt, bewusst aus der Gegenwart zurückzieht und in fiktionale, hauntologisch geprägte Vorstellungsräume führt. Ausgangspunkt sind idealisierte Bilder psychedelischer Folkszenarien sowie nächtliche, unheimliche Waldszenarien. Die Musik speist sich aus verfremdeten akustischen Gitarren, Flötenmotiven, wortlosen Stimmen, Naturaufnahmen, analogen Synthesizern und starkem Tape-Einsatz. Das Material greift auf verschiedene historische Stile und Medienfragmente zurück und formt daraus bewusst künstliche Erinnerungsbilder zwischen Idylle und Unruhe. Beide Alben sind weniger narrativ miteinander verbunden als durch ihre Funktion als unmittelbare, emotionale Reaktionen auf persönliche und gesellschaftliche Entwicklungen. Die Musik ist auch zum Download erhältlich.

Der Score verleiht dem Film eine zeitgemäße, stellenweise raue und geräuschhafte Note, ohne die esoterische und geheimnisvolle Dimension des Golem-Mythos aus der jüdischen Folklore aus dem Blick zu verlieren. Die Handlung, angesiedelt im mittelalterlichen Prager Ghetto, kreist um die aus Lehm geschaffene Figur, die durch magische Mittel zum Leben erweckt wird und als Schützer und Rächer fungiert. Hermann Kopp ist seit den 70ern als Komponist und Interpret nicht nur im Filmbereich aktiv und entwickelte früh einen eigenständigen Stil zwischen minimalistischem Songformat, Elektronik und surrealen Texten. Breitere Bekanntheit erlangte er durch seine Zusammenarbeit mit Jörg Buttgereit. Seither veröffentlichte er zahlreiche Arbeiten auf internationalen Labels, u.a. Galakthorroe. Das Mastering von “Der Golem” übernahm Martin Bowes, Design stammt von Abby Helasdottir.

Pasolini wandte sich, so erfährt man im Begleittext des Labels, mit diesem Film bewusst gegen die von ihm selbst mit ausgelöste Welle des Exploitationkinos und griff auf de Sade als radikalste Denkerfigur zurück. Pasolinis Lesart von “Die 120 Tage von Sodom”, erweitert um Motive aus Dantes “Inferno”, versteht sich als schonungslose Analyse von Macht, Faschismus und moralischer Zerstörung – eine Herangehensweise, die seine Arbeit trotz signifikanter Unterschiede mit dem etwas früher erschienenen Kapitel in Adornos und Horkheimers “Dialektik der Aufklärung” gemein hat. Pasolinis Satz “Die einige Anarchie ist Macht” fungiert dabei als ideeller Kern dieser letzten Arbeit. Der Soundtrack wird in einigen Tagen als CD sowie als auf 500 Exemplare limitierte LP auf blutrotem Vinyl veröffentlicht. Alle Ausgaben enthalten zusätzlich die Bonusaufnahme “The Salò Haunted Suite”.

Während sich die ersten drei Stücke – “Affirmation”, “Confession” und “Adoration” – zwischen hypnotischer Elektrifiziertheit und meditativer Konzentration entfalten, zeigt sich das abschließende “Meditation” als emotionaler Höhepunkt: hier verdichten sich die musikalischen Elemente zu massiveren Klangschichten und zu einem dramatischeren Ausdruck. Ostler arbeitet auf diesem Album mit einer ausgeprägten Sinnlichkeit für klangliche Texturen und Dynamiken. Die Arrangements bewegen sich zwischen Besinnung und Wucht, zwischen Zurückhaltung und kraftvoller Entladung. Dabei wirkt die Musik nie überladen, sondern bleibt in ihrer Struktur klar und nachvollziehbar. Ostler selbst zeichnet für Komposition, Aufnahme und Mischung verantwortlich und greift erneut auf Saxophon, modulare Synthesizer sowie eigene Orchester- und Chorarrangements zurück.

“Three Black Nights Of Little Black Bites” zeigt die Band auf der Höhe ihrer expressiven Radikalität zwischen barockem Drama, französischem Chanson, Vaudeville, Zirkusmusik und dunkler Folklore. Die Instrumentierung mit Streichern, Holzbläsern, Farfisa-Orgel und Percussion ist für die damalige Zeit ebenso unkonventionell wie die Stückauswahl. Marc Almonds Stimme bewegt sich dabei durch einen Raum zwischen zerbrechlicher Intimität und pathetischem Überschwang, oft begleitet von abgründigen Texten, die sich über flirrende Streicher legen. Die Mambas traten in wechselnder Besetzung auf, doch zentrale Figuren wie Annie Hogan, Steve Sherlock und Lee Jenkinson prägten ihren Sound ebenso wie die Streichergruppe The Venomettes, mit Anne Stephenson, Gini Hewes und Martin McCarrick, verstärkt durch Bill McGee und die Cellistin Audrey Riley. In diesem Karriereabschnitt war Almond so nah wie nie zuvor an der damaligen Avantgarde-Szene, gab Auftritte und machte Ausnahmen mit berüchtigten Musikern wie Foetus, Psychic TV oder Lydia Lunch auf – Verbindungen, die immer latent bestehen bleiben sollten, wie man dank späterer Kollaborationen mit Coil, Little Annie, Current 93, Michael Cashmore, Othon Mataragas, Ernesto Tomasini und anderen sehen konnte. Die Mambas waren Teil dieser dunkleren, experimentellen, bisweilen okkult eingefärbten Strömung und inhaltlich tief mit den Themen von Soft Cell verwandt, musikalisch aber breiter und opulenter angelegt. Die neue Vinyl-Edition erscheint in mehreren Varianten: als reguläres schwarzes 2LP-Set, in einer auf 350 Exemplare limitierten roten Version sowie in einer exklusiven, auf 150 Stück limitierten schwarz-roten Splatter-Edition, die nur direkt über Cold Spring erhältlich ist. Das Cover ziert das eigens für diese Edition entstandene Gemälde “Arise 2″ von Val Denham, ergänzt durch Motive von Huw Feather und Fotografien von Peter Ashworth. Zusätzlich enthalten ist eine originalgetreue Nachbildung des 16-seitigen Konzertprogramms von 1983 sowie Almonds persönliche Rückschau auf diese intensiven Abende, die bereits Teil der CD/DVD-Edition von 2012 war. “Three Black Nights Of Little Black Bites” ist ein Dokument der Exzesse, der Brüche und der Schönheit eines Künstlers am Übergang – und zugleich ein unverzichtbares Zeitzeugnis für alle, die Marc Almonds Weg aus dem Popformat Soft Cell in das wilde, ekstatische Terrain der Mambas mit seiner blutroten Symbolfarbe nachverfolgen möchten.

Einige der hier vertretenen Songs gelten für Fans bereits als Klassiker, so etwa das live mit Marc Almond aufgenommene Duett „Yesterday When I Was Young“, eine wehmütige Interpretation des Stücks von Charles Aznavour, das beide bereits separat interpretiert hatten und die Annies Vorliebe für melancholische, zeitlose Torch Songs unterstreicht. Oder das komplett anders geartete, von der Stimmung her eher sarkastische “Things Happen”, ein dunkles, von House-Elementen durchzogenes Stück aus Coils “Love’s Secret Domain” (1991), dessen Lyrics ein fragmentiertes, fiebriges Szenario entwerfen, in welchem Erinnerungen, Alltagsbanalitäten und eine diffuse Bedrohung ineinanderfließen. Für viele war dieser dramatische Monolog die erste Begegnung mit Annies unverkennbarer, oft rauer und zugleich verletztlicher Stimme, die jedem Stil, jeder Instrumentierung ihren ganz eigenen Stempel aufdrückt.

Auch ihre Zusammenarbeit mit Kid Congo Powers dem 2005er Pink Monkey Birds-Album “Philosophy and Underwear” zählt zu ihren besten Duetten – “The Weather The War” zeigt, dass Annies eindringliche Melancholie auch in bluesig-verwegener Gewandung nichts an Intensität einbüßt. “Isle of Weeping Ladies“ vom Album “A Bar Too Far” (2020) mit Paul Wallfisch ist hingegen ein Paradebeispiel für Annies Talent als Interpretin tragischer, beinahe filmisch wirkender Songs von schummriger Beleuchtung. Die klagende, von einem Hauch Tom Waits inspirierte Stimmung verrauchter Bars zieht sich durch das gesamte Stück, dessen Stil auch auf in dieser Sammlung nicht berücksichtigen Alben wie “Songs from the Coalmine Canary”, “When Good Things Happen to Band Pianos” oder “Genderful” zu finden war. In diese Richtung geht auch “State of Grace“, der Titelsong der gleichnamigen Zusammenarbeit mit Baby Dee (und Gastsänger Bonnie „Prince“ Billy). Hier stehen Annies und Wills brüchige Stimmen im Vordergrund, begleitet von Dees klar gespieltem Klavier. Das Stück entwickelt sich von einer intimen, fast zerbrechlichen Atmosphäre zu einer eruptiven Eskalation.

“Lefrak City Limits” von Larsens “La Fever Lit”-Album (2008) zeigt eine andere Facette und offenbart sich als Stück mit cembaloartigen elektronischen Sounds, das sich langsam aufbaut, bis es in ein kraftvolles, fast cinematisches Arrangement mündet – einer von Annies großen Momenten, in welchem wuchtige Drums dominieren, ohne ihre Stimme aus dem vorderen Bühnenbereich zu drängen. “The Soul of August”, ein weiterer Track mit Paul Wallfisch, reiht sich in die Reihe der angejazzten Torch Songs ein, für die Annie im neuen Jahrtausend bekannt wurde. Zum Abschluss hält die Sammlung mit “Some Things” (ursprünglich “Some Things We Do”) von Swans’ “To Be Kind”-Album (2014) ein paar besonders intensive Momente parat. Annie und Michael Gira listen darin menschliche Handlungen auf, vom Alltäglichen bis zum Grausamen (Annie scheint diese panoramahaften Aufzählungen zu lieben und hat sie in dem Song “Freddie and me” bereits zum Exzess gesteigert), und lassen sie in einem wachsenden Strudel von Klangflächen, hibbeligen Pizzicati und verstörenden Cellostrichen kulminieren. Der Song verdichtet die menschliche Existenz in einer kargen, fast beängstigenden Weise, und selbst dass die Liebe darin das letzte Wort hat, entbehrt nicht einer gewissen Ambiguität.

Damit endet eine gelungene Zusammenstellung, die einen guten Einblick in eine von stilistischen Vielfalt geprägte Seite in Annies Werk bietet – oder genau genommen in zwei Seiten, denn die Künstlerin, die auch als Malerin aktiv ist, hat einmal mehr auch das Artwork beigesteuert. Dass “With” theoretisch auch als Sammlung auf zwei Scheiben erscheinen könnte, wenn man auch die ersten Torch Song-Alben auf Durtro Jnana und einige der anderen oben genannten Kollaborationen berücksichtigt hätte, sollte nicht als Wermutstropfen gelten, und wer weiß, vielleicht gibt es ja wirklich irgendwann mal einen zweiten Teil. (U.S.)

Label: Cold Spring

Die Compilation versammelt einige der wichtigsten Vertreter des Japanoise der frühen 90er-Jahre, als die kleine aber bahnbrechende Subkultur gerade dabei war, ihrem Epizentrum in der Kansai-Region um v.a. Osaka, Kobe und Kyoto ein weiteres in der Kanto-Ebene, also im Großraum Tokio, zur Seite zu stellen: von Ikonen wie Merzbow, Violent Onsen Geisha, Masonna und Incapacitants bis hin zu weniger bekannten, aber ebenso relevanten Projekten wie Solmania und Dislocation. Dabei besticht die Sammlung durch eine stilistische Vielfalt, die konventionell geprägte Musikhörer vermutlich nicht wahrnehmen würden, die den von den Harsh Noise Wall-Diskursen der vergangenen Dekaden geprägten Millennials allerdings die Schamesröte ins hipsterbärtige Gesicht treiben sollte.

Den Auftakt macht der bis heute bekannteste japanische Noiser Akita Masami alias Merzbow mit “Travelling”, einem Stück, das oberflächlich an die Strukturen harshnoisiger Raufasertapeten erinnern mag, sich dann aber als überraschend melodisch und rhythmisch, gleichsam nicht beatlastig, strukturierte Klanglandschaft entpuppt. Mit satten, substanzreichen Geräuschen, die in steten Intervallen herausgestoßen werden und immer wieder durchbrochen von abrupten Wendungen, entfaltet sich eine schrille Kakophonie, die ebenso fordernd wie detailreich ist.

Das Kontrollzentrum für kosmische Zufälle a.k.a. C.C.C.C. schlägt mit “IMR-32″ eine düstere, schwergewichtigere Richtung ein. Die raue, breiige Klangästhetik vermittelt eine niederdrückende Atmosphäre, die sich klar von der aufgekratzten Energie des Merzbow-Tracks abhebt. Überraschende Sirenenklänge und motorisches Brummen durchziehen das Stück und machen es zu einer reizvoll desolaten Erfahrung, die sich noch stark von den psychedelischen Noisetrips untrerschiedet, die es später von Hiroshi Hasegawas Astro, einem der Nachfolgeprojekte, zu hören gab. Solmania, ein Soloprojekt des Vermillion Sands-Musikers Masahiko Ohno, steuert mit “Derrick Master Switchback” eine brutale, destruktive Klangcollage bei, die von krächzenden Verzerrungen, metallener Beschaffenheit und hochfrequenten Tönen durchzogen ist. Dieses Stück bleibt im Rahmen des typischen Noise-Kosmos, wirkt jedoch in seiner rauen Direktheit besonders intensiv.

Mit “Empty~On The Move” des Quintetts Dislocation schlägt die Compilation eine experimentellere, elektroakustischere Richtung ein. Hier dominieren zunächst Klarinettensounds, die wie das Erforschen des Instruments anmuten, sich jedoch in ein infernalisches Feedback und gluckernde, atmosphärische Geräusche steigern. Dieses Stück erinnert eher an die Avantgarde-Ansätze von Borbetomagus oder früheren Nurse With Wound als an die typischen Exzesse des Japanoise. Monde Bruits’ “Continuum” kehrt zu einer typischen Harsh-Noise-Struktur zurück, unterbrochen von schmerzhaften Schreien und abrupten Pausen. Ironischerweise stellt der Titel eine klare Antithese zum Inhalt dar, der durch Diskontinuität und abrupte Brüche geprägt ist. Wenn man vom Schrei spricht, kann Masonna nicht weit sein, und der liefert mit “Testicles Candy Pt. 1~13″ eine wahre Lärmexplosion ab. Die eskalierenden Feedback-Stürme und hysterischen Schreie sind exemplarisch für Maso Yamazakis kompromisslose Ästhetik (deren eher fatalistische Seite heute ebenso kompromisslos von Controlled Death repräsentiert wird). Zwischenzeitlich eingefügte Stauungen verstärken die Wirkung der eruptiven Klanggewalt, die ungebremst alles mitreißt.

Violent Onsen Geisha sorgt für einen unerwarteten Bruch mit einem Stück, das mit mädchenhaftem Gesang und Schrammelgitarren der Marke Girlie Pop beginnt und durch Nakahara Masayas ironisches Falsett begleitet wird. Die Erwartung einer baldigen Noise-Entladung wird immer wieder unterlaufen, bis schließlich doch kantiger Lärm einsetzt. Dieser ironisch-absurde Zugang ist typisch für Bernhard- und Houellebecq-Fan Nakahara, der als Jess Franco des Japanoise unter seinem heutigen Künstlernamen Hair Stylistics und als in Japan längst renommierter Schriftsteller immer wieder das Abgründige in der Welt quietschbunter Barbiepuppen sucht. Den Abschluss bildet Incapacitants mit “Automatic Loss Cut”, einem hysterischen, prasselnden Stück, das die Sammlung mit einem Höhepunkt an kathartischer Intensität beendet.

Die “Noise Forest”-Compilation bleibt auch nach über dreißig Jahren ein Meilenstein dieses Genres, das noch nie eines sein wollte. Auch wenn man weitere Größen wie Hijokaidan, Govt. Alpha oder Grim, der wie in einem Zufallstreffer die Brücke nach Europa schlug, wo sich lärmaffine Musik ein Terrain mit Ritual und Neofolk teilte, vermissen mag, vereint sie die vielgestaltige Radikalität, die diese Musik seinerzeit ausstrahlte, und angesichts derer man der Apotheose durch das Magazin Louder Than War durchaus anschließen mag: “An unruly powerhouse of Japanoise arbiters. [...] Noise is sacred”. In diesem Sinne ist Cold Spring hier eine würdige Neuauflage gelungen, und sollten jemals die Coin Locker Babies verfilmt werden, wünsche ich mir die komplette Sammlung als Soundtrack. (U.S.)

Label: Cold Spring

Music For Stowaways” is a collection of stark, moody, cinematic-sounding material that took its title from an early Walkman design called the Sony Stowaway, one which allowed owners to “design a soundtrack for your everyday life for the first time and have it playing while you walked around”.

“[That] became the theory behind [Music for Stowaways]“, explained Martyn Ware. “It was about how you could play your music and change your mood wherever you were. Basically, the Walkman liberated music. And there we were at the sharp end with this cassette-only release”.

All tracks composed, arranged, performed and produced by Ian Craig Marsh and Martyn Ware for the British Electric Foundation, except for:

Uptown Apocalypse – written by Ian Craig Marsh, Martyn Ware, Steven James Turner (bass) and Adi Newton (synthesizer).

The Optimum Chant – produced by B.E.F. and Glenn Gregory.

Groove Thang – features bass and guitar by John Wilson.

@Bandcamp / Cold Spring

“Tectonic rumblings and icy sound slivers move and swirl around each other, slipping into spaces between the molecules which make up your physical body and then break it apart in preparation for rearrangement. Moments of expansive emptiness and claustrophobic terror overlap one another and then overcome your mind as you journey through this bleak void of sound. At one moment warm and organic, the next, slowly slipping into a machine-like coldness to freeze and paralyze… Sound as a vehicle to bring you through that doorway towards dimensions previously unknown. Hypnotic and soothing with a lingering sense of dread throughout” (Carrion Kind).