Hacke, Mitbegründer und prägende Figur und seit Kurzem ehemaliges Mitglied der Einstürzenden Neubauten, blickt darin auf fünf Jahrzehnte zwischen Berliner Underground, internationalem Erfolg und künstlerischer Selbstbefragung zurück. Mit angenehm einladender Stimme erzählt er von jugendlicher Neugier, von den anarchischen Jahren der West-Berliner Szene, von exzessiven Experimenten und der anhaltenden Suche nach Ausdruck jenseits musikalischer Grenzen. Die Aufnahme entstand in Zusammenarbeit mit Produzent Peter Zirbs im Spätsommer in Berlin. Herausgekommen ist ein intensives Hörbuch, das Hackes Erinnerungen Eindringlichkeit und Unmittelbarkeit verleiht. “Ich wollte, dass der Text so klingt, wie ich ihn gemeint habe”, so ein lakonischer Hacke. Begleitend zum Erscheinen ist Hacke bereits auf Lesetour, die noch anstehenden Termine sind:

20/11/25 – A-Klagenfurt – Buchhandlung Heyn
21/11/25 – A-Wien – Studio Moliere
30/01/26 – D-Berlin – Pfefferberg Theater
31/01/26 – D-Jena Volksbad

“The power of a soundtrack is to not only support the film’s narrative, but to open up spaces beyond the visible – to add layers of meaning and complexity that can easily unfold in sound”, erklärt das Label die besondere Rolle der Musik im Film. Irmerts Soundtrack, brodelnd und intensiv, erzeugt eine geheimnisvolle, fast abgründige Atmosphäre. Doch auch warme Synthesizerklänge sorgen für Kontraste, die schnell den anheimelnden Boden erlassen und zwischen schwindelerregenden und tastenden Strukturen pendeln. Auch ohne die visuelle Komponente des Films entfaltet die Musik eine enorme Spannung, geprägt von retardierenden Momenten und unerwarteten Wendungen. Irmert beschreibt ihre Musik als “eine Art Sumpflandschaft, die unter der Struktur des Films liegt, alles ist verbunden – manchmal sieht man nur die Oberfläche, die sehr unscheinbar wirken kann, bis man den Fuß eintaucht. Dann taucht man ganz ab, in ein Universum, das keinen Boden zu haben scheint. Es ist eine mysteriöse, sich ausdehnende Welt, und meine Aufgabe ist es zu entscheiden, wie viel davon wir zu hören bekommen”.

Der Soundtrack, der von Gesprächen zwischen Irmert und Meyer über Phänomene am Rand unserer Existenz wie Schwarze Löcher und abgetrennte Körperteile inspiriert wurde, wirkt auch unabhängig von seinem filmischen Kontext als ein eigenständiges Werk. Ominöse Geräusche wachsen aus der Stille heraus zu dichten, synth-lastigen Klangmontagen, die das Publikun auf eine Reise an die Ränder unserer multiplen Realitäten mitnehmen. Zusätzlich wird das Hörerlebnis in Dolby Atmos präsentiert, abgemischt von Philipp Rumsch. Das Artwork stammt von der Künstlerin Julie Calbert.

Foto: Kasia Zacharko

@ Jana Irmert | Fabrique Records

Myths are a transcendent collective narrative; a buried memory, not intellectual but spiritual, alive to all the senses of another world. These stories often describe forbidding passages guarded by terrifying monster-like creatures, which, if conquered, give access to other planes. ‘Door 1 – Door 2′ are two of these planes, opening to prophecy and kingship”. Sein Stammlabel Fabrique Records betont den stilistisch ungreifbaren und gleichsam intensiven Charakter der Musik: “Christopher Chaplin playfully transcends genre boundaries and manages to condense experimental and colourful electronics into chamber music in a unique way, transporting the listener into mental and spatiotemporal intermediate states”. Auch diesmal hat sich der Komponist tatkräftige Unterstützung ins Boot geholt, allesamt Stimmen, namentlich Carmen Alt-Chaplin (Rezitation), Tassos Apostolou (Bass) und Michela Varvaro (Sopran). Das Album erscheint mit Artwork von Tim Story als LP und digital.

@ Bandcamp

Once again, Christopher Chaplin breaks genre boundaries and managed to condense experimental and colorful electronics in chamber music in a unique way, transporting the listener into mental and spatiotemporal intermediate states. A completely unique musical microcosm that can also be experienced in his powerful solo live performances”. Der vorliegende Mitschnitt, der konzeptuell der Genealogie und so auch der Reihenfolge der Studioversionen folgt, ist auch als Teaser seiner aktuellen Konzerttour gedacht, bei denen noch drei Shows – Ambient Festival Gorlice (08.07.), BulwArt, Dom Utopii, Krakau (09.07.) und Cafe Oto, London, zusammen mit Hans-Joachim Roedelius und Tim Story (27.07.) – auf dem Programm stehen. Roedelius ist auch auf “Patriarchs Live” zu hören.

@ Fabrique

unter dem direkten Einfluss ausgewählter, zum Teil mit persönlichen Erinnerungen behafteter Orte der Umgebung. “During the pandemic, she went back to her old 19th century family home and took to translating the pristine valley and its surrounding lakes and glaciers, into music”, heißt es beim Label Fabrique Records. “Highlighting the fragility of the environment and the beauty and the devastation created by climate change, the album incorporates the natural world into it’s very fabric; each song a different place on the map, creating soundscapes with violin, viola, cello and vocals in combination with electronics made out of field recordings passed through modular synths, masterfully produced by collaborator Roger Goula”.

Vicci studierte an der Londoner Royal Academy of Music und hat in den vergangenen Jahren in zahlreichen klassischen, populären und experimentellen Musikkontexten gespielt und komponiert, zu ihren bekanntesten Kollaborationen zählen ihre Arbeiten mit Thom Yorke, Jonsi und den späten Steeleye Span. Vor zwei Jahren war sie nominiert für den Royal Philharmonic Society Award. “Cavaglia” erscheint in den gängigen Formaten.

Foto © Rafal Chlapinski

@ Violeta Vicci

Bei diesem Hintergrund verwundert es, wie belebt und ereignisreich die Schauplätze auf “What Happens at Night” letztlich sind, und selbst die durch den Titel aufgenommene Assoziation zu einem Thrillerstoff ruft sich in Erinnerung, wenn mysteriöses Rauschen und ein an nächtliche Urwaldtiere erinnernde Sound den Opener “Particles” einleiten. Rhythmische Downtempo-Elektronik kommt hinzu und nimmt einen mit auf eine langsame Pirsch durch von Wind und Regen durchtostes Gebüsch.

Aufgrund zahlreicher gesampleter Sounds, die auf ihre jeweilige Art Bewegung inszenieren, bekommen die einzelnen Abschnitte nicht nur einen hörspielartigen Zug, sondern auch eine starke subtile Spannung: In “Ashes” ist es die Illusion von Schritten im Unterholz und von merkwürdigem Rasseln und Hantieren, in “Dust is the Rust of Time” aufgewühltes Hecheln wie bei einer Flucht, deren Richtung ungewiss bleibt. “Musikalischere” Komponenten wie dunkle, spannungsgeladene Dröhnung bringt weitere atmosphärische Facetten ins Bild.

Im abschließenden “Stratum” kommt es zu den dramatischsten Eruptionen, wenn fast martialische Detonationen eine Kulisse aus atemlosem Hecheln und dem Toben der Gezeiten noch mehr aufpeitschen. Doch die heftigen Noisegeschosse entpuppen sich als ein letztes Aufbäumen einer Dramatik, aus der sich ein fast anrührend schöner Abspann herauskristallisiert, bei dem all die durchlebten Erignisse noch einmal wie eine längst genannte Gefahr vorbeiziehen.

Label: Fabrique Records

“Patriarchs refer to the ten antediluvian Patriarchs, the ten pre-Flood patriarchs listed in the genealogy of Genesis V – from Adam to Noah. The album is about the lineage of these patriarchs and their journey from the darkness of the Fall towards enlightenment. It’s a progressive uprooting from a dark and confused world to a world with more light and consciousness. In musical terms, it’s a struggle from dense, slow-moving textures to more dynamic and structured ones. Language is also present in the first eight tracks, starting with distorted bits of words and phrases tuning into clearer and more defined sentences and eventually verses as the tracks progress. The last two tracks: Lamech and Noah incorporate the sounds of a crow and a dove, respectively, hinting at the coming and passing of the Flood.“ (Christopher Chaplin)

Coverfoto © Carmen Alt-Chaplin, Artwork und Design © Petulia Mattioli

@ Fabrique Records

Mit diesen Informationen im Hinterkopf erwartet man auf “The Soft Bit” natürlich so manche Fata Morgana und kann sich ganz auf die geheimnisvolle Unsicherheit einlassen. Das Album beginnt wie eine Fahrt durch dunkle Nacht, bei der rhythmisiertes Kratzen und Schaben und die Wellen eisiger Brandung den Ton angeben. Irgendwann wird deutlich, dass der Schauplatz auf einer warmen Drone-Landschaft gebaut ist, die eine angenehmen, smoothe Geborgenheit suggeriert – auch dann, wenn etwas von Klang mollastiger Klaviertupfer kristalline Fragezeichen in die Luft malt.

Sucht man auf “The Soft Bit” einen roten Faden oder thematische Schwerpunkte, so findet man diese vielleicht in einer verspielten Unvorhersehbarkeit, die spannende (“Against Light”), melancholische (“Without Thought”, dessen Sounds teilweise an “asiatische” Musikarten erinnern) und drmatisch-aufwühlende (“On Air”) Momente problemlos in einen Rahmen zu fassen vermag. Man könnte jeden der sieben Tracks hervorheben, die sich alle an verschiedenen Punkten einer Skala zwischen subtil und demonstrativ einordnen ließen, doch mein persönlicher Favorit ist das Titelstück, das die Illusion tropischer Tierstimmen im winddurchwehten Blätterdach mit (fiktiven) Handdrums und dichten Dröhnschichten kombiniert und so ein trotz seiner knapp sieben Minuten episches hörspielartiges Erlebnis gewährt.

Trotz seiner klanglichen Vielfalt ist “The Soft Bit” tatsächlich primär wegen seiner sanften, freundlichen Seiten ein so charismatisches Album geworden und somit auch passend benannt. Großartig! (U.S.)

Label: Fabrique Records

Zurückgeworfen auch auf Tätigkeiten, die man bislang vermieden hat oder erst zu würdigen lernen musste. Für viele waren die Erfahrungen der jüngsten Zeit letztlich immer noch zu verschmerzen und doch eine Art Schwellenerlebnis, durch das man Seiten seines Lebens oder seiner Art zu leben komplett neu erfinden konnte, und es ist wohl eine Persönlichkeitsfrage, wie konsequent sich irgendwelche Veränderungen erweisen, und wo man in näherer Zukunft vielleicht wieder in alte Muster zurückfallen wird.

Wie für viele Künstler waren die vergangenen Monate auch für die in Berlin lebende Klangkünstlerin Jana Irmert eine Zeit des einsamen Schaffens, die im konkreten Werk Früchte trägt. Ihre vor einigen Monaten erschienene EP “Erything Minus All”, die ursprünglich den Titel “Note on Compassion” tragen sollte, ist aber auch die direkte Frucht tiefer Reflexion über die auf einmal so relevanten Fragen von Isolation und Verbundenheit – eine interessante Information, die trotz der eher abstrakten Machart der Komposition doch mehr als Trivia ist, setzt sie die Musik doch in einen ganz bestimmten Kontext, der dem Hörerlebnis weitere Bedeutungsnuancen verleiht.

Recht zu Beginn bereits macht sich ein schwermütiger Ton in den repetitiven, hochdröhnenden Klangfolgen bemerkbar, mehr noch später in den subtilen Melodieansätzen, dem mollasigen Auf- und Abebben wellenförmiger Gezeiten und dem leisen unterirdischen Brodeln und Rumoren. Bis dahin haben sich Fülle und Intensität des Klangmaterials gesteigert, doch weniger in Form einer Veränderung des Settings, sondern um das Vorhandene peu a peu immer deutlicher hervorzuheben. Mit der Zeit zeichnet sich immer mehr Dramatik ab, luftiges Rauschen, “dezenter” Lärm verhindern das Aufkommen jeder meditativen Ruhe, lassen ihre Notwendigkeit aber umso deutlicher werden, einzelne Tonfolgen ragen bisweilen hoch ins Reich der Fragen.

Auf diese Art ist “Everything Minus All” alles andere als leichte Muse, aber gerade deshalb eine notwendige Reflexionsübung, bei der sich alles um das ambivalente “nichts” des Titels zu drehen scheint. Die EP erscheint digital bei Fabrique Records, die bereits ihr Debütalbum herausbrachten. Weitere Neuigkeiten über Jana Irmerts aktuelle Arbeiten gibt es schon in wenigen Tagen auf unseren Seiten. (U.S.)

Label: Fabrique Records

Der Titel “M” bezieht sich Chaplin zufolge auf den hebräischen Buchstaben Mem, der im kabbalistischen Gebrauch mit zwei Dingen in Verbindung steht, die vielleicht erst auf den zweiten Blick miteinander zu tun haben: mit der schöpferischen Transformation des Selbst (und der persönlichen Umwelt) und mit dem Rückzug, der Quarantäne, die oftmals den Wunsch und die Notwendigkeit tiefgreifender Veränderungen erst bewusst und ihre Verwirklichung zeitökonomisch möglich macht. Chaplin vertont allerdings keine Texte der Kabbala, sondern setzt durch die Voraussetzung des aktiv sinnstiftenden Rezipierens seiner Arbeit einmal mehr auf Kreativität. Die Reise beginnt bei dem römischen Dichter Ovid, dessen Metamorphosen zu den klassischen Werken zum Thema der Transformation zählen.

Feierliche Bläser bilden den Auftakt, deuten Großes an, das sich noch nicht ganz in dem hypnotisch summenden Klangteppich offenbart, der sich kurz darauf gemächlich im Raum ausbreitet, spätestens aber im Vortrag des Vokalisten Finley Quaye aus der englischen Textfassung, dessen gewollte Schnodderigkeit die Poesie der Geschichten über verwandelte Seeungeheuer noch unterstreicht. Der leicht aggressive Ton akzentuiert Unerhörtes, Nichtalltägliches, und auch in die Musik kommt nach einigen Minuten immer mehr Bewegung und Fülle.

Ein leicht metallener, technoider Takt verbindet “Metamorphose” mit “A Sea Change”, wo er als hauchdünner, trippelnder Beat feine Streicherpassagen vorantreibt. Über einem Fundament aus Samples von Karl Michael von Hauswolff spricht und singt Mira Lu Kovacs eine Passage aus Shakespeares The Tempest, wo der Geist Ariel prophetisch einen Paradigmenwechel für die Welt besingt. Die wandlungsfähige Stimme vollzieht mehrere spontane Wechsel zwischen akzentuierter und verwaschener Sprache, während im musikalischen Fundament Techno und Neoklassik immer wieder miteinander verschmelzen. Mit der zwanzigminütigen Umsetzung von P.B. Shelleys “Mutability” schließt sich der Kreis und schwebende, dröhnende Wohlklänge übernehmen das Feld. So wie der Text in Aurelia Thierrees Darbietung die Existenz als permanente Verwandlung feiert, verschwimmen hier Harmonie und Lärm miteinander. Wer denkt, dass die sanfte Schönheit dominiert, wird von immer wieder einsetzenden Brüchen überrascht, die “M” nicht allzu berieselnd ausklingen lassen.

Der Text endet mit dem titelgebenden Wort, mit dessen Initial sich der Themenkreis des Albums dann wieder schließt. Ähnlich wie die minimalisticheren und in technischer Hinsicht sicher einfacher gestrickten Arbeiten von Mark St. John Ellis sind Chaplins Werke von einer Art, bei dir sich beim mehrfachen Hören immer mehr Dimensionen eröffnen, was sie, gerade angesichts des aktuellen Themas, zu einer gewinnbringenden Erfahrung macht. (U.S.)

Label: Fabrique Records