Der Einstieg mit The Hare & The Moon und dem Stück “The Midnight Folk” vom Album “Wood Witch” setzt auf hörspielartige Codes. Zwitschernde Vögel, die erdende Klarinette von Gastmsiker Spugweed, Áine O’Dwyers Harfe und Thomas Roberts’ Violine strukturieren zusammen mit Malkins Arrangements ein Szenario zwischen Idyll und Anspannung. Die schnelle Rezitation eines Textes von John Masefield ergänzt diese Spannung ohne Pathos. Das anschließende “We Are All Ghosts” zusammen mit Alan Davidson alias Kitchen Cynics -  vor einigen Jahren der Titelsong einer Sammlung an Singles der beiden – greift die Idee des Spukhaften anders auf: Wolfsjaulen und sirenenartige Elemente öffnen den Raum für Streicher und einen klagenden Gesang mit nüchternen Gedanken über die Unausweichlichkeit des Todes, zu dem fatalistische Detonationen Akzente setzen.

Mit “Rossignol” aus dem Projekt mit Futur Passe folgt ein mittelalterlich angehauchter, zunehmend unruhiger Track mit chorischem französischen Gesang über einem Soundfundament voll monumentaler Wucht. “The Corn Queen” von Widow’s Weeds, dem Duo mit Daughters of Grief, verschiebt den Fokus in Richtung rituellen Ambientfolks. Glitzernde Strömungen, eine schwebende Stimme und die dezente Perkussion von Michael Warren erzeugen ein rituelles Setting, das sich nur kurz öffnet, bevor es wieder in die Ausgangsspannung zurückkehrt. Das Textbild weitet sich am Ende ins Existenzielle.

“Cold Blows The Wind” von Úath – dem Projekt mit dem irischen Künstler Ruairi O’Baoighill – ist mit schleppenden Takten, knarrenden Bassklängen und der Stimme von Maud The Moth eine spannugnsgeladene Umsetzung einer Ballade, die auch unter dem Titel “The Unquiet Grave” bekannt ist, bekannte Versionen stammen u.a. von Joanna Newsome und Faith and the Muse. “Morgiana”, erneut von The Hare & The Moons hier einzig vertretenem Album “Wood Witch”, lässt mit Glockenspiel, desolaten Streichern, Downtempotakten und einer verwehten Frauenstimme eine entrückte, subtile Umheimlichkeit aufkommen.

In “A Cavalcade Of Ravens”, einer Zusammenarbeit mit dem Belgier Ashtoreth und einer Reihe an Gästen, zu denen neben Sängerin Menaleah nd anderen auch die gesampleten Raben im Titel gehören, offenbart eine reizvoll ambivalente Atmosphäre zwischen wattigem Trost und spanungsvollen Brüchen. Darauf folgt “The Old Gods Sleep Beneath The Fields” von The Black Swan Triad, deren Kern Ashtoreth, Malkin, Menalaeh, Steve Hermit, Stratosphere und Vinlandsraud bildeten. Nach der anfänglichen Dröhnung, durchzogen von subtilen Kratzgeräuschen, verschieben zerfranste Gitarren den Song für kurze Momente in ein flamencoartiges Setting, bevor wieder geisterhaft schwebende Details übernehmen.

“Man Of Double Deed” von Widow’s Weeds beginnt mit sirrenden Streicherflächen und einer schwebenden Sopranstimme, bevor peitschende Percussion und gehetzte Elemente den im Titel angedeuteten zwiespältigen Charakter spiegeln. Mit dem Herausschälen eines klaren Gesangs scheint sich derKreis zu schließen. Von Sedna Chronicles – ein gemeinsames Projekt mit Andy Sharp – liegt mit “Friends Of The Emerald Sun” eine verspielte, zugleich spannungsvoll-düstere Elektronik vor, die, wie es schon in unserer Besprechung hieß, an spätere Arbeiten einer bekannten britischen Experimentalband erinnert.

“The Bard Of Eve” von The Hare & The Moon ist eine ekstatisch-folkige Nocturne, die cinematische Assoziationen aufblitzen lässt, bevor “Under The Rose” von Widow’s Weeds (vom Album “Revenant”) auf melancholische Streicher, Bassflöte, epische Breite und einen hellen, elegisch anmutenden Sopran kurz vor dem Ende setzt. “Full Snow Moon” vom ersten gemeinsamen Longplayer mit Adam Geoffrey Cole alias Trappist Afterland ist das gitarrigste Stück des Albums und entspricht auch am ehesten den gängigen Vorstellungen über Folk, aber es ist auch ein grandioser Song mit fein gesetztem Fingerpicking und Coles fragil gesungenen und gleichsam markanten Strophen über die verschiedenen Vollmonde – Malkins Spuren finden sich in der dezenten elektronsichen Untermalung und vielleicht auch in der paganen Einfärbung des Songs.

“Between Trees & Starlike” des Trios Embertides – Daughters of Grief, David Colohan und Malkin – setzt dann wieder weitaus stärker auf Elektronik. Der klagende Gesang und die immer dichter werdende Szenerie erzeugen eine unheimliche Steigerung. Meadowsilver, bestehend aus Gayle Brogan, Malkin und Stephen Stannard, verbinden in “The Coronation Of The Herring Queen” folkige Flöten mit einem elektrifizierten Grundgerüst und sanftem Gesang. “The Wife Of Usher’s Well” von The Hare & The Moon mit Vocals von God’s Little Eskimo präsentiert sich als über weite Strecken pianobasierte Umsetzung der traditionellen Ballade über die drei toten Söhne, die auch als “The Unquiet Grave” bekannt ist, einige Leser kennen vielleicht die Versionen von Joanna Newsome und Faith And The Muse.

Das zusammen mit den deutschen Producer Fogroom eingespielte “A Certain Sense” entpuppt sich als tremolierende Klanglandschaft, gehalten von einem dezenten Takt. Eine melodiöse Spur – unklar, ob Stimme oder Gitarre – wirkt als ruhender Pol, bevor eine knarrende Rezitation einsetzt. “C’est A Ville”, erneut von der Kollaboration mit Futur Passe wirkt wieder mittelalterlich grundiert mit seinen Arrangements für Drehleier, Trommeln und verschiedenen Saiteninstrumenten.

“When The Moon Is Arisen”, das Malkin zusammen mit Amanda Votta (Deep Fade, The Spectral Light u.a.) aufgenommen hatte, ist das einzige semi-exklusive Stück der Sammlung und war nur zeitweise auf Soundcloud zu hören gewesen – über einem Teppich aus dunkler, ambienter Dröhnung bauen knarrende Sounds und ein mysteriöses Flüctern, das in einen Monolog übergeht, nach und nach einen Song auf, der in einer furiosen wilden Jagd kulminiert. Anschließend nutzen Sedna Chronicles in “The Last Drop” erneut flüsternde Worte und Synthiedrones, um ein anderesweltliches Setting zu markieren. “The Singing” von einem der Alben mit Kitchen Cynics setzt Drönungen, eine entrückte Flöte, Alan Davidsons spröder Rezitation und später liturgisch anmutende Momente ein. Einsame Paukenschläge und eine Frauenstimme führen schließlich zu einem kurzen, hellen Klangmoment.

Den Abschluss bildet Malkins Solostück “Duddo Five Stones”, mit Vocals von David Colohan und Woodwind von Alan Davidson. Der großartige, rund fünfzehnminütige Track nutzt melancholische Ambientflächen, Flöten, Streicher und ein wiederkehrendes, leicht vibrierendes Geräusch. Eine Rezitation über die aus der schottischen Folklore bekannten singenden Steine, führt in einen dichten Mittelteil, bevor ein klavierdominierter Schluss folgt, der kurz von knarrenden Elementen durchzogen wird. Der Track wirkt wie ein konzentrierter Blick auf einen Ort, der fast wie ein symbolisches Zentrum von Malkins Werk erscheint.

Die Zusammenstellung zeigt Malkin als jemanden, der die Forderung, Tradition bewusst zu verfremden, verinnerlicht hat und auf seine nur schwer kategorisierbare Weise vieles vorweggenommen hat, was in der Zwischenzeit mit Begriffen wie Folk Horror (oder etwas breiter gefasst: Hauntology) bezeichnet wurde. Die ausgewählten Stücke belegen den Umfang seiner Aktivitäten und die Bandbreite seiner Kollaborationen – und wer durch diese Compilation erstmals angefixt ist, sollte gerne den zahlreichen Links im Text zu seinem bisherigen Werk folgen, denn die hier versammelten Stücke sind nur eine kleine, gleichwohl beeindruckende und repräsentative Spitze des sprichwörtlichen Eisbergs. (U.S.)

Label: Cruel Nature Records

Die beiden Musiker – man mag sie Komponisten, Klangkünstler oder in einem Fall auch Multiinstrumentalisten nennen – bewunderten schon länger das Werk des jeweils anderen, vielleicht weil das Hauntologische, das Aufspüren verhuschter Geister in den Nischen musikalischer Settings und anderer nicht immer imaginärer Orte, ein gemeinsames Element im Werk der beiden ist, das gleichzeitig auch genügend Unterschiede aufweist, wenn man die folkige Seite Malkins mit den Wurzeln Fogrooms in der elektronischen Musik vergleicht.

Nach Fogrooms Tape “The Browning Vortex”, das wir als spannende Geisterarbeit in einer merkwürdigen Heterotopie beschrieben, kam es zu einer persönlichen Korrespondenz, und schon bald stand die Idee zu einer gemeinsamen Arbeit. Bedenkt man die Vorliebe der beiden für alles verhuscht-gespenstische, dann wundert es nicht, dass sie recht vage Ideen zum Ausgangspunkt nahmen, statt sich ein elaboriertes Konzept an den Haaren herbeizuziehen. Beide teilen eine gewisse Liebe für das Wasser, für das Meer und seine Küsten, die sie folglich als groben Schauplatz für ihre noch im Entstehen begriffene Geschichte auswählten, und wie von selbst passierte es, dass dieser Schauplatz, der in den Vorstellungen der beiden eigentlich eher etwas Heilsames hatte, zum Ort seltsamer, dunkel melancholischer, vielleicht sogar unheilsamer Vorkommnisse und Herausforderungen wurde. Geschichten von Verlust und halb vergessenen Träumen, von Begegnungen im Nebel der Dämmerung an irgendeiner verlassenen Küste tauchen auf und verschwinden wieder vor dem Auge des Betrachters, sobald dieser nach ihnen zu greifen versucht.

Vielleicht ist es die verfremdete und wahrscheinlich gesamplete männliche Stimme im einstimmenden Auftakt “As it Began”, die mich auf den Filmvergleich brachte – in den ersten Minuten des Albums jedenfalls ereignet sich einiges: ein subtiles Rauschen, das sich bald als Brandung entpuppt, eine Melodie auf einem einsamen Piano, Glöckchen und allerhand klingelndes dazu, dass eventuell von einen Saiteninstrument stammt, eine eher raue Keyboardfläche und die Ansage, dass irgendwo an einer Küstenlinie jemand vermisst wird. Wie viel kann man daraus ziehen?

Auch in den folgenden Stücken wird stets eine intensive Spannung gewahrt, die nicht nur, aber durchaus auch durch ein stets variiertes Klangmaterial gewinnt – ein Aspekt der umso mehr beeindruckt, da auf diesem Album wohl keine akustischen Instrumente verwendet wurden, bzw nur in gesampleter Form zu hören sind. “The Coast” lässt scheinbar akustisches und Vintage-Synthes, die Erinnerungen an späte Coil aufkommen, helle Klänge und sehnsuchtsvoll melancholische Melodien entstehen, bei denen einem bewusst wird, das auf der anderen Seite des Meeres wieder eine andere ferne Küste liegt, die ein Sehnsuchtsort sein kann. “Ghosts in our transmissions, a distress signal ” heißt es in den Liner Notes, und natürlich muss man in der von allerhand Störgeräuschen begleiteten Radioübertragung daran denken. “A Certain Sense” lässt sein geheimnisvolles Soundmaterial tremolieren und zittern, doch dann bringt ein dezenter Takt Bewegung in die eher sanfte Szenerie, und eine angenehme Melodie (eine Stimme? Eine Gitarre?) setzt dem Ganzen die Krone auf. Vor diesem Hintergrund erscheint die wiedereinsetzende knarrige Rezitation wie von einer geisterhaften Aufnahme zu stammen, die jemand irgendwo an einem verlassenen Künstenstreifen gefunden hat.

Metallophonische Soundtupfer, vibrierende Synthies, wellenförmig wiederkehrende Avantgardetitate aus besseren Zeiten, später so etwas wie die ausladend gestrichenen Saiten eines Cellos oder Kontrabasses – all dies macht aus “The Old Dream” einen verträumten Tanz in Zeitlupe. Das Stück wirkt wie ein retardierendes Moment in einer klassischen Tragödie, bevor sich all die aufgeladene Spannung im Titeltrack zuspitzt und entlädt: Aggressiver grollt hier die Brandung, stürmisch erscheinen die durchaus gefühlvollen Streichersounds, die bedrohlich näher kommen, während es aus allen Richtungen zittert und flirrt. Dass Aufruhr im Anmarsch ist, merkt man immer mehr, es paukt lauter, bis das Stück in etwas beinahe Monumentales kulminiert. Allerlei Stimmen, zum Teil im Chor, meint man zu halluzinieren, doch dann geht alles ganz schnell, die Fata Morgana löst sich auf und nur die Violine und die Brandung bleiben.

Wenn sich im abschließenden kurzen “The Change” noch einmal alle Elemente kurz aufzubäumen scheinen, wird klar, dass die Situation nun eine veränderte ist und vor einem anderen Hintergrund stattfindet: Die Schwelle des Shoreline-Ritual ist überschritten und eine neue Zeit beginnt. P.S.: Das Album ist bisher digital erhältlich, gut informierten Quellen zufolge ist aber die Idee eines physischen Tonträgers noch nicht vom Tisch. (U.S.)

Das Tape “The Browning Vortex” ist der erste Longplayer, den der deutsche Soundartist Jörg Follert mit seinem neuen Projekt Fogroom herausbringt, und mit dem er auf gewisse Weise auch an das vor rund zwei Jahren erschienene “Ormeology”-Album seines anderen Ausdrucksventils Mimsy anknüpft. Doch während er dort in filigranen Songansätzen eine Musik der Übergänge und Überblendungen schuf, scheint er hier wie eine Sonde in die Mitte eines geisterhaften Geschehens einzutauchen.

Das heißt aber ganz und gar nicht, dass es im Strudel von “The Browning Vortex” keine Bewegung gäbe, ganz im Gegenteil. “Travel in Fear”, aus dem manch einer ein ganzes Album gemacht hätte, ist eine Passage voll spontaner und doch stimmig wirkender Richtungswechsel: Knietief im Knarren und Rauschen dunkler Synthies zeichnet sich von Beginn an etwas Monumentales ab, das an den Mut im Angesicht einer Bedrohung denken lässt, und das sich durch mehrere meist von rhythmischen Strukturen geprägte Stationen – mysteriöse Hochtöner, hintergründige Pauken, aufwühlende Trommelwirbel – ziehen lässt, und wenn immer man sich am zentralen Plateau wähnt, tut sich ein neuer Weg in eine unerwartete Richtung auf. Leisere, verspielte Momente leiten dann in den Schlussteil über, der in gewohnter Wucht beinahe an einen sich schließenden Kreis erinnert – beinahe, denn hier kommt nichts zurück, wie es war.

Haben diese rhythmischen Passagen fast immer etwas Befreiendes, so wirkt die Musik mitunter besonders desolat, wenn diese nicht oder weniger stark vorhanden sind. In “Teleskope”, das sich sehr langsam aufbaut und aus dessen von leisen Donnerschlägen durchzogenem Rauschen sich mehr und mehr ein dröhnender Sound herausschält, stößt man auf eine bedrohlich wirkende orchestrale Wand, die sich langsam aber stetig nähert und die Gelassenheit des Hörers herausfordert. In “What is this?” fühlt man sich wie von einer rauen verzerrten Flut überrollt. Unter ihrer Wucht wird auch ein wehmütiges orchestrales Ornament begraben, was dem ganzen eine besondere Melancholie verleiht. In manchen der Stücke tauchen die rhythmischen Elemente beinahe unverhofft wie ein deus ex machina auf – das können auf’s Wesentliche heruntergebrochene Midtempo-Drumbeats aus den Annalen des Rock sein, wie sie in “Traces lost in the sand” ein spannungsgeladenes Gemisch aus schwerer Dröhnung und berührenden Streichersounds auflösen. Oder hypnotische Taktung, die im passend betitelten “The Entrance” ein Portal zu öffnen scheint.

Man könnte die vielfältigen Bewegungen der Ereignisse – und ebenso die des verbundenen Auges, das diese durch die grobmaschigen Texturen seines Schleiers zu beobachten versucht – noch weitaus detaillierter nachzeichnen, aber selbstredend kommt es auf diese Details nicht an. Die intensive Erfahrung der Musik dagegen wirkt nach, auch nach dem Verlassen dieser seltsamen Heterotopie. (U.S.)

Label: Doomshire Tapes