Sussan Deyhim und Richard Horowitz verbanden ihre unterschiedlichen musikalischen Hintergründe in einem gemeinsamen Streben nach künstlerischer Freiheit. Deyhim, ursprünglich aus dem Iran, und Horowitz, der durch seine Reisen und Studien in Paris und Marokko geprägt war, entwickelten zusammen eine einzigartige Musik, die verschiedene Kulturen und experimentelle Ansätze miteinander verband. Ihr gemeinsames Album “The Invisible Road: Original Recordings, 1985–1990″, das posthum zu Ehren Horowitz’ 2024 veröffentlicht wird, zeigt ihre kreative Partnerschaft und verbindet traditionelle Klänge mit modernen und avantgardistischen Elementen. Das Album erscheint als LP und zum Download, zwei Tracks sind bereits im Stream zu hören und als Videos zu sehen.

Es war Sussans Idee, dass ein Teil des Erlöses von “The Invisible Road” dem zukommet – einer Non Profit-Organisation, die Musiktherapien an psychisch leidende Kinder vermittelt.

Foto: Laure A. Leber

“Born into a musical family, Ernest Hood began a promising career as a jazz guitarist during the 1940s, touring internationally with his brother Bill Hood and the saxophonist Charlie Barnet, before contracting polio in his late twenties. The disease left Ernest unable to play the guitar and confined him to a wheelchair for the rest of his life. It also forced him to adapt and innovate around his musical practices in the face of adversity; Hood’s value of sound matured with a remarkably democratic and nonhierarchical approach and application. Taking up the zither, a less physically-demanding stringed instrument to the guitar, embarking upon the unprecedented process of incorporating field recordings into his work as early as 1956, and eventually discovering the synthesizer, Hood’s music became imbued with optimism and subtle cultural critique. This ethos and technique – refined over the coming decades – would lay the groundwork for a sprawling body of radio work, mail order recordings for homebound listeners, and Neighborhoods, self-issued as a small vinyl edition in 1975.

Where Neighborhoods, a nostalgic opus, drawing from a well of collective memory of the 1950s, is defined by traces of human activity, Back to the Woodlands leaves the modern world behind, delving into Hood’s love for nature. Only recently discovered in his archives, the album dramatically expands his concept of “musical cinematography,” imagistically triggering states of sensory memory from within its zither and synthesizer melodies, intertwined with field recordings made during Hood’s extensive travels throughout Oregon. If Neighborhoods is a retreat into the gauzy joys of a romanticized past, Back to the Woodlands is an immersion in the timeless sanctuary of the natural world.

A fascinating counterpoint to its predecessor, Back to the Woodlands brings us even closer to Hood’s belief in the transportive qualities of sound; that field recordings could serve as a vehicle for the imagination and liberation, particularly for those with similar mobile disabilities as his own. Across the album’s twelve compositions, the rippling instrumental harmonics -  shifting between abstraction and playful melody – fold so seamlessly into the birdsong, bubbling brooks, and other environmental ambiences, that they often give the impression of having been recording within the landscapes toward which they whisper. Falling somewhere between the immersive calm of healing music and New Age, the creative field recording practices of sound ecologists world building for Folkways, and the jazz infected ambiences during Obscure / Editions EG’s highest heights, Back to the Woodlands sculpts an singular proximity of music for its moment; a form of ambient sonic realism that draws the consciousness toward its surroundings as much as within.

Working closely with his estate to maintain his original vision, Freedom to Spend has restored and remastered this never before released, lost masterpiece by Ernest Hood from the original tapes. Ernest Hood’s Back to the Woodlands will be issued on vinyl, as well as on CD in combination with its contemporary Where the Woods Begin, with new liner notes by Michael Klausman. On behalf of Ernest Hood and Freedom To Spend, a portion of the proceeds from this release will benefit Oregon Wild, an organization dedicated to protecting and restoring Oregon’s wildlands, wildlife, and waters as an enduring legacy for future generations.” (Freedom to Spend)

@ Freedom to Spend

Im Unterschied zu den zwischen Country- und Rock-Elementen changierenden Blood Oranges ist das hier gesammelte Material, das seine Entstehung auch den Aufnahmemöglichkeiten und der Instrumentensammlung der lokalen Bibliothek verdankt, weitaus experimenteller und weist stattdessen eine Nähe zur Neuen Musik dieser Tage auf. “With access to the college’s multitrack recording studios, a lending library of instruments, and an unbridled spirit of experimentation, Cheri and her collaborators created ecstatic amalgamations of minimalism, art

rock, and vocal technique that illuminate a rich Pacific Northwest counterpoint to the parallel New Music scenes of downtown New York and San Francisco”, heißt es dazu beim Label. Die Sammlung erscheint als LP und digital mit Liner Notes von Steve Peters beim RVNG Intl.-Ableger Freedom to Spend.

“While history, both private and public, is scattered with working relationships between siblings that simply didn’t “work,” UMAN’s story is uniquely different and defined by this bond. Danielle and Didier Jean were born and raised in Vallée de Chevreuse, a verdant area south of Paris, where as children they were surrounded by music, singing together in their parents’ car before maturing into musicians themselves. Danielle would develop her voice through vocal groups and choirs, while Didier tried his luck as a bassist. Then a strange thing happened.

As Danielle and Didier grew older, rather than gravitate away from each other (as siblings sometimes do) they found a way to stay in each other’s orbit by creating music together. Before UMAN came to fruition, Didier amassed a collection of field recordings, inspiring by the concept that music could be created, or found, with no set convention or linearity. Drawing further inspiration from the improvisational character of jazz and progressive rock, and gleaning ideas from the visual arts, Didier and Danielle explored sounds existing beyond commonly set scenes in music.

[...] Before Chaleur Humaine debuted UMAN’s work, in 1992, Danielle and Didier recorded two albums of pop songs in professional studios that were released by French record companies though not met with much fanfare. A little later, they built their own studio, at 9 rue de l’Yvette, in Orsay, an intellectually lively, woodsy suburb located south of Paris. There they could create music free from outside constructs or record label expectations. Resources were lean, but they thrived in this setting and freedom. Chaleur Humaine became the byproduct, and more so an expression of resolution and independence. In the almost self-imposed wilderness of 9 rue de l’Yvette, Danielle would come into her own as a singer, using her voice as an instrument. Owing to her studies in Gregorian and gospel music, Danielle’s voice, drawing comparisons to Liz Fraser and Enya, would dissolve into even further esoteric and experimental form when processed through the technology at the duo’s disposal.

Persuading early sampler and rompler instruments from their memory board’s cold hold, on Chaleur Humaine Didier reimagined Danielle’s vocal improvisations in a way that expressed gradients of human warmth. “UMAN Spirit” (formerly “The White Spirit,” now updated for the modern moment), “Human,” and “Atmosphère” were songs from Chaleur Humaine that Didier and Danielle solicited alongside album demos to a few in the French music industry, and which found their way to Gilles Fruchaux, who would release the album on his Buda Musique label. Poetically, it was a record label known for its rich world music catalog that signed a group which reimagined music from around—and beyond—our world into a peerless postmodern collection. Although you might find bits of Chaleur Humaine reminiscent of the works of Giovanni Venosta, Nuno Canavarro, Wally Badarou, and others, UMAN played no role in a zeitgeist. In their own mercurial space and through their own inventions, UMAN performed and collaborated with fringe choreographers, painters, and artists, promoting universality over artistic myopia in music.

There’s a mantra throughout Chaleur Humaine: “It’s this force, almost animal, warm, like a kiss, fresh like the morning dew, that we call human warmth.” It’s this poem, reimagined in various languages throughout the album that binds UMAN and us together. With eyes, ears, and mind wide open, we perceive this universal theme still lingering on in their music, asking us to divine in one another equal inspiration. Although one last thing remains, hinted at in Zad’s wonderful pastel album cover art. It’s an honest question: “Are you ready to embrace it?’” (Diego Olivas)

Porträt © José Gusman

@ Freedom to Spend

“Born in the small village of Vignola in 1955, Popoli grew up with music in his family, and, in the late 1970s, it became his life’s pursuit, enrolling in the Conservatorio Giovanni Battista Martini in Bologna after a brief detour as a law student. Identifying with the Italian counterculture’s rejection of the bourgeoisie, but skeptical of its actors’ preoccupation with drugs and misguided debauchery, Popoli’s own moral compass found direction during a post-graduation trip to India in 1979. Arriving by car through the Khyber Pass, Popoli recalled a journey full of “confirmations and illuminations, but also of disillusion and, I believe, of personal growth” informed by his lone encounters with underserved communities.

Utilizing his relative privilege for good upon returning to Bologna, Popoli promoted the potential of music as a community-building agent, and advocated for the perception shifting advantages of its avant-garde. Exposed to the canon of 20th century new music while at the conservatory, and more importantly, the advancements of western minimalists such as Steve Reich, Philip Glass, and Terry Riley, Popoli aligned himself with a network of composers such as Franco Battiato, Lino Capra Vaccina, and Giusto Pio to establish a new era of radical music, ethos, and innovation in Italian music. No such minimalist scene existed by name at the time though; the tag retroactively pinned to Popoli and his peers’ unassuming position on the periphery of the avant-garde.” (RVNG Intl. / Freedom to Spend)

Porträt © Massimo Trenti

@ RVNG Intl.

Einige der Feldaufnahmen auf „Neighborhood“ waren damals schon alt, andere wurden vermutlich zielgerichtet aufgenommen und ausgewählt, aber das Bild der Nachbarschaft und der dort verbrachten Kindheit hat durchaus Kohärenz: Herumtollende Kinder, verschiedene Gesprächsfragmente, Grillenzirpen, ein bellender Hund, Vogelstimmen und die plätschernden Wellen eines Gewässers tauchen immer wieder aus dem Klanggewimmel auf und schaffen über weite Strecken eine unbeschwerte und oft leicht verträumte Stimmung, die aber vage und verschwommen genug bleibt, um die schöne Erinnerung nicht in sentimentalen Kitsch abdriften zu lassen. Titel einzelner Abschnitte wie „Saturday Morning Doze“, „August Haze“ oder „The Secret Place“ unterfüttern das angenehme Kolorit, und auch die Musik, die wie ein Score immer wieder an bestimmten Stellen auftaucht und die Stimmung akzentuiert, passt gut dazu: liebliches Gitarrenpicking, verspielt nostalgische Synthies, die einerseits die Signatur ihrer Zeit tragen, melodisch aber die Aura vergangener Jahrzehnte haben, kindliche Melodien aus einem Leierkasten. Aufgeweckte Zirkusmusik hebt die Stimmung an, und wenn es auf der Handlungsebene mal etwas turbulenter wird – hupende Autos, laute Motoren und hektische Stimmen – tut dies der Unbeschwertheit keinen Abbruch, und inmitten des musikalischen Strudels fragt jemand, ob die Kinder ein Eis wollen.

Eine Aura von Abenteuer, wie sie unbeschwerten Kindheitstagen anhaftet, umgibt die Aufnahmen, doch in jedem Augenblick, gerade wenn Bilder bestimmter Orte wie die eines kleinen Ladens vor dem inneren Auge auftauchen, wird auch der nostalgische Blick des Zurückschauens deutlich. Die lange vergriffenen Aufnahmen sind nun in remasterter Form wieder erhältlich.

Label: Freedom to Spend

Wenn man dieses Interesse in einen biografischen Kontext setzen will, kommt man nicht an der Arbeit ihrer Eltern als Anthropologen der Universität von Berkeley vorbei. Alfred und Theodora Kroeber forschten umfassend zu den Kulturen der Ureinwohner Kaliforniens, die meist in kleinen, aus einer handvoll Sippen bestehenden Jäger und Sammler-Gesellschaften organisiert waren und die für den amerikanischen Südwesten ungewöhnlich fruchtbare Flusstäler der Region nutzten. Wer die auf der Arbeit ihrer Eltern (und v.a. auf den Aufzeichnungen ihrer Mutter) beruhende Serie Ishi, the Last of his Tribe kennt, hat eine Idee davon, wie wenig dieser Kulturkomplex mit dem Klischee des Indianers mit Zelten, Pferden und Federn zu tun hatte.

Die fiktiven Welten der Tochter, die meist in einer nicht näher bestimmten Zukunft spielen, erinnern häufig an diese Kulturen, wobei die an Kalifornien erinnernden Landschaften keinen geringen Teil dazu beitragen. Ihr 1985 herausgekommener Roman Always Coming Home, der immer noch auf seine Übersetzung ins Deutsche wartet, ist ein besonders markantes Beispiel dafür, spielt er doch in einem zum Teil wieder vormodern gewordenen postapokalyptischen Kalifornien und enthält neben dem Plot ausführliche ethnografische Ausführungen über die Kesh, eine der neotribalen Ethnien, die zwischen Naturverbundenheit und Relikten unserer Zivilisation den Schauplatz bevölkern.

Der Roman enthält im Anhang ein Glossar wichtiger Vokabeln der Kesh-Sprache, dazu Kochrezepte, Abbildungen ihrer Werkzeuge und vieles mehr. Einen besonders großen (und interessanten) Teil jedoch nehmen Lieder und Gedichte der Kesh ein, und schon zur ersten Ausgabe des Buchs produzierten die Autorin und der befreundete Komponist Todd Barton eine Kasette mit Aufnahmen, die das im Roman beschriebene literarische und musikalische Material quasi ethnographisch „dokumentierten“. Vor kurzem sind diese Aufnahmen erstmals auf LP erhältlich.

Interessant ist, wie sehr die räumliche Umgebung, also Natur und Landschaft, auch das akustische Abbild der fiktiven Kesh-Kultur charakterisieren. Immer wieder hört man Grillen zirpen, Frösche quaken, Bäche rauschen und sanft plätschern, und aus den darin verwobenen Geräuschen alltäglicher Geschäftigkeit dringen immer wieder Gesprächsfragmente, längere Vorträge und Gesänge ins Bild, ohne erkennbares Narrativ gereiht und in einer fiktiven Sprache, die stellenweise an Farsi oder an manche slawischen Sprachen erinnert. Manchmal überraschen die männlichen und weiblichen Gesänge, teils solo, teils als Chor, teils schlicht repetitiv, teil als komplexer Kanongesang, mit sehr schönen und freundlichen Melodien, die die sanfte Grundstimmung vieler Werke Le Guins wiedergeben. Nur selten, aber dann umso wirkungsvoller, bricht sich Exaltiertheit Bahn.

Das Pfeifen und Quietschen folkiger Flöten, die sanfte New Age-Aura einiger Harmonium-Drones sowie allerlei Rasseln und hölzern anmutende Perkussion geben der Erzählung einen rituellen Anstrich und lassen die Idee einer Kultur mit stark spiritueller Ausrichtung entstehen. Einen großen Raum nehmen bei all dem eigens angefertigte Schlag- und Blasinstrumente ein, die im Rahmen der Erzählung natürlich Teil der Kesh-Tradition sind. Manche Momente, wenn Stone Telling, die Protagonistin des Romans, am Fluss recht spontan in einen mystischen Gesang einstimmt und die naturverbundene Spiritualität am stärksten zu spüren ist, könnte man glatt vergessen, dass es die Kesh-Kultur nie gegeben hat und die postapokalyptische Ära allenfalls in ferner Zukunft, wenn auch sicher ganz anders, anstehen wird.

Le Guins Talent, kulturelle Feinheiten (auch aus dem Bausteinen überlieferter Kulturen) zu ersinnen, spricht für eine Sensibilität, die inspirierender sein dürfte als vieles, das blutleer und weltfremd auf dem Lehrplänen der Humanities steht, und die belegt, dass ethnographisches und anthropologisches Wissen mehr ist als akkumuliertes Datenmaterial über beinahe komplett Vergangenes. Ganz abgesehen davon sind die vorliegenden Aufnahmen auch aufgrund ihrer sanften außerweltlich anmutenden Schönheit zu empfehlen. (U.S.)

Label: Freedom to Spend