Jetzt mag bei einer Frau, die neben Bratsche auch Harmonium spielt, ein Vergleich mit Christa Päffgen (vielleicht allzu) nahezuliegen, aber vielleicht weniger stimmlich als von der auf diesem Album mit dem gewählten Instrument(arium) erzeugten Stimmung. In Passagen wird man auch an einige Aufnahmen von Tara Burkes Fursaxa erinnert.

Konzeptionell geht es auf ihrem neuen, insgesamt fünften Soloalbum  um den Tod ihres Vaters – das spiegelt sich auch in der Widmung („This album is dedicated to the memory of Edwin Cotton“ )wider.  Das knapp zweiminütige, instrumentale „I Still Know You Are Calling My Name“, mit dem das Album eröffnet wird, ist dominiert von dichten, getragenen Bratschenpassagen, die eine Trauermelodie spielen und die die Stimmung gleich zu Beginn des Albums festlegen. Dann folgt direkt sicher eines der zentralen Stücke des Albums: Cottons Vertonung des wohl berühmtesten Gedichts des „quintessential Romantic poet“ John Clare, dessen Naturlyrik ihn für eine kurze Zeit populär machte. Im Gegensatz zu Zeitgenossen wie Byron oder Shelley kam Clare aus einfach(st)en Verhältnissen und litt unter psychischen Problemen, was dazu führte, dass er die letzten 20 Jahre seines Lebens in Nervenheilanstalten verbrachte. Dort schrieb er auch „I Am“, einen beeindruckenden Text, der das Verlorensein, das Weggeworfensein, die Isolation zeigt: „I am – yet what I am who cares, or knows;/My friends forsake me like a memory lost;/I am the self-consumer of my woes – /They rise and vanish, in oblivious host,/Like shades in love and death’s oblivion lost;/And yet I am! and live with shadows tossed/Into the nothingness of scorn and noise,/Into the living sea of waking dream,/Where there is neither sense of life, nor joys,/But the huge shipwreck of my own esteem“. Cottons Interpretation dieser Krisis in extremis ist ein Klagegesang, untermalt von Harmonium, mit an der Grenze zur Dissonanz schabenden Streicherpassagen, perkussiven Elementen und Vogelschreien.  Während „I Am“ die Worte in den Fokus rückt, ist „What Were Those Words You Spoke To Me“ geprägt von Cottons wortlosem Intonieren und flirrenden, leicht metallischen Passagen, die fast schon an David Jackman erinnern, Glöckchen erklingen.  Auf „The Night It Darkens All Around Me“ verkündet die im Zentrum situierte Stimme Unheimliches, während auf dem kurzen, sicher doppeldeutig zu lesenden „The Final Harvest“ getragene Bratschen, untemalt von spärlicher Perkussion, eine Folkmelodie intonieren. Das dunkle, leicht bedrohliche „A Storm In Morwenstow“ kombiniert wortloses Intonieren mit einer dröhnenden Bratsche, „Springs Of Heather“ lässt ein Klavier Worte begleiten, die davon künden, sie sei „surrounded by death, destruction and loss“. Das kurze „Round Of The Red Cape“ überzeugt mit getragenen Streichern und wuchtigen Trommelschlägen. Darauf folgt das fast schon programmatisch zu lesende „The Gods Laugh At Those Who Make Plans“, das mit Glöckchen, Harmoniumdrones, Perkussion und Klavier das Album nicht vollends finster ausklingen lässt.

“The Gods Laugh” übersetzt zentralste Erfahrungen menschlichen Existierens in neun beeindruckende Stücke. (MG)

Label: Glitterbeat 

Im Zentrum stehen Viola, Harmonium und Cottons entrückt wirkende Stimme, die sich durch langsam driftende, oft meditativ anmutenden, bisweilen aber auch geisterhaften Klangflächen bewegt. Ergänzt werden die Stücke durch Piano, Perkussion, Synthies, Melodica und weitere akustische Instrumente, wodurch ein flächiger, zugleich aber auch körperlich naher Sound entsteht, den Glitterbeat u.a. mit Nico, John Cale und Dorothy Carter vergleicht. Viele der Aufnahmen entstanden laut Label improvisatorisch in wenigen Takes. Gerade dadurch behalten die Stücke, wie es weiter heißt, eine fragile Direktheit, als würden sich Erinnerung, Verlust und Intuition unmittelbar im Klang materialisieren. Inhaltlich ist das Album stark von persönlichen Erfahrungen geprägt, insbesondere vom Tod des Vaters der Künstlerin, dessen Präsenz viele der Kompositionen durchzieht. In diesem Zusammenhang steht auch “I Am!”, einem Gedicht des Romantikers John Clare. Neben Cotton, die Viola, Harmonium, Piano, Hackbrett, Blockflöte, Melodica, gestrichene Becken und Perkussion spielt, wirkt Produzent Mark Nicholas an Schlagzeug, Bass und Synthies mit. Das Album ista uch zum Download erhältlich.

Shabo beschreibt den Ausgangspunkt der Zusammenarbeit rückblickend mit den Worten: “We had played in a lot of constellations where we were pretty boxed in. So, we started experimenting”. Aus ersten Aufnahmen entwickelte sich schrittweise eine größere Besetzung mit Schlagzeug, Percussion, Gitarre, Gesang und Flöte. Fauna verstehen sich dabei ausdrücklich als kollektiver Zusammenschluss und nicht als klassische Band, wie Shabo betont: “It’s more like an organic collective than the usual bands”. Bereits erhältlich ist die digitale Single “Bland träden”, ein tanzbarer Track mit Handpercussion und pulsierender Elektronik.
Parallel zur Veröffentlichung von “Bland träden” bereitet die Gruppe eine Europatournee im Frühjahr vor, die auch Festivalauftritte einschließt. “Taiga Trans” soll laut Label die live entwickelte Arbeitsweise der Band in konzentrierter Form bündeln und erstmals auf Tonträger festhalten.
Foto: Felix Gerlach

Wacław Zimpel, der polnische Komponist und Kopf des Ensembles, öffnet hier gemeinsam mit Shackleton, wie es beim Label sinngemäß heißt, einen neuen Raum zwischen kontemplativer Tiefe und rhythmischer Spannung. Während das Original durch seine helle, organische Energie geprägt war, legt diese Version den Fokus stärker auf hypnotische Texturen, dichte Bässe und subtile elektronische Verschiebungen. Insgesamt entsteht ein außergewöhnliches Projekt zweier Künstler, die elektronische Struktur und akustische Virtuosität in präziser Balance halten. “3 – The Shackleton Versions” erscheint als limitierte LP auf gelbem Vinyl und ist auch zum Download erhältlich.

Auf ihrem fünften Album verfeinern Ana Kravanja, Iztok Koren und Samo Kutin ihren kollektiv geprägten Ansatz und lassen fast zwei Dutzend – teils handgefertigte, teils historische – Instrumente in längeren, strukturell offenen Stücken aufeinander treffen. Die bewusst geführte Melodik und das Wechselspiel aus Weite und Verdichtung verleihen den neuen Kompositionen eine neue Tiefe, die sich offen, doch nie beliebig zeigt. Širom balancieren zwischen rustikaler Melodik, dissonanten Texturen und rhythmischer Spannung. Ihre Musik bleibt experimentell, aber klarer konturiert – meditativ, stellenweise fast ritualhaft, ohne je ins Formelhafte abzugleiten.

Mit ihrer eigenständigen Klangsprache schaffen sie einen Raum, in dem Naturbeobachtung, gesellschaftliche Reflexion und persönliche Erfahrung gleichermaßen Platz finden.

Foto: Nada Žgank

Das Album vereint instrumentale Stücke mit walisisch gesungenen Songs und wurde in Kollaboration mit Ursula Harrison (Kontrabass), Amie Huckstep (Altsaxophon) und Lisa Martin (Drums) live im Studio eingespielt. Die Musik verbindet minimalistische Strukturen, improvisierte Elemente und Einflüsse aus der bretonischen Folkmusik mit Momenten klassischer Harfenkunst. Der Titeltrack basiert auf einer walisischen Volksballade über einen Mann, der durch Engelsgesang in einen jahrhundertelangen Schlaf fällt – eine Geschichte zwischen Märchen und Realitätsverlust, die Hafana nach eigenen Worten vor allem wegen ihres “emotionalen Bogens” faszinierte.

Wie es vom Label heißt, steht “Angel” für eine Musik, die bewusst mit Traditionen bricht, ohne sich von ihnen zu lösen – entrückt, rau, zugleich warm und unmittelbar. Das Album erscheint am 26. September beim Glitterbeat-Sublabel tak:til als LP und zum Download.

Foto: Abby Poulson

Das Baritonsaxofon wird dabei oft eher atmosphärisch eingesetzt – laut Boštjan Simon “manchmal neblig, wie ein Gesang auf manchen Shoegaze-Platten”. Klanglich erinnert das Spiel stellenweise an Blasinstrumente aus dem Nahen Osten, ergänzt durch modulare Synthesizer, raue Grooves und eine ausgesprochen lebendige Schlagzeugarbeit. Komplexe Schichtungen und wechselnde Tempi stehen einer klaren, zugänglichen Produktion gegenüber, in der sich Ernsthaftigkeit und augenzwinkernder Witz nicht ausschließen.

Auch wenn das Saxofon nicht mehr so stark im Vordergrund steht wie bei früheren Aufnahmen, bleibt der Sound der Band sofort wiedererkennbar – urban, elektronisch, energetisch, mit viel Gespür für Dynamik und Verspieltheit. “Kimatika” erscheint am 5. September als LP und zum Download bei Glitterbeat.

Foto: DIC

Das Ergebnis ist ein sensibles, atmosphärisches Werk, das, wie es im Begleittext heißt, Geschichten über Resilienz, persönliche Erinnerungen und Liebe erzählt. Produziert von Ian Brennan, bietet “Rwanda Sings with Strings” eine intime und emotionale Hörerfahrung, die berührt und inspiriert. Das Album erscheint auch als CD und zum Download. Weitete Informationen zur Band finden sich im ausführlichen Begleittext auf Bandcamp.

Viele Stücke basieren auf traditionellen Melodien aus Feldaufnahmen der School of Scottish Studies, andere stammen von Chaimbeul selbst. Besonders auffällig sind die z.T. in Kollaboration mit Colin Stetson aufgenommenen Tracks rund um die Figur der Cailleach Bheurr, die im keltischen Volksglauben den Winter bringt. Ein weiterer Höhepunkt ist das Stück “Duan”, ein rezitierter Neujahrsreim mit druidischem Hintergrund, gesprochen von ihrem Vater Aonghas Phàdraig Chaimbeul. Die vorab veröffentlichte Single “She Went Astray”, eine vokal getragene Tanzweise aus dem Jahr 1934, betont den musikalischen Rhythmus der gälischen Sprache auf hypnotische Weise. Von der Musikerin heißt es: “It’s a music and language that has survived so much and for so long – it’s the music of people. It’s music of the land. And I think it’s extremely relevant to hold on to that and learn from that in current times”. Das Album erscheint als LP, CD und zum Download.

Schon die Vorabsingle “Ah Yallila” zeigt, wie kraftvolle Shouts, arabische Lyrics und treibende Elektronik eine Form von nostalgiefreier Feierlichkeit schaffen, die tief in der lokalen Kultur verwurzelt ist. Die Songtexte thematisieren Liebe, Sehnsucht und das Zusammensein bei Nacht – ein zentrales Motiv, das durch die musikalische Intensität unterstrichen wird. Das rhythmische Zentrum vieler Stücke bildet der sogenannte Fezzani-Takt, ein nur in Tunesien verbreitetes Pattern. AMMAR 808 setzt bewusst auf Rhythmen dieser Art, um die Energie von Feierlichkeiten wie Hochzeiten und andere Events in elektronische Form zu überführen. “Club Tounsi” verleiht einer ehemals marginalisierten Musikform eine neue Bühne. Dass Mezoued-Musik für lange Zeit gesellschaftlich an den Rand gedrängt wurde, wird hier nicht betrauert, sondern in ein selbstbewusstes, körperlich erfahrbares Statement überführt. Das Album erscheint am 23. Mai auf LP, CD und digital.