Die klangliche Kulisse und das, was sich in hinteren Bühnenbereich bewegt, bleibt dabei unverkennbar Temple Music: psychedelisch entrückt, folkig grundiert und immer mal von einer sanft insistierenden, hypnotischen Dröhnung durchzogen. Gleich zu Beginn eröffnet ein spanisch anmutendes Fingerpicking – ein vertrautes Motiv aus “The Greater Whole” –, unter das sich zeitweise vielschichtige Ambientflächen schieben und eine eigentümlich oxymorontische Stimmung bewegter Gelassenheit erzeugen, die Szenerie. Es rauscht und haucht immer wieder, Flöten spielen entrückte, leicht ungehobelte, aber gerade deshalb reizvolle Melodien, während E-Gitarren ornamentale Muster beisteuern, die aus der Ballade einer 70er-Psych-Rock-Band gefallen sein könnten. Glöckchen setzen scheinbar kindliche Akzente, die jedoch schnell eine giallohafte Abgründigkeit entwickeln, Rasseln verleihen dem Ganzen eine rituelle Färbung, und Klavierpassagen öffnen zusätzliche Räume der Nachdenklichkeit.

Die Instrumentierung – Gitarren, Bass, Synthesizer, Mellotron, Vibraphon, Pfeifen, Lautengitarre, Klavier, Hackbrett, Tenorblockflöte, Percussion, Glocken und nicht zuletzt allerlei Küchengerät – knüpft hörbar an den Vorgänger an, ohne sich in bloßer Wiederholung zu erschöpfen. Immer wieder brechen auch lärmigere, ratternde Sounds und hypnotische Taktungen hervor, die die Wahrnehmung schärfen und dem Fluss kleine Widerhaken verleihen. Zu den Höhepunkten zählt das Stück “The Stars”, dessen dichte Dröhnung, ekstatische Flöten und metallisch schimmernde Gitarrenstrummings eine fast trancehafte Intensität entwickeln, deren Echo in “The Greater Whole” ich bereits mit Orchis in Verbindung gebracht habe. Kaum weniger eindrucksvoll fällt die neue Version von “They Have All Gone To The World Of Light” aus – jenem zentralen Stück des gleichnamigen Albums von Twelve Thousand Days, Trenchs anderem Projekt zusammen mit Marty Bates.

Über all dem liegt Alanss Stimme: würdevoll, ruhig, dabei angenehm ungeschliffen und von einer Präsenz, die nie ins Pathetische kippt. Er erweist sich als versierter Rezitator, der den Tonfall von Vaughans Gedichten präzise trifft und ihre Atmosphäre trägt, auch dann, wenn seine Stimme verfremdet wird und sich für Momente in rauschenden Klangschichten beinahe auflöst. Inhaltlich kreisen die Texte – und mit ihnen das gesamte Album – um die Erfahrung einer verborgenen, geistigen Wirklichkeit hinter der sichtbaren Welt. Natur erscheint als Resonanzraum göttlicher Ordnung, während der Mensch zwischen Vergänglichkeit und der Ahnung einer höheren Herkunft steht, was eine u.a. an Gnosis erinenrnde Dimension eröffnet. Zeit und Ewigkeit überlagern sich, der Tod wird nicht nur als Ende, sondern als Übergang gedacht, und Erkenntnis zeigt sich als leise, innere Bewegung, die sich besonders in Momenten der Stille eröffnet. Eine sanfte Melancholie durchzieht das Ganze, getragen von der Sehnsucht nach Rückkehr in ein verlorenes, lichtes Ursprungsfeld.

So entsteht ein Rezitationsalbum, das seine musikalische Umhüllung nicht als bloße Begleitung versteht, sondern als gleichwertigen, atmenden Raum für die Sprache. In dieser gelungenen Verbindung aus Wort und Klang darf “No Mercy Seat Of Gold” durchaus neben Projekten wie Anne Clarks und Martyn Bates’ Rilke-Album oder “The Soul of Romanticism” von Elijah’s Mantle und Ozymandias genannt werden – nicht als bloße Referenz, sondern als eigenständiger, überzeugender Beitrag zu einer kleinen Tradition poetisch-musikalischer Grenzgänge. Wer übrigens Twelve Thousand Days (und den mehrmals erwähnten Bates) schätzt, sollte in den kommenden Wochen bei uns vorbeischauen, denn aus dieser Ecke gibt es auch bereits interessante Neuigkeiten. (U.S.)

Label: Cryptanthus

Vaughan, so viel zum Hintergrund, schrieb vor allem religiös geprägte Lyrik, die das mystische Verhältnis zwischen Mensch und Gott zum Thema hatte, und die neben dem starken Fokus auf Transzendenzerfahrung vor allem auch durch ihre von Naturbildern geprägte Bildlichkeit auffällt. Neben anderen Schreibern wie John Donne zählt er zu den stärksten Stimmen barocker Dichtung auf den britischen Inseln.

Das digitale Album The Greater Whole besteht aus einem einzigen, rund vierzigminütigen Stück, realisiert mit einer beachtlichen Palette an Instrumenten – diverse Gitarren, Lauten und Bässe, Vibraphone, Flöten, Synthiess, Mellotron, Piano, Hackbrett, Perkussion, Glöckchen, Gongs und Tingshas. Es beginnt mit einem verwehten Dröhnen, aus dem sich neben knarrenden Sounds bald eine vermutlich gesamplete Frauenstimme herausschält, die über Erinnerung singt: wenige Worte, vorgetragen in einem Stil, der an Girlie-Pop der frühen Sechziger denken lässt. Eine entspannte E-Gitarre tritt hinzu, begleitet von Rasseln, und schafft eine ernste, nachdenkliche, zugleich aber auffallend gelassene Atmosphäre. Im weiteren Verlauf bimmelt und flirrt es immer wieder; etwas, das wie eine Violine klingt – vermutlich aber keine ist –, zieht wehmütige Linien durch den Raum, Flöten erklingen, und ein regelrechter Goldregen aus glitzernden Klängen scheint sich über das Stück zu ergießen. Die Stimme kehrt zurück, doch schnell wird klar: Dieses Album will nicht um jeden Preis gefallen. Trotz seiner unbestreitbar filigranen Schönheit entsteht kein pittoreskes Idyll, sondern ein bewegliches, sich ständig verschiebendes Szenario. Die klangliche Lieblichkeit hat etwas Schräges, bisweilen sogar leicht Konfrontatives – ein Eindruck, der sich auch aus der permanenten Wandelbarkeit speist. Nichts lässt sich festhalten, alles vergeht und mündet in Neues.

So kann eine plötzlich auftauchende Klaviermelodie zwar romantische Assoziationen wecken, doch ihr Kontext – ein Hintergrundrauschen, das gelegentlich an die Grenze zum Lärm reicht, und der insgesamt dröhnende Grundcharakter – lässt sie eher abgeklärt, fast ironisch erscheinen. Wenn hier Transzendenz aufgerufen wird, dann nicht als kitschige Verklärung, sondern als etwas, das mit einem gewissen Nachdruck, beinahe mit Widerstand, erschlossen werden muss. Und doch bleibt das Ganze wehmütig, schöngeistig: etwa in den Strumming-Passagen auf der Akustikgitarre oder in einer wie von einem wilden Pan gespielten bukolischen Flöte, die zusammen an die verwunschenen Szenarien alter Orchis-Aufnahmen erinnert, jener Band, mit der Trench erstmals einem größeren Publikum bekannt wurde. Besonders hervorzuheben ist auch das kurz darauf folgende spanisch anmutende Gitarrenpicking, das so etwas wie einen barocken Nachhall von Vaughans Geist einfängt und zu den schönsten und eindrücklichsten Momenten des Albums zählt.

Man könnte noch lange über die zahlreichen motivischen Ideen des weitgehend instrumental gehaltenen Albums sprechen, doch letztlich erschließt es sich am besten im Hören selbst. Dass Temple Music erst vor wenigen Wochen ein Studioalbum und eine Compilation über Sombre Sonics veröffentlicht haben und “The Greater Whole” zudem nur eines von zwei Vaughan-inspirierten Projekten ist, unterstreicht die derzeitige kreative Schaffenswut des Duos. Sie scheint ihnen gut zu tun – und dem Hörer ebenso. Begleitend zum album kann man über Bandcamp übrigens noch Originale des Artworks bestellen, die Trench zusammen mit R.Loftiss (The Grey Field Recordings) angefertigt hat. Mehr zu Temple Music in kürzester Bälde. (U.S.)

Label: Cryptanthus

Genauso lief es auch beim aktuellen Album “They Have All Gone Into This World Of Light” ab: Im Laufe der Zeit sammelten sich immer mehr Songs an, teils aus eigener Feder, aber auch neu arrangierte Songs anderer oder Traditionals, die um Themen von Tod und Vergänglichkeit kreisten und einen gewissen Memento Mori-Charakter aufwiesen. Als die beiden dann noch auf das Werk des aus Wales stammenden Metaphysical Poet Henry Vaughan stießen, dem dann auch der Albumtitel entlehnt wurde, zeichnete sich immer mehr die Struktur des nun vorliegenden Albums ab.

Eine nocturnale Dunkelheit, irgendwo im weitläufig labyrinthischen Grenzbereich psychedelischen Ambients und apokalyptisch eingefärbter Folkmusik, zeichnet sich gleich im ersten Stück “The Werwolf” ab, einem viel zu unbekannten Folksong der frühen 70er aus der Feder des amerikanischen Sängers Michael Hurley und zugleich der einzige Song, bei dem Alan Trenchs ungehobelte Stimme im Zentrum steht. Im Vergleich zum fast anheimelnden Original, einem dunkelbesinnlichen Walzer mit Gitarren und Violine, tendiert die 12000 Days-Version in eine nur leicht aber dennoch merklich abstrahiertere Richtung. Die Gitarren, deren metallischer Klang stellenweise fast an den Banjo erinnert, lässt Reminiszenzen an spanische und nordafrikanische Gitarren anklingen, wie man sie z.B. von Richard Bishop her kennt, und verselbstständigen sich immer wieder zu schwungvollen melodischen Ornamenten, während im Hintergrund die Violine zusammen mit einem kratzigen Sturm ein spannungsvolles Sirren erklingen lässt. “The Bitter Withy”, ein gnostisch angehauchtes englisches Traditional vermutlich aus dem 15 Jahrhundert, erzählt eine dramatische Geschichte aus dem Leben des kindlichen Jesus, wie sie im Kindheitsevangelium des Thomas überliefert ist, von dem auch der berühmte “Cherry Tree Carol” inspiriert war. Bates charakteristische Stimme, die weit ausladende Figuren auf die imaginäre Leinwand zeichnet, tritt zusammen mit einer traumverlorenen Querflöte in einen markanten Kontrast mit dem fast trocken klingenden, krautigen Klang eines Hackbretts.

Dieses spröde Moment, das normalerweise eher ein Markenzeichen von Trenchs anderem, vielleicht spontanerem Projekt Tempel Music ist, findet sich hier in einigen der Stücke wieder, so in “I’m not the stranger”, das – nicht primär wegen des Zusammenspiels von elektrischen und  akustischen Gitarren – viel von einem aufs Wesentliche reduzierten Rocksong hat mit einem bluesig angehauchten Takt, der mit Bates’ impressionistischer Stimmarbeit wunderbare Kontraste eingeht. Auch genannt werden kann hier “My golden bird the sun”, dessen akustisches Fingerspiel auch ein bisschen spröde wirkt, und gerade von dem fast schon noisig elektrifizierten Auftakt, der als stabile Grundlage während des Stücks bestehen bleibt, noch unterstützt wird. Vor diesem Hintergrund und der kratzigen E-Gitarre, die sich gelegentlich zu Wort meldet, wirkt Bates sanfte Stimme hier fast etwas aufgescheucht.

Ganz anders, viel offener emotional, gestalten sich Songs wie das sanfte T.Rex-Cover “Evenings of Damask”, aus dessen Sixtiessound ein a capella eingeleitetes, bimmelnd rituelles Interludium wird, oder das auf die Sagenwelt Lincolnshires verweisende “Five and six and seven”, zu dessen Folksound mit Gitarre und Akkordeon noch eine erdende Orgel hinzukommt. Ein Höhepunkt an melancholischer Wehmut ist der auf den besagten Dichter zurückgehende Titeltrack, der sich aus einem gebündelten Ambientstrahl erhebt, in dessen himmelhohe Töne bald Dunkles hineinbricht.

In den finalen Minuten des Albums, in der wieder rockig angehauchten Grummeligkeit von “Your beauty” und mehr noch in dem heiteren “The Green Wood”, kommt wieder mehr Bewegung ins Bild. Das Album endet mit griechischen Instrumenten und einer rasseligen Feier der Welt des Pan, wie um zu demonstrieren, dass das Sterben nicht das einzige ist, auf das man vorbereitet sein sollte. Übrigens haben die Spatzen von den Dächern gepfiffen, dass “They Have All Gone Into This World Of Light” bereits den Embryo eines neuen Temple Music-Albums oder zumindest eines Teils davon enthält. Mehr dazu natürlich, wenn alles spruchreif ist. (U.S.)

Label: Final Muzik