Unter seinem Projektnamen Il Santo Bevitore verbindet Serra auf “Digital Mourners” Feldaufnahmen, Stimmen, traditionelle sardische Instrumente und elektronische Klangbearbeitung. Das Album ist zugleich der Soundtrack zu einem gleichnamigen Kurzfilm und bewegt sich zwischen Geräuschkomposition, Drone, verfremdeten Stimmen und fragmentarischen musikalischen Strukturen. Simone Salvatici (Mandoline), Carlo Spiga (Launeddas und Bena), Rick Jensen (Saxofon) und Luxul (Bratsche) erweitern dabei Serras eigene Klangarbeit. Aus diesen unterschiedlichen Klangquellen entwickelt Serra eine sehr eigenständige und bemerkenswert stimmige Form, in der Überliefertes und Gegenwärtiges unmittelbar ineinandergreifen.

Das erste Movement “Suspension, Empty Earth, Silent Prayer” beginnt mit dem Zirpen von Grillen oder Zikaden, Vogelstimmen, einer vorbeifliegenden Biene und weiteren Naturgeräuschen, die sich allmählich verdichten. Mit Hahnenschrei, Fahrzeug- oder Traktorgeräuschen und später metallischem Bimmeln tritt die menschliche Sphäre hinzu, bevor Donner, Rauschen und menschliche Stimmen das zunächst offene Klangbild abrupt verdunkeln. “The Gesture, The Body of Mourning” setzt diese Spannung mit geloopten Stimmen, perkussiven Impulsen und heftigen Klangereignissen fort, aus denen für einen Moment ein schräges Saxofon hervortritt. Gerade diese Übergänge zwischen vertrauten Geräuschen und zunehmend verfremdeten Klangereignissen sind von großer Wirkung:** “Sonic Memory, Identity, Space Echo Pt. I” beginnt ambienter mit wellenförmigen Streicherflächen und synthetisch anmutenden Klangschichten, doch verfremdete Stimmen, Glockenklänge, melancholisch schräge Saxofonlinien und dumpfe Schläge lassen die Atmosphäre zunehmend desolat und beinahe apokalyptisch erscheinen. Der kürzere zweite Teil führt über alltägliche Geräusche wie Wasser, Schritte und metallisches Hantieren in eine digitale, fiepsende Klangwelt.

“Lament, Vision, Mother & Earth” ist das spannungsgeladenste Stück des Albums. Aus einem zunächst sparsamen Brummen und langsamen Puls entwickelt sich eine immer bedrohlichere Verdichtung aus rasselnden, quietschenden und metallischen Klängen, hechelnden Geräuschen, schrillen Saxofonlinien und eng aufeinanderfolgenden Schlägen. “Return, Embers, Silence” führt schließlich mit melancholischen Streicherflächen zurück zu einer fast entrückten Begräbnisliturgie. Einzelne dumpfe Schläge und weitere, schwer zu identifizierende Geräusche verdichten das Stück noch einmal, bevor Zikaden, Vogelstimmen und Wind die Naturgeräusche des Anfangs zurückbringen und das Album in einem geschlossenen Kreis ausklingt. Dass diese Rückkehr nicht einfach versöhnlich wirkt, sondern zugleich etwas zutiefst Melancholisches und Tröstliches besitzt, gehört für mich zu den stärksten Momenten des Albums.

Der begleitende Kurzfilm wurde in Ulassai in der sardischen Ogliastra gedreht und arbeitet mit langsamen Einstellungen und häufigen Split-Screen-Triptychen. Alte Ruinen, Landschaften, die verlassene Siedlung Gairo Vecchio und ein verwitterter Friedhof bilden den visuellen Raum, während gegen Ende zunehmend Gesichter in Großaufnahme erscheinen. Gerade im Zusammenspiel mit der Musik wird daraus keine bloße Illustration, sondern eine zweite Ebene des Projekts. Bild und Ton verstärken sich dabei gegenseitig, ohne dass eines das andere lediglich erklärt. “Digital Mourners” verbindet damit überlieferte Formen des Trauerns mit einer heutigen, digital geprägten Klang- und Bildsprache. Die große Stärke der Arbeit liegt dabei nicht zuletzt darin, dass Serra aus einem konkreten kulturellen und persönlichen Gegenstand etwas entwickelt, das auch jenseits seines Ursprungs unmittelbar erfahrbar wird.

Der Kreis, den das Album mit den Naturgeräuschen am Ende schließt, macht aus Trauer weniger ein abgeschlossenes Ereignis als eine Form von Erinnerung, die sich verändert und dennoch fortbesteht. “Digital Mourners” ist damit eine ausgesprochen berührende Arbeit über Verlust, Erinnerung und das Fortleben von Stimmen.

Bereits der Auftakt “Your Mum My Mum” wirkt wie ein tastendes Austarieren von Rauschen und feinkörnigen, aber verzerrten Schleifgeräuschen. Rau, unbestimmt, nächtlich, von alarmierendem Charakter, zugleich aber durchdrungen von auffälliger Detailgenauigkeit, enthält jeder Ton, wie es scheint, seinen Platz. Mit “Screaming for Luciana” wendet sich das Duo stärker rituell anmutenden Wiederholungen zu: metallisches Prasseln, ein sich beinahe überschlagender Lärm, begleitet von verzerrtem Shouting, das an Power Electronics erinnert. Textverständlichkeit spielt keine Rolle, dafür die rohe Energie. Hier liegt eine Verwandtschaft mit den perkussiven Traditionen von Bands wie Einstürzende Neubauten, Test Dept., frühen Hunting Lodge oder Officine Schwarz nahe, doch NosoKoma entwickelt eine ganz eigene Handschrift.

“Tranxing King” evoziert zunächst das Bild eines rocknahen Drumdsolos, doch zerreißen harsche Noise-Einschübe jede lineare Struktur. In “Nicht Binär” wiederum entfaltet sich ein verzerrter Lush Noise (wenn ich den Begriff mal zweckentfremden darf), als würden kaputte Boxen Propellergeräusche erzeugen, unterlegt mit verfremdeten Stimmen. Das wirkt monumentaler und surrealer als vieles zuvor und mündet in ein beängstigendes, pochend-prasselndes Crescendo. Mit “The Tear Mountain” setzen NosoKoma auf Stimmengewirr und Drums, halbversteckter Gesang dringt irgendwannen durch eine Wand aus Geräusch, eher auflehnend als resignativ.

Besonders “That Bat Hole” führt in einen infernalischen Sog, wo Beckenspiel, Gelächter und nicht identifizierbare Klänge ineinandergreifen. Sprachfragmente schälen sich heraus, ehe ein Bruch wie ein Fall in den Abgrund wirkt, nur um sogleich von ekstatischen Trommelwirbeln aufgefangen und eingefasst zu werden. Wollten Coil nicht irgendwann mal ein Konzert in einer Höhle nur für Fledermäuße geben? Eine solche Musik hätte ihnen wohl einen Gehörsturz bereitet. “Rituals of Mercy” überrascht daraufhin mit einem klaren, fast tanzbaren 4/4-Takt, kombiniert mit postpunkigem Gesang. “War Is I-Legal” wirkt dagegen wie eine Hommage an die hörspielartigen Experimente von Vivenza, De Fabriek oder Genetic Transmission, bevor es in flächigen Noise übergeht und am Ende auch in diesem die Handschrift von NosoKoma offenbart.

In “Mediterranean Crossovers” treffen abgründige Schreie und rhythmische Strukturen auf ein dunkel knarrendes Fundament, das einen zwiespältigen Groove erzeugt. Mit “Indian Summer” zeigen die beiden einmal mehr, dass lärmige Geräuschmusik auch ohne Rückgriff auf die Regeln ausgetretener Genrepfade funktionieren kann. Knarrige Stimme, blubbernde Effekte und ein leichter Acid-Touch treffen auf abgründige Schreie, als wolle jemand den seinem Ende entgegengehenden Sommer festhalten. “Forever Nigella”, vermutlich launige eine Hommage auf eine englische Kochsendung, schließt schließlich mit einem alles überrollenden Trommelwirbel und einem vielschichtigen Gemurmel, das fast ein bisschen zu heiter wirkt. Eher ein Cliffhanger als ein versöhnlicher Schluss, und man hofft, dass es tatsächlich einer ist. Hab ich gerade Beafpie und Fishcake verstanden?

Dass “Tarantos 20_24″ von einem Duo kommt, dessen Mitglieder längst tiefer in der Experimentalmusik verankert sind, überrascht kaum. José Macabra lehrt Klangkunst und Produktion in London und arbeitet an der Schnittstelle von Industrial, Ritual, Klangkunst eben und experimenteller Elektronik. Nicola Serra, aus Sardinien stammend, heute ebenfalls in London ansässig, ist als Schlagzeuger und Klangforscher seit Jahren aktiv. Mit seinem Festival Dronica hat er eine Plattform für Grenzgänger der elektronischen Musik etabliert, während er unter dem Namen Il Santo Bevitore das Verhältnis von Folklore, Ritual und Elektronik auslotet.

Begleitet wird das Debüt von einer Trilogie kurzer Filme, die das Album cinematisch erweitern. Wie in der Musik werden auch hier Fragmentierung, Auflösung und Konkretion zu eigenen visuellen Motiven, die zusammen mit der Musik einen ganz eigenen Kosmos entstehen lassen.

Label: Phage Tapes

Großbritannien lebende Sarde Nocola Serra alias Il Santo Bevitore mit einer ästhetisch verstörenden Mixtur aus Noise, Drone und experimenteller Klangkunst. Ein DJ-Set von Sasha Kills (Experimental Dark EDM und Hyperpop) rundet den Abend ab. Einlass ist um 19 Uhr, das DJ-Set beginnt um 21 Uhr, die Konzerte starten um 22 Uhr.

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Die erste Saite wird von dem belgischen Duo Aksu gefüllt, das vor zehn Jahren mit dem Longplayer “The Way To Destroy And Create Things” erstmals international von sich reden machte. Was in ihrem Beitrag “Erg Namib” mit rauem gitarrigen Röhren beginnt, entpuppt sich schnell detailreiches klangliches Amalgam, in das sich verschiedene Details harmonisch einfügen. Ihr Mysterium wahren sie aber durchaus: Kleine Soundfragmente, die zwischen der Dröhnung wie rückwärts abgespielt klingen, verweigern ihre Erkennbarkeit, das gleiche gilt für den Inhalt der düsteren Rezitationen, die mit der Zeit grummeliger werden und an Mönchsgesänge erinnern. Zischelnde Becken und andere Spannungsmacher klingen fast, als könnte jeden Moment der versteckte Metaltrack losbrechen, doch das ist nur eine von vielen falschen Fährten in dem Stück, das über okkult anmutende Rasseln, orientalisierende Soli und manche kleineren und größeren Eruptionen eine solide Sogwirkung entfaltet.

Baut diese auch auf einer konstant bleibenden Grundlage von Drone und schleppenden Takten auf, so beeindrucken die drei Stücke der zweiten Seite durch ihre Unaufgeräumtheit und Unberechenbarkeit. Hier trifft der aus Sardinien stammende (und heute in London lebende) Klangkünstler und Folk-Forscher Nicola Serra, der sich (vermutlich in Anlehnung an Joseph Roth) Il Santo Bevitore nennt, auf die Performancekünstlerin Conny Prantera alias The Seer.

In ihrer rund 25minütigen Trilogie beziehen sie sich auf den in dem altnordischen Götterlied Völuspá (“Weissagung der Seherin) beschriebenen Kreislauf des Werdens, Vergehens und neuen Entstehens – schon das ursprüngliche Werden erscheint im ersten Track keineswegs wie ein lieblicher Vorgang: Während aufgewühltes Klingeln und Rasseln wie eine Brandung auf einen zurollt, und eine dumpfe Stimme eine Textpassage rezitiert, erklingt ein chorartiger Gesang, der aus einem Gialloscore stammen könnte. Zwischen kantig-metallischem Rattern und Klappern, das eine interessante Sogwirkung entfaltet, dringen immer neue Textfragmente – no shoes on my feet – ans Ohr. Verschiedene klangliche Details driften auseinander, andere fließen zusammen und verschmelzen, ganz wie es einer Kosmogonie gebührt. Der dem Untergang geweihte zweiter Teil beginnt tatsächlich rhythmisch kohärenter und entfaltet im Verlauf zumindest für eine gewisse Zeit eine starke Eingängigkeit. Diese kontrastiert aber mit allerlei unterschiedlichem Material: Evokative Shouts, dröhnende Motoren, hexiges Zetern und Krächzen, das irgendwann im Rauschen verhallt, ferner die Klänge verschiedener Instrumente wie Akkordeon, Streichern und Gitarre, wenn es nicht akustische Täuschungen sind – all dies zieht einen in einen von Spannung erfüllten und symbolträchtigen Schauplatz, von denen man kaum zu entkommen glaubt.

Hochtönende Synties und ethnolastige Rhythmen befreien einen allerdings aus diesem Fatalismus und führen im dritten Stück an einen anderen Ort, dessen fließendes Klangbild trotz motorenhaftem Gebrumme und schrillen Lärmkaskaden an ein Szenario kosmischer Musik gemahnen. Wenn das Stück endet, befindet man sich wohl mitten im Prozess des neuen Werdens. Was an der Trilogie besonders überzeugt und was auch erheblich zur Eindringlichkeit der Musik beiträgt, ist die Stimmigkeit, mit der die beiträge beider Acts wie eine gut aufeinander eingespielte Band interagieren. (U.S.)

Label: Industrial Coast

Samstag, 23.02.2023
Einlass 20 Uhr
Petersburg Art Space
Laiserin-Augusta-Allee 101
10553 Berlin

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Auf dem neuen Tape “Water and Tears” hat der Komponist und Mehrfachinstrumentalist Nicola Serra, der als Il Santo Bevitore auftritt, eine von schroffen Kontrasten geprägte Welt aus Synthies, Samples und akustischen Instrumenten geschaffen, in deren Ecken allerhand fragwürdiges Geröll die Orientierung zu einer Herausforderung macht, und immer scheint es, als würden Ruhe und Aufruhr einen seltsamen Konflikt austragen und dabei gemeinsam an einem tragischen Narrativ weben. Das hektische Hantieren in den Ritzen des sanft brummenden Drones von “Fractured Belief” wirkt in diesem Sinne fast wie eine invertierte Vorstufe zu dem lieblichen, an eine Spieluhr erinnernden Glockenspiel, dessen Bimmeln fast schon nostalgisch durch eine räudige Welt tänzelt. Im perkussiven “Feral” ist es das Kontrastprogramm einer sanften, kaum hörbaren Flöte und dem Grundmuster einer Art Industrial-Crossover, das die Kulisse für ein mystisches Sample bildet.

In was für einen Film ist man hier geraten? Serra, der gebürtig aus Sardinien stammt und weite Teile seines Lebens dort verbrachte, hat im Vorfeld stark zu einem Thema geforscht, dass in seiner Heimatregion zu einem eigenen Mythos herangewachsen ist – der Geschichte der sogenannten Panas: Frauen, die während der Komplikationen einer Geburt sterben, und den vielen Überlegungen zu den Ursachen, den Folgen und auch den spirituellen Konnotationen einer solchen Begebenheit. Da Serra über lange Jahre auch an den vorchristlichen Mythen Sardiniens geforscht hat, kam dieser Kontext ebenfalls beinahe automatisch hinzu.

Vor diesem Hintergrund erscheint einem die Atmosphäre beispielsweise des Titeltracks schon um einiges klarer, auch wenn man natürlich bei solchen Informationen immer Gefahr läuft, seinen Projektionen auf den Leim zu gehen: Ein sanftes wellenförmiges Loop, das Frauengesang oder vielleicht auch den Hauch eines sanften Windes transportiert, gewinnt hier immer mehr an Dichte und Intensität – der perfekte Sound von etwas, das erwacht oder am entstehen ist. Das Stück steigert sich irgendwann zu einem eruptiven Ausbruch, bei dem Keifen und Krach fast an Black Metal erinnern. Auch ohne die Informationen zum Konzept würde man hier vielleicht das deutsche Idiom einer “schweren Geburt” fallen lassen.

Lärm, kosmische Entrücktheit, Rauch und Hauch, elektrifizierte Gewitter wie Salven aus einer Schnellfeuerwaffe: “Water and Tears” ist alles andere als arm an großen und kleinen dramatischen Momenten. Ich möchte nur noch zwei der besonderen Höhepunkte hervorheben, die sich in der zweiten Hälfte des Albums noch finden. Da wäre “Malin”, das als geheimnisvolle Klanglandschaft mit Saxophon, Klarinette und Textrezitation über einem tief hallenden Abgrund beginnt, bis in der zweiten Hälfte fast so etwas wie Rockdrumming einsetzt. Oder das Finale “Roaming In A Sea Of Blades”, das vor seinem lodernd nächtlichem Schluss noch einmal durch ein Drama aus Glocken, liturgischem Gesang und verzweifelten Schreien geht.

Nicht nur in solchen Momenten ist eine starke Emotionalität zu spüren – dass zugleich durchgehend spürbar ist, wie viel Abeit in dieser ausgesprochen dichten Musik steckt, steht in keinem Widerspruch dazu. Ein beeindruckendes Album! (U.S.)

Label: Opal Tapes