Klanglich prägen tief gestimmte Gitarren, reduzierte Drums und minimalistischer Basseinsatz das Gesamtbild, über dem die markant-heisere und bisweilen dunkle Stimme von Sängerin Euski liegt. Unter den auf englisch, italienisch und deutsch gesungenen Stücken befindet sich auch eine garagige Version von Throbbing Gristles “Discipline”. Die aktuelle Besetzung von Roma Amor besteht aus Euski (Gesang, Gitarre, Drums), der aus früheren Veröffentlichungen auch als Akkordeonspieler bekannte Candela (Bass) und er vor einigen Jahren hinzugekommene Carnio (E-Gitarre). Mit “Back to Dark” setzt die Band ihre Erkundung dunkler, exzentrischer Szenarien fort und eröffnet zugleich ein neues Kapitel ihrer musikalischen Entwicklung. Das Album erscheint als CD beim Wiener Label Klanggalerie, das Cover ziert ein Jugendfoto der Frontfrau.

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Orgelklänge prägen die Atmosphäre vieler der Tracks – mal verspielt-psychedelisch, mal von monumentaler Schwere, mal mit dem gebrochenen Charme eines melancholischen Jahrmarktssounds. Immer wieder entstehen monumentale Momente, getragen von Bates’ unverkennbar entrücktem Gesang. Edward Ka-Spels gesprochene Passagen setzen einen beunruhigenden Kontrast, wenn sich seine Worte über beklemmende Soundscapes legen, die bisweilen einen lärmenden Zug annehmen. “Rain Flowers” versammelt einmal mehr eine beeindruckende Besetzung: Neben Martyn Bates und Edward Ka-Spel sind unter anderem Janet Feder an der Gitarre und Patrick Q Wright an Violine und Viola zu hören. Whitlow selbst steuert Orgel, Akkordeon und Produktion bei. Mit der Beteiligung von Dave-id Busaras (Vocals) und weiteren Künstlern entsteht ein facettenreiches Szenario. Whitlow beschreibt das Album als eine Rückkehr, die Natur und Tradition gleichermaßen verfängt: “So, we arrive again… this time, ensnared in nature’s web, betrothed to tradition”.

Roma Amor, die übrigens nicht aus Rom, sondern aus der Region Emilia Romagna stammen, vereinen die melodische Raffinesse italienischer Folkmusik mit den expressiven Klängen französischer Chansons und Anklängen an europäische Popmusik aus verschiedenen Dekaden. Ihre Lieder sind gleichermaßen romantisch wie ungezähmt und bewahren dabei eine künstlerische Eigenständigkeit, die sie unverwechselbar macht. Vor elf Jahren hieß es bei uns zu ihrem Album “On The Wire”: “Man könnte es sich einfach machen und die Musik von Roma Amor als Chanson oder Folk bezeichnen. Das wäre nicht einmal wirklich falsch, auch wenn der eine Begriff zu speziell, der andere zu allgemein gehalten wäre. Mit ihrem Grundinstrumentarium aus Akordeon und Gitarre und dem leidenschaftlichem Gesang stehen Euski und Michele in einer Tradition, die sich durch das ganze zwanzigste Jahrhundert zieht, bei italienischen Volksliedern beginnt, Abstecher in die Cabarets der 20er und die Music Hall der 60er macht, um irgendwann bei einem frühen Europop zu landen, den schon der Geist des Punk’n’Wave durchweht. Ihre Songs können nett und einschmeichelnd sein, [doch] viele ihrer Lieder haben auch eine derbe, dreckige, ungezähmte Seite, lassen Gestalten zu Wort kommen, wie man sie aus frühen Pasolini-Filmen kennt und versuchen erst gar nicht, diese in eine nette, gemütliche Szenerie zu überführen”. Das Album erscheint als CD und zum Download, und wer südlich der Alpen unterwegs ist, kann die Band am 22. Februar 2025 live im Teatro Gregorianum in Mailand sehen, bei dem Roma Amor gemeinsam mit Camerata Mediolanense, Argine und Ataraxia auftreten werden.

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“Flowers we are consists of the versatile, Serbian-based exceptional pianist Marina Džukljev, the sound architect Matija Schellander on bass and electronics and the cello extremist noid /aka Arnold Haberl. The three musicians move with equal ease, playfulness and elegance from minimal electronic sounds to melodic fragments to orchestral fullness. The trio convinces with the wide spectrum of its musical languages. Marina Džukljev is a pianist and educator renowned for her dynamic performances in free improvisation, classical, contemporary, and applied music. With numerous awards to her name, Marina has passionately explored contemporary and free improvised music, collaborating with a diverse array of global artists and ensembles. Her innovative approach and dedication to exploring new sonoric possibilities of piano playing are evident in her wide-ranging performances across prestigious festivals and venues worldwide. Matija Schellander is a composer, double bassist, and electronic musician. He works with experimental music, improvisation, and electro-acoustic sound, focusing on the interaction between sound and space. His projects range from solo performances and ensemble compositions, music for theater and radio. Through cello, electronics, studio manipulation and more, Arnold Haberl aka noid produces music of intrigue and beauty, that interrogates our own sonic perception whilst retaining an almost violent intensity. His work on the cello draws forth sounds that are far from typical, sometimes evoking the shifting and shimmering soundscapes of granular synthesis”. (Klanggalerie)

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“This project started four years ago with the intention of rediscovering the messages behind a book that seems never to be truly understood but somehow appears as an evergreen source of purity, a message of hope for humanity that seems to forget its real motivations. Even during his lifetime Zarathustra himself, as written in the Avesta, was always opposed by the mediocrity of the common thought of his contemporaries, fighting against ritualism, respecting animal life and nature especially in a period in which non-violence was not even idealistic. Four different languages to give a multicultural vision of Nietzsche’s text from four important old and new cultures, somehow connected to that book: the German, the English, the Iranian and the Russian one. For Nietzsche “Der Grosse Mittag” was a secondary option for the title „Also Sprach Zarathustra“ as achievement of awareness of the non-existence of any form of dualism of reality”. (Mirco Magnani/Undogmatisch/Klanggalerie)

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1986 für das im Alleingang produzierte Tape “Jesus Wept”, das 2019 auf CD wiederveröffentlicht wurde. Im Anschluss relativierte er das Projekt im Bandformat und ließ bisher – in Mailart-Manier, da die beteiligten an verschiedenen Orten auf zwei Kontinenten leben – zwei Alben entstehen, die im weiten Feld surrealer, kratzig dröhnender Soundscapes und und abgeklärt-melancholischen Songansätzen rangieren, “Seeing it Alone”, das ersten Album der aktuellen Ära, wurde auf unseren Seiten beschrieben als “Sammlung großartiger Antihymnen, deren filmtaugliche Substanz aus Orgeln, Streichern, Piano und einigem mehr von den zwei Sängern mit den alterslosen Stimmen in eingängiges Songmaterial verwandelt wird”. Das neue Album erscheint wie seine Vorgänger auf CD bei Klanggalerie.

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Bul Bul, Fuckhead und dem legendären Vegetable Orchestra oder machten in Kollaborationen mit Ken Vandermark, Mats Gustafson u.a. von sich reden. Das Label beschreibt die Band als “free jazz trio that isn’t afraid of being groovy” und betont den reichhaltigen und zugleich unberechenbaren Charakter ihrer ihrer meist leichtfüßigen Musik: “All three musicians are happy to swap roles in their trio, therefore abstract experimental sounds have the same place in their repertoire as groove and melody”. Das Album erscheint bei Klanggalerie. 

precise playing, intensity, spontaneity and a great sense of musical humour”, heißt es beim Label. “Radical playing techniques, curiosity and the exploration of sound possibilities create constant tension. Their first trio release Animals brings together 13 tracks full of twists and turns, creative lightness and complex virtuosity”. Das Album erscheint auf CD und zum Download und wird demnächst auch Thema auf einer Sudden Infant-Europatour sein.

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mit Sänger und Gitarrist Marcello ‘Spectre’ Fraioli und Keyboarder Toni ‘THX’ Pettini die Bühne mit Der Blutharsch And The Infinite Church Of The Leading Hand teilten. Gespielt wurden Stücke aus allen der eher songorientierten Phasen der Bandkarriere: 1. Datemi Pace 2. Vanita 3. Falce Svastica E Martello 4. Ombre Nel Silensio 5. Figli Di Nessuno 6. Tempi Duri 7. Baltikum 8. Uomini Perduti 9. Amanti Tristi 10. Cuore Nero. Das Album erscheint auf CD.

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“Tiphaine” offenbart ein auf subtile Art vielschichtiges Stimmungsgemisch, das irgendwo in dem weiten Feld zwischen Spannung und einer gewissen Wehmut seinen Ort sucht und auf ganz reizvolle Art nie wirklich festzulegen bereit ist. Die Sammlung ist gerahmt von dem hochtönenden “Sur les Ailes”, dessen melodramatische Violinparts eine feierliche Ernsthaftigkeit betonen. Doch hat dieser Auftakt auch eine gewisse Schrillheit, die das ganze nicht zu schöngeistig wirken lässt, und irgendwann kommt sowieso eine aufwühlende Dramatik ins Bild, die jeder allzu friedvollen Besinnlichkeit eine Absage erteilt.

Dieses leicht Episodische, das innerhalb der einzelnen Stücke immer mal Tempo, Instrumenierung und Stimmung verändert, ist ein weiteres Merkmal der Musik. So variiert “Les Vagues à Venir”, das mit einem Tusch und bassunterlegten exotischen Rasseln beginnt zwischen (post-)punkiger Weltmusik und einem imaginären Filmscore dank melancholisch anmutender und leicht orientalisierender Streicherparts, deren Wehmut sich auf wundersame Weise mit einem hypnotisierenden Groove verträgt. Der Wechsel zwischen dem dunklen Pathos tieftönender Celloparts, aufwühlender Entgrenzungen und den Ornamenten einer lamentierenden Violine macht “Dans L’Air Absent” zu einem interessanten Narrativ, zu dem das kurze Interludium “Il y a des lèvres et des yeux”, bei dem schnell aufeinander folgende Töne mit beinahe orchestraler Wucht nach nach vorn preschen.

Immer wieder ereignen sich Momente starker Spannung, bei denen gerne in die Schatzliste filmisch-theatralischer Formen gegriffen wird. So erinnert “Au rythme d’un vent” mit seinen expressiven Geigen, seinen Rasseln und der pochenden Perkussion fast an einen leicht osteuropäisch angehauchten eurowestern mit Morricone-Soundtrack erinnerrt. Dabei lebt die Spannung auch sehr stark davon, das in den repetitiven Mustern nichts so monoton ist, wie es vordergründing scheint und immer wieder kleine Unregelmäßigkeiten ihren Raum haben. Schon deshab wird man nicht ganz “kalt erwischt”, wenn sich irgendwann ein weiterer, ganz anderer Rhythmus hinters Bild schiebt und einen Szenenwechsel einleitet.

Ein letzter Höhepunkt, bevor das Album mit einer kürzeren Version von “Sur ses Ailes” zyklisch endet, ist “Les dimanches glissants”, das wie ein höfischer Tanz aus einer unbekannten Tradition beginnt und nach und nach in ein Narrativ überleitet, in dem alle melancholischen, spannenden, exotisierenden, aufwühlenden Momente, die “Tiphaine” ausmachen, noch einmal auf die Bühe kommen, um sich gebührend zu verneigen. (U.S.)

Label: Klanggalerie