alchemistisches Ritual durchgeführt und von Musiker und Studio-Legende Paul Beauchamp in zwei seitenfüllende Tracks verarbeitet wurde. Neben der Larsen-Performance standen spezielle Sound-Totems Sciaffaras sowie kulinarische Kreationen von Chefkoch Gabriele Gatti im Zentrum der Show. Als Instrumentalisten fungierten Fabrizio Modonese Palumbo, Marco “Il Bue” Schiavo, Paolo Dellapiana und Roberto Maria Clemente. “Golden Leaf” erscheint als CD und zum Download.

Weitere Informationen @ Important Records

Ein pfeifender Sinuston eröffnet das Stück, gehüllt in warmes, mehrschichtiges Dröhnen. Hall erzeugt schnell die Illusion eines weiten Raumes. Dort zeichnet sich ein leises Rauschen ab, das schnell zu einem tosenden Wind anwächst, der durch ein wüstes Land fegt. Nach dieser Dramatik folgt der erste Bruch eher unsanft und leitet doch über in die fragilsten Tonfolgen auf einem Fender Rhodes-Piano. Fast käme dabei das perfekte Idyll zustande, doch in der mollastigen Melodie und der verlangsamt wirkenden Gangart steckt auch etwas Gespenstisches.

Wie in einem Panoramakino der Klänge gleiten immer wieder neue Motive ins Bild: monumentale Synthieflächen, seltsam pochende Herzschläge, Grillenzirpen, ein hochtönendes Schwebedrone, das sich eine Weile der Monotonie gönnt. Irgendwann kehren alle Details zurück, in unregelmäßiger Folge und immer etwas anderer Verfremdung, das Rauschen und Dröhnen wechselt die Klangfärbung und tönt an manchen Stellen elektrifizierter als sonst. Das eigentliche Leitmotiv in dem ständigen Gestaltwandel jedoch ist die Offenheit und Unbestimmtheit, die sich wie ein roter Faden durch die Episoden zieht und das Stück in Spannung hält.

Offen und unbestimmt scheint auch eine besondere Referenz in dem Stück, denn die bezaubernde Melodie des Fender Rhodes ist dem Culture Club-Song “Victims” entnommen, aber derart variiert, dass es vermutlich nur wenige erkannt hätten. Das legt die Frage nah, wieviel unterschwellige Verweise in der guten halben Stunde noch versteckt sein könnten – wie immer die Antwort ausfällt ist “The Insincere Sympathy…” ein würdiger Nachfolger des vor drei Jahren erschienenen “Doropea”, mit dem FMP damals sein Repertoire neben Bands wie Larsen und Blind Cave Salamander oder seinem etwas songorientierteren Projekt (r) um eine experimentierfreudige Note bereichert hat. (U.S.)

Label: Delete Records

Es fällt nicht leicht, Annies meist farbenprächtige Bilder mit gängigen Kategorien zu beschreiben, auch wenn Einflüsse der Folk Art, des Kubismus und mexikanischer Traditionen erkennbar scheinen. Einzelne Motive wiederholen sich allerdings in zuverlässiger Regelmäßigkeit: monolitische Stadtlandschaften, starre, starrende Skylines, deren dystopische Ausstrahlung aber durch die vitale Farbgebung ebenso durchbrochen wird wie durch die bunte Vegetation, die Spuren eines paradisieschen Urzustandes inmitten der urbanen Wüste hinterlassen. An ihrer Statt kann auch die buchstäbliche Wüste des amerikanischen Südwestens mit ihren bizarren Felsen den Schauplatz bilden. Heiligenfiguren in einem eigenen ikonenartigen Stil tauchen all dies in eine Atmosphäre empathievoller Gelassenheit. Ein durchweg spiritueller Zug prägt ihre Arbeiten, fast jedes ihrer Sujets zeigt mehr oder weniger deutlich gelungene Transformationen. Annie bezeichnete einmal Gott als das A und O ihres Werks.In unserem vor fünf Jahren geführten Interview betonte sie ihren autodidaktischen Hintergrund und ihr spontanes Arbeiten: „Mein Haupteinfluss sind Formen. Deshalb male ich gerne Gebäude und Felsformationen. Und dann sind da meine Heiligen, sie kommen einfach zu mir. Ich beginne einfach zu malen, ohne etwas Bestimmtes im Hinterkopf. Ich habe das Glück, überhaupt keine Ausbildung zu haben, so weiß ich es nicht einmal, wenn ich die Regeln breche“. „Meditation in Chaos“ gibt auf 84 Seiten einen Einblick in diesen Kosmos.

„Nowadays terms like ‘legendary’ and ‘star’ have all but lost their meaning, nevertheless Editions Timeless are proud to present the first ever artbook by a truly stellar legend, the original dub diva: Little Annie Anxiety Bandez! Little Annie is loved and adored for decades of inimitable torch singing, the list of her collaborators reads like the who’s who of out-there music. Annie has been painting and taking photos for years, her motifs include iconic religious imagery, the brooding skyscrapers of her former home NYC and intricate floral compositions.’Meditation In Chaos’ presents a glimpse at all of these and much more. The book features an introduction by her friend Penny Rimbaud of Crass and several stunning portraits of Annie herself.Apart from the standard hardbound version of the book there are three limited art sub-editions featuring original art presented in a ribboned folder.“

Published by Timeless Ed. – 2016 – France
21 x 29 cm – 84 pages in colours – Hardcover

Meditation in Chaos @ Timeless Ed.
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Interview

Man muss dazu sagen, dass die Angaben, die die Band um Fabrizio Modonese Palumbo über die Geschichte macht, nicht weit über diese kurze Zusammenfassung hinausgehen, aber das macht nichts, denn das musikalische Narrativ, das sie auf ihrem derzeit wieder rein instrumentalen Album entwerfen, lässt an emotionalem Reichtum kaum Wünsche offen. Am Ende fällt auf, dass man den ominösen Grog Vim ganz vergessen hat, aber irgendwie hat man zugleich das Gefühl, einiges über die Geschichte zu wissen.

Larsen, diesmal nur vom Swans-Drummer Thor Harris unterstützt, arbeiten mit vertrauten Mitteln, und es ist schön zu sehen, dass sie nach einer Zeit intensiver Kollaborationen mit Sängern wie zuletzt Little Annie, immer noch das können, was ihre klassischen Arbeiten ausmachte: Mit auf den ersten Eindruck recht einfachen Mitteln wie repetitiven Rockstrukturen, anrührenden Pianopassagen, spacigen Synthies und einer subtilen Steigerung von Fülle und Intensität eine Stimmung zu erzeugen, die nicht primär zur Konzentration einlädt, die aber eine fast meditative Wirkung erzeugt, wenn man die Konzentration aus eigenem Wunsch vornimmt.

In der Musik, die gerne ein bisschen wehmütig, doch nie klagend und immer genügsam rüberkommt, wirkt alles stimmig und jeder Ton scheint an der richtigen Stelle zu sitzen. Und doch gibt es eine Menge, über das man auf Grog Vims Reise von der Geburt zur finalen entgrenzten Mondfahrt stolpern kann: Treibende Snares und überraschend lärmendes Scheppern und Rauschen, zudem drängendes, disharmonisches Feedback, fast metallastige Passagen – viele Details, die die noisigen Anfänge der Band in Erinnerung rufen. Aber ebenso Schöngeistiges, das an traditionelle Instrumente aus verschiedenen Kulturen erinnert, manchmal sogar Einsprengsel, die wie das Summen menschlicher Stimmen klingen. Viele der musikalischen Motive werden auch eher „sanft“ angedeutet, wecken Assoziationen und verschwinden wieder im Fluss der weiterziehenden Musik, aber ähnlich wie bei Kafkas „Proceß“ bemerkt man das Fragmentarische nicht unmittelbar.

All dies ist schon deshalb erwähnenswert, weil es so gekonnt in den harmonischen Fluss der Musik eingebettet und auf die Reise mitgenommen wird, aber auch weil es den jeweiligen kleinen Wegstrecken, die die einzelnen Stücke darstellen, eine spezielle Kulisse mit eigenen Farben und Figuren gibt. Über den Helden muss man dabei nicht viel Worte verlieren, und Larsen haben ihm sicher nicht grundlos ein Instrumentalalbum gewidmet.

Übrigens gab ich früher immer den Alben bzw. Tracks den Vorzug, bei denen die Turiner mit Gastsänger(innen) arbeiteten. Während Larsen und David Tibet meines Erachtens nur bedingt funktionierten, überzeugten Jaboe etwa und Little Annie in diesem Kontext besonders gut, man denke nur an das Album „Le Fever Lit“ mit dem großartigen Song „Lefrac City Limits“. „Of Grog Vim“ lässt mich diesen Eindruck jedoch leicht korrigieren, nicht nur weil hier nichts fehlt, sondern auch weil die Band so ganz mit sich allein einen noch besseren Blick auf das Wesen ihrer Musik offenbart. (U.S.)

Label: Important Records

In diesem Sinne ist „Asperities“ auch eher so etwas wie ein Konzeptwerk als z.B. das genannte „Delay“, auch wenn dessen Thematik – die Erfahrung des Wartens im Transitraum internationaler Flughäfen – greifbarer erschien als die vage Andeutung von Spannung und Konflikten, die Julia in den liner notes vornimmt. Auch der Titel, der im deutschen so etwas wie „ungünstige Voraussitzungen“ bedeutet, unterstreicht dies, ohne es merklich zu konkretisieren. Der starke Zusammenhang wurzelt in anderen Komponenten: Da wäre einmal die dunkle, abgeklärte Stimmung, die sich durch alle Stücke zieht und ihnen doch die Aura einer besinnlichen Genügsamkeit verleiht. Ebenfalls wäre da die beinahe dramatische Organisation des stets veränderlichen Tempos, das zusammen mit den Titeln, die sich auffallend oft auf Räumliches und auf Bewegung beziehen, die Vorstellung einer Handlung in einem Schauplatz evoziert, mag beides auch vage und abstrakt bleiben.

Dass das Album ganz leise beginnt und der erste Song sich fast schleichend auf den Hörer zubewegt, trägt irgendwie schon seinem Titel Rechnung, der auf eine schöne Pflanze mit einem schleichend wirkenden Gift deutet. Ist der Song erst einmal auf seinem Plateau angekommen, bringt Julia mit ein paar langen und tiefen Strichen die ganze Erhabenheit der Musik mit einem mal auf die Bühne: die ungekünstelte Einfachheit der Tonfolgen, die nichts vermissen lassen, der ernste Fatalismus, der dieses Album so deutlich von seinen Vorgängern unterschiedet und nicht besser in den trüben Spätherbst passen könnte. Ganz langsam zieht die Musik an, und wenn das folgende „Lac des Arcs“ das Konzept wieder anders zusammensetzt und mit einer monotonen Dröhnung unterfüttert, ist vielleicht der eine oder andere Groschen mehr für die besondere Stimmung des Albums gefallen.

In den folgenden Stücken wird immer deutlicher, dass es in „Asperities“ um einen Aufbruch geht, mag sein Beginn auch von Gift durchdrungen sein, mag der Weg sich noch so sehr durch unwegsames und gefahrvolles „Terrain“ (wie eines der Stücke heißt) schlängeln und keineswegs linear verlaufen. In der Mitte des Albums stehen Rhythmen als Bewegungsmotoren im Zentrum, in „The Leopard“ und (das mich leicht an Sieben erinnernde) „Flag for No Country“ noch in Form dezenter Pizzicati, die zuerst von wehmütigen Strichen, später von allerhand gesampleten und perkussiven Spannungsmachern begleitet werden, im energiegeladenen „Terrain“ dann durch hypnotische Bässe und an Metallfedern erinnernde elektronische Rhythmen.

Während das schicksalsschwere „Empty States“ durch sein kraftvolles Downtempo dem retardierenden Moment trotzt, gibt sich ihm „Heavy Eyes“, das auch im Titel das Räumliche loslässt, vollends hin und offenbart sich als berührende Ode an einen erlösenden Schlaf. Nach diesem kurzen Idyll jedoch geht die Fahrt weiter, stets im Halbdunkel, und „Invitation to the Voyage“ leitet über in das Finale „Tramontana“, das mit seinen Loops, die wie der Beginn von etwas Endlosem klingen, aber so gar nicht final anmuten. Tramontana heißt auf Italienisch auch ganz passend „Über die Berge“.

Auch nach mehrmaligem Hören erscheint „Asperities“ als ein äußerst ambiges Werk, doch darin liegt auch seine Stärke. Es inszeniert eine Reise in eine Art Herz der Finsternis, in dem an alle Wände Julia Kents alter Slogen „It’s not ideal…“ gepinselt ist. Doch der Trip streift Orte von ungewöhnlicher, melancholischer Schönheit, hält Momente von beeindruckender Energie bereit und kommt v.a. nicht zum Stillstand. (A. Kaudaht)

Label: The Leaf

Auf eine gewisse Weise gibt “All About Satan” nicht nur das Bizarre, sondenr auch die schiere Unübersichtlichkeit des Gegenstandes wieder, denn im Verlauf des Albums reihen sich musikalische, textliche, bildliche und filmische Zitate (die nicht zwangsläufig mit dem Teufel zu tun haben müssen, mit Palumbos Idee dazu aber in Bezug gesetzt werden können) aneinander, und bei der Suche nach dem musikalischen Ort des Ganzen sieht man sich so mancher Finte ausgesetzt. Mag der kleinste gemeinsame Nenner auch die grosteske, bisweilen schalkhafte Düsternis sein, so manifestiert sich diese jedoch in äußerst welchselhafter Gestalt: schwere Drones und infernalischer Soundbrei, gruselige Kinderstimmen und grummelige Spoken Words, groovige Jazzklänge und Black Metal-Gekeife – all dies reicht sich hier die Hand, um die Gestalt des Albums in steter Transformation zu halten.

Dabei beginnt zunächst alles so trügerisch schön mit dem shmoothen Bowie-Cover “Five Years” und Palumbos Stimme, die ganz nah am Ohr und ultrarelaxt die Zeilen zu stilvollen Twangs vorträgt, doch schon dieses intime Idyll wird konterkariert durch anstrengende Backing Vocals und eher störendes Pfeifen und Rattern. Gerade die stärksten Songs leben von dieser ständigen Gratwanderung zwischen Wohlklang und Disharmonie, in der hypnotisch pulsierenden Interpretation des Klassikers “Bolero Triste” sind es unheilvolle Schleif- und Kratzgeräusche, die nach einiger Zeit jedoch mit einer groovigen Orgel verschmelzen und in eine orientalisch anmutende Melodie übergehen. Weitere atmosphäriche Highlights sind die um eine Rede aus John Boormans Film “Zadok” gebaute Perkussionsnummer “Oslide Sint Verlac Pink ” und “Moira’s Hands”, das mit einer Sopranstimme und einem pittoresken Wolkenbruch die Stimmung von Gothic Horror-Filmen a la Sergio Martino in Erinnerung rufen.

In all seinen schwierigen und grotesken Seiten ist “All About Satan” allem voran eine gelungene Kraftplatte, für die (r) und für den Feinschliff der immer zu Unrecht als Softie verschriene Jamie Steward (Xiu Xiu) Anerkennung verdienen.

Label: Cheap Satanism Records

Das Stück, das die erste Seite ausfüllt, zeigt „Doropea“ von seiner gemächlichen Seite, lässt zunächst nur monotones Brummen erklingen, erst durch ein paar sorgsam dosierte Anschläge am Klavier und das dezente Summen eines Streichinstrumentes kommt etwas Bewegung ins Bild – das könnte der Hintergrund sein für den Auftritt eines der vielen Gastsänger, die in Palumbos früheren Arbeiten – man denke an Little Annie, Michael Gira, David Tibet, Ernesto Tomasini – oft erst für Dramatik sorgten, doch diesmal nimmt der Musiker selbst den vorderen Bühnenbereich ein und geht weitgehend instrumental zu Werke. Erst mit der Zeit merkt man, dass auf diesem Weg eine melodische Spannungskurve aufgebaut wird und das Klangbild sich in seiner Dichte steigert. Zu einer unerhörten Begebenheit kommt es jedoch nicht, zu gut fügen sich kleine Klavierakkorde, die wie Stromschnellen anmuten, und das Knattern undefinierbarer Soundquellen in den Fluss der Klänge ein.

Dass „Doropea“ v.a. live ein Kracher ist, dankt sich der zweiten Seite, die sich im Laufe der Komposition wesentlich dynamischer gestaltet, auch wenn sie zunächst ganz anders, nämlich mit einem zünftigen Schnarchen beginnt. Wabernde Orgelklänge bringen eine amerikanische konnotierte Edward Hopper-Stimmung ein, die sich sonst eher auf seinem Coypu-Projekt mit Ben Chasny und anderen findet, aber auch in einigen der vokallastigen Stücke aus Palumbos Liverepertoire, bei dem er wie ein Leonard Cohen-Zombie durch ein merkwürdigen imaginären Roadmovie torkelt. „Doropea pt. 2“ ist rauer und sampleorientierter, die tremolierenden Orgelklänge und das rhythmisch Wasserrauschen sorgen für eine Hypnotik, die gegen immer mehr anschwillt und sich in sturzbachartigem Lärm entläd. Aqua Alta im Piemont?

Gerüchten zufolge soll es von dem Tape noch das eine oder andere Exemplar geben, der Rest ist bandcamp und in jedem Fall ein Release, dass sich dazu eignet, Palumbo als Solomusiker kennen zu lernen.

Label: Old Bicycle Records

Dass das Konzept aufgeht, hat zweierlei Gründe: Der wichtigste ist struktureller Natur und zugleich ein Resultat der Klangwahl des italienischen Trios. Father Murphys Musik ist kollagenhaft, und im Zentrum steht meist das musikalische Einzelmotiv, das klangliche Objekt. Ob es sich um markante Bassläufe, diverse Tapeloops, wilde Trommelwirbel oder andere Perkussion handelt – ebenso wie der wilde Klangegesang Freddie Murphies stehen sie primär für sich, und fungieren erst in zweiter Linie als Teil eines kompositorischen Zusammenhangs. Wo ein bestimmtes Motiv hingehört, ist relativ offen, und dies ohne viele Cut-ups und in einer enorm energiegeladenen Livestimmung zustande zu bringen, zählt zu den Stärken der Band. Der andere Grund liegt in der streckenweise skellettierten Gestalt der jeweiligen Stücke.

Father Murphy haben einen Hang zum Monumentalen, eine treibende Energie, die in ihrer Eindringklichkeit überschäumendes Pathos zulässt und es zugleich durch eine krude Unverblümtheit eindämmt. Diese Eigenschaft lässt mich, trotz unterschiedlicher musikalischer Mittel, oft an Swans und Angels of Light denken, und es ist bemerkenswert, dass dies auch in den weniger fülligen Momenten der separaten Stücke gewahrt bleibt. Wie gewohnt bilden scheppernde und dröhneden Sounds die Kulisse für eine ganze Reihe an Motiven, die wie kurzerhand aufgeschnappte Zitate auf die Bühne geworfen werden: Mal ist es eine Klarinette, mal sind es feierliche Bläser, mal etwas weniger feierliche, aber nicht minder blecherne Klänge, die entfernt an ein Saxophon erinnern, und immer wieder werden sie von einem zackigen Schlagwerk durch die Szenerie getrieben wie eine Parade zombifizierter Cheerleader.

Stimmen erklingen allerorts, vermitteln einen kurzen Eindruck von Orientierung, der sich allerdings als Illusion entpuppt. Sie erklingen in Form von amerikanischen Radiosamples, von unterschwelligem Grummeln, von sakralen Chören und nicht zuletzt in der Gestalt von Freddies entgrenzten Schreien und dem Gastbeitrag von Sänger Ezra Buchla (Gowns). Als „downward spiral“ verstehen sie laut Booklet ihre Herangehensweise, im krassen Unterschied zum Loop, der in ihrem Verständnis eine religiöse Struktur hat. Father Murphy dagegen sei das Gegenteil eines Glaubensbekenntnisses, vielmehr die Inszenierung des eigenen Kollaps. Der allerdings kann mit sowiel Wut im Bauch nicht anders als triumphal ausfallen.

Label: Boring Machines/Aagoo Records

Das Albumdebüt „Messier Objects“, benannt nach einem vom Astronomen Charles Messier zusammengestellten Katalog an Himmelskörpern, ist ein merkwürdiger, aber keinesfalls reizloser Hybrid aus poppigen, melodramatischen Songsansätzen und gewagten Klangexperimenten, bei denen Musical-Pathos, dröhnende Klangflächen und deftiger Bluesrock keine Gegensätze darstellen. Dass alle Beteiligten in unterschiedlichen Kontexten aktiv sind, mag seinen Teil zu dem beeindruckenden Stilhybriden beitragen, mehr noch allerdings scheint mir der Spaß am Zerlegen von Songstrukturen der Hauptgrund für das irgendwie dann doch harmonische Durcheinander zu sein. Der Titel des Openers „Dolci Momenti“ ist dabei nicht einmal ironisch zu verstehen, denn trotz des schrägen Bläsereinsatzes ist der Auftakt ein schönes Variete-Stück, der sirenenhafte Gesang zeichnet Tomasini einmal mehr als großartigen Falsettsänger aus. Die Reminiszenzen an Kleinkunst, bei Tomasini ohnehin nichts seltenes, kommen mehrfach zum Zug, vielleicht am Gelungensten im balladesken, ja fast hippiesken „Under Here“, dessen trauriger Text in der ergriffenen Stimmung paradoxerweise etwas Erhebendes bekommt.

Dass es auf „Messier Objects“ u.a. um die Dekonstruktion von Popstrukturen geht, wird am deutlichsten in zwei Coverversionen, die zudem zeigen, dass das Zerlegen und Neu-Zusammensetzen von bekanntem Material zu ganz unterschiedlichen Resultaten führen kann. Die Interpretation von Duran Durans „The Chauffeur“ verleiht dem Song vor allem etwas Überreales. Von der Klangfülle her wirkt der Song gewollt unfertig, und auch kompositorisch meint man Züge eines verfremdend Provisorischen zu erkennen. Wenn sich die klanglichen Leerräume mit Palumbos psychedelischem Orgelspiel und den stets nur ein Stück überdreht wirkenden Falsettpassagen Tomasinis füllen, entsteht der Eindruck, dass durch Reduktion und gleichzeitige Überzeichnung das Wesentliche des Songs herausgekitzelt wird, dass man beim stylishen Original eher zu überhören neigt – man müste auch ein trauriger Geselle sein, wenn man angesichts des Videos dazu über Strukturen nachdenkt. Ein einlullendes Interludium, das nur mit Walzertakt noch beschaulicher ausfallen könnte, leitet sogleich über in den drogengeschwängerten Jefferson Airplane-Hit „White Rabbit“. Ich will hier keine Intention unterstellen, doch meines Erachtens dokumentiert die Version vor allem die bedauerliche Obsoletheit eines einst mutigen (gegen)kulturellen Entdeckergeistes: Der Trip wirkt mittelmäßig, die Phrasen scheinen verbraucht und die Transgression – die die Welt zwar prägte, doch längst nicht in dem Maße, wie sie es sich erträumte – ist zu einer Altherrensache herabgekommen. Dies ist keineswegs als Kritik gemeint, denn gerade auch angesichts eines früheren „Breaking the Law“-Covers halte ich diese Musiker für berufen, sich auf originelle Weise an der klassischen Ära des Rock mit all ihrer Größe und Banalität abzuarbeiten. Ein Bad Trip ganz anderer Art verschafft einem – nomen est omen – „Night Mares“, bei dem Beauchamps singende Säge des schönsten Blues zersägt, bis das ganze zu einem geschwätzigen Hörspiel verkommt, aus dem man mit Händel geweckt wird.

Mir ist nicht bekannt, ob Almagest! weiterhin in Erscheinung treten wird, oder ob es doch bei dem temporären Projekt bleiben wird. Nicht nur aus Geschmacksgründen würde ich mich über eine Fortführung freuen, denn dafür gäbe es durchaus Relevanzkriterien. Das stichhaltigste ist wohl, dass sich alle vier Musiker unverkennbar einbringen, „Messier Objects“ jedoch kaum wie irgendeines ihrer anderen Projekte klingt. Gerade von Tomasini wird gelegentlich behauptet, dass es sich bei der Intensität seines Gesangs fast erübrige, ob ihm Othon Mataragas’ Klavierspiel oder beispielsweise die Soundart Andrew Liles’ zur Seite steht. Bei manchen Stücken mag man das so sehen können, vergleicht man aber das zerfledderte Klangbild Amalgest!s mit der elaborierten Klanggestalt von Othon und Tomasinis „Impermanence“, dann werden die Unterschiede überdeutlich. (U.S.)

Label: Tourette

Nach einem Remixalbum, auf dem Gäste einige Stücke ihres letzten Albums bearbeiten durften, nehmen sie das kreative Entstellen ihrer Musik diesmal selbst in die Hand. Ausgangsmaterial ihrer neuen Tape-Veröffentlichung sind vier Soundtracks, die Father Murphy vor einiger Zeit für den Trickfilmer Luca Dipierro aufgenommen hatten. Man wollte die Filmmusik nicht eins zu eins in den neuen Kontext übertragen und entschied sich für einen Weg, der gleich noch eine Hommage an Dipierro darstellt: Den Cut-Up, das Zerreißen und Zusammensetzen von Soundmaterial nach einem weitgehenden Zufallsprinzip. Was Burroughs dem Rohmaterial seines „Naked Lunch“-Textes noch mit Schere und Kleber angetan hat, ist auch integraler Bestandteil der animierten Kollagen Depierros. Filmische Assoziationen hätte man sicher auch ohne dieses Wissen: Ähnlich Coils „Golden Section“ beginnt der Auftakt mit martialischen Pauken – ideale Musik für einen klassischen Sandalenfilm, und es wäre schon interessant zu erfahren, welche Bilder die Passage in den eher kindlich anmutenden Filmen untermalt.

Klänge dieser Art sind stets erhaben und bedrohlich, und doch transportieren sie meist einen glatten Heroismus, den Father Murphy gekonnt mit rauen Drones zersägen. Sobald diese das Feld übernommen haben, beginnt eine abenteuerliche Folge von Sequenzen, bei der Chaos und Struktur stets in Balance bleiben: Atonale Stimmfragmente und ein perkussives Rasseln und Klappern, bei dem man die Klangquellen nur erraten kann, bilden einen Strudel, aus dem sich von Zeit zu Zeit Rhythmen herausschälen, um postwendend im nächsten Dickicht verloren gehen. Vocals, die an persiflierte Schmerzensschreie erinnern und der Klang einer Bassklarinette sind noch die sichersten Orientierungspunkte in der unheilschwangeren und zugleich orgiastischen Szenerie. Nach einem der abrupten Brüche stellen ekstatische Hi-Hats so etwas wie Rock in Aussicht, und in der Tat wird eine Art Song daraus – vorausgesetzt, man lässt den Begriff für den gemurmelten Singsang und das Rascheln verstimmter Gitarren gelten, das wie aus einem knarrenden Kellerfenster herüberschallt.

Man sollte Father Murphy wünschen, dass sie bleiben was sie sind. Damit ist nicht einmal ihr musikalischer Stil gemeint, dessen größte Konstante sowieso die Variation ist. Father Murphy ist keine dieser hippen Nerdkapellen, die von der Popschickeria hofiert werden, und doch weit attraktiver, als es Kritikerlieblinge und Geheimtipps sind. Das steht ihnen gut zu Gesicht – wer für ihren Zauber empfänglich ist, wird sie finden.

Label: Yerevan Tapes