Die ursprünglich 2009 erschienene Aufnahme, so Verleger Lawrence English, gilt als frühes Beispiel jener reduzierten Felt-Piano-Ästhetik, die später von zahlreichen Künstlern aufgegriffen wurde. “Polaroid Piano” versammelt eine Reihe kurzer Klavierminiaturen, die wie musikalische Momentaufnahmen funktionieren – nah am Instrument aufgenommen, ruhig, entspannt, atmosphärisch und offen für die Klänge ihrer Umgebung. Einige Stücke enthalten Field Recordings von English, der das Album auch masterte, während Gitarrist Muneki Takasaka auf mehreren Tracks zu hören ist. Die Neuauflage würdigt ein Werk, das mit seiner stillen, unmittelbaren Klangsprache bis heute nachwirkt. Das Album ist auch digital erhältlich.

Entstanden aus fehlerhaften Glitches und ausfallenden MAX/MSP-Geräten, entwickelt sich das Werk über schimmernde, veränderte Orgelwellen bis hin zu aufgewühlten Höhepunkten. Das Album entstand, wie man ferner erfährt, in einer einzigen improvisierten Aufnahme und reflektiert den Übergang zu ersten Transformationsstadien, in denen dopaminerge Impulse aufeinanderstoßen. Androctonyx ist das Pseudonym des aus Südfrankreich stammenden Producers und Komponisten Lucas Gendre. Das Album entstand komplett solo, das Mastering übernahm Lawrence English. Ein Radio-Edit liegt dem Download bei.

Dort, zwischen Meer, Wind und Buschland, verdichten sich Erinnerungen und Naturbeobachtungen zu einer stillen, intensiven Klangmeditation. Knights Einsatz von Trompete, Stimme und Elektronik verbindet sich mit den “Atmosphären” von Lawrence English und den Schlagzeugakzenten seines Sohnes Quinn Knight zu einem schwebenden, physisch anmutenden Ganzen, das streckenweise monumentale Züge annehmen kann. “For a Moment the Sky Knew My Name” erscheint als CD und zum Download.

“Free Time” bewegt sich zwischen dröhnenden, fast motorischen Passagen und schabenden Texturen, durchzogen von hellen, verspielten Momenten, die das Geschehen immer wieder aufbrechen. Trotz seiner reduzierten Mittel entfaltet das Album eine dichte, körperliche Präsenz. Die Spannung entsteht dabei weniger aus Lautstärke oder Dynamik als aus der ständigen Reibung zwischen Ruhe und Aufruhr – eine Art kontrollierter Unruhe, die Ov Pains Musik seit jeher prägt. Für Barrance und Player, die seit Jahren gemeinsam an den Rändern von Improvisation, Wave im weitesten Sinne und dunkler, experimenteller Elektronik arbeiten, ist “Free Time” eine Art Bestandsaufnahme ihres musikalischen Verständnisses. “Es war wichtig, die Unmittelbarkeit und Sparsamkeit des Entstehungsprozesses spürbar zu lassen”, sagt Tim Player. Ein weiterer Hinweis der Band sollte nicht unterschlagen werden: “Ov Pain erkennt die Wurundjeri Woi-wurrung und Bunurong Boon Wurrung der Kulin Eastern Nation als Eigentümer und traditionelle Hüter des Landes an, auf dem dieses Album konzipiert und aufgenommen wurde. Die Souveränität wurde nie abgetreten”. Das Album erscheint am 7. November beim Room40-Ableger A Guide To Saints als LP und zum Download.

Im Zentrum, so erfährt man in den Liner Notes, steht die Suche nach einem Ort, an dem man sich zuhause fühlt, eine musikalische Annäherung an das Gefühl des “Duuru Wanga”, des “Duftes der Heimat”. Das Album ist eine Vergangenheit und Gegenwart verbindende Reflexion über persönliche und kollektive Geschichten, die durch spontane Aufnahmen und iterative Schichtungen lebendig werden. Beteiligt sind Daniel Wilfred (Vocals, Bilma), David Wilfred (Yidaki, Vocals), Sunny Kim (Vocals, Perkussion), Peter Knight (Trompete, Elektronik, Synthesizer, Bass) und Aviva Endean (Klarinetten, weitere Blasinstrumente, Elektronik), ergänzt durch Amalia Umeda (Violine), Lawrence English (Field Recordings, Bass-Synthesizer u.a.) sowie Quinn Knight (Perkussion und weitere Beiträge). Das Album erscheint bei Room40 und ist auch zum Download erhältlich.

Verwaschene Vocals, deren sprachliche Bedeutung oft im Unklaren bleibt, verstärken die geheimnisvolle Atmosphäre, während entrückte Pianoparts leicht ins tremolierende Ungleichgewicht verfremdet wirken. Hinzu kommen kratzige Texturen und sanftes Rauschen, die den Sound abrunden. Der Titel verweist auf den Begriff Eidolon aus der antiken griechischen Literatur, der einen geisterhaften Abglanz von Lebenden oder Verstorbenen beschreibt. Diese Idee spiegelt sich auch in den Coverbildern wider, die Kinder aus der Ära der Weltwirtschaftskrise zeigen, abgenutzt und zugleich unschuldig, ihre Blicke laut Varian voller Melancholie und gleichsam Widerstandskraft. Die Tracks von Children of Eidolon stammen aus den Jahren 2008 bis 2024 und verbinden analoge wie digitale Aufnahmeprozesse mit einem breiten Spektrum an Samples und Field Recordings. Varian beschreibt seine Musik laut Discogs als “Dark New Age für ein neues dunkles Zeitalter”, und dieses Album entfaltet diese melancholische, introspektive Klangwelt auf eindrucksvolle Weise. 400 Lonely Things wurde bereits in den späten 80ern zusammen mit dem 2020 verstorbenen Jonathan McCall gegründet. Das neue Album ist William Basinski gewidmet, der Craig Varian einst mit Lawrence English und Room40 zusammenbrachte.

In einer persönlichen Anmerkung, die auch einen Teil des materialreichen Booklets ausmacht, reflektiert Curran über die Entstehung des Albums und den langen Weg zur Veröffentlichung dieser Werke: “It has taken me over 50 years to write these words. Since my initial successes in the 1970’s many have urged me to “release” unpublished works from the same period, pieces that featured the VCS3 synths or the amazing Serge (which I regret not having used enough) or pieces featuring soundscapes from my classic environmental composition style. For reasons of persistence and empathy, Lawrence English at Room 40 was the most persuasive; now, nearly 3 years after our agreement, a new publication composed with materials from that inceptive period has come to fruition. While I’m condemned to live evermore in the past, it is the future where I continue to put my remaining creative energies.

Nonetheless, in the creation of these 2 “new” works I did all I could to avoid sentimentalism or get buried by my own history and the musical riches of the late 20th Century. Relistening to these forgotten fragments of old tapes included inspiring and useful surprises”. In diesem Sinne ist das Album eine Hommage an die musikalische Experimentierfreude des 20. Jahrhunderts und Currans ungebrochene Innovationskraft, die auch heute noch seine Schaffensenergie antreibt.

“I’ll take a guess and say I first heard Alan Lamb’s Night Passage in 1999. Released by Darrin Verhagen’s seminal Dorobo label, the record birthed an approach that wove together themes of materialism, field recording and a reimagining of the abandoned utilities of human habitation. Night Passage is one of those recordings I feel has always been with me, it’s that foundational. It completely reshaped the way a generation of audio explorers thought about how sound and music might exist in the orbit of each other. On my first listen I’m confident I was unable to place exactly how these sounds were created, even knowing the source materials, but one thing I can say without reservation is their resonance has lingered with me these past couple of decades. The sound world Lamb captured, waves rippling along wires, was exquisitely simple, and effortlessly deep. Here, right before us, was a sound world locked within materials we pass by everyday. In tapping into these materials, Alan Lamb unlocked a parallel dimension of sense, one guided by interactions of objects and the environments surrounding them. An inorganic, living music the likes of which had not been readily available until the publication of his recordings. Alan Lamb’s work with long wires, undertaken in situ across Western Australia, are quite frankly the stuff of legend. To revisit them in such a focused way almost four decades on from their initial recording I’m struck by how other worldly and evocative they continue to be. It’s with great pleasure we share Night Passage, completely remastered under the guidance of Alan himself”. (Lawrence English)

“It’s hard to imagine that this year William Gibson’s Neuromancer celebrates its 40th anniversary. Having recently re-read the book for the first time in a great many years, the world building Gibson undertook in that text and the lingering cultural spectres he conjured, feel ever so evocative of moments of our contemporary lived experience. The books continued cultural resonance has resolved in a way that captured a future reading of an, at that time of its release, unknown internet era. It was an era of promise, and imagination, of speculative hope and down right uneasiness in equal parts. In 1994, as the books 10th anniversary was on hand, New York duo Black Rain were commissioned to make a soundtrack to the audio book version of Neuromancer. Read by the author himself, this document, originally publish on a series of cassettes, would go on to be recognised as a unique glimpse into Gibson’s sensing of the characters and places that make up the Neuromancer zone. Following a period of work as an expanded collective, Stuart Argabright and Shinichi Shimokawa, the two core members of Black Rain, decided to strip back their unit largely to a duet format. Their focus became more engaged around studio practice, and it was this refocusing that was ultimately serendipitous. As they started work on Neuromancer a number of new approaches and techniques emerged and with them came a new sonic language the pair had only imagined previously. The audio book was a huge success and the soundtrack too was recognised for its brooding and post-industrial electronic grind. Since that time however, the recordings have largely remained in obscurity. While a couple of the pieces have surfaced in various editions including an excellent compilation by Blackest Ever Black, the entire suite of pieces has remained unpublished until this moment. Working off the original master tapes, this edition (like the book), folds and morphs over itself in an episodic stratification. Pieces emerge, like strange architecture, from one another forming a sonic environment that feels almost tangible. I spent many weeks working on these tapes and also on the connections between the pieces. In collaboration with Stuart, our joint aim was to create a version of the soundtrack that speaks to the very atmosphere of the text itself. It’s a delight to share this collection of work for the first time”. (Lawrence English)

“The legend of Theseus, who saved Athens’ children from the Minotaur, led to a commemorative pilgrimage involving the ship of Theseus, sparking a philosophical paradox: when does a ship, repaired piece by piece, cease to be the same entity? On my last album, I utilized the myth of Theseus’ ship as an ontological framework to tease at the nuances of sameness. Reality is elastic; it is a multifaceted composition that can be observed and interpreted, and altered, in an innumerable number of ways. The identity of an object or a moment is flexible, partially dependent on how it is perceived. And yet, because of my partial color blindness, dyslexia, and tinnitus, I can’t trust my own perception. There’s no real way to know how great the disparity is between my observed experiences and those of another. It is plausible then to suggest that there is no clear limit of how many pieces of our shared reality can be removed before it stops being just that. On The Voices of Theseus, I sought to further complicate this framework. First I invited artists Madeleine Cocolas, Lawrence English, FAX, and Bana Haffar to remix tracks from the album, challenging the boundaries of authenticity, identity, and transformation. While these artists were working on their remixes I had the opportunity to perform this body of work with a number of live vocalists, the last of which was G. Brenner. Our performance pulled me so far outside my comfort zone, that I felt this experience should not be limited to performance alone. It was this desire that led to me inviting G. Brenner to the studio to record new versions of four tracks from the album. Together these eight pieces create an alternate rendering of The Voice of Theseus, through different sets of eyes, ears, and perceptual differences. The Voices of Theseus invites listeners to question how these collaborators, and own their unique perceptions, might diverge from others’ highlighting the indeterminate nature of reality and the inherent uncertainty in shared experiences”. (Yann Novak)