Im Programmtext heißt es zu dem ersten Duo: “Martina Bertoni and Stefan Schneider Monti’s music is certainly not confined to the quality of their chosen instruments; rather, it’s a curious proposal for spaces of encounter, of unlimited negotiation, and of uncontrolled asymmetries, where the resonant, singing oscillators effortlessly coalesce into a multilayered blossoming interdependency”. Zum Headliner heißt es ferner: “Tietchens specializes in irregular patterns of sonic abstractions that are suspended in gray drones to create cold textural voids from external references”.

Donnerstag, 23.10.25
Beginn 20 Uhr
KM28
Karl-Marx-Straße 28
12043 Berlin

@ Facebook 

Martina Bertoni eröffnet den ersten Abend mit einer Performance, die sich auf ihr neues Album “Electroacoustic Works for Halldorophone” stützt. Die in Berlin lebende Cellistin und Komponistin arbeitet hier mit dem Halldorophone, einem elektroakustischen Instrument, das durch kontrollierte Rückkopplung dynamische, sich selbst verstärkende Klangprozesse erzeugt. Ihre Stücke oszillieren zwischen struktureller Präzision und klanglicher Offenheit, wobei Schichtungen und Resonanzen eine zentrale Rolle spielen. Am zweiten Abend wird Lihla als Opener auftreten. Die Musikerin und Komponistin, die sich durch ihre genreübergreifenden Arbeiten zwischen klassischem Instrumentarium, Elektronik und Textrezitation auszeichnet, stellt ihr Debütalbum “Socha” vor. Ihre Stücke verweben Instrumentalspiel, Field Recordings und vokale Elemente zu dichten cinematischen Klanggebilden. Neben den Konzerten gibt es am 20. März von 15 bis 17 Uhr einen Workshop mit Mogard und Irisarri. Da die Kapazität des Raums begrenzt ist, wird empfohlen, Tickets im Voraus zu sichern.

19.-20-03.2025
Beginn jeweils 20 Uhr
Morphine Raum
Köpenicker Str. 147, Hinterhof, 1. Etage
10997 Berlin

@ Morphine mit Ticketlink

Die Kompositionen bewegen sich zwischen struktureller Strenge und klanglicher Offenheit. “Omen in G” beginnt mit entrückten, vielschichtigen Klangmustern, die sich zunehmend verdichten, während “Nominal in D” von kraftvoll dröhnenden Bassfrequenzen durchzogen ist. Mit “Fades in C” entfaltet sich eine weitläufige Klangfläche, die zwischen Ruhe und Intensität oszilliert. Das abschließende “Organon in D” zeigt, wie minimale klangliche Eingriffe zu einer massiven, fast orchestral wirkenden Klangstruktur anwachsen können. Bertoni verzichtete auf eine klassische cellotypische Spielweise und setzte das Halldorophone eher als eine Art generatives Organ ein, bei dem gestimmte Rückkopplungen weitere Frequenzüberlagerungen auslösen. Die Aufnahmen wurden später in Berlin weiter arrangiert und produziert, wobei Spuren ihrer direkten klanglichen Interaktion erhalten blieben. “Electroacoustic Works for Halldorophone” erscheint als Tape, in zwei Vinyl-Editionen sowie als Download. Zusätzlich gibt es Bundle-Versionen zusammen mit früheren Veröffentlichungen der Künstlerin.

Spricht man vom cinematischen Charakter einer Musik, dann ist damit bei aller Ungenauigkeit des Begriffs meist eine Qualität gemeint, die auf gewisse Weise eine Zwischenstellung zwischen tatsächlicher Filmmusik und den genannten Stockproduktionen einnimmt – das Potenzial einer Komposition, bewegte Bilder zu begleiten und sich so zur atmosphärischen Steigerung in deren Dramaturgie einzufügen. Mit der Compilation “Invisible Comma”, deren Cover eine halbsezierte Menschmaschine zeigt, haben die Betreiber des Trieste Science+Fiction Festival, das in den Tagen um Halloween in der weißen Stadt an der Adria stattfinden wird, eine Anthologie zusammengestellt, die eine große Bandbreite filmtauglicher Musik aus Italien präsentiert. Den Löwenanteil bestreiten tendenziell düstere Produktionen, die wie dafür gemacht scheinen, geheimnisvolle innere und äußere Welten zu erkunden.

Eröffnet wird die Sammlung von dem Track “Permacrisis” des aus Apulien stammenden Drummers und Elektroakustikers Marco Malasomma, der unter seinem Nachnamen firmiert. Das eindringliche Stück beginnt mit einer Alarmsirene, die Unheilvolles erahnen lässt und bald zu einem geloopten Kanon von Sirenen heranwächst, unter den sich irgendwann eine ähnlich unheilvolle Dröhnung schiebt. Irgendwann löst sich das ganze beinahe in einem zittrigem Tremolieren auf, und wenn die Sirenen wiederkehren, entsteht fast so etwas wie eine beruhigende Vertrautheit. Das sardinische Projekt Confrontational geht mit “Possession” in eine ganz andere Richtung, hier dominieren verspielte Synthie-Loops, verzerrter Gesang und sägende Gitarrenriffs, recht bald auch Beats, die mir – ganz persönlich subjektiv – etwas zu stoffelig sind. Ohne viel von dieser Musik zu verstehen, schätze ich, sie spricht Fans der Krupps der 90er an.

Lips Vago führt mit dem passend betitelten “Into The Uncertain” in eine ungewisse und gleichsam fast nostalgische Szenerie mit leichtfüßigen rhythmischen Noise-Loops und analogen Sounds, die an alte Computerspielmusik erinnern, wobei eine spielerische Leichtigkeit den Track durchzieht. Hinter dem Namen verbirgt sich Andrea Marutti, der seit den 90er-Jahren in der elektronischen Musik aktiv ist und hier seine Liebe zu Science-Fiction-B-Movies aus besseren Zeiten und archäologischen Mysterien durchscheinen lässt. Mit “A Cold Field” von Tristan Da Cunha wird es düster und metallen. Das mit Gitarre, Sampler und Laptop sowie Drums und Becken bewaffnete Duo kreiert eine vielschichtige Welt, die sich langsam entfaltet und schließlich zu einem satten, gleitenden Dröhnen avanciert. Diese atmosphärische Komposition erinnert an ein dunkles, wortloses Hörspiel und ist einer der Höhepunkte der Sammlung.

Ebenfalls beeindruckend und mitreißend ist der Producer Blak Saagan, dessen “Se Ci Fosse La Luce Sarebbe Bellissima” hier bereits vorgestellt wurde. Mit den rauen Synth-Loops und kraftvollen Midtempo-Beats seines “Black Out a New York” lässt er eine dystopische Welt entstehen, die an hypnotische Soundtracks der 80er erinnert, als Giallo-Filme und andere Thriller bereits in die Jahre gekommen sind und noch einige späte Perlen hervorbrachten. Die Turiner Andrea Marini und Gabriele Maggiorotto alias SabaSaba lässt mit “Night Plotters” spannende Orchestralsounds auf elektronische Rhythmen treffen. Was zunächst an eine aufwühlende Stummfilmszene erinnert, entwickelt sich zu einer atmosphärischen Komposition, in der rocktaugliche Midtempotakte und flirrende Klänge dominieren, und die immer mehr ihre räumliche Tiefe und ihr elektrifiziertes Antlitz offenbart. Auch beschleicht einen immer mal das Gefühl, verhuschtes Hecheln und Flüstern zu vernehmen.

Der amerikanische Wahl-Piemonteser Paul Beauchamp, der schon SabaSaba im Studio zur Hand ging, präsentiert mit Chaos Shrine ein eigenes neues Projekt und setzt uns mit “Incidental Dimensions” einer soghaften Intensität aus. Hohe, geisterhaft-trunkene Stimmen schweben im Raum, begleitet von flatternden und rauschenden Details. Subtiles perkussives Rattern schwingt im Hintergrund, ohne jedoch einen klaren Takt zu bilden. Streicher und anderes Saitenspiel lingt an, und irgendwann macht sich ein harmonisches Dröhnen breit und und füllt die verbleibenden leeren Räume aus. Und wie man weiß, eignen sich solche harmonischen Aspekte bestens für unheimliche und bedrohliche Szenarien. Den Abschluss bildet Martina Bertoni mit “Closer (Portal)”, einem Stück, das sich von einer kleinen, einfachen melodischen Zelle zu einer komplexen Bewegung aus Drones entwickelt. Ihr Cello-Einsatz strahlt Wehmut aus, während flirrende, elektrifizierte Hochtöner eine unterschwellige Dynamik beifügen. Der Track entfaltet seine Spannung nach und nach und findet sein Tempo in einem kraftvollen Synthie-Finale. Wir hatten die Komposition bereits bei ihrer digitalen Erstveröffentlichung vorgestellt und haben unserer Begeisterung wenig hinzuzufügen.

“Invisible Comma” ist eine beeindruckende Sammlung meist dunkler Soundart aus verschiedenen Musikszenen Italiens, die eine filmische Qualität und v.a. eine Tiefe offenbart, wie man sie selten in einer Sammlung findet, die zwangsläufig etwas heterogen bleiben muss. Ab dem 29. Oktober wird sie als CD auf besagtem Festival zu finden sein, ab dem 4. November ist sie auf dem YouTube-Kanal des Festivals verfügbar. (U.S.)

Vertrieb: Trieste Science+Fiction Festival

The first movement will start punctually at 19:00 whereby the composition will slowly evolve across the period of transition from day to night. It will be possible to take in all or part of the composition beginning in earnest with the second movement at 20:00, according to your availability during the evening, with each of the three musicians moving in and out of the space to contribute to the piece across the progression of the work. From 21:00 the third and culminative movement of the composition will begin, advancing towards its closure at 22:00. It is a pleasure to welcome you to join this unique experience at this very special time in the year as we experience the changing of the seasons from summer into autumn time”.

Donnerstag, 19.09.2024
Beginn 19 Uhr
Monopol Berlin
Provinzstraße 40-44
13409 Berlin

@ Monopol

semielektronisches Saiteninstrument, im Zentrum steht. Die Vokalistin Anna Clementi und der Soundartist Thomas Stein präsentieren “Zound Delta 2″, eine Arbeit von Phill Niblock (1933 – 2024), an deren Komposition sie beteiligt waren. “Intense, menacing layers of thick drones and alien sounds”, heißt es zu dem Werk, das Mitte April als Album bei Karlrecords erscheinen wird.

Freitag, 26.04.2024
Einlass 20 Uhr
West Germany Venue
Skalitzer Str. 133
10999 Berlin

@ Facebook mit weiteren Informationen

Detour de Force. Die Veranstaltung findet im Rahmen der von Labor Neunzehn kuratierten Reihe Cluster statt, laut Programmtext einer Serie “devoted to the investigation of sound and notation and provides musicians and composers with an exchange area that lies at the crossroads of compositional and performance practices”.

Samstag, 02.12.2023
Beginn 20 Uhr
Karl-Marx-Str. 28
12043 Berlin

@ Facebook

Das Stück beginnt mit melodischem Cello-Einsatz, der eine schwermütige Stimmung ausstrahlt und dabei trotzdem auch etwas Drängendes, eine unterschwellige Dynamik zulässt. Um die melodischen Ornamente zeigen sich von Beginn an flirrende, elektrifizierte Hochtöner, die dem Wohlklang etwas Sperriges an die Seite stellen, und erst mit der Zeit mag man bemerken, dass sich im Hintergrund eine immer dichtere Dröhnung zusammenbraut: Eine vordergründige Ruhe, die sich aus vielen kleinen Bewegungen zusammensetzt und so in Wirklichkeit ungemein spannungsgeladen ist. Erst am Höhepunkt des Tracks, wenn harte, griffige Synthies auf den Plan erscheinen, scheint die Musik ihr ganz eigenes Tempo gefunden zu haben. Bertoni selbst betont die spannungsvolle Ambiguität der Richtung, die “Closer (Portal)” einschlägt, und hebt zugleich eine Art Telos der darin vollzogenen Bewegungen hervor: “From a small and simple melodic cell, this track develops into an intertwined movement of drones. It’s about slowing down time and losing track of the space that surrounds us and at the same time moving closer to a different state of perception”.

“Closer (Portal)” ist ein beeindruckendes Lebenszeichen in einem Zeitraum, in dem Bertoni wohl schon an neuen Aufnahmen für eine künftige Veröffentlichung arbeitet. Daszu könnte der Track ein schöner Ausgangspunkt sein. (U.S.)

Bérangère Maximin ist Klangkünstlerin und Komponistin für elektronische Musik, im Begleittext zum Event heißt es: “On six albums which have aroused international interest, she has revealed a taste for mixing disparate sounds together with a sense of detail, effusive, lyrical playings with the digital material and tight nuanced writing. Bérangère Maximin’s music engages the listener in consideration of space and textures. The sound ambivalence and its independence from its original source being at the centre of her work”.

Freitag, 05.05.2023
Beginn 20 Uhr
Jugend[widerstands]museum Galiläkirche
Rigaer Straße 9-10
10247 Berlin

@ Facebook

Vor einigen Wochen brachte die in Berlin lebende Cellistin und Komponisten Martina Bertoni ihr mittlerweile drittes Soloalbum heraus. “Hypnagogia” (Karlrecords), bei dem erneut ihr meist elektronisch verfremdetes und somit nicht immer gleich erkennbares Stamminstrument im Zentrum steht, ist eine zum Teil von Stanislav Lems Roman Solaris inspirierte Erkundungsreise in die Grenzregionen zwischen Wachzustand und Schlaf, einer Phase, in der der Einschlafende die unterschiedlichsten sinnlichen Halluzinationen erleben kann. Das Mysterium, das der Eintritt in einen anderen Bewusstseinszustand zwangsläufig bedeutet, wird auf dem Album in sechs spannenden, oft wehmütig eingefärbten Soundscapes nachgezeichnet, die in ihrer Machart und Atmosphäre an den Vorgänger “Music for Empty Flats” anknüpfen, in dem ebenfalls das Betreten neuer Orte ein Thema war. Vor ihrer Solokarriere arbeitete Bertoni, deren Weg von Norditalien über Rom und Reykjavik nach Berlin führte, für Filmsoundtracks und in verschiedenen Ensembles. Hierzulande waren v.a. ihre Arbeiten mit Teho Teardo, zu denen auch zwei Alben mit Blixa Bargeld gehörten, bekannt. Über viele dieser Themen und einiges mehr geht es im folgenden Interview. 

English Version

In fast jedem Interview wirst du nach deinen Anfängen mit dem Cello in deiner Kindheit gefragt, ich glaube, du warst sechs Jahre alt und es muss Liebe auf den ersten Ton gewesen sein. Erinnern du dich noch an die ersten Assoziationen, die du besonders beim Klang dieses Instruments hattest?

Es ist irgendwie seltsam, diese Momente zu beschreiben, da ich in meinen frühen Kindheitserfahrungen fischen muss, aber ich hatte immer dieses körperliche Resonanzgefühl beim Hören und auch beim Spielen des Cello.

Kommst du aus einer musikbegeisterten Familie? Was sind deine frühesten musikalischen Erinnerungen?

Meine Mutter war schon immer eine gute Musikhörerin, seit ich ein Baby war hat sie viel klassische Musik im Haus gespielt: Meine frühesten Erinnerungen sind Mozart, Strawinsky und Vivaldi. Die ersten etwa drei oder vier Jahre meines Lebens lebten wir in einer kleinen Wohnung in Mailand und ich erinnere mich lebhaft, dass einer unserer Nachbarn für eine Plattenfirma in der Stadt arbeitete. Dieser Mann hat uns immer Tonnen von Vinyls jeglicher Art gegeben. Ich bin von ihnen umgeben aufgewachsen. Auch mein Großvater liebte die Oper. Ich habe diese Erinnerungen an ihn, wie er eine Pfeife rauchte, während er klassische Musik auf seinem Kassettendeck spielte und dazu sang.

Warst du als Teenager sowohl an klassischer als auch an populärer Musik interessiert?

Meine Jahre am Conservatorium waren geprägt von einem erzwungenen Wettbewerb, unter dem ich sehr gelitten habe. Mein Lehrer mochte mich nicht und ich revanchierte mich. Meine Teenagerjahre sind die frühen 90er … Was in der Underground-Musik passierte, war viel zu interessant und so viel attraktiver, als in einer Celloklasse zu sitzen und zu hören, ich sei nicht gut genug.
Also fing ich an, während der Oberstufe in Rock-und-was-auch-immer-Bands zu spielen und herumzuexperimentieren. Ich erinnere mich, dass mir mindestens ein paar Mal mit dem Rauswurf aus der Musikschule gedroht wurde, weil ich erwischt wurde, wie ich ohne offizielle Genehmigung auf Gigs spielte. Außerdem wollte ich mit meinen Freunden ein bisschen cool sein, trotzdem fühlte ich mich immer ein bisschen wie ein Weirdo.

Bevor du vor rund sieben Jahren deine ersten Soloaufnahmen veröffentlicht hast, hast du mehrere Jahre in Ensembles gespielt. War es für dich eine große Umstellung, plötzlich als Solokünstlerin zu arbeiten? Was waren die größten (und lohnendsten) Herausforderungen?

Ich würde es nicht als Herausforderung bezeichnen, das Spielen mit und für andere Menschen war schon immer ein interessanter Entdeckungs- und Lernprozess. Das allererste Mal, dass ich alleine spielte, war eine Gelegenheit, mich nur mir selbst zu stellen, also musste ich alle Praktiken und Gewohnheiten, die ich bis dahin verwendet und gelernt hatte, beiseite legen und meinen eigenen musikalischen Weg suchen.
Die lohnendste Herausforderung ist immer, mitzuerleben, wie eine Idee nach und nach Gestalt annimmt und zu einem fertigen Stück wird.

Ich habe das Gefühl, dass Soloarbeit oft eine ebenso starke Verbindung zu anderen und zur Interaktion hat wie Kollaborationen, nur auf eine andere Art und Weise. Wie siehst du das?

Bei der Zusammenarbeit gibt es ein hohes Maß an Austausch, verbal und nonverbal, materiell und immateriell, für einen gemeinsamen Zweck. Bei der Alleinarbeit ist der Austausch mit anderen Menschen immer präsent, hat aber andere Nuancen und Schwerpunkte.

Diese Entwicklung fand in der Zeit statt, als du auch von Rom nach Berlin gezogen bist. Spielten das neue Umfeld und die große Musik-Community der Stadt da auch eine Rolle?

Die Migration war eine Entscheidung, die viele Herausforderungen mit sich brachte, einige schöne und einige schwierige, aber jetzt bin ich sehr glücklich, hier zu sein.
Ich habe mich für Berlin entschieden, weil es mich schon immer interessiert hat. In der ersten Zeit interessierte mich das Musizieren weniger. Ich brauchte einen Job und ich brauchte Zeit, um die Veränderungen zu verarbeiten, die damals in meinem Leben stattfanden.
Trotz alledem war der Umzug hierher ein Hauch frischer Luft, und die Erkenntnis, dass ich von einer so großen und vielfältigen künstlerischen Szene umgeben war, löste sicherlich einige gute Veränderungen aus.

Hat die Pandemie deine Arbeitsweise und deine Einstellung dazu in irgendeiner Weise verändert?

Ich entdeckte, dass ich es genoss, mich aus dem ganzen Trubel herauszuhalten, was nur bestätigte, dass ich ein ziemlich zurückgezogener Mensch bin.

Wie hast du dir selbst die Arbeit mit Elektronik beigebracht und was waren dabei deine ersten Schritte?

Ich versuchte zu lernen, indem ich anderen dabei zusah, viel Musik hörte und so viel wie möglich las. Dann versuchte ich, meinen eigenen Weg in diese Tools zu finden, die zu meiner Umgebung passen könnten.

Hast du auf deinen letzten Alben auch elektronisch erzeugte Klänge verwendet, oder ist es nur (meistens bearbeitetes) Cello? Worin liegt für dich der spielerische Reiz der Bearbeitung und Verfremdung von Klängen?

In Hypnagogia habe ich einen monophonen Synthesizer und hier und da einen granularen verwendet. Um es aufzuschlüsseln, würde ich sagen, es sind 10 % Synthesizer, 10 % meiner Stimme, 1 % Field Recordings, der Rest ist bearbeitetes Cello.
Für mich ist die Bearbeitung von Celloklängen die Art, wie ich elektronische Musik mache, das Cello ist das Instrument, das für mich keine Geheimnisse hat. Ständig einen Weg zu finden, es zu behandeln, ist für mich ein lohnender Entdeckungsprozess.

Ich gehe davon aus, dass du viel improvisierst, was den Aufbau und den “Plot” deiner Stücke betrifft, und dass sich viele Ideen nach und nach entwickeln. Hast du trotzdem vorher so etwas wie eine Vorstellung von der Atmosphäre der Musik?

Ich bin keine Improvisationsmusikerin, normalerweise improvisiere ich nicht, wenn ich Musik skizziere. Ich gehe normalerweise von einer definierten musikalischen Idee aus, die bereits in meinem Kopf zu hören ist, und arbeite anschließend daran, sie bestmöglich umzusetzen. Wie lange es dauert, ein Stück vollständig zu entwickeln, hängt davon ab, wie viel Druck ich auf mich selbst ausübe. Ich möchte mir das, was ich aufnehme, so oft wie möglich anhören. Allerdings bin ich da relativ schnell unterwegs.

“Hypnagogia” ist stark von bestimmten Darstellungen in Stanislaw Lems Roman Solaris inspiriert. Was genau hat dich daran angezogen?

Ich hatte bereits einen großen Teil der Tracks für Hypnagogia aufgenommen, als ich anfing, Solaris wieder zu lesen. Das Lesen des Buches passte einfach zu der Musik, die ich schrieb. Ich hatte das Gefühl, dass es eine Verbindung zu dem gab, was die Charaktere in dem Buch erlebten, ihrem veränderten Zustand – mit und ohne Gewissen – und der unheimlichen und mächtigen Präsenz eines Planeten. Eine Art katastrophale Melancholie, die wirklich mit mir und der Musik, die ich geschrieben hatte, mitschwingt.

Deine beiden neueren Alben „Music for Empty Flats“ und „Hypnagogia“ beziehen sich auf ganz unterschiedliche Orte und Bewusstseinszustände. Hatten diese Unterschiede Auswirkungen auf deine Arbeitsweise und auf die Musik?

Nein, es ist einfach die Art Musik, die bei dem was ich mache, entsteht.

Würdest du sagen, dass das Betreten einer Art Neuland eine der Gemeinsamkeiten der beiden Alben ist und dass die damit verbundenen Gefühle von Neugier und gleichzeitiger Unsicherheit auch die Musik prägen?

Ich habe nie daran gedacht, aber es freut mich, dass du es so siehst. Ich fühle mich auf jeden Fall sehr wohl, wenn ich nicht weiß, was als nächstes kommt.

Ich hatte den Eindruck, dass gerade bei „Hypnagogia“ die Illusion von Materialität eine (auch narrative) Rolle spielt, man meint, hölzerne, metallische und aquatische Klänge zu hören, wobei die ersten beiden nicht einmal Illusion sein müssen. Hast du diese Details bewusst integriert?

Nein, ich wollte den Moment darstellen, in dem man sich in einem Raumschiff auf die Sonne zubewegt und dann bemerkt, dass man keine Kontrolle mehr hat, oder auch die Vision eines riesigen Meteoriten, der sich der Erde nähert.

Die Klangbeschaffenheit im Track „From E to W“ erinnert mich sehr an gestörte oder unterbrochene Signale bei einer akustischen Übertragung. Für mich passt es sehr gut zum Thema Raumfahrt/Solaris und dem Gefühl, ganz weit weg von anderen und vom gewohnten Leben zu sein. Ist dieses Gefühl auch Teil der Erfahrung der hypnagogischen Reise, die du beschreibst?

Das bringt mich zum Schmunzeln, denn die Field Recordings, die in diesem Track verwendet werden, stammen von meinen Pendelfahrten zur Arbeit mit der S-Bahn, vom Alex zum Zoo. Also ja, es sind Raum- und Zeitreisen, die vom gewohnten Leben ausgehen, geteilt mit vielen anderen, das sich in etwas anderes verwandeln kann.

Dein jüngstes Album wurde von vielen Rezensenten unter anderem als Ambient eingestuft. Diese Bezeichnung passt für mich am besten zu einer Musik, die unterschwellig ihre volle Wirkung entfaltet und die daher nicht zu bewusst und konzentriert gehört werden sollte. Würdest du sagen, dass dies auch bei „Hypnagogia“ der Fall ist – und bei deiner Musik im Allgemeinen?

Aus vielen Gründen ist es manchmal notwendig, ein Genre als Referenz zu finden. Ich würde “Hypnagogia” und meine anderen Veröffentlichungen im Interesse der Rezensenten in die Kategorie Ambient-Drone einordnen, aber wir sollten mit Definitionen sehr flexibel sein.

Ich erinnere mich, dass das erste Konzert, das ich von dir gesehen habe, ein Cello-Duett mit Munsha war. Im Gegensatz zu dir – du hast als Kind Cello spielen gelernt und eine formelle Ausbildung auf dem Instrument genossen – ist Munsha eigentlich ausgebildete Sängerin und hat erst relativ spät zum Cello gegriffen. Sprecht ihr beide eine sehr unterschiedliche künstlerische Sprache und wenn ja, wie bestimmt das eure kreative Kommunikation?

Das Schöne ist, Gemeinsamkeiten zu finden, obwohl wir von verschiedenen Orten kommen. Ich denke, wir teilen beide eine unglaubliche Neugier für die Erfahrungen der anderen.

Im Interview auf Digital in Berlin hast du als “first fact” über dich selbst gesagt, dass “Veränderung tröstet“”. Denkst du bereits an zukünftige Transformationen?

Nicht wirklich, ich bin beruhigt, dass alles gut läuft, und ich genieße sehr, wie es gerade ist.

Fotos © Sybille Fendt

Interview und Übersetzung: U.S., W.W.

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