“The unholy indo-euro dual avatar of Mia Zabelka and Arun (IcosTech) return to Aftershock Vol. 2, this time reinforced with veteran avantgarde / atmospheric cello player Henrik Meierkord from Gothenburg, Sweden. Starting with a new dialect of OST driven ambient music intertwined with electroacoustic improvisations and noise, the trio takes you through a whirlwind of calmness and calamity in this second installment of aftershock. Equal measures of soothing pastures meet chaotic industrial techno driven pulses, caressing through ambience and noise in this power packed hour long album, all three musicians display their strengths and contribute a never before heard unique side of their own craft and playing. Adding to this explosive concoction is once again Joshua Trinidad from Denver, USA, who lends further melody and drama with his seamless trumpet playing, To complete this effort, we have Juul Krajier returning with her amazing art/craft on the front cover. Adding final touches to the album is none other than resident mastering engineer, Subcontinental Records – Michael Valentine West” (Subcontinental)

@ Subcontinental

“In ihren zahlreichen Kollaborationen beweist die Geigerin und Soundkünstlerin Mia Zabelka immer wieder, wie sehr sie ihre eigenwilligen, experimentierfreudigen Ideen auf subtile Art mit denen ihrer künstlerischen Dialogpartner zu arrangieren versteht. In eher klangorientierten Werken wie denen mit Pauline Oliveros oder John Zorn zeigt sie eine sichere Hand für die Möglichkeiten verschiedener Klangfarben, besitzt Geduld und Gespür für die Beiträge der anderen. In ihrer Arbeit mit Lydia Lunch hat sie ihren Anteil zugunsten der Textrezitation dezent im Hintergrund plaziert, ohne dabei belangloses Hintergrundrauschen zu produzieren. Viele wissen nicht, dass Zabelka auch die brachiale Sprache beherrscht, und könnten sich wundern, dass auf ihrem [...] Soloalbum „Cellular Resonance“ streckenweise lupenreiner Harshnoise zu hören ist.” (African Paper)

@ Radioarte

“Aftershock is a collaborative effort by violinist extraordainaire Mia Zabelka (Vienna) and extreme metal bassist/guitarist Arun N (Bangalore) which reflect their respective styles and playing, equal parts of soothing ambience, textures make way for improvised parts created predominantly from violin and bass guitar. Juxtaposed with a vibe of post apocalyptic illegal but now legal gatherings, Aftershock gently caresses never before heard hard ambient with free improvisation, techno and experimental electronic music all in a single wave packed into a solid 60 min set meant to be heard from beginning to end in a single sitting to grasp. Adding to this concoction is a special guest, trumpet veteran Joshua Trinidad from Denver.

In her music, Mia Zabelka deals with acoustic interaction between the body and its surrounding environment, with special focus on the “sound gesture”. The sound gesture is the notion of how sound moves and how it moves the body at the same time – the embodiment of sound, an intuitive body-sound-machine linkage. Mia Zabelka scrutinizes this form of interface technique with her sound art and explore it with a view to its potential for application in communication between humans and autonomous machines; the coexistence of man and machine in converged environments is entrusted to hearing.

Mia Zabelka is very interested in the interdisciplinarity between music and science. The term “scientific music” best applies to her work. It is music beyond melodies, harmonies and rhythm. Scientific music is concerned with making automatic, mechanical processes audible. It is noise, movement, automation, division, symbiosis, dissonance and resonance. An endless adventure of sound discovery. Arun Natarajan, founder of Subcontinental and Guitarist / Bassist / Eextreme metal musician / Electronic musician under the moniker ICOSTECH complements Mia Zabelka’s performance on Aftershock with electronic sounds, Guitars, Bass, Noise and Ambiance.” (Subcontinental)

@ Subcontinental Records

Wenn zwei Dinge gleich auf den ersten Blick auffallen und überraschen, dann zum einen die Bandbreite des – mal dichten, mal minimalen, mal repetitiven, mal unberechenbaren – Repertoires an Klängen und Mustern, zum anderen die Erkenntnis, dass all dies mit den richtigen Handgriffen aus einer Violine herauszuholen ist.

Der erste der sechs nur nummerierten Abschnitte ist derart episodisch gestaltet, dass er dies schon im Kleinen illustriert: In das vielschichtige, vibrierende Dräuen, mit dem der Track beginnt, bricht bald ein verzerrtes Noisegewitter ein und macht unmissverständlich klar, dass dies kein Auftakt einer Droneplatte ist. Immer wieder nimmt Hochfrequentes oder Gerumpel wie aus dem Fundus von Xenakis oder Cut-up-Meistern wie Torba das Feld, überlässt einen zwischendurch immer kurz der Dröhnung, bis die nächste Ladung Lärmgepolter auf einen niederprasselt. Lautes Feedback erinnert stellenweise an eine Gitarre, es zuckt und zittert, kreischt wie eine Säge, und am vorläufigen Ende des gut gestalteten Lärms steht erst einmal die Erschöpfung.

Viel Ruhe bleibt einem aber (erst einmal) nicht vergönnt, denn der folgende Abschnitt ist auch ohne Gitarren Noiserock in seiner reinsten Form und wirkt mit seinen rhythmischen Riffs wie eine Parodie auf und eine Liebeserklärung an Punk und alles Rockgepose dieser Welt. Erst das ausladende dritte Stück bringt die erhoffte Wohltat: langsam bedrogtes Schweben auf einem dunklen Ambientteppich durch ein Gebäude mit dunklen Korridoren, schamanische Vocals (oder etwas, das so klingt) und einige Stellen, in denen die Violine fast konventionell klingt – all dies ist in seiner Simplizität berührend.

Alle der mal statisch aufgebauten, mal sich kontinuierlich steigernden Tracks weisen eine ganz eigene Charakteristik auf, und das nicht nur aufgrund einer jeweils stark verschiedenen Klangauswahl, unterschiedlichem Tempo etc. Bei einigen Stücken gibt ein schleppender, fast doomiger Teppich aus schwerem Soundmaterial das Narrativ vor, auf dem alle möglichen kleinen Figuren erst ihren Sinn und Zusammenhang erhalten, bei anderen wiederum bringen gerade diese das Muster erst zustande, z.B. in Form von Sehnsuchtsschreien auf der Violine, die sich bald vervielfältigen und miteinander in Dialog treten. All dies lässt die einzelnen Stücke fast wie Fragmente eigenständiger Werke erscheinen, und vielleicht ist des die oft abrupte Direktheit, die das ganze zu einer in sich geschlossenen Veröffentlichung macht. (U.S.)

Label: Little Crackd Rabbit

Das hörspielartige Spoken Words-Album, das Mia Zabelka, Zahra Mani und Lydia Lunch unter dem Titel „Medusa’s Bed“ aufgenommen haben, ist neben einer Vielzahl anderer Motive auch dieser Dialektik von Illusion und Enttäuschung gewidmet, sowie der Suche nach einem Weg, sich aus diesen Verstrickungen zu lösen. „Medusa’s Bed“ erinnert an eine Performance auf einer abgedunkelten Bühne, während der eng bemessene Lichtstrahl des Scheinwerfers ausschließlich auf die Protagonistin, Lydia Lunch, fokussiert ist. Nur gelegentlich hellt sich das Szenario auf und lässt auch die beiden Musikerinnen deutlicher ins Blickfeld rücken. Dem aufmerksamen Rezipienten entgeht die musikalische Leistung der Akteurinnen keineswegs, die mit einem reichhaltigen Soundpool (Mani) und filigran-verfremdetem Violinenspiel (Zabelka) eine fein ausgearbeitete Musik geschaffen haben.

Doch mit ihrer eindringlich derben Stimmarbeit lässt Lunch, wie in vielen ihrer Kollaborationen, auch diese Arbeit knapp an der personality show vorbeischlittern. Sie ist der markante Stempel auf einem Blatt, dass mit feinen, leicht übersehbaren Kalligraphien verziert ist. Die Anekdoten, Aphorismen und Sentenzen, in denen sie zahllose „cold heart facts“ verpackt, berichten von abgewetzten und vor allem erschöpften Figuren, „stranded on the crossroads of bloodshed and oblivion“. Es scheint, dass sie einst so etwas wie einen amerikanischen Traum en miniature geträumt haben: „Everything was possible, allowed, ours“ heißt es zu Beginn, doch wie um die ambiente Schöngeisterei der Ethno-Flöte und der feingliedrigen Soundspäne Lügen zu strafen, endet schon das erste Stück in einem Bekenntnis zum Sinnverlust. Im Verlauf häufen sich drastische Bilder an, „a corpse left rotting in the rain“ ist nur eines davon. „Medusa’s Bed“ ist so hard boiled, aber auch so existenzialistisch wie ein Roman der schwarzen Serie.

Wenn Lunch unverblümte Drastik und versiffte Relaxtheit zu neuen Höhen auffahren lässt, wenn sie mit einer von Whiskey und Tobak gezeichneten Stimme von „daily crucifixions“ berichtet und auf ihre betont abgeklärte Weise „so many deaths, murders, suicides“ beklagt, ist sie – ganz ähnlich ungleichen Geschwistern wie Henry Rollins oder Boyd Rice – auch so etwas wie ein illegitimes Kind Bukowskis. Diese demonstrative Coolness ist stets von einer faszinierenden Ambiguität, vermag sie doch Wahres auszusprechen, mit Selbstironie zu kontern – hier durch raues Grummeln und fiebriges Stöhnen – und zugleich ihren eigenen Selbstwiederspruch unfreiwillig bloszulegen. Denn was wäre abgeklärter als Schweigen? Diesen Schluss nicht zu ziehen macht die Lächerlichkeit, zugleich aber auch die Stärke eines solchen Gestus aus.

Eine ganz eigene Energie entsteht aber durch das Zusammenspiel mit der Musik, die man zu Unrecht herunterspielen würde, sähe man darin nur einen angenehmen, ambienten Hintergrund. Schon das gelegentlich tastende Spiel mit den Saiten, das trotz Raum für Frickelein melodisch und konzentriert ausfällt, lässt sich kaum in die Peripherie der Wahrnehmung verbannen, ebenso der Regen aus kleinteiligen Soundbrocken, der von zeit zu Zeit auf das Ohr niederprasselt. Zu spannend und un-heimelig für einen reinen Kontrast, verschmilzt das klangliche setting mit der Zeit immer mehr mit der Sprache. Dass dabei jede Melodramatik fehlt, verleiht den Geschichten die Portion Tragik, die nötig ist, um im Bett mit Medusa zumindest kein trostloses Ende zu finden. (U.S.)

Label: Monotype