Von der Musikerin heißt es: “Die Cellostücke entstanden aus dem Wunsch, wieder eine Verbindung zu dem Instrument herzustellen, das ich seit meiner Kindheit so gut kenne. Ich musste jedoch zwei Jahre Abstand nehmen, um eine neue Perspektive zu gewinnen und frische Ansätze zu finden”. Sie beschreibt “Iskra” als ein Werk über den Funken der Erneuerung: “Das Album handelt von Zündung — einem allmählichen Wandel in meiner Art, über Musik nachzudenken, und einer Suche nach neuen Werten. Es markiert auch das Ende eines Kapitels, indem es Archivaufnahmen mit dem Aufbruch zu neuen Ideen vereint”.

Zwischen 2017 und 2022 an verschiedenen Orten und zu unterschiedlichen Zeiten aufgenommen, verkörpert “Iskra” ein stark persönlich gefärbtes Statement, in welchem laut Begleittext die Themen Identität, Erinnerung an Orte und die Beziehung des Menschen zur Natur die wichtigsten roten Fäden bilden. Das Album erscheint n einer roten Vinyl-Edition und ist auch digital erhältlich.

Foto: Kamil Sesin

“Releasing a soundtrack as a stand-alone album can be challenging; and Schächten is by no means a typical listening experience. The record contains 24 more or less short pieces evolving through dramatic movements, underlaying menace and deep emotive scenes. One thing that stands out is the linear atmosphere throughout the story which creates a wholeness that keeps your attention to the very end. Set in wintery Austrian landscapes in dimly saturated colours, the film’s dramatic events with dark political undertones feels like a perfect situation for Skodvin’s atmospheric collages – perhaps sounding closer than ever to his early works as Svarte Greiner or Deaf Center. Cello, violin, piano, analogue synth and plenty of hardly recognisable instrumentation come together in a record that feels very organic in its subdued tones. The score also features percussion by Andrea Belfi as well as a Chopin piano interpretation by Kelly Wyse to the bizarrely schizophrenic piece “Judenfreund“.

With the contemporary world sliding into darkness again, listening to the soundtrack feels like coming to terms with ones own anxieties – something that in the end comes through as a cleansing experience. As quoted in the film ‘Everyone is their own devil. And we make this world our hell’.” (Miasmah)

“All That We See or Seem” enthält zwei rund halbstündige Klangtopografien, denen man selbst im gewöhnlichen Wortsinn das Attribut poetisch beifügen kann, denn beide Stücke greifen zumindest der Idee nach auf Lyrisches zurück. Das die erste Seite füllende “Myrskymielellä” referiert an ein Gedicht, dass der in Finnland jedem bekannte Autor Eino Leino 1891 mit 13 Jahren verfasst hatte.

Dass der junge Dichter in seinem Text die wilden Naturgewalten als Chiffre für einen stürmischen Geist besungen hatte, wird in dem Track vielleicht nicht von Beginn an deutlich, denn “Myrskymielellä” beginnt medial in res mit geheimnisvollen Flüsterstimmen und einem tropfenden und plätschernden Wasser, das auch dann noch friedvoll klingt, wenn es zu einem Regenschauer heranwächst. Der Klang einer Duduk oder eines verwandten orientalischen Blasinstrumentes dringt auf wundersamen Melodiebögen in den Raum wie Schwaden exotischer Essenzen, und wenn das Flüstern sich irgendwann zur Klage einer expressiven Sängerin steigert, hat sich der Ort längst zum Schauplatz einer intensiven Dramatik gewandelt. Vom Label wird nicht zu Unrecht ein Vergleich zu Künstlern wie Dead Can Dance gezogen, doch gelten solche Referenzen (mir kam ein orientalisierendes Pendant zu Bohren & der Club of Gore in den Sinn) nur für bestimmte Abschnitte. Im letzten Drittel transformiert sich das Stück in einen rituell pulsierenden Kraftakt, bei dem ein fast Black Metal-artiges Krächzen sich der letzten Schlacke, die dem Szenario noch innewohnt haben könnte, entledigt.

Dass der Titeltrack, der auf das Edgar Allen Poe-Zitat “Is all that we see or seem but a dream within a dream?” anspielt, leicht hinter das erste Stück zurückfällt, ist nur der hohen Messlatte geschuldet. Es beginnt mit der brausenden Brandung an einem vergessenen Strand, zu der sich erst nach einer Weile seltsam klagende Hochtöner gesellen. Einige weitere Elemente, die nach und nach auf dem Plan erscheinen, Orchestral anmutendes und ein etherischer, wertloser Gesang, greifen nicht in die Unbestimmtheit des atmosphärischen Tableaus ein. Erst die wehmütige Melodie einer Violine lässt etwas deutlicher die Trauer spüren, die in diesem nur in einem Traum erträumten Schauplatz herrscht.

Trotz der Länge beider Stücke bleibt am Ende der Eindruck, dass diese rund 60 Minuten, die es selbst in unseren Tagen noch schaffen, mit dunkel-ambienten Soundscapes wirklich zu überraschen, nur ein Auszug eines viel größeren Corpus an Kompositionen ist. Schön wäre das! (U.S.)

Label: Miasmah

Die Stücke, die Titel wie, “Mythobarbital”, “Snuff” oder “Monkey” tragen, schaffen auch ohne Einbindung in die transgressiven theatralischen Inszenierungen eine beeindruckend dunkle, z.T. beklemmende Atmosphäre, deren musikalische Bandbreite von einer flächigen Dröhnung, die einem Begriff wie Dark Ambient einen besseren Leumund geben würde, über aufwühlende, orchestral anmutende Dramatik bis hin zu hypnotischem Ritualusmus reicht. Die LPs, deren Mastering Nils Frahm übernommen hatte, erscheinen in 300er Auflage, die Musik ist auch digital erhältlich.

/clipdata_bodytext_221025_182758_662.sdocx–>

“Deprived of sanity, Paul Régimbeau aka Mondkopf found new territories of expression with Spring Stories, a collection of post-rapture moods full of glorious chaos, ready to absorb and re-ignite all that is worn. As a phoenix raising from the ashes, Spring Stories captures the earth in full bloom. Darkness and insanity loose its grip as the roots and fresh leaves create a slow dance towards the sun. Similarly, sine-wave drones move around exploding electric guitar improvisations as new light beams on shadow cast corners. The album feels like a 60s jam set in the post-world psychedelic underground; heavy, absurd, beautiful and ready to sooth burnt out, depleted minds. Paul has citied that he is affected as much by folk improvisors such as Master Wilburn Burchette and Robbie Basho as well as the doom drone of giants Earth and Sunn O))). Spring Stories invokes on these while feeling like a personal blow-out, coming right from the core; touching and grand, like spring itself.” (Miasmah Recordings)

“I was invited to use the vast old cellars located underneath the site for a performance / installation. Wet and hollow with a dark past and long reverb, it was a perfect location to channel a cello and electro-acoustic improvisation in the spirit of my two long-form, meditative albums Black Tie & Moss Garden. As a 30 minute piece, it was left looping in the room for hours after it ended as an echo of the performance, allowing people to walk around and soak up the sounds and empty hallways alone. I am usually not into the idea of releasing a live recording, as there are so many factors that are lost in the translation from being present and listening to it in another space. The eyes, ears and body can often see beyond small mistakes once a live performance unfolds in front of you. The details are usually lost in translating it to a pure recording.

I made an exception for this as I feel it translates the live feeling in a way I like. Very personal and full of small mistakes it creates its own life. Also, as an improvisation, I am very happy with it, and have been listening to it on and off since a few years. With this in mind I decided I want it to be another document in my ongoing series of longform, atmospheric pieces following the aforementioned two albums. The second track simply called “Devolve” is mostly constructed out of fragments from the performance as a sort of minimal, reversed echo, further tunnelling into the unknown. These pieces has given me calmness, reflection and escape from the madness escalating outside of our doors. I hope it can do the same for you”. (Svarte Greiner)

Photo © Udo Siegfriedt

@ Miasmah

“Master craftsman James Welburn’s new LP, Sleeper in the Void, marks the 50th Miasmah release. The six years after his monumental debut have bred six tracks Welburn brings to fruition with the help of past co-conspirators from the Norwegian underground scene [...]. On Sleeper in the Void, Welburn expands the domain of his sound, unveiling surprises until the very end of the album’s 36 minute playtime. While the character of the record is unmistakably his own, the tracks veer into many different territories, including a banging foray to the dancefloor.” (Miasmah)

@ Miasmah

Vom passiven Bewohner eines von Nestwärme und Verlässlichkeit geprägten Zuhauses wird er zum Anbessa, zum Löwen, der sich ein Leben in einer indifferenten Welt immer wieder neu erkämpft. Eine der großen Leistungen des Coming of Age-Dramas ist es, niemals in eine der verführerischen Fallen – der wehmütig-regressiven Nostalgie und des allzu optimistischen Machbarkeitspathos – zu treten. Der gebührende Raum für Hoffnung hat trotzdem keine klaustrophobischen Dimensionen.

Mit dem Musiker Erik K. Skodvin, bekannt von Projekten wie Svarte Greiner, hat man einen Komponisten engagiert, der bislang erst einmal an einem Filmscore mitgewirkt hat. Für den Soundtrack zu Birgitte Stæremoses Thriller Darling (2017) arbeitete er noch mit dem Kollegen Raúl Pastor Medall zusammen. Sounds von synästhetischer Qualität, mit denen man ganz automatisch die Augen schult, waren aber schon immer seine Stärke, und so entsteht durch die Vermengung seiner Musik mit den bewegten Bildern ein Gewebe, dessen Einheit unzerstörbar wirkt.

In der vorliegenden Tonkonserve sind Sounds aus dem Film eingenaut, die der Platte einen stellenweise fast hörspielartigen Charakter verleihen. Manhöer Gesprächsfetzen aus dem Film und das gedankenverlorene Singen der Hauptfigur, Straßengeräusche, hantierende Hände und das Zappen zwischen TV- oder Radioprogrammen haben ihren Platz, und für ein besonders stimmungsvolles und symbolträchtiges Kolorit sorgen Wind und Wetter, Zikaden, Vögel, Hyänen und andere Laute der Natur. In letztere Sounds sind die Kompositionen Skodvins meist sehr dezent eingebaut, melancholisch eingefärbte Ambientflächen, die zum Gegenzoom ausholen und all die angedeuteten Ereignisse dem Anschein nach ins Universelle transzendieren.

In den “geselligeren”, urbanen Szenerien gestaltet sich die Musik meist dynamischer, was einen spielerischen, aber auch einen dramatischen Zug annehmen kann. Schnell kristallisiert sich ein folkig angehauchter, aus westlicher Perspektive “tribaler” Grundzug heraus: Auf einer Basis elektroakustischer Klangerzeugung sind Gitarren, Flöten, Trompeten und diverse Handdrums zu hören, die Skodvin zusammen mit Aaron Moore (Volcano The Bear) einspielt.

Hat man den Film bereits gesehen, entstehen die viele Szenen so neu vor dem geistigen Auge. Aufgrund seiner Eindringlichkeit und der szenischen Qualitäten entwirft die Musik aber auch ohne den Film ein ganz eigenes lohnendes Narrativ.

Label: Miasmah / Morr Music

“An environment of experimentation and risk transports us to an apocalyptic scenario in which the extreme dryness of a ground where nothing can grow anymore is accompanied by dramatic, theatrical compositions. As a murmur or a pagan prayer, the pieces evoke the ever imminent possibility of regeneration: “The name of the album is inspired by the area where I live, with muddy soil. It fascinates me a lot, although the drought and its cracks make me feel terrible”, explains Joana. Perhaps because the floor covering the earth, like a skin of deep cracks, attests to the tiredness, the wrinkles, of civilization.

Small blue-metallic flowers, a white animal about to go extinct, rare stones that only exist in two latitudes, the colour red as a warning sign, ecological sound, but also as a sign of renewal, as in women in their blood cycles. All of this makes up the universe of Joana Guerra’s Chão Vermelho. And as long as the mycelium feels our presence, perhaps there is hope for this ground and for such a woman who in her cycles of renewal is too earthy to be holy.” (Miasmah/Morr Music)

Porträt © Estelle Valente

@ Joana Guerra

“The Chicago based trio is back with a stunner of an underground pop album. Their most reverb heavy bombast is gone in favour of pure earth bound intimate tunes that feel like they summon the spirit of the late Mark Hollis. Shrouded tribal percussion and rippling vocals are at the forefront, while looped atmospheres echo in the distance. Since the release of their last album, vocalist Matt Christensen has been known for pouring his soul out in countless bandcamp releases of singer/songwriter, experimental and ambient offerings. It ́s hard to keep up with him, but one can ‘t but to admire the dedication and extremely high quality of it all. Mike Weis on the other hand is less prolific, but has become a focused student of Korean Shaman and Buddhist music, often performing in zen based percussive rituals when he ́s not involved in side projects of improvisational music. Brian Harding is perhaps the most anonymous of the three, yet he is the steady, grounding element on bass that keeps them as one. Together, they create a beautifully realised own voice that feels especially close on their new album. Hold You Up is like a slow walk through a withering world, though one with a sense of refuge. This is music with heart – navigating darkness through light.” (Miasmah)