“In a long-awaited unveiling, celebrating it’s 25th anniversary, raison d’être’s critically acclaimed dark ambient opus “The Empty Hollow Unfolds” will be available for the first time ever on vinyl, released as a deluxe Double LP edition on Marbled vinyl and standard Black. Originally issued in 2000 this reissue marks a significant milestone in the legacy of Swedish composer Peter Andersson, whose immersive soundscapes helped define an era of industrial ambient music. “The Empty Hollow Unfolds” is not merely an album, it is a descent into the void. Widely hailed as one of the most haunting and emotionally resonant works in the dark ambient genre, it transforms isolation into an art form. Andersson constructs a sonic environment of desolate beauty, where metallic echoes, subterranean drones, and Gregorian-like chants collide in a ritual of decay and transcendence. From the slow, meditative swell of “The Slow Ascent” to the sprawling, twenty-minute dirge “The Eternal Return and the Infinity Horizon”, this record remains a singular achievement, a sound world of spectral ruins and elegant desolation. This new Double LP edition has been remastered specifically for vinyl, restoring the album’s cavernous depth and atmospheric range in unprecedented detail and includes 3 bonus tracks not available on the original release. Critics have long praised The Empty Hollow Unfolds as a milestone in the genre, once voted the greatest release in Cold Meat Industry’s storied history. Described as “elegantly crafted ruin” and “a travelogue from a land where the sun never rises,” the album continues to evoke awe and unease in equal measure. Its sound, monumental yet intimate, cold yet achingly human, remains as relevant and unsettling today as it was 25 years ago. ” (Cyclic Law)

Die in einer Box mit vier CDs (sowie zum Download) erscheinende Jubiläumsedition enthält neben dem Original von 1993 eine komplette Neuaufnahme des Materials, die in puncto Klangqualität den besten aktuellen Standards gerecht wird. Im Begleittext heißt es: “Prospectus I is a stunning blend of modern ethereal gothic sonorities and the timeless chants of monastic rituals. A refined blend of melancholy touching higher realms. Archaic layers of string instruments, bells and choirs are intertwined with percussive elements and industrial loops creating an unsettling background atmosphere whilst spleen and bittersweetness form in the foreground”.

Die beiden anderen Scheiben enthalten zum einen alternative “Early Versions” zahlreicher Albumtracks, zum anderen eine Reihe an bisher unveröffentlichten Stücken aus dem gleichen Zeitraum, die hier ebenfalls als Neuaufnahmen vorliegend. Die Box erscheint bei Cyclic Law in Zusammenarbeit mit Anderssons eigenem Label Yantra Atmospheres.  

“Daemonum marks the 30-years anniversary of raison d’être. With Daemonum raison d’être scrutinizes the secrets of the Shadow; the Anima/Animus archetypes and the manifestation of them as a Soul image. By learning to listen for the voice of our subconscious self, we can call that voice our Daemon, our internal genius that provide guidance, we can find hidden potential within ourselves. Daemonum is the album of the daemons. Hunting in the shadows, for the hidden and the opposite, Daemonum is another crossing, deep down to the shaded domains of the inner world. Struggling in blindness and oblivion, guidance and protectors are needed to unfold the obscure matters of our unconsciousness.” (Cyclic Law)

Gleichwohl Anderssons Musik in erster Linie über die starke atmosphärische Wirkung kommunizierte, spielten thematische Referenzen durchaus eine gewisse Rolle, so bezieht sich bereits der Projektname auf ein wichtiges Konzept aus der Tiefenpsychologie C.G. Jungs. Spirituelle Themen und Einflüsse aus Filmen flossen in Anderssons Arbeit, was ebenso für seine anderen Projekte wie Stratvm Terror, Bocksholm oder Atomine Electrine gilt. Die beiden Alben mit den genretypisch dick aufgetragenen Titeln “Within the Depths of Silence and Phormations” (1995) und “In Sadness, Silence and Solitude” (1997) erschienen damals auf CD und sind bislang nie auf Vinyl aufgelegt worden. Cyclic Law und Old Europa Café kamen diesem Desiderat vor einigen Monaten nach mit zwei üppigen Rereleases: Beide Alben erscheinen als Doppel-LPs mit exklusivem Bonusmaterial. Exemplarisch soll die erstgenannte hier vorgestellt werden.

Wie in einem ungesehenen und auf seine basalste atmosphärische Grund-DNA heruntergebrochenen Ingmar Bergmann-Setting verbreiten sich andächtige Chorgesänge im imaginären Raum, nostalgisches Ambientdröhnen dichtet die Ritzen ab. Nicht die unregelmäßigen, aber stetigen Pauken, sondern das Verschwimmen und Verwehen der ganzen Szenerie ist hier die eigentliche Bewegung, die die Statik der meist repetitiven klanglichen Details aufhebt. In puncto Motivik werden nahezu alle passenden Register gezogen: Ein Cembalo setzt einen interessanten rhythmischen Kontrast zu den übrigen Sounds, später wehen Frauenchöre durch den Raum, lange Ruhepausen sorgen für eine angemessene Sammlung, sirrende Obertöne blitzen auf, eine Brandung rollt in stetigen Intervallen auf einen zu.

Als eigentliches Leitmotiv in diesem Schauplatz, der im Unterschied zu den unterirdischen Katakomben der frühen Ain Soph das weite, nebelverhangene Land ist, erweist sich das fast allgegenwärtige dunkle Grollen, das hin und wieder plötzlich einbricht, oft aber in unerhörter Selbstverständlichkeit heraufzieht. Nicht nur dieses oder Sprachsamples über gewaltsame Ereignisse oder Momente monumentalen Aufruhrs bis zur blanken Panik machen bewusst, dass diese Musik Spannung erzeugt statt Entspannung zu bieten, denn ein gefahrvoller Unterton ist durchgehend zu spüren. Ob dieser auch der Loop-Struktur geschuldet ist, die man als Fan solcher Musik oft für selbstverständlich hält, und die all die schaurig-schönen, dunkel-nostalgischen Versatzstücke aneinander reiht und zu einem Zombie ihrer selbst macht? Ist man dem Reiz dieser Künstlichkeit erst verfallen, steigert sich das Charisma dieser Musik zu einem unwiderstehlichen Sog.

Die remasterte Neuauflage zusammen mit fünf weiteren Tracks aus dem Zeitraum, die damals auf Compilations erschienen sind, ist jedenfalls ein lange überfälliges Ereignis, die Fans können sich neben den obligatorischen Digitalformaten zwischen den 300 schwarzen Scheiben der Standard Edition und den 200 goldfarbenen der Special Edition entscheiden.

Label: Cyclic Law / Old Europa Café

Weniger erwartet hätte man bei dem Mitglied des postindustriellen Avantgarde-Duos vielleicht einen Hang zu Postrock, Doom und Sludge, doch genau solche Arten des schwermütigen Rock und Metal ziehen ihre Spuren durch die schleppenden Riffs und Rhythmen im Down- und Midtempo.

Lindh selbst nennt „Somberland” einen Soundtrack zum Ertrinken – lässt man sich auf die Assoziation ein, so muss man feststellen, dass dies mit einer fatalistischen Gelassenheit einher geht, die bei aller Düsternis jeder Bitterkeit entbehrt. Auch wenn die Musik niemals statisch bleibt und an vielen Stellen von der Kunst der Intensivierung von Fülle und Dynamik lebt, ist ihr doch jede Dramatisierung fremd, und in den vokallastigen Stücken („Lightstrom”, „The Way Out”) drückt sich im Gesang doch eher ein entspanntes, verträumtes Staunen aus.

Freilich hebt man die Elemente „postiger” Rock- und Metalmusik besonders dann hervor, wenn man Skin Area kennt, doch Lindts Musik ist letztlich aufgeräumter als Sludge, lichter als Doom und zugleich weniger seicht als handelsüblicher Postrock – und nebenbei recht vielgestaltig und stets dem Experiment zugeneigt: Songs, die wie Balladen beginnen, entfalten die doomige Wucht erst gegen Ende, wenn sie niemand mehr erwartet, organische Zwischenspiele verbinden besondere Passagen, mediale Samples und naturbelassene Field Recordings wirken mal verklärend, mal verunklärend, und in den abstrakteren Momente wirken harte Riffs schon mal wie zitathaft einmontiert.

Ich könnte mir vorstellen, dass Lindh seine Ausrichtung in Zukunft immer mal variieren wird, und bin auf weiteres gespannt. Dem starken Debüt wäre es zunächst einmal zu gönnen, dass es auch außerhalb der Industrial-Community wahrgenommen wird und auch die Rock-a-Rolla-Gemeinde erreicht. (U.S.)

Label: Divided Visions

Auf Transgredient Records erscheint nun das erste neue Studioalbum seit einigen Jahren. Konzeptionell geht es laut Labelinfo um eine kathartische, therapeutische Reise ins Unterbewusste, in die Unterwelt – eine Thematik, die sicher sowohl zum Label als auch zum Künstler passt. Der erste Track beginnt kaum wahrnehmbar: Erst nach zwei Minuten kann man einen Drone hören, der aber unglaublich melodisch ist. Immer stärker schwillt der Drone an, um dann am Ende in (die) Stille überzugehen. Hier wird vielleicht tatsächlich der titelgebende „Abyssos“ beschworen. Auch „Infernos“ beginnt verhalten und verhallt: Geräusche, die nur zu erahnen sind, dann kommt Perkussion hinzu, die fast schon so klingt, als gingen in einer leerstehende Halle Vereinzelte ihrer Arbeit nach. Nach und nach verdichten sich die Klänge, wird es hektischer, bevor das Stück leise ausklingt. Verglichen mit dem Opener ist „Infernos“ wesentlich bedrückender. Auf „Katharos“ werden dann erstmals verfremdete, verlangsamte (Choral)Stimmen eingesetzt, die in eine verrauschte Klanglandschaft eingehen, man hört etwas, das nach Perkussion klingt, bevor anderer Gesang in der Ferne erklingt. Ganz entfernt musste ich – zumindest was die Stimmung anbelangt – an SPKs „Zamia Lehmanni (Songs Of Byzantine Flowers)“ denken. Mit „Agraphos“ endet das Album ebenfalls verrauscht, zurückhaltend, der auch hier zu hörende verlangsamte Gesang versetzt den Hörer in Zustände weit jenseits der Melancholie. Das ist der passende Abschluss eines in sich geschlossenen, durchgängig gelungenen Albums.

M.G.

Label: Transgredient Records

Der Ansatz Bianchis war (zumindest klanglich) weniger aggressiv und konfrontativ (aber nicht weniger verstörend) als bei (den frühen) SPK (deren erste Singles  partiell durchaus vom Punk beeinflusst waren) oder WHITEHOUSE mit ihren Hochfrequenztönen (die auf „S.F.A.G.“ nur kurz gegen Ende zum Einsatz kommen) und dem sich zur Hysterie steigernden Geschrei, aber gleichzeitig auch durch den weitgehenden Verzicht auf Vocals weniger greifbar als THROBBING GRISTLE. Bianchis Arbeiten der Frühzeit sind oftmals auf eine beunruhigende Art unheilschwanger und auf „S.F.A.G.“  meint man kaum, dass ein Mensch diese Klänge erzeugt hat („This is the sound of industrial music“ schrieb ein Rezensent 1982); wenn nach etwa zehn Minuten Geräuschkonstellationen auftauchen, die entfernt an Melodien erinnern und das ganze nach einem Trauermarsch klingen lassen, ist man fast überrascht. „S.F.A.G.“ ist  (im durchaus positiven Sinne) völlig entseelte Musik, die fortwährend verdeutlicht, wie mit recht primitiven Mitteln maximale Wirkung erzeugt werden kann.

Konsequenterweise ist die beiliegende zweite CD eine Art Remix von „S.F.A.G.“ – diesmal allerdings von (drei) Außenstehenden: Peter Andersson – der beide CDs auch neu gemastered hat – legt bei seiner Interpretation über lange Strecken den Schwerpunkt auf reduzierte, dunkle Klangflächen, in die nur kurzzeitig Störgeräusche einbrechen. Henrik Björkk lässt im Hintergrund die melodischen Passagen rauschen, während im Vordergrund verzerrte Sounds dominieren. Im Gegensatz zu vielen anderen Arbeiten des Schweden ist seine Interpretation aber relativ zurückhaltend und der Atmosphäre des Originals durchaus angemessen. Erik Jarl, der musikalische Kopf von IRM, scheint sich von allen drei noch stimmungsmäßig am nächsten am Ausgangsmaterial zu befinden: auch hier Maschinengeräusche aus der/einer Todesfabrik. Alle drei Mixe sind auf ihre Weise gelungen, wobei kein einziger an die verstörende Intensität des Originals heranreicht– das mag auch an der Qualität des Klangs liegen, die in der ersten Testcard einmal kritisiert wurde, m. E. aber zur Effektivität beiträgt: Dem Original hört man an, dass es vor einigen Jahrzehnten aufgenommen wurde.  Bei den Mixen merkt man fortwährend, dass sie in jüngerer Zeit in einem Studio entstanden sind, das Originalalbum vermittelt dagegen den Eindruck, in einer entvölkerten, urbanen Wüste gingen noch in einer Fabrik ein paar Maschinen ihrer Arbeit nach.

Vielleicht lässt sich die Beziehung zwischen beiden Alben mit Bezugnahme auf ein anderes Medium erklären: den Film. Verglichen mit den Originalen sind viele Remakes von Endsiebzigersplatterfilmen zwar oftmals härter, was die expliziten Gewaltdartsellungen angelangt, gleichzeitig aber auch weniger rau, weniger “authentisch”.

Ich glaube, dass ich im Rahmen einer Rezension der DEMONS, die ganz sicher von dem Italiener beeinflusst worden sind, von „dystopischer Musik“ sprach, eine Bezeichnung,die auch auf assoziative Weise „S.F.A.G.“ angemessen beschreibt, wobei das Album  sicher kein Soundtrack für die Somagetränkte „schöne neue Welt“ wäre.

(M.G.)