Statt im tieffrequenten Druck entfaltet sich die Musik hier in höheren Spektren – nahbar, flirrend, bisweilen verzerrt. Besonders auffällig ist der berührende Einsatz von Klarinette und Saxofon, beim Gesang entstehen zeitweise Assoziationen zu Brendan Perry oder Simon Huw Jones von And Also The Trees. “Every Rock, Every Half-Truth under Reason” reflektiert nicht nur musikalische Entwicklungen, sondern stellt sich, wie es beim Label heißt, auch der Frage nach künstlerischer Eigenständigkeit im Schatten algorithmischer Ästhetik. Toby Driver schreibt Musik, die sich bewusst jeder Vorhersehbarkeit entzieht und liefert so eine Komposition gegen die Mustererkennung. Das Album erscheint in en gängigen Formaten inklusive zwei Vinyl-Editionen.

Musikalisch kombiniert “New Wilderness Gospel”, das als eine Art “apokalyptisches Evangelium des Amthropozän” konzipiert ist, verschiedene Strömungen, darunter Desert Blues, Psychedelic Appalachian Folk, Gospel Gothic Rock und Post-Punk, während unerwartete Elemente aus 60s Girl Pop und New Wave einfließen. Diese stilistische Offenheit unterscheidet das Album von den früheren Werken der Band, die sich eindeutiger im Dark Folk verorten ließen. Bereits das Vorgängeralbum “There Is Light in the Body, There Is Blood in the Sun” deutete eine Hinwendung zu einem schwereren, rituelleren Sound an. “New Wilderness Gospel” geht diesen Weg weiter und schafft ein intensives Klangbild und eine eindringliche Stimmung. Es erscheint in verschiedenen Doppel-LP-Editionen und digital.

“In times of trouble, women have often had to bear an even heavier burden throughout history. On their tenth full-length “Ruby Red”, San Francisco based all-female quartet AMBER ASYLUM offer a haunting reflection on turbulent eras and blends instrumental passages with evocative lyrics. “Ruby Red” combines dirges, introspective laments, and powerful songwriting that evoke both despair and hope. The album transitions between themes of pain, loss, empowerment, and mortality, while creating a sonic landscape that is both raw and introspective. “Ruby Red” features bass, classical strings, percussion and kit, modular synthesis and female voices. Musically, AMBER ASYLUM balance driving neoclassical elements with the raw power of pounding bass and drums, adding a potent, rhythmic force that contrasts beautifully with the quieter, brooding strings on “Ruby Red”. The bass and percussion create a compelling pulse that underpins the tracks, adding both intensity and depth to the album’s darker moments. AMBER ASYLUM were conceived by composer, singer, and multi-instrumentalist Kris Force in the Californian city of San Francisco in 1990. Throughout their ever-changing musical evolution, the band has shifted throughout a variety of styles and collaborated with a host of musicians such as Steve van Till (NEUROSIS), Sarah Schaffer (WEAKLING), John Cobbet (HAMMERS OF MISFORTUNE), Leila Abdul-Rauf (VASTUM), among many others. With “Ruby Red”, AMBER ASYLUM perfectly capture the growing dread and horror of a new dark age falling in our time. Yet the Californians balance the eerie and unhinged with a fragile beauty and blossoming of hope. “Ruby Red” is a most fascinating soundtrack of all that is to come. Listen carefully”. (Prophecy)

Im Unterschied zu den hauptsächlich atmosphärischen Soundlandschaften früherer Alben gibt es auf dem neuen Album mehr Gesang – eine Entscheidung, die 鬼 mit Blick auf bevorstehende Touren traf. Laut Begleittext entstand so ein „Blackgaze-Soundtrack“ mit hymnischen Refrains und melancholischen Melodien, die an Unreqviteds Debüt “Disquiet” erinnern. Das Album enthält zudem einen Bonus-Track in Form eines Covers von Hans Zimmers “Cornfield Chase“ aus dem Soundtrack zu Interstellar. Unverkennbare Signaturen von Unreqvited wie orchestrale Wucht und sich steigernde Strukturen bleiben auch auf dem neuen Album erhalten, doch gleichzeitig wagt 鬼 laut Label den Sprung in eine greifbarere und direkt zugängliche Musikwelt. Das Album erscheint am 25. Januar in diversen Vinyl-Editionen und digital zusammen mit einer Menge an Merch.

“It was well known in Nordic traditions that the voice holds magical power. With their debut album “At the Sound of the Heart”, a collective of renowned musicians from the west coast of Norway explores and embodies these ancient ways. All band members brought a part of their own background to WHISPERING VOID: The distinctive voices of WARDRUNA vocalist Lindy-Fay Hella and her male counterpart Kristian “Gaahl” Espedal spellbind the listener with an enormous range of techniques and sounds. Guitarist Ronny Stavestrand and ENSLAVED drummer Iver Sandøy combine ambient, psychedelic prog, and rock with notes of dark folk and metal on “At the Sound of the Heart” into something essentially Nordic but extending beyond already explored dimensions. The creative spark that lit the fire of WHISPERING VOID burning came from a long time of creating new music by Ronny Stavestrand. The guitarist had shared many years in the legendary underground black metal act TRELLDOM with outstanding vocalist Kristian “Gaahl” Espedal, who rose to fame with GORGOROTH and has meanwhile also established GAAHLS WYRD as a channel for his creativity. Therefore, it was only natural that Stavestrand asked Espedal to contribute to WHISPERING VOID – to which the latter chose to agree. While exploring new musical territories together, the need for a female voice arose. Having been part of WARDRUNA in the early years, Espedal was quick to note that vocal powerhouse Lindy-Fay Hella with her characteristic voice and unique contributions, which she has also shared in her own projects, was the perfect match for WHISPERING VOID. Hella was duly invited and luckily heeded the call. The quartet was completed by Iver Sandøy on battery and bass, who had put his impeccable musical sensitivity and timing into the service of ENSLAVED some years back but already made himself a name with the progressive outfit EMMERHOFF & THE MELANCHOLY BABIES. The result of their collective musings and interchanges is a unique mixture of the various influences that the band members represent. There are elements of ambient, dark and Nordic folk, psychedelic prog, rock, and many more ingredients in the unique music created by WHISPERING VOID, which due to lack of an easy description needs to be experienced by each listener individually.” (Prophecy)

Der Text des Stücks und aller folgenden Stücke auf der Platte entstammt einem bedeutenden alchemistischen Werk des frühen 17. Jahrhunderts aus der Feder des deutschen Arztes, Dichters und Okkultisten Michael Maier, das ebenfalls den Titel Atalanta Fugiens trägt – ein bedeutendes emblematisches (heute würde man auch sagen multimediales) Werk, das in fünfzig Kapiteln zahlreiche Aspekte der Alchemie und der spirituellen Suche erörtert und dabei Poesie, philosophische Reflexion, Illustrationen des Schweizer Kupferstechers Matthäus Merian und musikalische Partituren, bei denen wohl der englische Madrigalkomponist John Farmer einflussreich war, zusammenbringt. Über die Inhalte der fünfzig Embleme findet sich allerhand Differenziertes auf Papier und im Netz, die Versöhnung und Vermählung von Gegensätzen, aber auch die Wichtigkeit der Vermeidung von Extremen, die sich als Hindernisse auf dem alchemistischen Weg erweisen können, sind wichtige und wiederkehrende Motive und sollen hier als einzige exemplarisch genannt werden.

Der Atalante-Mythos, der in den Metamorphosen Ovids wahrscheinlich seine bekannteste Überlieferung erhalten hat, ist dem Ganzen als kurze Parabel vorangestellt. In dieser wird die mythische Heldin als eine sportliche und etwas asketisch wirkende Jägerin und Läuferin vorgestellt, die aufgrund ihrer Schönheit zahlreiche Verehrer hatte, sich aber der Ehe verweigern wollte. Ihre zahlreichen  Verehrer forderte sie zu einem Wettlauf heraus – gewinnt der Anwärter, gehört ihm ihre Hand, gewinnt sie, musste der Verehrer sein Leben lassen. Nur Hippomenes, der weder unambitioniert war, noch allzu obsessiv an seinem Ziel hing, schaffte es, sie mit einem Trick zu überlisten. Auch hier geht es also um die Vermeidung von Extremen und so etwas wie einen goldenen Mittelweg, wie ihn in der abendländischen Philosophie unter anderem Aristoteles in seiner Nikomarischen Ethik propagierte.

Im Unterschied zu vielen bisher bekannten Vertonungen des Stoffs, die sich mehr oder weniger an die Partituren aus dem Buch gehalten haben, entschieden sich Camerata Mediolanense bzw deren Komponistin und Songschreiberin Elena Previdi für ein musikalisch eigenständiges Werk, das bis auf den abschließenden Track, der tatsächlich eine originalgetreue Umsetzung ist, auf Eigenkompositionen setzt, die die musikalischen Ideen des Werks sicher als Inspirationsquelle nutzten, ansonsten aber den Stoff der zehn hier ausgewählten Embleme auf eigene Art umsetzt.

“Embryo Ventosa” erzählt die Geschichte von der Geburt des Schwefels, das zur Entstehungszeit des Buches gerade erst entdeckt wurde. In Maiers Lyrik wird das Element als Embryo beschrieben, der im Schoß des Boreas, des mächtigen Nordwindes heranwächst und aufgrund seiner Giftigkeit und Explosivität nicht nur ein enormes Potenzial, sondern auch gewaltige Risiken in sich birgt. Diese Ambiguität lässt sich bei genauerem Hinhören auch in dem Stück erkennen, das neben seiner mitreißenden Wucht, die sich v.a. nach mehreren ruhigen Passagen mit Carmens Sologesang offenbart, nicht nur subtile unterschwellige Dissonanzen transportiert, sondern auch eine zwiespältige Hypnotik. Diese wird noch deutlicher in dem Videoclip von Luca Rossato, in dem v.a. die trommelnden Recken Manuel Aroldi, Marco Colombo, Trevor Ameisi und Giancarlo Vighi etwas gewollt Zombifiziertes ausstrahlen. Dennoch wirk das Stück aus der Totalen betrachtet versöhnlich, und man muss derartige Vermählungen von Gegensätzlichem in den folgenden Stücken nicht lange suchen. “Rosetum”, das mit Trommelwirbeln beginnt, sich dann aber als eher schleppendes Mittempostück mit cinematischen Streicherpassagen entpuppt, offenbart eine exzentrisch anmutende Dramatik. Chiara eröffnet den Italienisch und Latein kombinierenden Gesangsteil mit einer ergriffen-ergreifenden Rezitation, in die sich nach und nach die anderen Stimmen einklinken. Zu Beginn von “Rupa Cava” könnte man meinen, die Melodie des Windembryos zu erkennen, doch das ist nur eine kurze Fata Morgana, aus der sich ein von folkigen Glocken und zischelnden Becken getragener Ritualsound schält. Carmens Stimme, die in anderen Stücken fast wie eine Fackel leuchtet, wird hier wie aus einem anderen Raum ins Zentrum des Gesdhehens geweht, die anderen – auch männliche – Stimmen kommen hinzu. Der Bariton der männlichen Sänger hat seinen großen, proklamatorischen Moment in “Corallus”, das mit seinen martialischen Pauken, die an ein Standgericht erinnern, und seinem reißerischen Verlauf die monumentalsten Momente des Albums entstehen lässt.

Um den Schwefel dreht sich auch der Hintergrund des Stücks “Hermaphroditus”, das gewissermaßen eine Fortstetzung von “Embryo Ventosa” und ein weiteres Highlight des Albums ist. Hier wird aus dem Sulfur und Quecksilber– stellvertretend für andere Gegensätze wie Sonne und Mond, heiß und kalt, Blut und Milch, Gold und Silber und letztlich dem männlichen und dem weiblichen – ein göttliches Zwitterwesen geschaffen, das symbolisch für die Überwindung des Konfliktes zwischen Delirium und Vernunft im alchemischen Prozess steht. Hinter den Acapellagesang, mit dem Desiree das Stück feierlich einleitet, schiebt sich der Klang eines im Camerata-Kosmos schon bekannten Cembalos, das irgendwann sein Tempo und seine Stoßrichtung findet und zum Hintergrund wunderbar miteinander verschmelzender weiblicher und männlicher Gesänge wird. In dem schunkeligen Walzertakt verbirgt sich dabei bis zum Ende etwas trunken eruptives, das an frühere Stücke wie “Mi vuoi” erinnert, und das hier später noch einmal in dem thematisch verwandten “Mercurius” wiederkehrt. In diesem kommt in dem Arrangement aus Streichern, Akkordeon, einem schnell gespielten Cembalo und zum Teil verstellten Stimmen ein populärmusikalisches Element hinzu, ich könnte mir den Song wunderbar in einer Version mit Marc Almond und Ernesto Tomasini vorstellen.

“Viktor quadrupedum”, das in einem kurzen Interludium mythologische Szenen wie in einem symbolistischen Panorama an einem vorbeiziehen lässt, und “Arpir” in welchem eine von einer Kinderstimme gelesene Rezitation von marschierenden Paukenrhythmen vorangetragen wird, repräsentieren die soundscapige Seite des Albums. Vor dem harmonischen Zusammenspiel der Gegensätze in Form der verschiedenen Stimmen in “Alta Venonosa”, das das Album ganz im Geiste von Maiers eigenen Ideen zum Abschluss bringt, stehen in “Draco”, das einer der Ourobouros-Gestalten des Bandes gewidmet ist, noch einmal die rauen und dystopischen Töne im Zentrum des Geschehens. Ein verrauscht-noisiger Unterton unter der spannungsgeladenen Perkussion lässt apokalyptischen Szenen entstehen wie man sie aus älteren Nummern wie “Balcani in Fiamme” kennt, und wenn später Trillerpfeifen und deklamatorische Shouts dazukommen erinnert man sich etwas deutlicher, dass die schöngeistige, ornamentale Seite der Gruppe immer nur eine Seite ihrer in der Hinsicht janusköpfigen Musik gewesen ist.

Mit “Atalanta Fugiens” ist Camerata Mediolanense ein “esoterisches” Konzeptalbum gelungen, wie es Elijah’s Mantle in ihren innovativsten Tagen nicht besser gekonnt hätten, und das zusammen mit dem von Mirco Magnani kuratierten “Magnum Opus Collectio Series” für eine gewachsenen Interesse an der Alchemie eventuell im italienischen Kulturraum stehen könnte. Die inhaltlichen Aspekte und ihre Umsetzung sollten Ideengeschichtler – am besten jenseits einer Kulturwissenschaft, die seit Jahrzehnten die immergleiche Konstrukthaftigkeit in allem sucht – beurteilen. Musikalisch kann man das Album nur als erstklassige Arbeit betrachten und als Beweis, dass es bisweilen ein paar Jahre dauern muss, bis ein solches vollendet ist. (U.S.)

Label: Auerbach Tonträger / Prophecy Productions

On their twelfth full-length “Paleobotany”, BOTANIST take us back more than 70 million years to a time when dinosaurs ruled the planet and early forests began to turn to coal. Before the age of giants ended in flames with the apocalyptic impact of the Chicxulub asteroid, many plants also grew much larger than their descendants that we know today. [...] Their music clearly has its foundation anchored in ‘metal’, but instead of 6-string guitars the Americans use 110-string hammered dulcimers. To the confused horror of traditionalists, BOTANIST fit these percussion-stringed folk instruments with magnetic pickups and distort them through various perverse means that range from amplifiers via analogue tape to digital manipulation. The resulting sound is as unique as spectacular. BOTANIST’s continuing sonic evolution began at an audible Nordic black metal shaped point of entry. The band soon developed a more open, avant-garde style, leading towards a growing complexity. On “Paleobotany”, the Californians have shed some of the more convoluted progressive elements in favour of more song-oriented arrangements that are still rich in details and surprises, which is enhanced through the album being mixed by renowned Swedish producer Fredrik Nordström (DIMMU BORGIR, OPETH, AT THE GATES) at Studio Fredman. BOTANIST are a unique band. “Paleobotany” expands their dark green sonic range of an avant-garde metal sound into a more accessible and dynamic sonic experience. When quadruped giants walked the earth, plants were already there and they will still be here when mankind has gone back to stardust”. (Prophecy Productions)

@ SPKR

Der Kern der Beteiligten ist von früheren Aufnahmen her einschlägig bekannt, in alphabetischer Reihenfolge sind dies Carmen D’Onofrio, Desiree Corapi, Chiara Rolando, Elena Previdi, Giancarlo Vighi, Manuel Aroldi, Marco Colombo und Trevor Ameisi – Musikerinnen und Musiker, die oftmals noch mit weiteren, ganz unterschiedlichen Projekten aktiv sind. Wie die meisten Aufnahmen der Formation folgt auch “Atalanta Fugiens” in seinen Motiven einem deutlich erkennbaren Konzept und greift auf ein historisches Thema zurück – namentlich auf das gleichnamige Buch des paracelsischen Arztes und Alchemisten Michael Maier aus dem Jahr 1617 mit zahlreichen Illustrationen des schweitzer Kupferstechers Matthäus Merian, das neben einem mythologisch-allegorischen Rahmen eine parabelhafte Theorie der rosenkreuzerischen Geistesschulung präsentierte. Unter den Stücken sind auch die bereits auf zahlreihen Konzerten erprobten “Rupe Cava”, “Victor Quadrupedum” und v.a. “Embryo Ventosa” zu finden, das längst zu einem heimlichen Favoriten vieler Fans geworden ist. Camerata Mediolanense, deren Name im latinisierten Italienisch soviel wie Kammermusiker aus Mailand bedeutet, bestehen seit den frühen 90ern und waren von Beginn an in zahlreiche Kulturkontexte der Region Mailand verwoben, die Bandbreite reicht vom

Conservatorio Giuseppe Verdi, an welchem Gründerin Elena Previdi forscht und lehrt und auch einíge weitere Mitglieder ihre Ausbildung erhalten haben, bis zu den Postpunk- und Experimentalmusikszenen weit über die Lombardei hinaus. Entsprechend vielgestaltig ist ihr stilistisches Spektrum, welches Musik der Renaissance und des Barock mit Populärmusik des 20. Jahrhunderts, Filmmusik und Einflüssen zeitgenössischer Subkulturen verbindet. Das in vielen ihrer Songs zu findende Zusammenspiel von wunderschönen Sopranstimmen und reißerischen Drums zählt zu ihren Markenzeichen. Das Album erscheint in verschiedenen Formaten beim Prophecy-Ableger Auerbach Tonträger, live werden sie das Material u.a. über Pflingsten gleich zweimal beim WGT in Leipzig vorstellen.

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graced by the resurrected guitar work of original Kinit Her member Vincent Wahcowiak, who left the band in 2009. His participation in this EP helps bring our wanderings full circle, adding yet another layer of finality to this release”. Zum abschließenden Song “Courtyard of all Grace” heißt es am gleichen Ort “The EP culminates with ‘Courtyard Of All Grace’, a track that ends with a sample from Red Hawk, a practitioner and teacher of self-remembering. His words, ‘I was thrown as a child; I lived at the edge of the woods; I was thrown onto a love of the Earth and the Earth supported me; the Earth grounded me – it gave me a place of refuge; so I loved the Earth’, encapsulate Kinit Her’s deep connection to nature and the cosmos and makes clear these tracks have the same lifeblood as those from The Nature Out There. This release symbolizes not just an end but the enduring spirit of our exploration, a key granting further keys to many doors of perception and understanding for those who have or will be touched by this music”. Das Release erscheint digital über Auerbach Tonträger.

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von Prophecy “psychedelic bliss” genannt wird. “An undercurrent of bluesy distortion tosses and turns in tectonic motion beneath bold hooks as his love for seventies and eighties staples funnels into a twisted 21st century take on Southern rock”, heißt es weiter. “He emerges out of this smoke with a vision without comparison, bringing grit and gusto in equal measure to Alt-Americana”. Der Musiker verfeinert seinen Stil seit zwanzig Jahren, “Too Old to Die Young”, ein Song seines zweiten Albums “Folk Songs of the American Longhair”, war Teil des Soundtracks von Django Unchained und soll von Tarantino persönlich ausgewählt worden sein. “Aurora” erscheint in zwei verschiedenfarbigen Vinyl-Editionen, auf CD und zum Download.

@ Prophecy Productions