Die immer wieder für Kollaborationen und Split-Releases mit befreundeten Musikern offene Band brachte bis in die Nullerjahre eine gute Handvoll Alben und einige kleinere Veröffentlichungen heraus, auf Raubbau in Kooperation mit Pflichtkauf erschien 2021 die Aufnahme “Live At Maschinenfest 2001 AZ Aachen”. Das vorliegende Tape enthält zwei Handvoll recht unterschiedlich gestaltete Tracks im weiten Feld ritueller, partiell ethno-angehauchter Soundscapes, die freilich die Spuren ihrer Zeit und der Ritual Industrial- und Dark Ambient-Strukturen ihrer Zeit aufweisen. Es präsentiert den Stil der Band von seiner etwas raueren und ungehobelteren Seite. Beim Label heißt es: “in a haze of youthful enthusiasm, the collective crafted a sonic landscape where gritty textures and cold, metallic sounds take center stage, immersing listeners in an experience resonating with the shadows of the wasteland. the extended visceral exploration of otherworldly sounds leaves an indelible mark. and yet, ‘pornografia’ holds surprises: the final, cryptically untitled track unveils a lush shoegaze instrumental – a departure that adds a layer of complexity, a sonic oasis in the midst of industrial desolation. as a whole, ‘pornografia’ showcases templegarden’s willingness to experiment, redefine sonic boundaries, and courage. it stands as a testament to their timeless commitment, well worth rediscovery. first released in 1997 as a cassette tape and later as a cd-r, the circle now closes with this final reissue. join us in exploring the depths of ‘pornografia’ – an auditory journey into the experimental and the unknown”. Das Album ist auch digital erhältlich.

deutschsprachigen Raum wie wenige andere geprägt hat. Die Veranstaltung läuft unter dem Motto “Ambient & Tiefgang” und präsentiert entsprechend eine Reihe eher ambientlastiger Bands des Labels, namentlich Bad Sector, Circular, Fjernlys, Inade, Phelios und S.E.T.I. Als Rahmen fungiert die von Raubbau ins Leben gerufene Reihe mit dem hofnungsfrohen Titel “Der Tag der Befreiung ist nah!!!”.

Samstag, 09.03.2024
Einlass 20 Uhr
Urban Spree
Revaler Str. 99
10245 Berlin

@ Facebook | Urban Spree | Raubbau | Loki-Found | Deep Audio

einem immer mitschwingenden Schuss Rock’n'Roll, der allen gefallen könnte, die neben Klassikern von Nick Cave and the Bad Seeds die American Recordings des Man in Black, Munly & The Lupercalians und die eine oder andere Apocalyptic Folk-Platte im Regal stehen haben. “Songs of the 1940s Vol. 1 & 2″ (Die Numemrierung lässt eine Fortstetzung vermuten) zählt zu den weniger rockorientierten Aufnahmen des Musikers, im Zentrum stehen Gesang, Akustikgitarre und dezente hintergründige Elektronik, in einigen Momenten steuern Gäste Pedal Steel Guitar (Chris Costelupes) und Backing Vocals (Violet Cowgill) bei. Im Frühjahr wird King Dude auch durch Europa touren, eine Station ist das Lido in Berlin.

Die insgesamt 14 Tracks auf dem neuen Longplayer knüpfen in ihrer diffus punkigen Machart an den vor vier Jahren erschienenen Vorgänger an und erscheinen zugleich verspielter und inTeilen sperriger. Das Album erscheint zunächst auf CD und im Download, eine Vinyl-Edition ist für den Sommer ebenfalls in Planung. Zuvor, genauer am 8. April, wird der Track “Head” als Video und als limitierte 7″-Single bei Raubbau (Ant-Zen) mit einer Sudden Infant-Zeitung als Verpackung erscheinen.

“Nach Wölfli’s Nightmare (2014) und Buddhist Nihilism (2018) kehren Joke Lanz und Sudden Infant einmal mehr in ihrer messerscharfen Trio-Besetzung mit dem brandneuen Studioalbum Lunatic Asylum zurück. Sudden Infant sind schwer zu kategorisieren. Einige sagen sie hören Einflüsse von Birthday Party, Psychic TV und Butthole Surfers, andere beschwören den Minimalismus von Happy Flowers und Virgin Prunes. Tatsache ist, Sudden Infant gehen den ganzen Weg und überraschen ständig mit unvorhersehbaren dadaistischen Wendungen und verrückten Ideen. Diese Band ist ein Abenteuer, sowohl auf Platte wie auch auf der Bühne.” (Fourth Dimansion)

Foto © Irene Hug

@ Fourth Dimension | Raubbau

Auch auf der auf Raubbau veröffentlichten LP „Vorbei der Tod“ war der Ausgangspunkt der Konzeption des Albums ein Traum, den Baraka (H) hatte und in dem er und Bandkollege Martin eine kleine Kapelle besuchten und plötzlich zahlreiche ihm bekannte und unbekannte Menschen präsent waren. Es herrschte eine zeremonielle Atmosphäre und er erfuhr plötzlich eine „absolute heavenly harmony“. Nach dem Aufwachen erinnerte sich Baraka (H) an die Worte des Gesangs: „Vorbei der Tod“.

„Dream Theme / Towards The Indivisible Being” beginnt mit sakralen Gesängen, zu denen aber fast sofort melodische Orgeldrones kommen, wodurch das Stück fast einen hymnischen Charakter bekommt und man muss durchaus an die oben angesprochene „heavenly harmony“ denken. Man meint, man wohne einem Sonnenaufgang bei. Nach drei Minuten wird das Stück dann reduzierter und man meint, man höre dunkle Bläser. „Inner Procession“ weist eine ähnlich sakrale-zeremonielle Stummung auf und immer wieder meint man, Stimmen zu hören. Diese Stücke erinnern (mich) an Angelo Badalamentis Musik zu Twin Peaks; eine Serie, die natürlich auch von einer Traumlogik durchzogen ist. Beeindruckend ist auch„Symmetrization“ mt seinem An- und Abschwellen von Sound. Die fast schon zu abgegriffene Metapher der Wellen (die aber vielleicht bezogen auf eine Band, die Alben wie „Mare Idiophonika“ oder “Mare Morphosis ” betitelte, nicht ganz deplatziert ist) beschreibt das ganz gut. „Ein-Bewusst” knüpft daran ein wenig an, ist anfangs brutzelnd, bevor nach und nach melodische Passagen hinzukommen. „Theme-Dream“ greift den Anfang in Titel wie in Musik auf. Dieses Album besitzt eine Erhabenheit und was erstaunlich ist, wie es Troum (immer wieder) gelingt, melodische, ergreifende Musik zu machen, der jedwedes falsches Pathos abgeht. (MG)

Label: Raubbau

Slaughterhouse
Raubbau
DJ Vertigo Neogama @ FB
Event @ FB 

„Golden Temple“ – man mag beim Titel an Mishimas Temple of the Golden Pavillon denken, woraus im opulenten Booklet zitiert wird – ist der dritte Teil von Anemone Tubes „Suicide Series“ und somit Nachfolger von „Dream Landscape“ und „Death Over China“. Ein weiteres mal geht es um Landschaften, die sich in der Spätform unserer Zivilisation herausgebildet haben und die zugleich ihren selbst hervorgerufenen Kollaps symbolisieren. Auf „Golden Temple“ ist all dies noch stärker als zuvor mit textlichen und ikonischen Zitaten und Anspielungen unterfüttert, die viele Fragen stellen und gelegentlich auch die eine oder andere Antwort in den Raum stellen.

Noch deutlicher als auf „Death Over China“ dreht sich auf „Golden Temple“ alles um das Thema der Entfremdung und ihrer apokalyptischen Dimensionen, und wie es scheint wird ein historisches Panorama entfaltet. Im eröffnenden „L’Homme et les Sirenes“ wird gewissermaßen die Ursünde der Entfremdung abgehandelt, der Trick des Odysseus, dem verführerischen Gesang der Sirenen zu widerstehen, oder allgemeiner: durch scheinbare Disziplin, die in Wirklichkeit eine Selbstfesselung ist, über die Natur und ihre Geister zu triumphieren. Dieser Akt, von Homer gefeiert und noch in der Dialektik der Aufklärung als Sternstunde der Zivilisation gewürdigt, erscheint hier als Auftakt einer fatalen Dystopie, zumindest lässt der knochentrockene Schleifsound, der seine destruktive Wirkraft erst nach und nach entfaltet, nichts anderes vermuten.

Von der Irrfahrt des Heroen bis zum finalen Anthropozän in „Anthropocene – The Dark Abyss of Time“ mit seinem an apokalyptisches Flammengeprassel erinnernden Rauschen ist es ein weiter Weg, und der ist mit Marken versehen, die so etwas wie einen Kampf zwischen Sein und Entfremdung anzudeuten scheinen. Auf musikalischer wie textlicher Seite herrscht der Nihilismus des all-encompassing destroyer aus dem zentralen „Tower of Evil“. „Apocalyptic Fantasy“ knüpt mit fatal dröhnenden Kreisbewegungen und einem Sound, der an Gitarrensoli diverser Metalgenres gemahnt, an die vorab veröffentlichte EP „In the Vortex of Dionysian Reality“ an, und schon dass hier auf Fantasy und nicht auf Nightmare verwiesen wird, unterstreicht das Lustvolle, dass dieses Untergangs-Narrativ bis zum kaum verständlichen Sprachample durchzieht – wie im Tarot Crowleys ist der Turm, der hier durch brettharte Noisewände evoziert wird, eine dem Einsturz geweihte comfort zone, deren Implosion gefürchtet und zugleich erhofft wird.

Nach einer eindringlicheren Version des schon auf dem Vortex-Tape enthaltenen „Tower of Evil“, hier mit dem Zusatz „The Ultimate Truth“, führt uns „Negation of Myth“ in die etwas filigraneren Regionen der Anemone Tube-Kosmos, was allerdings nur heißt, dass die nosigen Sounds weniger verwaschen und die einzelnen grobkörnigen Partikel deutlicher herausgearbeitet sind. Wer vergleichbare Passagen auf „Death Over China“ oder auf der Split mit Dissecting Table kennt, weiß, dass solche Tracks immer noch niederdrückend sind, und hier ist es v.a. das kosmische Hintergrunddröhnen, das den Eindruck von etwas Verlorenem aufrecht erhält. Vielleicht ist es diese Evokation von etwas ungreifbar Verlorenem, die auch den vielleicht schöngeistigesten Track „Sea of Lights (Golden Temple)“ so eindringlich macht.

Anemone Tube war stets an einer angemessenen allegorischen Aufmachung interessiert, doch diesmal ist das Booklet besonders reichhaltig gefüllt. Auf der bildlichen und paratextlichen Seite, die hier entfaltet wird, erwacht eine hetrotopische Gegenwelt, die so etwas wie ein nicht entfremdetes Sein zum Thema macht. Teil dieser Gegenwelt, wenn auch auf sehr radikale Art, ist zumindest der erste der beiden Bonus-Tracks, die wie eine integrierte EP unter dem Titel „Arcadia – Dreamland and Myth” angehängt sind: „I, Death, Even Rule in Arcadia” greift das Motiv der Odysse wieder auf und deutet eine alternative Erzähung an, in der der Held dem Ruf der Geister nachgibt und – auf tragische Weise, der Entfremdung jedoch entrinnend, wieder mit seiner eigenen Natur verschmilzt. „Tojinbo – Tranquil Sea of Equanimity” wiederum ist besonders doppelbödig, scheinen die vom schweitzer Soundaktivisten Dave Philips abgemischten Feldaufnahmen aus der Nähe einer für zahlreiche Selbstmorde bekannten Felsenklippe in Japan doch eher wieder eine Folge der Entfremdung statt ihre Alternative zu beschwören.

Letztlich bleibt es eine Frage der Interpretation, ob man die schönen Seiten des in „Golden Temple“ beschworenen als eskapistische Gegenwelt, als Einklagen einer veschmähten Kostbarkeit, als reine Dokumentation oder als vorsichtig hoffnungvolle Zukunftsaussicht auf ein Danach lesen will. Nietzsches Umschreibung des Dionysischen als „Ja zu Leben in all seiner Tragik” kommt mir dabei allerdings nicht aus dem Sinn. Sicher ist, dass das immer etwas links klingende Wort Antikapitalismus und das immer etwas rechts klingende Wort Antimodernismus selten so sehr überblendet wurde, wie auf diesem an Andeutungen und Anspielungen reichen Album, das den Geist Pasolinis wie ein Kontrastmittel über die Goldenen Tempel unserer Zeit gießt – und damit selbst die namenlose saufende Schönheit zu Füßen der Kolosses aus Glas und Beton zum Strahlen bringt. (U.S.)

Label: Raubbau

Dass Nilsen Morthound auch als Studioprojekt wiederbeleben würde, lag somit in der Luft, und alle Erwartungen bestätigen sich nun in Form von “Off the Beaten Track the Light don’t Shine”, einem Werk in vielen dunklen Farbschattierungen, dass nebenbei noch von Nilsens Erfahrungen mit Sampling und Feldaufnahmen profitiert. Für Die Hards der alten Schule werden in erster Linie die Tracks interessant sein, die besonders prägnant an das Frühwerk anknüpfen und dunklen Industrial bieten. Das ausladende „Between Midnight And Dawn“ ist so ein Stück, schon der Titel verweist unmissverständlich auf die episodische Reise durch dunklen Klanglandschaften, in denen unheilvolle Dialogfetzen in unterschiedlich starker Verfremdung mit hintergründigem Grollen und geheimnnissvollem Glühen überblenden. Oder das ebenfalls recht lange „Disquieted“, das zunächst auf ausgesprochen leisen Sohlen daherkommt und sich nach und nach, begleitet von cinematischen Spannungsmachern, zu einem wahren Inferno aus verzerrtem Rauschen hocharbeitet.

Schon bei diesen recht klassischen Tracks demonstriert der Musiker zwei seiner zentralen Fähigkeiten, nämlich mittels klanglicher Bewegung und angedeuteter Plastizität ein fast filmisches Raumgefühl zu suggerieren, begleitet von einem kunstvollen Umgang mit Geräuschen, bei denen er stets ein gutes Händchen für unterschiedliche Grade an Bearbeitung hat. Bei einigen seiner eher „dokumentarischen“ Arbeiten mit weitgehend naturbelassenen field recordings würde man sich eine solche Variationsbreite gelegentlich wünschen, aber das nur am Rande.

Zum Thema Variation gibt es aber auch bei „Off The Beaten Track..“ einiges zu sagen, denn die meisten der etwas kürzeren Stücke differenzieren den klassischen Morthound-Stil in die unterschiedlichsten Richtungen aus. Während „The Black Forest“ mit seine relaxten Ethno-Percussions noch gut zu der ambienteren Seite der klassischen Morthound passt, irritiert „The Munich Manual“ die Hörer mit der Illusion technoider Rhythmen, die sich jedoch als genial inkohärent erweisen und das Stück bald in einen Klangstrudel münden lassen, der in eine surreale Filmszene (ich kann mir David Lynch an der Stelle nicht verkneifen…) passen würde. „The Device“ beginnt mit enervierendem minimalistichem Geklicke, bis dass räudiges Grollen dem Spaß sein verdientes Ende bereitet und das Substrat für allerhand schemenhafte Soundfragmente bildet.

Letztlich ist das Album gerade deshalb ein gutes Comeback, da es an frühere Arbeiten zwar deutlich anknüpft, dabei aber trotzdem erst gar nicht versucht, 19 Jahre für null und nichtig zu erklären und somit ein wirkliches neues Kapitel einleitet. Es könnte spannend bleiben. (U.S.)

Label: Raubbau

Der Beitrag von Stefan Knappe, Martin Gitschel und Helge Siehl alias Maeror Tri, der 1995 aufgenommen wurde und zwei Jahre später erstmals auf CD erschien, ist in seinen drei Abschnitten eine modern-archaische Rite de Passage, die den Anspruch erhebt, den Hörer, sollte er sich auf die Musik und ihre Wirkung einlassen, über die Schwelle eines neuen Bewusstseinszustandes zu führen – große Worte natürlich, die man von der Schlacke all der religiösen Discountmoden bereinigen muss, die die Welt auch nicht gerettet haben, selbst wenn sie so klangen. Die Klangerzeugung erfolgt stets über „herkömmliche“ Saiten- und Perkussionsinstrumente, die jedoch eine vielfältige Verfremdung erfahren und die Musik somit stark an elektronischen Ambient erinnern lassen. Lässt man sich auf die Musik ein, spielen solche Banalitäten ohnehin keine große Rolle mehr.

Der „Initiation“ betitelte erste Teil beginnt ausgesprochen leise und bedächtig. In den ersten fünfzehn Minuten, die einen leicht wellenförmig vibrierenden Klangteppich ausrollen, sollte sich entscheiden, ob der Hörer bereit ist, sich auf den Zustand zwischen Konzentration und Hingabe einzulassen, der zwangsläufig etwas vom Abtauchen ins Un- oder Vorbewusste hat. Irgendwann jedoch schreckt ein unterschwelliges Grollen den Hörer aus seiner Kontemplation, das in rituelles Pulsieren überleitet und die Initiation abschließt. Bis dahin findet man sich bei entsprechender Neigung allerdings schon komplett in der Parallelwelt Maeror Tris wieder. Ist der erste Teil noch von einem ausgewogenen Verhältnis aus wohlklingender Hypnotik und einem kaum bemerkbaren infernalischen Untergrund geprägt, so zielt der weitaus unbehaglichere Mittelteil mit seinen kleinen aber deutlichen Noisespuren und dem Scheppern von Metallobjekten anscheinend auf einen drastischen Stimmungswechsel („Alternation“) ab. Wer hier allerdings glaubt, dem Sturm vor der Ruhe beizuwohnen, den muss der „Expansion“ genannte Schlussteil gehörig irritieren: Was sich da aus dem verwischten Soundnebel herauskristallisiert klingt nach Raketen und entwickelt sich zu einem beinahe luftkriegsartigen Ausbruch – die Entgrenzung eben, die der Titel bereits impliziert, deren Brutalität jedoch überrascht. Freilich bleibt all dies subtil und sollte nicht mit Noise im eigentlichen Sinne verwechselt werden. Erst gegen Ende machen sich harmonische Klangwelten zwischen den Lärmpartikeln breit wie zwischen den Mauern und Säulen eines leerstehenden Gebäudes.

Mit dem Zusatz „Hypnos/Transe“ wurde „Mort Aux Vaches“ soeben bei Raubbau wiederveröffentlicht und meine Enpfehlung geht auch an all diejenigen Kids, die seit Jahren Begriffe wie „Drone“ auf den Lippen tragen, weil jedes zweite gelackte Kunstmagazin darüber schwadroniert – hier kann man sich einen Begriff davon machen, wie solche Musik klang, bevor sie in aller Munde war und über weite Strecken epigonal wurde. Die knapp einstündige Session ist im Grunde Ritualmusik im eigentlichen Wortsinne, fernab herkömmlicher Genrebegriffe. Für rationalere Gemüter ist das freilich nettes, exotisches Kolorit, eignet sich zum kreativen Abschalten und (gerade in der Neuauflage mit dem Artwork von Stefan Alt) als Fetisch für die post-industrielle Sammelwut. (U.S.)

Label: Raubbau

Sieben Jahre nach seinem Debüt „A Rebours“ ließ der Musiker erneut von sich hören und brachte eine EP namens „Interim“ und vor allem das Album „Songs of Experience“ (beide CMI) heraus, das formal wie inhaltlich nah am Vorgänger ist und durchaus als Fortsetzung verstanden werden kann. Veränderungen im Kleinen gibt es insofern, dass experimentierfreudigere Passagen mit weniger geradlinigen Sounds etwas mehr Raum bekommen, so beispielsweise bei der einleitenden Umsetzung von William Blakes „The Sick Rose“, ein Stück, das schon von vielen Musikern vertont wurde, am Prominentesten vielleicht von Coil. Es war Teil des illuminierten Gedichtszyklus, nach welchem Sundström das ganze Album benannte – die lyrischen Texte verschreiben sich der Erforschung eines menschlichen Seelenzustandes, welcher der Unschuld diametral entgegen gesetzt ist: Ein Zustand, der vom Verlust des kindlichen Urvertrauens und der despotischen Macht banaler weltlicher Institutionen geprägt ist und in Blakes Mythologie der Vertreibung aus dem Paradies entspricht. In „The Sick Rose“ wird Schönheit und Freude durch einen mysteriösen Trieb zerstört, der als dunkle, heimliche Liebe auftritt, allegorisiert durch die Figur eines unsichtbaren Wurmes – Jonathan Grieve (Contrastate) illustriert diese destruktive Kraft durch seinen grimmigen Stimmvortrag. An Coil (die musikalisch eigentlich Lichtjahre entfernt sind) musste ich auch bei der perkussiv-dramatischen Lovecraft-Vertonung „Hesperia“ denken, bei der der Vortragsstil an „The Golden Section“ erinnert. Wer bei diesem Stück an klassische Monumentalfilme denken muss, der kann sicher meine Kinoassoziation nachempfinden.

Insgesamt gestaltet sich „Songs of Experience“ recht wandlungsreich. Während „Spirits of the Dead“ mit wechselnden Tempi und Rhythmen spielt, offenbart das wieder an Huysmans abgelehnte „Down There“ mit seinen Chören eher die schwere Seite des Albums und hält Titel und Thema entsprechend einige der bedrückendsten Momente parat. Relativ unprätentiös und gerade deshalb einer der Höhepunkte ist die lange Version von Baudelaires „La Fin de la Journée“, das besonders von seinem gelungenen französischen Textvortrag lebt. Größtmögliche Gesten und ein enormer Breitbandsound finden sich dagegen wieder bei „The Hunt“ und bei „Strife“ (eine von Tomas Petterson vorgetragene Passage aus „Romeo & Julia“), das zum Teil in einem großen Theater eingespielt wurde.

Für jemanden, der wie ich meist um orchestrale Musik einen Bogen macht, klingt ein solches Album ungewöhnlich, und an einigen Stellen ist es mir etwas zu viel an Dramatik und Wucht – Kunstgriffe, über die ich daher ebenso wenig ein Expertenurteil abgeben will wie zu den gelegentlich hervorgehobenen Referenzen an Komponisten des späten 19. Jahrhunderts. Dass The Protagonist damals Standards setzte, hinter denen viele Nachfolger unter dem Begriff „Neoklassik“ weit zurück blieben, steht fest. Wie schon der Erstling wurde „Songs of Experience“ durch das Berliner Label Raubbau wieder zugänglich gemacht und enthält als Bonus die drei weiteren Stücke der „Interim“-Ep, die sich nahtlos an die Albumstücke anschließen – nach weiteren sieben Jahren, und vielleicht impliziert die Zahl ja eine gewisse Regelmäßigkeit, die Fans auf weitere Lebenszeichen gespannt machen können.