Konzeptioenll geht es bei diesem über einen Zeitraum von drei Jahren entstandenen „electroacoustic sound work“ um „fables and anthropomorphism“.

„Astafél“, ein Stück für Chor, Streicher und Elektronik, beginngt mit ein paar gesprochenen Worten, dann setzen sehr getragene melodische Passagen ein. Durch den Einsatz der Stimme(n),  für den sich der aus fünf Personen bestehende, selbst so bezeichnete “stochastic choir” verantwortlich zeigt, entsteht insgesamt eine sakral-entrückte Atmosphäre. „Therianthrope“, für Chor und Elektronik, ist ein zurückhaltender Track mit Sounds, die an zwitschernde Vögel denken lassen und der langsam verhallt.  „Lullaby For The Extinct“ ist ein Stück, das im Laufe seiner gut sieben Minuten einige Metamorphosen durchmacht: Es beginnt mit an eine Flöte erinnernde Passagen, dann Grummeln und Pochen, leicht orientalisch klingende Stimmen, schließlich setzen dunkle Streicher ein, die in ihrer getragenen und bedrückenden Schwere an den Soundtrack von Kurzels „Macbeth“ denken lassen. Das siebzehnminütige „Four Studies For ‘Furafauna’“ beginnt zaghaft, wird dann immer dichter, man glaubt, eine Trompete zu hören, es knistert. Im letzten Teil setzt eine (verfremdete?) Stimme ein, die sich zwischenzeitlich aufzulösen scheint. Diesem langen Stück wohnt ein Moment des Mysteriösen inne. Troums Remix von „Therianthrope“ versetzt den Hörer für fünf Minuten mit diesen leicht verrauschten Passagen in eine seltsame Zwischenwelt, während  der Remix von „Lullaby For The Extinct“, den Sewicide mit dem Untertitel „Die Nacht hat Hände“ versehen haben, etwas verspielter wirkt: Man hört Wassertropfen, Harmonium, merkwürdige liminale Stimmen. (MG)

Label: Black Rose Recordings

Die CD wird eröffnet von „Body Logics“, inspiriert von Stockhausens früher Arbeit „Klavierstück I“ und Äußerungen Anthony Braxtons, in denen er die „body logics“ von Stockhausens Klavierstücken u.a. mit denen von James Brown und George Clinton verglich. RLW schreibt, er habe daraufhin zusätzlich zu den virtuellen Instrumenten wie etwa Orgel noch Stimmelemente in “Body Logics” integriert. Das Stück selbst beginnt mit hektischen, fragmentierten Passagen, die in ihrer scheinbaren Erratik an Stockhausens Komposition denken  lassen. Dann scheint die Aufnahme zu leiern, Stille, ein virtuelles Fagott setzt ein, es gibt dissonantes Fiepen, Stimmfragmente tönen in der Ferne.  Das darauf folgende „From Failiure to Failure“ ist inspiriert von einer 1992 gehaltenen Rede Cages über „Overpopulation and Art“, einem Text, dem von Wechowski attestiert wird, voller „unbroken optimism and naivety“ zu sein, damit nicht den Geschmack des Künstlers (oder des Verfassers dieser Zeilen) treffend, aber laut den Linernotes lebe das Stück von seinen inneren Widersprüchen. Der Zukunftsoptimismus Cages erinnere Wechowski an Genres wie Prog oder Techno, woraus die Entscheidung für die gewählten Instrumente (Mellotron und Perkussion) resultierte. Die Stimme Cages wird verzerrt, verschwindet im Äther, das Gesagte lässt sich nur erahnen, wird geschreddert, (vielleicht) ad absurdum geführt. Gegen Ende finden sich perkussive Elemente, dann hört man noch einmal Cages sagen: „From failure to failure [...] to the final victory.“  „Trahison!“ ist inspiriert von Stockhausens „Gesang der Jünglinge im Feuerofen“ (eine Komposition, die vor etlichen Jahren der Zusammenarbeit von Asmus Tietchens und Thomas Köner den Namen lieh). Wechowski fiel bei dem Stück der Kontrast zwischen elaborierter Elektroakustik und Momenten des Lächerlichen auf. Verwendung fand bei seiner Komposition dann Material einer Oper von Saint-Saëns – eventuell  Samson et Dalila?  Man hört wieder zerhäckselte Sounds, die klingen,  als ginge jemand durch Kies und griffe dann nach einem Instrument. Manche Passagen lassen an Wasser denken.

“Minority Of The Dead” ist ein Album hervorragender Geräuschmusik, das auch ohne die Hintergrundinformationen funktionieren kann. (MG)

Label: Auf Abwegen

Wehowsky beschreibt in den Linernotes die enge Verbindung zwischen Elektroakustik und dem Cinéma L’Oreille. Dabei versteht er elektroakustische Musik als „autonome“ Musik – nicht als „Programmmusik“, also nicht als Mittel zum Zweck. Viel eher sollen die einzelnen Stücke des Albums beim Hörer Raum für freie Assoziationen lassen, man soll seine eigene „Kreativität“ entwickeln. Die Titel der insgesamt neun Stücke können, müssen dem Hörenden aber nicht unbedingt Deutungshinweise geben, dürfen also ebenso ignoriert werden.

Der erste Track „erträumtes intro, vorzeitig abgebrochen“ beginnt mit hochfrequentem Fiepen, kristallinen Sounds, dazu dann Brummen und unruhige Passagen. Der Neologismus „vorzimmern # 1“ beschreibt ein Stück, von dem mein jüngster Sohn meinte, es klinge, als würde eine Platte mit einer Gabel „verquietscht“, die Sounds wirken wie zerhäckselt. Dagegen ist „absurdes bekanntes # 1“ wesentlich dunkler: Es ertönen an Streicher erinnernde Klänge, denen durchaus ein Moment des Bedrohlichen innewohnt. Im weiteren Verlauf des Stücks meint man, bearbeitete klagende Stimmen zu hören. Das ist vielleicht ein Chor aus Schmerzen. Diese Stimmung wird bedingt auf „absurdes bekanntes # 2“ mit fast schon leiernden Sounds fortgesetzt. Verglichen mit diesem sehr dichten und verdichteten Stück ist „schein-kristall # 1“ reduzierter und klingt so, als werde vereinzelt auf Metall geschlagen, als erklinge eine Glocke in einem Kloster. Der Track „vorzimmern # 2“ dröhnt, während „absurdes bekanntes # 3“ von  Streichern durchzogen ist und sich zu einem dissonanten Monster steigert. Tönt ein Saxophon? Der vorletzte Track „schein-kristall # 2“ ist wieder etwas minimalistischer, erinnert  kurzzeitig an ElpHs „Worship The Glitch“-Album, bevor das Album mit „offenes ende, vorzeitig abgebrochen“ und dunklen Cellopassagen und Stimmen endet.

Das Label spricht von „haunting atmospheres“ (das von Chris Low designte Artwork scheint das insbesondere auf der Rückseite zu unterstreichen) und das ist durchaus das richtige Attribut für diese Stücke, die immer auch etwas im positiven Sinne Verstörendes haben, wobei man das auch so verstehen kann, dass Konventionen gestört werden. (MG)

Label: Black Rose Recordings

Diamanda Galás hatte auf ihrer „Masque of the Red Death“-Trilogie anhand von Auszügen aus dem Alten Testament den Umgang mit HIV-Infizierten in den USA mit an Aussatz Erkrankten verglichen, die Stimmen, die auf „Satanic Inventions“ auftauchen, sind dagegen so bearbeitet, so „transformiert“, kollagiert und fragmentiert, dass sie (fast) ins Unverständliche aufgelöst werden, was auf insgesamt 15 Stücken zu oft beeindruckenden Resultaten führt: Auf „Early Symptoms” hört man verfremdete, kaum noch erkennbare, irritierte wie irritierende, verlangsamte Stimmen. Das knapp eineinhalbminütige „Normality, Lost #1“ ist durchzogen von dissonanten Streichern, die verschwinden, ganz so, als drehe man an einem Radioregler. „Fever Glazed Thine Ears ’1“ besteht aus Kratzen, leiernden Sounds, scheinbar rückwärts abgespielten Stimmen, Gesängen.  „Normality, Lost #3“ klingt bedrohlicher mit seinem ambienten Dröhnen. Man hört Funksprüche („Fever Glazed Thine Ears #4“) oder Stimmengewirr („Out of Joint“), irgendwann heißt es dann: „die Leichenberge häufen sich“. (MG)

 Label: Black Rose Recordings