Continuing this sonic vocation on their new album, Jason Williamson and Andrew Fearn’s creative evolution now finds them capturing the atmosphere of their era too. Though no strangers to the dancefloor, the minimal yet immersive beats and grooves of UK GRIM’s tracks – which include collaborations with Dry Cleaning’s Florence Shaw and Jane’s Addiction’s Perry Farrell and Dave Navarro among them – add a new, physical dimension to Sleaford Mod’s sound that makes their words more vital than ever. Music for body AND mind. “

@ Sleaford Mods

Die Besetzung von seinem mit Unterbrechungen seit 1982 bestehenden Noiseprojekt Consumer Eletronics ist in den vergangenen Jahren stabil geblieben: Best, seine Frau Sarah sowie Russell Haswell. Dabei machten die letzten Veröffentlichungen und Auftritte ein paar Dinge deutlich: eine Reduktion auf einen transparenteren, minimal(istischer)en Klang, eine (vielleicht Haswell geschuldete) Integration von (kaputten) Rhythmen sowie die Etablierung von Sarah Best als zweiter Vokalistin neben ihrem als „dirty word specialist“  apostrophierten Ehemann.

Die auf Harbiger Sound jetzt erschienene 7” enthält zwei Stücke: „The Weight“, das auf gleichnamiges Stück von The Band anspielt, das von stakattohaften Rhythmen und Hochtönen durchzogen wird und auf dem sich beide die Vocals teilen. Wenn man sich vergegenwärtigt, dass es sich bei all den in dem langen Text adressierten Personen wie „valentine sally“ “um unidentifizierte Mordopfer handelt, wird der Kontrast zu dem von Robbie Robertson getexteten Band-Stück mehr als deutlich. Auf „Hostility Blues“ schreit Sarah Best zu Synthgebrutzel einen Text, auf dem ein apokalyptisches Szenario entworfen wird: „new diseases on the way / more and more every day /half a ton of guts ballooning out and viewed close up / bodies banked and waiting / leaking pus and pain“. Philip Bests lyrics sind noch immer ambi- und polyvalent (genug), sodass man die Stücke als scharfe Zeitdiagnose lesen kann – der Text, den Best für das Presseblatt geschrieben hat, erinnert an JG Ballard (über den Best promoviert hat).

Das fragmentierte Cover passt zu Bests Art des Schreibens: Man denke etwa an den „composite text“ “Captagon”. Musikalisch sind Conusmer Electronics (inzwischen) weit weg von traditioneller Power Electronics, aber immer noch weitaus irritierender als der Großteil verwandter Projekte und nach dem Hören dieser zwei Stücke verspürt der Hörer “no awareness/just pure / inexplicable bliss” (um abschließend die A-Seite der Single zu zitieren).  (JM)

Label: Harbinger Sound

Natürlich lässt sich das Album politisch lesen, etwa dann, wenn Best in biblischer Diktion auf „The Push“ verkündet: “Woe to the bloody city full of lies and robbery/Today I hear the beat of death in all things/I hear it in the streets and in the parks/You will all die”. Die Vocals werden teilweise nur von ein paar Beats untermalt, am Ende spricht er: „ I hate men and their violence/Their weak murderous minds“. Das ist für Bests Verhältnisse ein (extrem direkt) politisches Stück und auch wenn er jetzt in Texas lebt, so dürften diese Zeilen doch auf Camerons Toryregierung gemünzt sein, auf den Zustand des Vereinigten Königreichs. Aber man sollte nicht vergessen, dass Consumer Electronics nicht die Sleaford Mods sind (auch wenn sie das Label, eine 7‘ und ganz sicher eine gute Portion Zorn teilen), denn es finden sich auf dem Album genug Stücke, die -wie so oft bei Best- gängige Täter-Opfer-Zuschreibungen zum Verschwimmen bringen und auflösen, wie etwa „Knives Cut“, das mit Hochtönen beginnt, bevor brutale Verzerrungen einsetzen. In seiner Hysterie erinnert dieses Analogmassaker an japanische Acts wie z.B. Masonna. Zeilen wie „Let’s pretend you have a brain that functions/Independent of cunt” scheinen bar jeder Empathie zu sein. Dann am Ende aber erneut eine Aufforderung: “slumped spine straighten up/count to 10/ take a breath and burn it all fucking down”. Auf “Condition of a Hole” schreit Sarah Best zu verzerrten Beats: “Bruised from falling/ Bruised from the belt/Repetition repetition/This condition of a hole”. Im Vorfeld der Veröffentlichung mag sich der eine oder andere vielleicht darüber echauffiert haben, dass Best seiner Frau einen Platz am Mikrofon gibt, aber Sarah Best klingt auf diesem Album auf eine wirklich passende Weise unangenehm derangiert, so dass man auch ihr jedes Wort, das sie ausstößt, glaubt. Auf „Murder your Masters“ brüllt sie: “You are a sour leaking body /Wrapped in towels and dropped /Shivering to centre-stage / I am not here to help you”. Auf dem mit fiesen Analogverzerrungen beginnenden “Colour Climax” werden die Vocals mit der Musik scharf kontrastiert, denn Best trägt den Text nur sprechend vor. Inmitten dieser Apotheose der Invektiven fällt „Nothing Natural“ auf: Hochtöne, Lasershots, weitgehend instrumental, lediglich gegen Ende ist Gurgeln und Stöhnen zu hören.

Musikalisch ist interessant, dass – sicherlich auch Haswells Einfluss geschuldet – (kaputte) Rhythmen einen nicht kleinen Teil des Klangbilds ausmachen, ganz so, als wolle Best William Bennett zeigen, dass es nicht nur in Afrika perkussive Musik gibt.

In einer Zeit, in der zunehmend Studenten nach trigger warnings verlangen und überall Mikroaggressionen zu erkennen glauben (gleich Psychotikern, die sich von Mächten jedweder Couleur verfolgt fühlen), damit jedweden Diskurs zum Erliegen bringen und sich letztlich in eine wahrlich selbstverschuldete Unmündigkeit begeben -denn die (Ver-)Weigerung der Auseinandersetzung mit nicht nur queeren, sondern auch queren Gedanken, ist auch eine Weigerung zu denken, man scheint zu vergessen, dass im Adjektiv “bedenklich” eben dieses Verb steckt -, tut es mehr als gut, eine Band zu hören, die die personifizierte Makroaggression ist und deren Werke von einer Vielzahl von trigger warnings begleitet werden müssten. (J.M.)

Label: Harbinger Sound

Selbst die konservative bürgerliche Presse Großbritanniens lobt „Key Markets“, das neue, je nach Zählweise, vierte oder achte Album: fünf Sterne in der Times, vier im Telegraph, jedoch zum Teil auf eine so herablassend-gönnerhafte Weise, dass man in bester Williamson-Diktion „bunch of cunts“ – mit diesem lapidar betitelten Track eröffneten die Sleaford Mods ihr Konzert in Köln – rufen möchte.

Es ist schon öfter angesprochen worden, dass Jason Williamson gegen alles und jeden zu wettern scheint: Dumpfe Nationalisten bekamen ebenso wie Frühstückscerealien wie Weetabix schon ihr Fett weg. Auf dem neuen Album wird Boris Johnson zum Objekt des Spotts, aber eben auch Toblerone, Nick Clegg („Nick Clegg wants another chance, really/ this daylight robbery is now so fucking hateful/it’s accepted by the vast majoroty“ heißt es auf „Face to Faces“) genauso wie  Höschen von Victoria’s Secret (“The Blob”), Ed Milliband, aber ebenfalls der Cinema Club. Das mag zwar den einen oder anderen den Vorwurf machen lassen, Williamson verzettele sich, aber in einem Land, in dem die Klassengegensätze und -schranken in einem enormen Maße bestehen, in dem die Tories (noch) weitere Einschnitte in das Sozialsystem planen und in dem der Celebritykult.völlig hypertroph ist, ist das vielleicht einfach nur adäquat. Es ist auch einfach nur schön zu sehen, dass man noch in seinen 40ern wütend sein kann (oder muss) und es kein Privileg der Jugend ist. Zudem: Wer jemals miterlebt hat, wie vermeintlich konstruktive Problemlösungsstrategien jedwede Verhaltensunterschiede plattwalzen und Euphemismen das Tatsächliche verdecken, der freut sich über jedes four-letter word auf dieser Platte. Natürlich muss man nicht, aber man kann durchaus über den üblichen Fäkalhumor lachen: Die Wortspiele „all gone quiet on the wanker front“ oder „a room with a poo“ finden sich etwa auf „Bronx in a Six“. Auch das zunehmend Assoziative der Lyrics und die nicht immer zu dekodierenden Allusionen (Williamsons Entwicklung als Texter lässt sich gut auf der Zusammenstellung „Grammar Wanker“ nachvollziehen) sind eine Freude: „you always wannabe the same/, posy shit and leather jacket / motorbikes from the 50s/you live in carlton you twat/you’re not snake fucking plissken“ („Cunt make it up“).

Obwohl es durchaus kleine stilistische Entwicklungen gibt ( „Silly Me“ weist Ansätze von Dub auf, „Rupert Trousers“ ist eine schleppend-minimalistische Nummer), so erkennt man einen Sleaford Mods-Track  innerhalb weniger Sekunden und das ist auch gut so. Letztlich ist die Frage, ob die relativ eingeschränkten musikalischen Mittel (wobei Andrew Fearn ganz sicher mehr als nur ein „rudimentäres Verständnis“ von Musik hat) tragfähig sind, auf mehr als zwei, drei Alben funktionieren, auch obsolet, denn man wird immer wieder aufs Neue von der Wut und Wucht dieser Band mitgerissen. (M.G.)

Label: Harbinger Sound

In der experimentellen Musik und im Post-Industrial sind Projekte üblicher als Bands, was man mit der Distanz zum herkömmlichen Rock’n'Roll-Lifestyle ebenso erklären könnte wie mit dem starken Konzeptcharakter vieler Arbeiten, bei denen meist die Ideen einer einzelnen Person im Zentrum stehen. Obwohl Sudden Infant eine sehr individuelle Sicht auf die Welt zum Ausdruck bringt und nicht selten persönliche Erfahrungen verarbeitet, entschied sich Betreiber Joke Lanz im vergangenen Jahr, das Einmannprojekt in ein Trio umzuwandeln, bei dem ein an Jazz und Rock geschultes Schlagzeug und ein Kontrabass mit dem altbekannten elektronischen Lärm zu einer Einheit fusionieren, die man als organisch bezeichnen könnte, wäre der Begriff nicht so verbraucht. In vielem ist sich der Musiker jedoch entschieden treu geblieben: Kämpferische Shouts, Stakkato-Rhythmen und der Drang, die Geheimnisse des Erwachsenwerdens, der Geschlechter und der Betriebsblindheiten unseres Alltags zu ergründen – all dies ist bei Sudden Infant so aktuell wie eh und je, und nach wie vor hebt sich seine Selbstoffenbarung angenehm ab von Standards einer banalen Geständniskultur vor der Kulisse einer vermeindlich heilen Welt. Anlässlich des neuen Albums sprach Joke mit uns über Neues und Beständiges in der musikalischen und außermusikalischen Welt.

Sudden Infant ist nun eine Band. Wenn man bedenkt, wie oft man diesen Satz derzeit liest, könnte man meinen, dass für dich gerade ein ganz neuer Lebensabschnitt beginnt. Ist der Einschnitt wirklich so groß, oder siehst du die Veränderung eher als Erweiterung des Bestehenden?

Ich würde sagen es ist beides. Ich habe dazumal 1986 mit einer Punk/Hardcore-Band angefangen, Musik zu machen, und irgendwie schliesst sich nun der Kreis wieder. Der elektronische Sound, den ich bisher fast ausschließlich alleine mittels Sampling kreiert hatte, ist nun lebendigem Material gewichen, wurde also durch Bass und Schlagzeug ersetzt. Einerseits eine Erweiterung, andererseits auch ein neuer Abschnitt nach 25 Jahren. Der plötzliche Säugling ist nun etwas älter geworden.

Was gab den eigentlichen Anstoß dazu – die Begegnung mit den beiden
Musikern, das Gefühl, dass etwas zum Abschluss gekommen ist, oder eher
die Erkenntnis, dass Joke Lanz nicht immer deckungsgleich ist mit Sudden
Infant?

Christian Weber kenne ich schon sehr lange, wir spielen seit vielen Jahren im Bereich der Improvisierten Musik zusammen. Er war auch früher bereits bei Sudden Infant mit dabei für die Aufnahmen der beiden CDs  “Earwash” (2003 SSSM Japan) und “Psychotic Einzelkind” (2008 Blossoming Noise USA). Christian ist einer meiner liebsten Freunde und ein genialer Bassist. Alexandre Babel hab ich zum ersten Mal in Riga auf dem Sound Forest Festival 2010 gesehen, wo er ein Solo Schlagzeug-Set gespielt hat. Das hat mich im wahrsten Sinne des Wortes weggeblasen, das war unglaublich toll. Die Lust und die Idee für die Transformation von Sudden Infant in eine Band-Formation hatte ich eigentlich schon länger im Hinterkopf. Ich musste einfach noch warten bis die Zeit und die Umstände passten und dies ist nun geschehen und Christian und Alexandre sind mit viel Freude und ihren tollen musikalischen Ideen mit dabei.

Gab es in der Vergangenheit Umbrüche, die für dich ähnlich stark ins Gewicht gefallen sind? Gab es von deiner Seite aus je Überlegungen einen anderen Projektnamen zu wählen?

Ich habe in der Vergangenheit immer wieder gerne mit anderen Musikern gearbeitet. Ich spiele heute noch regelmässig, vor allem als Turntablist, in Duos, Trios und freien Gruppen. Das Sudden Infant-Universum hat sich jedoch ganz klar, wie aus einem Urknall, mit der Geburt meines Sohnes Céleste ergeben. Ich war ja selber noch sehr jung und wollte nicht erwachsen werden. Und plötzlich trage ich zusammen mit meiner damaligen Freundin die Verantwortung für ein neues Menschenleben. Dies hat mich und meine Musik sehr geprägt. Sudden Infant hat mich seither auf meinem Weg begleitet und natürlich auch verschiedenste Veränderungen durchgemacht. Genauso wie im richtigen Leben. Das musikalische Projekt ist zum Lebensentwurf geworden. Ein anderen Namen wollte ich eigentlich nie wählen.

Bei Sudden Infant dreht sich vieles um sehr persönliche Themen aus deiner Biografie. Hast du das Gefühl, dass das jetzt einen anderen Stellenwert bekommt, oder werden die Inhalte nach wie vor ganz dein Metier bleiben?

Natürlich werde ich weiterhin einen großen Teil der Inhalte beisteuern und textlich vor allem die Abgründe, Seelenzustände, Freuden, Ängste und Schmerzen der Menschen beschreiben. Während meiner vielen Reisen beobachte ich sehr gerne Situationen, kleine Begebenheiten, Gesichtsausdrücke, Körpersprachen usw. Ich mache mir dann oft Notizen, Stichworte, Assoziationsketten. Daraus ergeben sich Verse oder kinderähnliche Reime, sehr einfach und direkt. Ich möchte die Texte einfach halten und die Geschichten nicht überzeichnen, sondern nur andeuten, weil sich für mich vieles im Leben auf einer intuitiven und emotionalen Ebene abspielt und mit Worten eigentlich gar nicht vollends erklärbar ist. Ich mag Aufzählungen, Wiederholungen und kleine Stories aus einer irrationalen Kinder- und Geisterwelt, die dann plötzlich explodieren können, textlich wie musikalisch.

Du arbeitest für deine Soloarbeiten in deinem Heimstudio, gehst für andere Arbeiten aber auch in reguläre Studios. Wie kann man sich den Aufnahmeprozess des letzten Albums vorstellen und wie unterscheidet sich die Herangehensweise von deinen Soloarbeiten?

Für das neue Album haben wir ein Studio in Polen ausgewählt, weil wir unbedingt mit Roli Mosimann (ex-Swans) zusammen arbeiten wollten. Die meisten Stücke waren von mir bereits geschrieben und ich hatte sie auch schon einige Male Solo auf der Bühne gespielt. Wir haben die Stücke nun für Bass und Schlagzeug angepasst und zum Teil auch stark geändert. Während der vier Tage im Studio hatten wir auch Zeit neues auszuprobieren, und daraus sind dann zwei komplett neue Tracks entstanden (“Hold Me”, “Endless Night”). Wir sind dabei alle gleichberechtigt und es macht unheimlich viel Spass mit diesen beiden Ausnahmemusikern neues Material zu entwickeln. Roli Mosimann hat dann mit seiner ganzen Erfahrung als Produzent und Soundmagier den Rest dazugegeben.

Dein neues Album trägt den Titel “Wölfli’s Nightmare”, im gleichnamigen Song geht es um die Situation von Kindern in der Dritten Welt – “ten children every day die of diarrhoe” heißt es u.a. Denkst du, dass jemand wie Adolf Wölfli nötig wäre, um das Bizarre des Alltags gerade in Kriesengebieten deutlicher zu machen?

Eine interessante Frage! Ja, ich denke die Menschen in der Ersten Welt sitzen in einem geschützten, sicheren Nest, gehen wie selbstverständlich durch ihren geregelten Alltag. Die meisten von uns können sich auf einer rationalen Gefühlsebene überhaupt nicht vorstellen, was es heisst in der Dritten Welt zu leben, Tag für Tag um seine Existenz zu kämpfen und zwar mit dem nackten Leben. Die Bilder aus dem Fernsehen und dem Internet wirken abstrakt, es betrifft uns nicht, denn diese Bilder sind ja weit weg und diese Menschen stehen uns nicht nahe. Die Dekadenz der Ersten Welt, das Jammern auf hohem Niveau, das Streben nach immer mehr Wohlstand und Luxus, kann eigentlich gegenüber dem Elend und dem grenzenlosen Leid der Dritten Welt und der Kriegsgebiete in keiner Weise gerechtfertigt werden. Die Auseinandersetzung auf einer irrationalen oder sogar surrealen Ebene ist diesbezüglich dringend notwendig. Politiker und Wirtschaftsbosse werden diese Arbeit nicht leisten können. Also liegt es an den Künstlern, Dichtern, Musikern, aber auch an den normalen Menschen, sich über rationale Denkmuster hinwegzusetzen und wenn nötig dem kreativen Wahnsinn freien Lauf zu lassen.

Gibt es für dich einen spezielleren Bezug zu dem Künstler, der dieses Jahr 150 geworden wäre?

Ich habe Adolf Wölfli Mitte der 80er Jahre entdeckt und war von seinem immensen Werk, welches er als Insasse einer Psychiatrischen Klinik erschaffen hat, fasziniert. Die Titelwahl des Albums war eher zufällig. Ich wusste nicht mal, dass dieses Jahr sein 150jähriges Jubiläum ist. Und dann wurde ich noch für ein Theaterstück in Bern angefragt, ob ich den Wölfli spielen könnte. Irgendwie kamen die Geister alle zu mir.Väter und Söhne kehren in deiner Musik immer wieder, auch im neuen Album geht es z.B. um die Frage, was einen (guten) Vater ausmacht. Dabei kommt dem väterlichen und dem kindlichen Blickwinkel stets der gleiche Stellenwert zu, und mit der Zeit scheinen die damit verbundenen Fragen eine Einheit zu bilden. Ist das beabsichtigt, oder ergibt es sich automatisch aus deinen Interessen?

In jedem Mann steckt auch ein Kind. Also in jedem Vater auch ein Sohn. Ich habe meinen Vater früh verloren und bin dann später selber Vater geworden. Als Einzelkind war das Fehlen einer Vaterfigur nicht einfach für mich, vor allem während meiner Teenagerjahre. Da hat man schon mal das Bedürfnis, dem Vater ein paar Fragen zu stellen. Dies hat mich bis zu einem gewissen Grad geprägt. Heute habe ich mit meinem Sohn eine sehr freundschaftliche Beziehung, also wie zwei gute Freunde. Da lösen sich die Grenzen zwischen Eltern und Kind völlig auf.

In dem stark auf Saul Williams referierenden Stück “Father” heißt es, dass Väter auch etwas Mütterliches haben sollten. Denkst du, dass die immer mal wieder aufflammenden Gender-Debatten einen guten Schritt darstellen, oder erscheint dir die ideologisierte Angestrengtheit in den unterschiedlichsten Fraktionen eher als Hindernis?

Es kann nicht genug solcher Gender-Debatten geben, denn wir müssen alle ganz dringend unser verkrustetes Bild von Männlein und Weiblein überdenken.

Welche Rolle spielt Humor für dich beim Entstehen der Musik und bei Auftritten?

Humor ist die Gegenstimme zur Tragik des Lebens!

In der Vergangenheit wurde das Körperbezogene deiner Arbeit stets hervorgehoben und fast als Markenzeichen betrachtet. Man könnte nun sagen, dass Klänge immer auch ein physisches Phänomen sind und bei Performances auch der Körper eine wichtige Rolle spielt. Was macht diesen Aspekt gerade für Sudden Infant so wichtig?

Der körperliche Trieb und die Intuition sind viel schlauer als der Intellekt! Auf dieser These beruht eigentlich meine ganze Philosophie, sei es musikalisch, performativ oder künstlerisch. In meinen Augen hat sich die Musik mit der Erfindung des Computers sehr aus dem körperlichen Bereich wegbewegt, also sozusagen entkörperlicht. Dies finde ich sehr schade. Punk, Rock, Jazz, Metal sind körperliche Musik und die Energie ist wichtig, diese kann nicht mit Kopfgeburten erzeugt werden.

Schaut man sich die Auftritte von einer Band wie den Swans in den letzten Jahren an, so wird einem bewusst, dass die Musik (für Band wie für Zuschauer) extrem physisch (anstrengend) ist. Welche Rolle wird diesem Aspekt bei künftigen Auftritten von Sudden Infant zukommen?

Physische Musik ist wichtig! Sie stellt eine Art Reinigung dar, eine rituelle Abreaktion. Es gibt Menschen die gehen in die Kirche, um zu beten und der Messe beizuwohnen, andere Menschen gehen zu einem Swans-Konzert und lassen sich von der Wucht und der Intensität der Musik und deren Präsentation in andere Sphären hieven. Es hat was religiöses, man fühlt sich für einen Moment unsterblich. Die Menschen die weder in die Kirche noch zu Swans gehen, kommen dann vielleicht zu Sudden Infant. Wir arbeiten ja sehr viel mit Dynamik, Beschleunigung, Verdichtung, freier Fall usw. Dies ist sehr physisch und verlangt auch vom Publikum eine gewische Bereitschaft, in diese Tiefen einzutauchen.

Du warst mit deiner Musik nie nur in einer Sparte unterwegs, dein Release bei einem Rock’n'Roll-Label unterstreicht das ein weiteres Mal. Sind Genres für dich Hemmschuhe, oder siehst du in ihnen eher die Möglichkeit, unterschiedliche Menschen zu erreichen?

Dafür sind meine eigenen Interessen und Vorlieben einfach zu vielfältig. Ich mag es, wenn an einem Sudden Infant-Konzert die verschiedensten Menschen auftauchen. Leute aus dem New Wave/Gothic-Umfeld genauso wie Impro-Noise-Experimental-Industrial-Fans, Gay-Queer-Elektro-Punks, Metalheads oder Free Jazz-Freaks. Alles ist möglich! Es haben sich schon die unmöglichsten Leute an meinen Konzerten kennengelernt und oft sind daraus wunderbare Freundschaften entstanden.

Du tourst gerne ausgiebig, machst musikalische Exkursionen auch in Gegenden, in die sich nicht jeder westliche Musiker hinbegibt. Wie wichtig sind für dich Ortswechsel, um den kreativen Antrieb in Gang zu halten?

Lebenswichtig! Ohne diese Ortswechsel, Reisen und Aufenthalte würde ich mich vermutlich in meinem eigenen vier Wänden umbringen. Oder zumindest in tiefe Depressionen stürzen.

Letztes Jahr warst du ein paar Monate für Aufnahmen und Workshops in Kairo, hast dort mit Musikern wie Sam Shalabi zusammengearbeitet. Wie kam es zu diesem Aufenthalt, und was konntest du an Eindrücken und Erfahrungen, aber auch an neuer Musik mit nachhause nehmen?

Ich hatte mich bei der Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia für einen Atelier Aufenthalt in Kairo beworben. Ich verspürte grosse Lust ein paar Monate wegzugehen, an neuen Kompositionen zu arbeiten und ein für mich noch unbekanntes Land und eine neue Kultur zu entdecken. Zu meiner grossen Überraschung habe ich den Zuschlag bekommen und bin im Januar 2012 für fünf Monate nach Kairo gereist. Die unglaubliche Intensität dieser Megastadt hat mich sehr fasziniert. Ebenso, dass westliche Logik und rationales Handeln in Ägypten kaum funktionieren. Ich habe gelernt, mit viel Geduld die Dinge von einem anderen Blickwinkel aus anzuschauen und mich einer alltäglichen Spiritualität zu öffnen. Während meines Aufenthaltes habe ich sehr viele Field Recordings gemacht u.a. auch von Demonstrationen und Kundgebungen auf dem Tahrir Platz. Ich habe bereits einen grossen Teil davon bearbeitet und in Kompositionen eingebettet. Dies soll in naher Zukunft auf Tonträger erscheinen.

Auf deiner aktuellen Tour wirst du u.a. mit Consumer Electronics und den
Sleaford Mods auf der Bühne stehen. Wenn man nach Gemeinsamkeiten zwischen diesen drei Projekten/Bands suchen würde, fällt einem vielleicht als erstes das Konfrontative ein, das insbesondere die Auftritte der Genannten prägt. Siehst du das ähnlich und ist das eine Gesellschaft, in der du dich wohlfühlst?

Ja, richtig! Und trotzdem sind die drei Bands sehr unterschiedlich, vor allem musikalisch. Ich mag transgressive Acts, aber der Humor darf auf jeden Fall nicht zu kurz kommen. Und dies ist wohl auch das Verbindungsglied zwischen diesen drei Bands.

Die Sleaford Mods haben sich innerhalb der letzten Monate auch auf den Seiten der Mainstreampresse wiedergefunden. Glaubst du, dass dir/euch das mit Sudden Infant auch (noch) passieren könnte?

Das glaube ich nicht, dafür ist die Musik von Sudden Infant zu abseitig.

Noch eine Frage, die vielleicht nach den vorherigen etwas profan anmutet. Vor einigen Jahren gab es im Wire einen recht umfangreichen Bericht über dich und dein Werk. Hat sich dieser Artikel in irgendeiner Form in gesteigertem Interesse an deiner Arbeit niedergeschlagen?

Nein, nicht wirklich. Ich habe nach dem Artikel einige Emails von Freunden erhalten, von denen ich seit vielen Jahren nichts mehr gehört hatte.

(M.G. & U.S.)

Fotos: Marcel Derek Ramsay, Martin Baumgartner, Laura Fusato

suddeninfant.com

suddeninfant.blogspot.de

English version

Vielleicht ist es ein bisschen trivial, damit zu beginnen, aber es steckt eine Menge Wut in dem, was ihr macht. Vor ein paar Jahren sprach ich mit einem Freund und er sagte “ich höre mir keine aggressive Musik mehr an. Ich bin jetzt 40. Ich bin etwas zahmer geworden “. Ich denke, es gibt immer noch genügen Grund, wütend zu sein.

Jason Williamson: Nein, das geht nicht weg.

Andrew Fearn: Nichts gegen deinen Freund, aber ein Freund meiner Cousine, der ansonsten Talk Talk und Ambientkram hört, war total begeistert, als wir uns bei einer Familienfeier kennenlernten. Er war total hin und weg von Sleaford Mods. Jeder Kerl ist nämlich angepisst, man vergisst das nur sehr leicht.
J: Aber du hast die Wahl. Viele Leute versuchen, nicht nachzudenken.

Ignoranz ist ein Segen.

J: Ja, so sieht es aus.

Würdet ihr sagen, dass das aktuelle politische Klima in Großbritannien eure letzte Platte beeinflusst hat?

J: Ich mache das nun seit sieben Jahren, es war immer so.

A: Es war nie weg.

J: Es war nie wirklich lange verschwunden in diesem Land. Es ist immer ungerecht gewesen. In den letzten 30 Jahren hat es rapide zugenommen.

A: [zeigt auf einen Tisch mit Obst im Backstage] Eine Menge Wasser, Cola, Bananen, Obst. Du würdest das im Vereinigten Königreich nicht bekommen. Man würde einen Scheiß kriegen.  Was du bekommst ist eine verschlossene Tür, während du versuchst, in den Raum zu kommen. Das ist alles, was du bekommst (lacht).

Ihr mögt deutsches Bier?

A: Nicht nur deutsches Bier. Alles. Das Essen, die Leute, die Kultur. Die Infrastuktur.
Vor Ewigkeiten verbrachte ich eine Zeit in Liverpool, und ich erinnere mich, dass ich oft im Tunnel von Birkenhead stecken blieb. Nachdem ich ein paarmal in Birkenhead war, bekam ich eine Vorstellung davon, worum es in der Zeile “it took a tattoeoed boy from Birkenhead to really really open her eyes“ von den Smiths geht. Wie denkt ihr heute über Morrissey?

A: Also ich würde sagen, er sagt witzige Sachen und ist bisschen ein Blödmann.

J: Ein scheiß Moralprediger ist er.

A: Er hat etwas Cooles an sich. Er ist nach Amerika gezogen, nach LA, und ich denke, es schert ihn einen Scheiß, was wir denken.

Kommen wir mal zu der Art, wie ihr eure Songs komponiert. Die Legende sagt, dass alles anfing, als jemand einen Black Metal-Loop spielte.

J: Ja, das stimmt. Ich experimentierte vorher schon mit Spoken Words. Ich ging zurück ins Studio und versuchte, damit zu arbeiten.

A: Mein Part.

J.: Davor (beide lachen). So fing ich an, mehr solche Sachen zu schreiben, Loops zu benutzen. So fing es an.

Eure zwei letzten Alben erschienen auf Harbinger. Wie kam es dazu?

A: Du kennst Harbinger?

Ja. Ich interessiere mich sehr für Postindustrial. Der Name machte mich also hellhörig.

A: Wie kam dir das vor?

Nun, zu Anfang war ich ein bisschen überrascht, aber nach eurer Show heute Abend, ergibt das schon Sinn.

A: Manchmal bringt man uns mit den Pet Shop Boys in Verbindung. Als Kind war ich ganz verrückt nach Popmusik. Ich kannte die Welt jenseits davon nicht. Die Pet Shop Boys waren sehr wichtig für mich. Aber witzig heute, die Pet Shop Boys.

J: Sorry, wie war die Frage nochmal?

Wegen des Labels.

J: Wir spielten in einem Club namens Ravel, der Ravel Club, dort trafen  wir Steve [Underwood].

A: Der einzig gute Abend in Nottz.

J: Steve kam zu uns. Es war nur ich solo. Wir hatten seit einem Jahr nicht mehr zusammen gespielt, wir namhmen nur zusammen auf.

A: Ich hatte schon bisschen Musik gemacht, aber es war alles noch ganz frisch. Irgendwann kannten wir uns besser.. Dann gab es ein Festival in dem Club und er sah uns. So nahm alles seinen Lauf.

Beim Konzert dachte ich, dass Musiker mit einem Laptop es sich oft dahinter bequem machen und nur so tun, als würden sie viel machen. Bei euch ist es anders.

A: Ja, so soll es sein. Ich hab mein ganzes Leben lang schon Musik in verschiedenen Projekten gemacht und hatte immer mit diesem Konzept zu schaffen. Es machte mir immer zu schaffen, wie sehr die dabei lügen. Niemand schert sich einen Dreck darum, wie du über deinem Laptop-Bildschirm aussiehst. Die Leute wollen mich lieber rumzappeln sehen.

Du kennst offensichtlich alle Texte.

(lacht)

J: Die Idee ist, das alles möglichst runter zu brechen. Wir benutzen nicht viele Instrumente. Er drückt bloß auf Play und das wars. Ich mache dann den Rest.

Aber es passiert eine Menge.

J: Es entsteht von selbst. Du umgibst dich einfach mit irgendwas.

A: Ich denke, unsere Elektronik ist ziemlich klaustrophobisch. Es ist kein Fake.

Würdet ihr sagen, dass die Reaktionen in England anders sind als beispielsweise in Deutschland? Vielleicht achtet das englische Publikum mehr auf die Lyrics?

J: In Englandgeht’s jetzt los.

A: Ja, so ist es. Bevor wir in Europa wahrgenommen wurden, waren die englischen Hörer ziemlich zynisch, was unsere Musik anging. Sie waren zu sehr auf alte Sachen fixiert. Jetzt funktioniert es.

Könnt ihr bisschen was zu den Texten sagen? Wie kommt ihr in die entsprechende Stimmung?

J: Manchmal ist es nur Geschwafel, machmal aber auch ein solides Thema, das mich ankotzt oder eine Person, die uns nervt. Einfach ein grundsätzliches Thema, über das wir quatschen, es kann mit einem witzigen Wort anfangen, manches ist auch erfunden, manches ist fantasiert, aber es gibt immer einen unterschwelligen Bezug zum Alltag.

A: Manches kommt uns sehr englisch vor, aber wahrscheinlich sind es Dinge, die jeder Mensch kennst. Es ist das, was wir machen. Deshalb haben wir auch keine Sorge, ob es auf Europa bezogen ist ode rnicht, wir sprechen einfach die Sprache der Leute. Wir machen uns keine Gedanken über Poesie.

J: Da geht nichts ab.

A: Da geht nichts ab. Es ist eine fürchterliche Zeit.

J: Musik ist Scheiße in England. Niemand macht irgendwas. Jeder denkt an seine Karriere. Wenn irgendwelche Leute aufgelesen werden und nur einen Funken Talent haben, wird das gleich aufgesogen bei irgendwelche Plattenfimen und in eine Profitmaschine verwandelt. Wir haben nur auf uns selbst gestellt mit unserem Manager Steve gemacht und er hat uns mit seinen Verbindungen in Europa uftritte verschafft and dadurch haben wir ein Publikum aufgebaut und in England hat sich die Presse draufgestürzt, weil wir hier aufgetreten sind. Wir haben einen Namen. Also Europa hat uns wirklich gut getan.

Ich habe auf eurer Webseite gesehen,d ass euch sogar der BBC interviewt hat.

J: Genau, BBC 6. Aber das ist in Nottingham. Mainstream-Medien sind ziemlich auf uns abgefahren, aber das war alles wegen der Konzerte in Brüssel oder in Deutschland, und dann sind wir zurück nach England und konnte auch da spielen. Es hat aus irgendwelchen Gründen weiter funktioniert.

Es ist schon öfter über das Fluchen in den  Texten geschrieben worden. Ist das Fluchen  beabsichtigt oder passiert es einfach?

J: Es ist etwas, das passiert. So rede ich eben auch. Ich wollte mich selbst rüberbringen und nicht irgendwelche scheiß netten Worte sagen. Es erreichte einen Punkt, an dem ich so frustriert war. Deswegen dachte ich, ich selbst zu sein und das ist meine größte Waffe. Man sollte Musik machen, die zu einem passt. Nicht versuchen jemand anderes zu sein. Deswegen erwischt es so viele Leute. Man ist vielleicht gut darin Songs zu schreiben, aber eine Melodie ist nur ein Teil. Man kann auch noch seine eigene Persönlichkeit drin haben.

Eine Sache vielleicht noch. Ich glaube, ich hatte auf eurer Bandcamp-Seite gelesen, dass ihr früher in ein paar anderen Bands gespielt hattet, aber es gehasst habt. 

J: Ja, denn das war nicht ich selbst. Ich habe es deswegen gehasst, weil es nur damit zu tun hatte, einen Plattenvertrag zu bekommen. In einem Genre, das jeder schon zum Erbrechen gemacht hatte. Immer und immer wieder. Dann wurde es nach einer Weile so monoton und ich begann etwas mit spoken word. Da hatte ich eher einen Bezug zu, weil ich mehr Worte rauskriegen konnte. Das ist, als es den Samstag Nachmittag im Studio mit dem Loop passiert ist. Nummer eins: Das war interessant. Ich wurde darauf aufmerksam. Nummer zwei: Ich war mein eigener Herr. Ich musste mit niemandem Kompromisse eingehen. Ich konnte mein eigenes Ding durchziehen. Und mir wurde klar, dass ich ein guter Produzent bin. Ich konnte meine Ideen gut rüberbringen. Und es ist dann einfach so losgegangen.

(M.G.)

Sleaford Mods