Der Titel verbindet den aus dem Sanskrit stammenden Begriff “Naga” für die wissensvermittelnde Schlange mit “Lite”, abgeleitet vom griechischen Wort für Stein. Daraus entsteht das Bild eines beständigen, zugleich lebendigen Wesens, das Transformation verkörpert. Alle Stücke wurden von Lili Refrain geschrieben und eingespielt, unter Einsatz von Stimme, Gitarre, Bass, Synthies sowie akustischer und elektronischer Percussion. Im Spannungsverhältnis zwischen melodischen Mustern, Hypnotik und evokativem Gesang knüpft sie dabei auch an frühere Arbeiten an. Die Produktion entstand gemeinsam mit Stefano Morabito, der die Aufnahmen, den Mix und das Mastering im 16th Cellar Studio in Rom übernahm. Artwork und Gestaltung stammen von Nicola Alessandrini. Das Album erscheint in verschiedenen Vinyl-Editionen sowie als CD und zum Download.

Francesca Papi am Bass, Davide Rosa an der Gitarre und Fabio Orticoni am Schlagzeug ausgearbeitet und eingespielt, Kæry Ann selbst steuert als Erika Azzini  Gesang und weitere Gitarrenparts bei. Das Material ist hypnotisch und mystisch grundiert, inhaltlich kreisen die Songs um persönliche Verlusterfahrungen, das Erleben von Naturkräften und existentielle Spannungen. Das Album erscheint in den gängigen Formaten, seine Veröffentlichung wird von einer Europatour begleitet, deren Daten hier zu erfahren sind.

elektronischen und traditionell weltmusikalischen Klangquellen basierendem Instrumentarium einen weiteren Paradigmenwechsel dar”. Neben der regulären Version gibt es eine limitierte Deluxe-Edition, die neben der LP eine Bluray, ein Shirt und weitere Merchandiseartiken enthält. Außerdem ist eine weitere Tour geplant, auf der die Musikerin auch mehrmals im deutschsprachigen Raum Station machen wird. Die Tourdaten sind auf Bandcamp gelistet, wo das Werk auch vorbestellt werden kann.

@ Bandcamp | Subsound

In den Worten des Labels: “Musically speaking is a deep trip in the darkness sorrounded by ethereal voices, floating cellos, pulsing soundwaves, crushing and doom-ish layers: an authentic mix of experiences and feelings”. Zu Klanggestalt und Atmosphäre tragen auch die Gäste bei, die in einzelnen Tracks ihre Auftritte haben. Das wäre zum einen Tobias Vethake (Sicker Man) mit elektronischen und akustischen Celloparts, zum anderen Vocals von Dalila Kayros und Lili Refrain – die schamanisch anmutenden Gesänge der letzteren vor dunklen, infernalischen Klangwolken sind bereits in einem vorab veröffentlichten Stück zu hören. Das Album erscheint bei Subsound Records.

Die römische Sängerin und Gitarristin trat vor etwa 10 Jahren in unseren Fokus, als gerade ihr Album “9″ bei Trips und Träume erschienen ist, ein stark akustisch geprägtes Werk, das wie eine verhaltene Dekonstruktion klassischer Americana anmutete. Über die Jahre wurde ihre Musik elektronischer, rockiger und gleichsam abstrakter und erinnerte zum Teil an eine looplastige Hommage der Minimal Music auf klassischen Psychrock und Doom Metal. In derartigen Kreisen konnte sie dann auch ihre Fan-Gemeinde merklich vergrößern.

“Mana” ist schamanistischer ausgefallen als alle bisherigen Releases der Musikerin und stellt aufgrund ihres weniger auf Gitarren, dafür auf einer Mischung aus elektronischen und traditionell weltmusikalischen Klangquellen basierendem Instrumentarium einen weiteren Paradigmenwechsel dar. In den nach exotisch klingenden Begriffen wie “Abi Tapu”, “Ki” oder “Eikyou” betitelten Stücken verbreiten sich mal in erschöpften Flüstertönen, mal in kraftvoller Proklamation Gesänge über pulsierende Paukenschläge, ambiente Soundscapes und hypnotische Bimmelorgien wie über von zerklüfteten Tälern durchzogene weite Landschaften, entfalten sich in Fantasiesprachen, konzentrieren sich in Ausrufen wie “hey ho!”, geben sich fast monströs beängstigend, dann jagen sie als lyrischer Sopran über das holprige Gelände treibender Rhythmen.

Man sollte das Album als Einheit betrachten. Nichtsdestoweniger ist “Traveller”, eines der wenigen englisch betitelten Stücke, ein hervorhebenswerter Kraftsong: Seine pulsierend hypnotische Rhythmik baut sich nach und nach auf, während verfremdete Flüstervocals als die eigentlich treibende Kraft fungieren. Irgendwie erinnern die fast lieblichen Bimmelgitarren, die dem Ganzen die feine Krone aufsetzen, nicht als erste ein wenig an den Song “Ipnotica” vom bereits erwähnten “9″-Album, das fast so etwas wie eine Blaupause einiger Leitmotive erscheint.

Alles treibt hier auf einen klimax knarriger Gitarrenriffs zu, auf den ein klarer und diesmal unmissverständlich Stimmeinsatz folgt: “come wonder with me away from the sad world. Danach ist nur noch Raum für das große, verwehte Finale.

Label: Subsound Records

Die heute zwischen Mailand und Großbritannien verstreut lebenden Sigillum S und die in Rom gegründeten Macelleria Mobile di Mezzanotte, kurz MMM, entspringen zwei Generationen italienischer Undergroundmusik und stehen in der oberflächlichen Wahrnehmung für eine recht unterschiedliche Musik. Während Sigillum S mit rituellen Klängen die Welt des Industrial aufmischten und später vielen als Vertreter ambienter Elektronik gelten, erarbeiteten sich MMM in den letzten Jahren mit einer etwas schrägeren Variante dessen, wofür Acts wie Bohren & der Club of Gore berümt wurden, das Label Dark Jazz. Gründer Adriano Vincenti ist jedoch ebenso ein Kind des Industrial und betreibt bis heute das krachige Soloprojekt Cronaca Nera. Der Name referiert auf die italienische Übersetzung von Clive Barkers Meat Train und wurde nach eigener Angabe wohl durch die Menschenmassen inspiriert, die nachts aus den römischen U-Bahnen quellen.

Es ist nicht immer leicht zu erkennen, welche Details hier auf wen zurückgehen, und man ist schnell geneigt, “Blues and Doped Flowers…” wie das Werk einer einzelnen Band wahrzunehmen – zumindest die gedämpften Bläser, die mit Besen gestreichelten Becken und der Zeitlupengroove von MMM treten nur gelegentlich etwas deutlicher auf die Bühne. Ein Großteil der Musik ist null smooth, und selbst wenn nach einiger Zeit etwas mehr Schwung in die Szenerie kommt und angejazzte Takte zu hören sind, erinnert das an einen Catwalk mit räudigem Schuhwerk inmitten einer ungemütlichen Halle voll mit Sägespänen und Schutt.

Hat man sich an die Unaufgeräumtheit gewöhnt, fallen immer mehr meist desolate Melodien auf, erzeugt von Bläsern und Synthesizer und wie gemacht für einen nächtlichen Roadmovie. Und haucht da nicht sogar kurz eine menschliche Stimme? Ein Trugbild, fürchte ich, das den Hörer wie vieles andere in eine investigative Position bringt. Im Verlauf der beiden Tracks zeichnen sich durch deutliche Breaks oder subtile Änderungen der Gangart immer wieder separate Abschnitte ab, mal heimelig, so dass man fast einen klassischen Song erwartet, mal stampfend wie der Beginn einer düsteren Clubmusik. Leicht nachhängende Takte leiten über in abstraktere Soundscapes voll Klirren und Scheppern, rituelle Monotonie wiederum bildet das Vorspiel zum schleppenden, fast rockigen Finale, das einer No Wave-Platte zur Ehre gereicht hätte.

Am Ende kann man kaum sagen, welche der beiden Bands besser herauszuhören wäre, was gerade bei der über die Jahre sehr wechselhaften Musik von Sigillum S ohnehin nicht so leicht wäre. Weit wichtiger und auch deutlicher ist die Vielfäligkeit der Ideen, die sich in diesem posteschatologischen Thriller finden. (A. Kaudaht)

Label: Subsound

Schon wenige Sekunden nach dem Aufsetzen der Nadel ist man mittendrin in einem Film, der “Tausend Zigaretten und ein Mord” heißen könnte. Geschmeidig schleicht sich das Böse auf nylonumschmiegten Zehenspitzen durch ein nächtlich schwüles Szenario voll bedeutsamer Schatten, zumindest lässt der entspannt vor sich hin tänzelnde Jazzbesen Bilder dieser Art entstehen, bis dass ein immer ätzender werdendes Dröhnen wie ein Gift eindringt und der Fantasie um die mysteriöse Lady auf dem Albumcover neue Nahrung gibt. Ein um besondere Raubeinigkeit bemühter und doch merklich verzweifelter Erzähler im Off deutet die Ereignisse auf Italienisch, dabei fällt auch der von Clive Barker entlehnte Bandname.

Was folgt ist in gewisser Weise die typische MMM-Mischung, “Slow” ist ein eher skelletiertes Stück und ganz auf den Vortrag der Spoken Words fokussiert, und erst mir der Zeit fällt auf, wie sehr der Raum auch hier nach und nach von einem dunklen Dröhnen erfüllt wird. Elektronica von auffallend grooviger Art findet sich im Titelsong, bei dem kreisende Synthieloops mit einer traurigen Trompete verschmilzen. Nur die Stimme schlägt den Bogen zu den anderen Stücken. Denkt man sie sich für einen Moment weg, fällt auf, dass die Musik weit weniger cool ist als es auf den ersten Eindruck scheint, viel eher wirkt sie tief melancholisch. Doch was will man machen, so ist die Welt eben, scheint die Stimme aus dem Off zu sagen. Im weiteren Verlauf gibt es experimentellere Stücke weit weg von jeglicher Songstruktur (“Da’ll ultimo addio”), Kakophones (“La semplitce arte di delitto”) und ein paar Minuten Wahnsinn, in denen sich selbst die ansonsten so abgeklärte Erzählerfigur nur noch in schrägem Gelalle auflöst (“Black Bird BeBop Benzedrine”).

MMM haben seit den späten 90ern nun schon eine kleine Wegstrecke zurückgelegt, begannen damals noch im Umfeld von Spiritual Front mit nosigen Soundkollagen und wenig subtilen Zitaten aus der Film- und Jazzgeschichte. Von diesem Ausgangspunkt an entwickelte die Band eine immer elaboriertere Hörspielversion des sogenannten Dark- oder Doomjazz. Mit “Funeral Jazz” folg nun etwas, das wie ein erzählerisches Resümee oder ein Abgesang anmutet. Doch die hartgesottenen Untoten von Rom wären nicht sie selbst, würden sie fortan in ewige Ruhe verfallen.

Label: Subsounds 

Hätte man ihrem letzten Album, einer Hommage an die Musen mit dem Titel „9“, mit etwas Fantasie noch einen leichten Folktouch attestieren können, so fehlen auf „Kawax“ akustische Elemente weitestgehend. An die Stelle von „Desertsnake Ballads“ tritt neuerdings eine noch schwerere Ladung dröhnenden Feedbacks, dessen doomiger Beigeschmack zusammen mit dem an Gruppen wie Menace Ruin erinnernden Gesang gleich zu Beginn im Abstrakten aufgelöst wird. Das an den Albumtitel anspielende „Kowox“ fällt mit einem enervierend altbackenen Gitarrensolo mit der Tür ins Haus, allerdings ist die Tonfolge viel zu repetitiv um prollig zu wirken, und über kurz oder lang verschwindet sie ohnehin unter einer massiven Dröhnwand. Viel eher behaupten sich die Heavy-Anleihen in martialischen Riffs und heroischen Melodien, die bald die Oberhand haben, doch Refrain scheint ein gutes Gespür dafür zu haben, wie weit sie gehen kann, ohne dass doch noch ein Song daraus wird. Immer wieder deuten Aspekte in diese klassische Richtung – auch Außermusikalisches wie der Titel „666 Burns“ oder das Artwork, dessen Symmetrie der Symbolik wiederum eine stark artifizielle Note verleiht – doch niemals geht die Künstlerin in die Falle der Retromanie und Pseudo-Authentizität.

Neben urigen Rock-Motiven ist europäische Kunstmusik eine weitere Säule ihres Repertoires. Zugleich demonstrieren die entsprechenden Stücke, dass Refrain eine talentierte Sängerin ist, die auch in weniger experimentellen Musiksparten zu überzeugen wüsste. In „Goya“ mischen sich Operngesang und kräftige Chorpassagen mit einem fast punkigen Bandsound, der sich in „Elephants on my Pillow“ verselbständigt. Wie es scheint, hat sie auch beim New Wave, bei The Damned und Andam Ant ihre Hausaufgaben gemacht. Ein besonderer Moment ist ihre Neuinterpretation von Eden Ahbez’ Evergreen „Nature Boy“, den sie regelrecht zerfetzt und wie ein krudes Puzzle neu zusammensetzt. Stets werden bestimmte Passagen des schlichten Textes wie im Zoom hervorgehoben, wiederholt, überblendet, kontrastiert und in einen Klagegesang transformiert. Am Ende beschleicht einen das Gefühlt, dass erst so herum – bei allem Respekt vor den Umsetzungen von Nat King Cole, Bowie oder In Gowan Ring – ein Schuh daraus wird.

Bei all diesen Bezügen und Lilis „postmoderner“ Verwurstung müsste „Kawax“ eigentlich ungemein nerdig klingen, verkopft obendrein, und heiteres Referenzenraten wäre angesagt. Dass dem nicht so ist, könnte daran liegen, dass bei all der Umgestaltung des Materials dessen Energie nicht verloren gegangen ist und stets die Liebe zur Musik durchscheint. Schon deshalb ist „Kawax“ auch kein simpler Meta-Rock für selbsternannte Auskenner.

Label: Subsound

Insgesamt ist „Niger“ um einiges opulenter ausgefallen als das letztjährige „Zombi“, bei dem Produzent James Plotkin v.a. an der klaren Akzentuierung der beiden Instrumente gelegen war. Zumindest für Momente konnte man noch erkennen, dass es tatsächlich von nur zwei Musikern eingespielt wurde. Auf „Niger“ arbeiten sie erstmals mit Gästen an Gitarre, Mikro und Handdrums, doch selbst dann, wenn all das nicht zum Einsatz kommt, ist die Wucht und Fülle der Musik größer als zuvor. Deutlicher noch übernimmt das Saxophon die Rolle verzerrter Riffs, und hat, wenn es sein muss, auch ein paar ordentliche Soli in petto. Im Zusammenspiel mit der „echten“ Gitarre sind die Instrumente oft nicht gleich auseinander zu halten, es sei denn man achtet darauf. Das größte Novum allerdings sind virtuose afrikanische Rhythmen, mit denen Studiogast Mbar Ndiaye nicht nur Kolorit beisteuert, sondern den Jazzcore der Italiener perfekt mit einem neuen Sound fusionieren lässt. Nur zu Beginn von „Adya Houn’to“ wirkt die Percussion noch wie ein Fremdkörper, der sich aber sukzessive, durch schichtweise hinzugefügtes Klangmaterial, in metallische Härte überführen lässt. In dem Stück hört man auch die ersten Vocals im Mombu-Kosmos, vom Drummer selbst in einer mir fremden Sprache gesprochen und gebrüllt. Wie ein beunruhigendes Filmsample wirkt die aufgeregte Tirade, woran auch die loungige Xylophon-Begleitung nichts ändert. Der hier noch in abstrahierter Form vorhandene Ethno-Kontext konkretisiert sich in „Carmen Patrios“ zu einem echten Hit, bei dem Ndiaye über einer ausgelassenen Perkussion toasted. Natürlich ist auch das kein glatter Weltmusik-Ramsch, und wer es nicht gleich merkt, dem zersägen zumindest gegen Ende verzerrte Saiten das Idyll. Und sowieso wären Mombu nicht Mombu, ließen sie die Geschichte nicht in einem lauten Klanggewitter enden. Dass ein Begriff wie Afro Noise, wenn man ihn weit fasst, kein Markenzeichen eines einzigen Projektes sein muss, sollte nach „Niger“ endgültig klar sein.

Nun sind Fusionen aus Jazz und Metal nicht neu, ebensowenig die Annäherung zwischen Jazz und nicht-“westlicher“ Musik, im Gegenteil sind solche Hybride fest im Kultukanon etabilert mit all den Schalheiten und Abnudelungseffekten, die das zwangsläufig mit sich bringt. Doch der Ethnic Jazz von Mombu hat wenig gemein mit dem, der in Jello Biafras Evergreen von Berufssöhnen gehört wird, während sich das wahre Leben im kriegsgebeutelten Kabodscha ereignet. Mombu erteilen jeder heilen Welt eine Absage, sind aber auch keine Miesmacher, sondern treiben Ethnoklischees mit einem Höchtmaß an Virtuosität auf die Spitze. Natürlich könnten Überkorrekte darin die Trivialisierung afrikanischer Identität wittern, aber dazu man muss schon ein verknöcherter Diskursapostel sein. Mombu machen aus den exotischen Motiven etwas ungemein Kraftvolles, das m.E. vor allem dem alltäglichen Wohlstandsphlegmatismus entgegen steht, mag dieser nun in menschelnder Selbstgerechtigkeit daherkommen, oder in der Gestalt eines blasierten, meist unbewussten Zivilisationsdünkels.

Tolles Album, nur im Ernst, das Cover schafft mich!

Label: Subsounds

In diversen Foren wurden zum Teil abenteuerliche Kategorisierungsversuche unternommen, vom Geist John Coltranes war irgendwo die Rede, eingesperrt in ein Studio zusammen mit dem Drummer von NoMeansNo. Luca T. Mai spielt allerdings nicht Tenor-, sondern Baritonsax, dazu kommt, dass sein Spiel nur in bestimmten, genau abgemessenen Momenten die völlig entfesselte Formlosigkeit eines Jazzklassikers wie “Stellar Regions” aufweist. Über viele Strecken wirkt sein Spiel durchaus mehr komponiert als improvisiert, was nichts über den Entstehungsprozess seiner Parts aussagen muss, sondern auf die Liebe zu Formen und Figuren zurückgeht, die seinem Spiel Struktur und durch einen gewissen Hang zum Brachialen auch eine Menge derben Humor verleiht. Von NoMeansNo hätte die Rhythmussektion v.a. die Funkyness und die von vielen effektvollen Brüchen geprägten Crossoverbeats.

„Stutterer Ancestor“ fasst die typischen Merkmale des Mombu-Sound zusammen, hämmernde und stakkatohafte Rhythmen mit vielen Tempowechseln treffen auf Momente des reinen Chaos, verspielter Bläsereinsatz auf solchen, bei dem das Instrument als sirenenartige Geräuschquelle fungiert. Bei „Orichas“ scheint das Saxophon für Momente wie selbstverständlich ein Rockinstrumentarium zu imitieren, bongoartige Perkussion kommt hinzu, die bei weiteren Stücken (vor allem dem bisher unveröffentlichten Titeltrack) eine fiebrige Voodoo-Atmosphäre beschwören. Bei „Radà“, das sich erst mit der Zeit Stück für Stück entfaltet, legen die beiden sogar ihren Minimalismus offen auf den Tisch, der sonst über weite Strecken durch die Intensität und Wandlungsfähigkeit des Spiels kompensiert wird.

Ich würde Mombu trotz allem nicht primär wegen ihrer Virtuosität hervorheben, sondern eher aufgrund ihrer Intensität, die mit einer erdigen und unverquasten Street Credibility daherkommt, die so gar nichts mit dem Schreckbild des gelackten Jazz Snobs gemein hat. So ist auch das Artwork, das sich ebenso gut als Logo einer unkonventionellen Tiki-Bar oder einer Grindcore-Band eignen würde, kein Gag, sondern stimmig und konsequent. „Zombi“ erscheint als Vinyl mit beigelegter CD in begrenzter Stückzahl sowie langfristig als Download. Ich bin gespannt, ob Mombu sich als feste Band etablieren werden, außerdem ob Luca auch bei der schon länger angekündigten CD von ZU93 dabei sein und David Tibet mit seinem Saxophon begleiten wird.

Label: Subsound Records