An einigen Stellen klingen akustische Instrumente an, die nach Saiten klingen, höchstwahrscheinlich ist es aber die titelgebende, leicht verfremdete Celesta, ein Tasteninstrument, bei dem Stahlplatten mit filzbezogenen Hämmern angeschlagen werden. Die vier Tracktitel geben dem Album weitere kleine assoziative Färbungen, bei denen Himmelskörper (aber vielleicht auch Sonnenbrillen und das besagte Instrument) keine geringe Rolle spielen. Die beiden Klangkünstler haben vergessene Stems aus den Aufnahmen zu Nawfals Album “Modern Individual” (Ruptured  Records) aus den Archiven geholt und daraus während der Ereignisse des vergangenen Jahres diese vier Kollagen gefertigt. Das Album erscheint digital mit einer Fotoarbeit von Caroline Tabet und Design von George Rouhana. Unterstützung erhielten die beiden von Syrphe Records-Betreiber C-drík, der sowohl das Mastering als auch den Vertrieb übernahm.

Schon in “Mesmerized” treffen dunkle, erdige Saitenklänge auf gehauchte und zittrige Stimmen, bevor sich klarere Linien durchsetzen und die Gitarre mit feinen Ornamenten anrührt. Stücke wie der gleich folgende Titeltrack wirken zunächst schlaftrunken und somnambul, zugleich aber durchzogen von ernsten Themen, die in der Intonation der Stimme fast unmerklich eine erschrockene, alarmierende Note annehmen. Metallene Perkussion akzentuiert einzelne Momente, Synthesizer und Gongs (oft verfremdet, manchmal wie Kirchenglocken oder Motorengeräusche klingend) verstärken das Gefühl latenter Unruhe.

Kennzeichnend sind die Passagen, in denen Dora Bleus Gitarrenspiel an Continuous Music erinnert: wiederholte Tonfolgen, die gleichermaßen schön und fremd wirken. Diese Ambivalenz macht den Kern des Albums aus. Sanfte Pickings können in aggressives Strumming umschlagen, fragile Strukturen sich zu stürmischen Klangschichtungen verdichten. Besonders eindrucksvoll ist “Half Sleep”, das mit seiner Mischung aus verhuschter Dynamik, metallischen Akzenten und eindringlichem Gesang vielleicht das eingängigste Stück der Sammlung bildet.

Das Album bleibt insgesamt ein “entrücktes” Werk, das gerade durch die Verfremdungen seine Wirkung entfaltet. Die Kollegen von Field Notes beschrieben es treffend als Musik, die “am besten als liminal verstanden wird; als Schwelle zwischen einer Welt und einer anderen, [...] zwischen Popsongwriting und Drone Music”.

Ein zauberhaftes, verträumtes Album, das jedoch konsequenterweise nicht in einem versöhnlich-besinnlichen Schluss endet, sondern wie mitten im Geschehen abbricht, fast wie ein großes Fragezeichen mit ein wenig Lärm im Gepäck.

Label: Syrphe Records

Aditya Ryan Bhat ist ein in Melbourne lebender Perkussionist und Komponist, der, durchaus verwurzelt in der indischen Musiktradition einer Vorfahren, eine ganze Reihe an Musikarten – von Ambient über Jazz bis Elektronik – erforscht hat und in seine Arbeiten Solo oder in kammermusikalische Ensembles einbringt. “Fixed / Fleeting”, eine der besten australischen Produktionen dieser Art, die – liebe Bildungsbürger unserer Zeit – nicht alle bei Room40 erscheinen müssen, ist Bhats klangkünstlerische Reflexion über das Thema der Flüsse, und in der Tat stammen viele der Sounds von Aufnahmen des Wasser großer und kleinerer Flüsse wie des irrarung (Yarra) oder etwa des Brahmaputra, vermischt mit weiteren elektroakustischen Sounds. Das Saxofon von Gastmusiker Justinn Lu ist eine weitere Konstante, die im Unterschied zu dem latent statisch anmutenden Soundgerüst eher die Bewegung und den fragilen Fluss der Dinge repräsentiert. So erklärt sich dann auch der Titel des Albums.

Irgendwann noch im ersten Viertel des knapp halbstündigen One Track-Albums kommen andere Formen von Bewegung herein, Repetitionen und jede Menge kaum ortbare Geräusche, zu denen dann aber auch das zunächst kurze Striche auf die imaginäre Leinwand pinselnde pfeifende Saxofon gehört. Dieses ist es, das tatsächlich die fließendsten Bewegungen ins Bild bringt, und genau genommen ist stellenweise kaum zu sagen, ob hier zwei oder mehrere Szenen wie verschiedene Negativfotografien übereinandergelegt sind, oder ob das ganze sich zu einem kohärenten Gesamtbild fügt.

Dann wieder das Wasser, das – in Form von Regen, der mit mehrwürdig schabenden Sounds kontrastiert und einmal mehr eine besinnliche Note ins Bild bringt – nach wie vor einen Hauptcharakter der Musik abgibt. Mit der Zeit hat man immer stärker das Gefühl von zumindest kurzen klanglichen Zusammenballungen, bei denen die tendenziell harschen Komponenten besonders in den Vordergrund treten und sich in ihrer Vielheit gegenseitig den Rang streitig machen, darunter sind auch Sounds, die offenkundiger nach Elektronik klingen. Stockende, den retardierenden Momenten des Theaters entsprechende Passagen von stillerem Charakter kommen besonders ab der Mitte der Komposition vor und zeitigen eine ähnlich starke Wirkung.

Bhat betrachtet Flüsse, die er als die eigentlichen Auteurs dieser Musik betrachtet, als theatralische Institutionen, in denen den Faktor der Besiedlung und Industrialisierung von Biotopen durch den Menschen auf die ökologischen Krisen unserer Zeit offenbar wird. Gerade sein Fokus auf den australischen Birrarung River und dessen vielfältige Verknüpfung mit ökologischen, ökonomischen und sozialen Aspekten wird deutlich, so heißt es vom Musiker: “Part of the commission fee has been contributed to the Wurundjeri Woi-wurrung Aboriginal Corporation for the protection of the river. Where possible, I have tried to tread carefully around the voices of other-than-human contributors. I continue to dwell on musical-political-ecological entanglements”.

Demgemäß schließt das Album mit einer Offenheit, bei der alle wesentlichen Details noch einmal zu hören sind. Dass dies aber mit dem flötenden Saxofon und dem wieder sanft plätschernden Wasser noch relativ versöhnlich anmutet – man sollte es nicht überinterpretieren, aber es könnte uns daran erinnern, dass noch nicht fünf nach zwölf ist. (U.S.)

Label: Syrphe

In den ersten Minuten steht die mit vermutlich zahlreichen Effekten unterlegte menschliche Stimme deutlich im Vordergrund, doch das Album ist reich an klanglichen und atmosphärischen Brüchen. Markante, beinahe detonierende Eruptionen unterbrechen, oft mit Vorlauf und doch unerwartet in ihrer Intensität, die Filigranität, die weite Teile nicht nur des ersten Stücks mit seinem leisen Dröhnen, den luftigen menschlichen Äußerungen und zahlreichen weniger definierbaren Sounds prägt, und verselbständigen sich im perkussiv treibenden Schlussteil.

In der Folge begegnen einem subtiles Kratzen und warm glühende Dröhnung in einer verrauschten Hülle und schwer greifbare Soundscapes mit allerhand grummelig hantierenden, sich in ihrer Intensität steig steigernden Detail, oder kleine blinkende Sinuslichter, die dunkle Räume für Sekundenbruchteile erhellen und eine vage aber eindringliche Vorstellung ihrer inhaltlichen Fülle bieten. Dann beinahe tröstend geerdete, gleitende Dröhnlandschaften von fast orgelartiger Schwere oder hörspielartige Vignetten, bei denen ein verspieltes Piano wie aus einem Raum nebenan herüberschallt und zusammen mit einer Rezitation die knisternde Klangsubstanz aufwühlt.

Eine gewisse Tendenz zur Stille – eigentlich im Musikdiskurs ein angenutztes Wort – gibt all diesen Details allerdings einen Rahmen, die letztere besonders deutlich und konturiert hervorscheinen lässt wie Thomas Bernhands weiße Köpfe in der Finsternis. Dabei lässt sich die tänzerische Performance, für die die Musik ursprünglich gedacht war, bestens visualisieren. (U.S.)

Label: Syrphe

Einer der beeindruckendsten Aspekte der Musik war die Fähigkeit, das Spiel der Klangerzeuger immer wieder an eine Sprache erinnern zu lassen, gleichwohl diese nicht immer eine symbolische Struktur aufweisen und der menschlichen Stimme ähneln musste. Am Samstag, den 16. Juli präsentieren die beiden ein gemeinsames Set in den Räumen des Darmstädter Atelier Siegele.

Flyer © Edgar Kraft

Samstag, 16.07.2022
Beginn 19 Uhr
Atelier Siegele
Wolfskehlstraße 110A
64287 Darmstadt

@ Atelier Siegele

Vor kurzem ist eine zweite Version des Albums erschienen, auf der ganze vierzehn Acts, alle aus Bereichen wie Improvisation, Klangkunst, Elektroakustik etc, einzelnen Stücken nachgespürt und diesen eigene Interpretationen zur Seite gestellt haben. Einige altbekannte Namen sind dabei.

Horst Petersen alias Jetzmann, der den Auftakt übernimmt, zerlegt das verwehte Hauchen, die mit leichter Melodik angereicherte Rezitation und die kleinen perkussiven Unebenheiten des Openers “Linger” in beinahe hastig aufblitzende Fragmente, die wie die gerade noch sicht- und hörbaren Spitzen eines halbversunkenen Objektes anmuten, dessen volle Beschaffenheit durchgehend ahnbar ist. Heidrun Schramms Interpretation gibt demselben Stück ein eher fließendes Narrativ, während eine regelmäßig erklingende Triangel oder Glocke wie beim Beginn einer Meditation jeder Entspannung entgegen wirkt und dem Fragezeichen hinter dem Titel des Remixes Rechnung trägt, denn “lingering” geht es hier in der Tat weniger zu. Auch Ferdinand Breil hat sich dem Track angenommen – hier steht die Stimmperformance für einige Momente viel exponierter im Raum, und selbst wenn dieser sich füllt, betont seine Version eine Entrücktheit, die man in anderen Variationen des Themenkomplexes überhören könnte.

Aus den beiden kurzen Improvisationen mit Stimme und von Stimme generierter Perkussion zaubern mise_en_scene, JD Zazie und Korhan Erel jeweils dramatischere und hektischere Versonen, die den dunkel und bedrohlich anmutenden Zug des Originals noch einmal besonders betonen, v.a. bei Zazies Version empfehlen sich Kopfhörer oder gut im Raum plazierte Lautsprecher. Die Handlung des von Gesang und kommentierendem Vortrag vorangetriebene “White Man Talkin’ Low” verlegt das Duo Daniela Fromberg und Stefan Roigk in einen sonoren Irrgarten, in dem man durch eine Fülle undefinierbarer Objekte schwebt. Die leicht liturgisch anmutende Vervielfältigung von Lanfredinis Stimme zu einem Chor in “Cavalleresco” tritt in Cedrik Fermonts Version stärker zutage, während die metallisch klingenden Sounds in der Mitte des Tracks ein elektrifiziertes Foregrounding erfahren. Ganz anders geartet dagegen die beiden komprimierten Versionen von ЯE89 und [-Hyph-] zum opulenten und zugleich feinsinnigene “Salome”, das den Schlusspunkt des Albums bildete.

Asmus Tietchens fasst Motive des Albums – eventuell aus “Linger”? – zu einem komprimierten, vielfarbigen Strahl namens “Halbchor”, in dem man die verlangsamte Stimme Lanfredinis und einiges mehr noch raushören kann. Ein eher raues und gleichsam Schrilles Spiel mit dem Tempo und anderen Effekten findet sich im Beitrag des Berliner Klangkünstlers Rrill Bell, während Laura Mello Lanfredinis Stimme wie kurze Blitze in einem perkussiven Geprassel aufschreien lässt. Ganz auf elektrifiziertem Fiepen und Brummen und einigen Perkussions-Salven baut der Beitrag von Ditterich von Euler-Donnersperg auf, in welchem nur wenig zu hören ist, das auf den ersten Eindruck nach einer Stimme klingt. Daher heißt es wohl auch “Ist kein Frauenjammer mehr in der Welt”, doch in Wahrheit treibt es nur eine Seite der wundersamen Türkise besonders weit, nämlich die Umfunktionierung von Stimme in Rhythmus und reinen Klang.

Was die “RE-Works” auch für Freunde des Debüts interessant macht, ist dass man bei aller Vielfalt der Bearbeitungsansätze die wunderbaren Türkise in ihren vertrauten Farbtönen stets als verbindendes Element durchschimmern sieht und so gleichsam noch einmal ganz anders erfahren kann. Die Einnahmen gehen übrigens an die internationale NGO Save the Children, die sich in 122 Ländern um durch Kriege, Hunger und andere Notlagen bedrohte Kinder kümmert (U.S.)

Label: Syrphe

Ein Gongschlag begrüßt beim Eintritt, wie um unmissverständlich in eine noch unklare Heterotopie einzuführen, doch vielleicht ist es auch der Titel “Passage”, der den Eindruck einer Schwelle erzeugt. Perkussives Knarren und loses Zitherschrammeln verbreiten sich im Raum, lassen ihn wie ein hölzernes Puppenhaus anmuten. Alles bleibt auf unaufdringliche Weise offen, auch wenn ein weiterer Raum betreten wird. Hier herrscht etwas mehr Durcheinander, Wasser quellt aus irgendeiner unsichtbaren Öffnung, ebenso unsichtbar die Hände, die mit Scheren und Schreibmaschinen hantieren und vergeblich einen Motor zu starten versuchen. Ob die wahrscheinliche Anwesenheit von Menschen erfreulich ist, bleibt wie vieles unklar und im Dunkeln.

Der Ort, an dem man sich in “Details” befindet, scheint mit zahlreichen Objekten – also Details – aus Holz, Metall und Glas gefüllt, doch akustische Täuschungen machen hier einen großen Teil der Spannung aus und steigern den Reiz des Schauplatzes. Aus dem perkussiven Bimmeln und Schaben auf Objekten, die allem Anschein nach aus Glas und Metall sind, dringt irgendwann das Summen von Insekten, doch die scheinen eine ebensolche Fata Morgana zu sein wie der geheimnisvolle Urwald mit seinen Tierstimmen in “Bethink”, in dem es ausnahmsweise rein synthetisch zugeht. Auch dieses Setting bricht nicht aus dem Rahmen des Albums aus. Ebenfalls wie eine Art Täuschung erscheint das angenehm besinnliche Streicher-Arrangement in “Thébaïde” in dem Moment, wenn dramatisches Donnergrollen einbricht.

Obwohl die Reihenfolge der Tracks keineswegs beliebig wirkt, scheint “Details” wie ein gelungenes Stationendrama eher von einem räumlichen Nebeneinander als von einem zeitlichen Nacheinander geprägt. Schön ist, dass das innere Auge sich beim wiederholten Hören an die Dunkelheit gewöhnt, und ein paar mehr der halbobskuren Objekte erkennen lässt. (U.S.)

Label: Syrphe

Gleich zu Beginn geleitet Lanfredinis verwehtes Hauchen die akustischen Antennen ins Zentrum des Geschehens und bildet zugleich den Hintergrund für andere Facetten der Performance. Das sind zunächst leicht melodisch eingefärbte Rezitationen, die bei oberflächlichem Hören diffus wirken, bei entsprechender Obacht aber schnell den Eindruck einer subtilen Ordnung wecken. Perkussive Unebenheiten schleichen sich in die Szenerie, die wohl auch aus dem Klang der Stimme gezaubert wurden, nicht erst hier ist die versteckte Hand Wieses am Werk.

An Ideen ist das Album keineswegs arm. In dem sicher nicht zufällig “Pane Caldo” – heißes Brot – benannten Stück steigert sich eine tremolierende Stimme, die an eine verbrannte Zunge denken lässt, immer mehr in eine hektische Dramatik, ein orchestral anmutender Sound unterstreicht die immer deutlichere Düsternis. In “White Man Talkin’ Low” wird der Vortrag von ihrer multiplizierten Stimme wie von einem griechischen Chor kommentiert. Vielleicht wird in den beiden Improvisationen “For Voice and Voice-Generated Percussion” am ehesten deutlich, dass Wiese keineswegs nur als graue Eminenz agiert. Hier hetzt die Stimme wie eine Getriebene durch ein nur wenig ausgeleuchtetes Szenario, plötzliche Eruptionen, die an Springfedern erinnern, erhöhen die Spannung. Im zweiten Teil vermischt sich der Klang des Atems mit bohrenden Sounds.

Neben eher ambienten Stücken wie “Vieni. Imeno” gibt es einige dramatische Höhepunkte. In “Cavalleresco” wird die – flüsternde, hauchende, tremolierende – Stimme von metallisch anmutenden Klängen begleitet, die mit der Zeit immer mehr nach vorn preschen und die Erinnerung an Xenakis Tape-Arbeiten oder an alte Organum wachrufen. Im abschließenden “Salome” zeigt sich “Turchesi Miracolosi” von seiner opulentesten und zugleich filigransten Seite – doch dieser Eindruck entsteht sicher nicht ganz ohne die Wirkung der vielfarbig schillerden Edelsteine, die Lanfredinis Stimme wie von einer alten Aufnahme durch das stimmungsvolle Soundszenario ziehen lässt.

Damit ist so etwas wie ein Kreis geschlossen, und am Ende hat man das Gefühl, dass man nur eine grobe Skizze der Geschichte verstanden hat, während das meiste unter der Obrfläche kaum greifbar, aber umso stärker wirkt. (U.S.)

Label: Syrphe

“The current crisis around the world frequently reveals the incompetence and apathy of many politicians, investors, business leaders, and the ultra-wealthy. The various crises we are facing may promote division, as groups meet such extreme sociopolitical and cultural challenges. But we can also choose the option to stand together, to take matters into our own hands. I hope this compilation sends a strong message of unity against adversity.

In less than 24 hours, 97 artists and bands from over 40 countries kindly provided their compositions to be included on this project to support the Lebanese people, victims of a rigged and corrupted system. On such short notice, some even took time to record new compositions.

[...] The benefits raised through Bandcamp will be offered to one or more Lebanese charities, updates will be published on this page – so far, we are investigating which one of those organisations would be fair and trustworthy.” (Syrphe)