Die in Berlin lebende Musikerin, Wissenschaftlerin und Kuratorin hat sich in den vergangenen Jahren zu einer der markantesten Stimmen im Bereich kantiger Dröhnung entwickelt. Mit “The Wild Joy” legt sie nun ein Werk vor, das die Ausdrucksmöglichkeiten einer scheinbar statischen Ästhetik so behutsam wie spürbar erweitert mit Mitteln, die zwischen Reduktion, Strukturgefühl und subtiler Expressivität changieren.

Die fünf Stücke des Albums fügen sich zu etwas Geschlossenem, ohne dabei an Spannung und Differenz einzubüßen. Es beginnt mit “Sine Proprio”: dunkles, an Celloklänge erinnerndes Dröhnen und helle, hochtönend leuchtende Sinustöne, leicht verzerrt, fast wie verfremdetes Zikadenzirpen. In seiner kreisenden Wellenform zeichnet sich bald etwas ab, das von einer Gitarre stammen könnte. Nach und nach treten hellere, metallene Klänge hinzu – vielleicht die oberen Saiten einer Bouzouki – und insgesamt hellt sich das Klangbild zunehmend auf. Gegen Ende bäumt sich ein aufwühlendes Geflecht aus hohen Saitenklängen nochmals auf, auch melodische Elemente treten deutlicher hervor.

In “The Shape of Time” spielt DuChamp mit Subtilität und der Zeitwahrnehmung des Publikums: Die nahezu monotone, jedoch nicht starre Grundstruktur wird von kaum merklichen Verschiebungen begleitet – kleine Details, ein unregelmäßiges Raunen im Hintergrund, gelegentlich das kurze Aufleuchten eines Tons, der sofort wieder verschwindet, als wäre er nie da gewesen. Die Kombination aus repetitiver Struktur und subtilen Veränderungen stellt die eigene Zeitwahrnehmung infrage. Entspricht der Titel – die Idee einer “Zeitform” – vielleicht genau diesem Eindruck? Das Stück scheint sich ganz allmählich in die Höhe zu entwickeln, bleibt aber ohne deutlichere Brüche, wie sie das vorausgegangene Stück kennzeichneten. In den letzten Minuten setzt ein Glockenklang ein.

“Epithalamion”, das in altgriechisch wohl Hochzeitslied bedeutet, rückt die Stimme als klangliches Material ins Zentrum, allerdings nicht in textlicher Form. Vielmehr verschmilzt sie mit der dichten Klangschichtung, hebt sich mal tastend, mal fast hymnisch ab, ohne den Charakter des Stücks ins Vokale kippen zu lassen. Erst gegen Ende treten stimmliche Elemente klarer hervor, darunter auch die zweite Stimme von Andrew Kemp, ehe das Stück in einem hellen Glöckeln ausklingt.

“Fulaxos” ist das konzentrierteste Stück des Albums. Ernstes, gleichmäßiges Gitarrenpicking auf tiefen Saiten bildet ein stabiles Zentrum. Allmählich treten flächige Klänge und modulierte Überlagerungen hinzu, doch das rhythmisch-melodische Grundmotiv bleibt durchgehend präsent. Gerade durch die Beharrlichkeit in der Wiederholung und die zurückhaltende Variation entfaltet das Stück seine besondere Intensität. Der Titeltrack beschließt das Album dann mit einem beinahe warmen, offen atmenden Klangbild. Es beginnt mit geheimnisvollem Dröhnen, durchzogen von hellen Tönen, entspannt und hypnotisch zugleich. Gelegentlich gleitet ein Hauch von Stimme vorbei, später setzt dann sogar ein expressiver Gesang ein, vermutlich sind hier Gastvokalistin Rosemarie Föster und DuChamp gemeinsam zu hören. Der Schlusspunkt wirkt nicht nur wie eine Auflösung, sondern wie eine Öffnung.

Verglichen mit früheren Arbeiten – etwa dem Debütalbum “Nar”, das in seinen besten Momenten durch massive, dabei aber fast körperlose Akkordeon-Drones eine Illusion von Zeitlosigkeit herstellte – wirkt “The Wild Joy” konzeptuell und ästhetisch vielfältiger. Damals beeindruckte insbesondere das Spiel mit statischen Strukturen und subtilen Irritationen. Heute ist es eher die Kunst, innerhalb dieser Form neue Farben und Spannungsverläufe zu entwickeln. Das Instrumentarium, u.a. Baritongitarre, Orgel, Synthies, Bouzouki und Stimme, wird dabei nicht zum bloßen Materiallager, sondern bleibt in seiner Eigenheit erfahrbar. Alles ist eingebettet in eine musikalisches Sprache, der das Fragment ebenso vertraut ist wie der lange Atem.

DuChamp, die unter anderem Teil der etwas rockigeren Combos BraBraBra und Supercherie ist und früher als eine Hälfte des Drone-Duos Fausto Majistral auftrat, offenbart mit diesem Album nicht nur eine vertiefte Auseinandersetzung mit Klang und Struktur, “The Wild Joy” ist vor allem ein Beispiel dafür, wie Musik zugänglich bleiben kann, ohne allzu deutliche Kompromisse zu machen. (U.S.)

Label: Torto Editions / Ramble Records / Atena Records

Statt sich dabei auf flächige Reduktion zu beschränken, spielt sie mit ambivalenten Spannungen zwischen warmen melodischen Passagen und dichten Tieffrequenzen. Es geht nicht um Stiltreue, sondern um eine Suche nach Klang als Ausdruck. Mehr zu dem Album folgt in kürzester Bälde. Ebenfalls aus Berlin kommt Tatsumi Ryusui. Mit selbstgebauten und zweckentfremdeten ebenso wie klassischen Instrumenten erschafft er fragile, dabei kraftvolle Spannungsfelder zwischen kontrolliertem Ambient und kathartischem Noise. Mineo Kawasaki schließlich kombiniert live eingespielte Drums mit Samplings und MIDI-Sequenzen. Der aus Japan stammende Musiker entwirft eine hybride Klangästhetik, in der House, Techno, Ambient und experimentelle Elektronik miteinander verschmelzen.

Donnerstag, 31.07.2025
Beginn 20 Uhr
Villa Kuriosum
Scheffelstraße 21
10367 Berlin

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Die Stücke, aufgenommen im Winter 2022 in einer großen Lagerhalle, nutzen den natürlichen Raumklang und die Akustik des Gebäudes. Das Duo experimentierte mit verschiedenen Mikrofonpositionen und integrierte die klangliche Perspektive des Raums in die Kompositionen. Die Klänge des Kontrabasses, oft im Zentrum der Musik, verbinden sich mit modularen Synthesizern, Verstärkern und einem 15 Meter langen Tape-Loop zu einer hypnotischen und organischen Klanglandschaft. Dabei wechseln eindringlich dröhennde Kompositionen mit tastenden Passagen und kleinen Momenten der Stille, die dem Werk eine zusätzliche kontemplative Aura verleihen.

Tommaso Rolando, Jahrgang 1977, ist ein vielseitiger Musiker aus Genua, der den Kontrabass und andere Instrumente auf unkonventionelle Weise einsetzt. Seine Arbeit umfasst nicht nur Musik, sondern auch intermediale Kollaborationen in den Bereichen Tanz, Theater und bildender Kunst. Domiziano Maselli, geboren 1992, verbindet seine visuelle Kunst mit einer elektroakustischen Klangsprache, die von dichten, vibrierenden Texturen geprägt ist. Gemeinsam erschaffen sie ein Album, das klanglich wie konzeptionell durch seine Tiefe und Vielschichtigkeit heraussticht.

Foto: URSSS

Ebenfalls zum Einsatz kommen die Guimbri (eine im nord- und westafrikanischen Raum verbreitete Lautenart), E-Gitarre, Balafon, Synthies  diverse Percussion und Verfremdungstechnik verschiedener Art – alles gespielt von Koren selbst. Der Musiker selbst betrachtet die Aufnahmen (auch) als ein anti-Ennui-Statement, im Pressetext heißt es: “Iztok’s explorations on the album address the issue of oversaturation, personal moral dilemmas, internal conflicts and the search for a way out of them, overload problems and the urge to introduce changes that cannot happen unless space is secured first – i.e. unless harmful elements are removed and a state of emptiness is created.

Emptiness is a necessary condition to stop the damage, to reconnect with oneself, to be cleansed and make a sober ethical assessment of one’s actions, to take responsibility for one’s actions, to find out who and what you really belong to and how to steer your life in the right direction. The record is being sent out into the world with the intention of having the music created in that period live an independent second life and become detached from the author’s personal circumstances at the time. Art should be part of the commons”. Das Album erscheint auf CD und zum Download.

Foto © Klara Vrtačnik

“This is the first full-length by the Genova based experimental collective TRÓNCO. Originally live recorded in studio during the summer of 2020, the album has been mixed by Tommaso Rolando and mastered by Domiziano Maselli. It’s a collection of seven pieces that are somehow a multidimensional expansion of the same seed, placed in the ground in an ageless period: A trans-genre and trans-geographic recklessness growth by a wild resonance moving through the body as a spiraloid arrow. It’s a mutual travel in time and space without moving, a vibrations release generating an unknown landscape, where details slowly skid to a redefinition, as in a very slow sundown where the down fading light constantly changes the visual paradigms of the picture. The sound patterns are eclectic, including various types of strings, wind instruments, percussion, lexical and non lexical vocals and some electronics. The thick texture of the arrangements gives a natural and dynamic vibe to the tracks, underlining the convergence of all the energies to generate “an autonomous entity” that elegantly drifts between acoustic orchestrations, multiple voices tangling together, low frequencies synthesizers and indefinable ambient incursions.” (Torto / Ramble / Eremo / Marsiglia)